Arte católico

El arte católico es el arte producido por o para miembros de la Iglesia Católica. Esto incluye artes visuales (iconografía), escultura, artes decorativas, artes aplicadas y arquitectura. En un sentido más amplio, también se pueden incluir la música católica y otras artes. Las expresiones de arte pueden o no intentar ilustrar, complementar y representar en forma tangible la enseñanza católica. El arte católico ha desempeñado un papel destacado en la historia y el desarrollo del arte occidental desde al menos el siglo IV. El tema principal del arte católico ha sido la vida y la época de Jesucristo, junto con las personas asociadas con él, incluidos sus discípulos, los santos y motivos de la Biblia católica.

Las obras de arte más antiguas que se conservan son los frescos pintados en las paredes de las catacumbas y las casas de reunión de los cristianos perseguidos del Imperio Romano. La Iglesia en Roma estuvo influenciada por el arte romano y los artistas religiosos de la época. Los sarcófagos de piedra de los cristianos romanos exhiben las estatuas talladas más antiguas de Jesús, María y otras figuras bíblicas. La legalización del cristianismo con el Edicto de Milán(313) transformó el arte católico, que adoptó formas más ricas como mosaicos y manuscritos iluminados. La controversia iconoclasta dividió brevemente a la Iglesia Occidental y la Iglesia Oriental, después de lo cual el desarrollo artístico avanzó en direcciones separadas. El arte románico y gótico floreció en la Iglesia occidental a medida que el estilo de la pintura y la estatuaria se movía en una dirección cada vez más naturalista.

La Reforma protestante en el siglo XVI produjo nuevas oleadas de destrucción de imágenes, a lo que la Iglesia Católica respondió con estilos barrocos y rococó dramáticos, elaborados y emotivos para enfatizar la belleza como algo trascendental. En el siglo XIX, el liderazgo en el arte occidental se alejó de la Iglesia Católica que, después de abrazar el renacimiento histórico, se vio cada vez más afectada por el movimiento modernista, un movimiento que en su "rebelión" contra la naturaleza contrarresta el énfasis de la iglesia en la naturaleza como una buena creación. de Dios.

Principios

El arte cristiano es casi tan antiguo como el cristianismo mismo. Las esculturas cristianas más antiguas proceden de sarcófagos romanos, que datan de principios del siglo II. Sin embargo, como secta perseguida, las primeras imágenes cristianas eran arcanas y estaban destinadas a ser inteligibles solo para los iniciados. Los primeros símbolos cristianos incluyen la paloma, el pez, el cordero, la cruz, la representación simbólica de los Cuatro Evangelistas como bestias y el Buen Pastor. Los primeros cristianos también adaptaron motivos decorativos romanos como el pavo real, las vides y el buen pastor. Es en las Catacumbas de Roma donde aparecen por primera vez en número representaciones reconocibles de figuras cristianas. La iglesia de la casa Dura-Europos recientemente excavada en las fronteras de Siria data de alrededor del año 265 dC y contiene muchas imágenes del período de persecución. Los frescos sobrevivientes de la sala del baptisterio se encuentran entre las pinturas cristianas más antiguas. Podemos ver el "Buen Pastor", la "Curación del paralítico" y "Cristo y Pedro caminando sobre el agua". Un fresco mucho más grande representa a las dos Marías visitando la tumba de Cristo.

En el siglo IV, el Edicto de Milán permitió el culto cristiano público y condujo al desarrollo de un arte cristiano monumental. Los cristianos pudieron construir edificios para el culto más grandes y hermosos que los lugares de reunión furtivos que habían estado usando. Las fórmulas arquitectónicas existentes para los templos no eran adecuadas porque los sacrificios paganos se producían al aire libre a la vista de los dioses, con el templo, que albergaba las figuras del culto y el tesoro, como telón de fondo. Como modelo arquitectónico para las grandes iglesias, los cristianos eligieron la basílica, el edificio público romano utilizado para la justicia y la administración. Estas basílicas-iglesias tenían una nave central con uno o más pasillos a cada lado y un ábside redondeado en un extremo: en esta plataforma elevada se sentaba el obispo y los sacerdotes, y también el altar. Aunque parece que los primeros altares se construyeron con madera (como es el caso de la iglesia de Dura-Europos), los altares de este período se construyeron con piedra y comenzaron a tener un diseño más rico. Ahora se podrían utilizar materiales más ricos para el arte, como los mosaicos que decoran Santa Maria Maggiore en Roma y las basílicas de Rávena del siglo V, donde comienzan a desarrollarse secuencias narrativas.

Gran parte del arte cristiano tomó prestado de las imágenes imperiales, incluido Cristo en Majestad, y el uso del halo como símbolo de santidad. El arte cristiano de la Antigüedad tardía reemplazó el naturalismo helenístico clásico con una estética más abstracta. El objetivo principal de este nuevo estilo era transmitir un significado religioso en lugar de representar con precisión objetos y personas. Se ignoraron la perspectiva realista, las proporciones, la luz y el color en favor de la simplificación geométrica, la perspectiva inversa y las convenciones estandarizadas para retratar individuos y eventos. Los íconos de Cristo, María y los santos, la talla de marfil y los manuscritos iluminados se convirtieron en medios importantes, incluso más importantes en términos de comprensión moderna, ya que casi todas las pocas obras sobrevivientes, aparte de los edificios, del período consisten en estos objetos portátiles.

Arte bizantino y oriental

La dedicación de Constantinopla como capital en el año 330 dC creó un nuevo gran centro artístico cristiano para el Imperio Romano de Oriente, que pronto se convirtió en una unidad política separada. Las principales iglesias de Constantinopla construidas bajo el emperador Constantino y su hijo, Constancio II, incluían los cimientos originales de Santa Sofía y la Iglesia de los Santos Apóstoles. A medida que el Imperio Romano Occidental se desintegró y fue conquistado por pueblos "bárbaros", el arte del Imperio Bizantino alcanzó niveles de sofisticación, poder y maestría nunca antes vistos en el arte cristiano, y estableció los estándares para aquellas partes de Occidente que aún están en contacto. con Constantinopla.

Este logro fue frenado por la controversia sobre el uso de imágenes grabadas.y la correcta interpretación del Segundo Mandamiento, que condujo a la crisis de la iconoclastia o destrucción de imágenes religiosas, que sacudió al Imperio entre 726 y 843. La restauración del iconodulismo ortodoxo resultó en una estricta estandarización de la imaginería religiosa dentro de la Iglesia Ortodoxa Oriental. El arte bizantino se volvió cada vez más conservador, ya que se consideraba que la forma de las imágenes en sí mismas, a las que muchos atribuyeron un origen divino o pensaron que habían sido pintadas por San Lucas u otras figuras, tenía un estatus no muy alejado del de un texto de las Escrituras. Se pueden copiar, pero no mejorar. Como concesión al sentimiento iconoclasta, la escultura religiosa monumental fue efectivamente prohibida. Ninguna de estas actitudes se mantuvo en Europa occidental, pero el arte bizantino, sin embargo, tuvo una gran influencia allí hasta la Alta Edad Media. y siguió siendo muy popular mucho después de eso, con un gran número de iconos de la escuela cretense exportados a Europa hasta el Renacimiento. Siempre que fue posible, se tomaron prestados artistas bizantinos para proyectos como mosaicos en Venecia y Palermo. Los enigmáticos frescos de Castelseprio pueden ser un ejemplo del trabajo de un artista griego que trabaja en Italia.

El arte del catolicismo oriental siempre ha estado bastante más cerca del arte ortodoxo de Grecia y Rusia y en países cercanos al mundo ortodoxo, en particular Polonia, el arte católico tiene muchas influencias ortodoxas. La Virgen Negra de Częstochowa bien puede haber sido de origen bizantino; ha sido repintada y esto es difícil de decir. Otras imágenes seguramente de origen griego, como la Salus Populi Romani y la Virgen del Perpetuo Socorro, ambas iconos en Roma, han sido objeto de especial veneración durante siglos.

Aunque a menudo se ha resistido la influencia, especialmente en Rusia, el arte católico también ha afectado a las representaciones ortodoxas en muchos aspectos, especialmente en países como Rumania y en la escuela cretense posbizantina, que lideró el arte ortodoxo griego bajo el dominio veneciano en los siglos XV y XIX. Siglos XVI. El Greco dejó Creta cuando era relativamente joven, pero Michael Damaskinos regresó después de un breve período en Venecia y pudo cambiar entre los estilos italiano y griego. Incluso el tradicionalista Teófanes el Cretense, que trabajó principalmente en el Monte Athos, muestra sin embargo una inconfundible influencia occidental.

Doctrina católica sobre las imágenes sagradas

La posición teológica católica sobre las imágenes sagradas ha permanecido efectivamente idéntica a la establecida en los Libri Carolini, aunque ésta, la expresión medieval más completa de las opiniones occidentales sobre las imágenes, era de hecho desconocida durante la Edad Media. Fue preparado alrededor del año 790 para Carlomagno después de que una mala traducción hiciera creer a su corte que el Segundo Concilio Bizantino de Nicea había aprobado el culto a las imágenes, lo que de hecho no fue así. El contraataque católico estableció un término medio entre las posiciones extremas de la iconoclastia bizantina y los iconódulos, aprobando la veneración de las imágenes por lo que representaban, pero no aceptando lo que se convirtió en la posición ortodoxa de que las imágenes participaban en algún grado de la naturaleza de la cosa. representaban (una creencia que más tarde resurgiría en Occidente en el neoplatonismo renacentista).

Para la iglesia occidental, las imágenes eran solo objetos hechos por artesanos, para ser utilizados para estimular los sentidos de los fieles y para ser respetados por el bien del sujeto representado, no en sí mismos. Aunque en la práctica devocional popular a menudo ha estado presente una tendencia a ir más allá de estos límites, la iglesia, antes del advenimiento de la idea de coleccionar arte antiguo, solía ser brutal al deshacerse de las imágenes que ya no se necesitaban, para gran pesar de los historiadores del arte. La mayor parte de la escultura monumental del primer milenio que ha sobrevivido fue fragmentada y reutilizada como escombros en la reconstrucción de iglesias.

En cuestiones prácticas relacionadas con el uso de imágenes, a diferencia de su lugar teórico en la teología, los Libri Carolini se encontraban en el extremo antiicónico del espectro de puntos de vista católicos, por ejemplo, desaprobaban el encendido de velas antes de las imágenes. Estos puntos de vista a menudo fueron expresados ​​​​por líderes de iglesias individuales, como el famoso ejemplo de San Bernardo de Clairvaux, aunque muchos otros se inclinaron por el otro lado y alentaron y encargaron arte para sus iglesias. De hecho, Bernardo solo se oponía a las imágenes decorativas en los monasterios que no eran específicamente religiosas, y predicadores populares como San Bernardino de Siena y Savonarola regularmente apuntaban a imágenes seculares propiedad de los laicos.

Alta Edad Media

Mientras que la estructura política del Imperio Romano Occidental colapsó después de la caída de Roma, la Iglesia continuó financiando el arte donde pudo. Las obras supervivientes más numerosas del período temprano son manuscritos iluminados, en esta fecha presumiblemente todos creados por el clero, que a menudo incluyen abades y otras figuras importantes. El híbrido monástico entre los estilos decorativos "bárbaros" y el libro en el arte insular de las islas británicas del siglo VII tendrá una enorme influencia en el arte europeo durante el resto de la Edad Media, proporcionando un camino alternativo al clasicismo, transmitido a los continente por la misión hiberno-escocesa. En este período, el libro de los Evangelios, con el arte figurativo confinado principalmente a los retratos de los evangelistas, solía ser el tipo de libro más lujosamente decorado; el Libro de Kells es el ejemplo más famoso.

El emperador Carlomagno del siglo IX se propuso crear obras de arte apropiadas para el estado de su Imperio revivido. El arte carolingio y otoniano se limitó en gran medida al círculo de la corte imperial y los diferentes centros monásticos, cada uno de los cuales tenía su propio estilo artístico distinto. Los artistas carolingios intentaron conscientemente emular los ejemplos de arte bizantino y antiguo tardío que tenían a su disposición, copiando manuscritos como la Cronografía de 354 y produciendo obras como el Salterio de Utrecht, que todavía divide a los historiadores del arte en cuanto a si se trata de una copia de una obra mucho más antigua. manuscrito anterior, o una creación carolingia original. Este a su vez fue copiado tres veces en Inglaterra, por último en un estilo gótico temprano.

Las tallas de marfil, a menudo para cubiertas de libros, se inspiraron en los dípticos de la Antigüedad tardía. Por ejemplo, la portada y la contraportada de los Evangelios de Lorsch son de un triunfo imperial del siglo VI, adaptadas al triunfo de Cristo y la Virgen. No obstante, también se inspiraron en la tradición insular, sobre todo en los detalles decorativos, aunque la mejoraron mucho en cuanto a la representación de la figura humana. En las abadías y conventos de toda Europa occidental se produjeron copias de las Escrituras o libros litúrgicos ilustrados en vitela y adornados con metales preciosos. Una obra como el Codex Aureus de Estocolmo ("Libro de oro") podría estar escrita en pan de oro sobre vitela púrpura, imitando los manuscritos imperiales romanos y bizantinos.El arte anglosajón era a menudo más libre, haciendo más uso de dibujos lineales vivos, y había otras tradiciones distintas, como el grupo de extraordinarios manuscritos mozárabes de España, incluido el Beato de San Severo, y los de Girona y la Biblioteca Morgan.

Carlomagno tenía un crucifijo de tamaño natural con la figura de Cristo en metal precioso en su Capilla Palatina en Aquisgrán, y muchos de esos objetos, ahora desaparecidos, están registrados en grandes iglesias anglosajonas y en otros lugares. La Virgen de Oro de Essen y algunas figuras relicarias más pequeñas son ahora todo lo que queda de esta espectacular tradición, completamente fuera de las normas bizantinas. Al igual que la figura de Essen, presumiblemente todos estaban hechos de finas láminas de oro o plata sostenidas por un núcleo de madera.

Románico

El arte románico, muy precedido por el prerrománico, se desarrolló en Europa occidental desde aproximadamente el año 1000 dC hasta el surgimiento del estilo gótico. La construcción de iglesias se caracterizó por un aumento en la altura y el tamaño total. Los techos abovedados estaban sostenidos por gruesos muros de piedra, pilares macizos y arcos de medio punto. Los interiores oscuros estaban iluminados por frescos de Jesús, María y los santos, a menudo basados ​​en modelos bizantinos.

Las tallas en piedra adornaban los exteriores e interiores, en particular el tímpano sobre la entrada principal, que a menudo presentaba un Cristo en Majestad.o en Juicio, y el gran crucifijo de madera fue una innovación alemana justo al comienzo del período. Los capiteles de las columnas también a menudo se tallaban elaboradamente con escenas figurativas. El conjunto de iglesias grandes y bien conservadas en Colonia, entonces la ciudad más grande al norte de los Alpes, y Segovia en España, se encuentran hoy entre los mejores lugares para apreciar el impacto de las nuevas iglesias más grandes en el paisaje de la ciudad, pero muchos edificios individuales existen, desde las catedrales de Durham, Ely y Tournai hasta un gran número de iglesias individuales, especialmente en el sur de Francia e Italia. En áreas más prósperas, muchas iglesias románicas sobreviven cubiertas por un cambio de imagen barroco, mucho más fácil de hacer con estas que con una iglesia gótica.

Pocas de las grandes pinturas murales que originalmente cubrían la mayoría de las iglesias han sobrevivido en buenas condiciones. El Juicio Final se mostraba normalmente en el muro occidental, con un Cristo en Majestad en la semicúpula del ábside. Se desarrollaron extensos ciclos narrativos de la vida de Cristo, y la Biblia, con el Salterio, se convirtió en el típico foco de iluminación, con mucho uso de iniciales historiadas. El trabajo en metal, incluida la decoración en esmalte, se volvió muy sofisticado y han sobrevivido muchos santuarios espectaculares hechos para guardar reliquias, de los cuales el más conocido es el Santuario de los Tres Reyes en la Catedral de Colonia por Nicolás de Verdún y otros (ca. 1180-1225).

Arte gótico

El arte gótico surgió en Francia a mediados del siglo XII. La basílica de Saint-Denis construida por el abad Suger fue el primer edificio importante de estilo gótico. Las nuevas órdenes monásticas, especialmente los cistercienses y los cartujos, fueron constructores importantes que desarrollaron estilos distintivos que difundieron por toda Europa. Los frailes franciscanos construyeron iglesias urbanas funcionales con enormes naves abiertas para predicar a grandes congregaciones. Sin embargo, las variaciones regionales siguieron siendo importantes, incluso cuando, a fines del siglo XIV, había evolucionado un estilo universal coherente conocido como gótico internacional, que continuó hasta fines del siglo XV y más allá en muchas áreas. Los principales medios del arte gótico fueron la escultura, la pintura sobre tabla, las vidrieras, el fresco y el manuscrito iluminado, aunque la imaginería religiosa también se expresó en la orfebrería. tapices y vestiduras bordadas. Las innovaciones arquitectónicas del arco apuntado y el contrafuerte volador permitieron iglesias más altas y livianas con grandes áreas de ventanas acristaladas. El arte gótico aprovechó al máximo este nuevo entorno, contando una historia narrativa a través de imágenes, esculturas, vidrieras y una arquitectura altísima. La catedral de Chartres es un excelente ejemplo de esto.

El arte gótico a menudo era de naturaleza tipológica, reflejando la creencia de que los eventos del Antiguo Testamento prefiguraron los del Nuevo, y que ese era de hecho su principal significado. Escenas del Antiguo y Nuevo Testamento se muestran juntas en obras como el Speculum Humanae Salvationis y la decoración de iglesias. El período gótico coincidió con un gran resurgimiento de la devoción mariana, en el que las artes visuales jugaron un papel importante. Las imágenes de la Virgen María evolucionaron desde los tipos hieráticos bizantinos, pasando por la Coronación de la Virgen, hasta tipos más humanos e íntimos, y ciclos de la Vida de la Virgen.fueron muy populares. Artistas como Giotto, Fra Angelico y Pietro Lorenzetti en Italia, y la pintura holandesa temprana, aportaron realismo y una humanidad más natural al arte. Los artistas occidentales y sus mecenas se volvieron mucho más confiados en la iconografía innovadora, y se ve mucha más originalidad, aunque la mayoría de los artistas todavía usaban fórmulas copiadas. El libro de horas se desarrolló, principalmente para el usuario lego que podía permitírselo (el ejemplo más antiguo conocido parece haber sido escrito para una laica desconocida que vivía en un pequeño pueblo cerca de Oxford alrededor de 1240) y ahora los ejemplos reales y aristocráticos se convirtieron en el tipo de manuscrito muy a menudo lujosamente decorado. La mayor parte del arte religioso, incluidos los manuscritos iluminados, ahora era producido por artistas laicos, pero el patrocinador encargado a menudo especificaba en detalle lo que debía contener el trabajo.

La iconografía se vio afectada por cambios en la teología, con representaciones de la Asunción de María ganando terreno a la antigua Muerte de la Virgen, y en prácticas devocionales como la Devotio Moderna, que produjo nuevos tratamientos de Cristo en temas andachtsbilder como el Varón de dolores., Cristo pensativo y Piedad, que enfatizan su sufrimiento y vulnerabilidad humana, en un movimiento paralelo al de las representaciones de la Virgen. Muchas de esas imágenes eran ahora pequeñas pinturas al óleo destinadas a la meditación y la devoción privadas en los hogares de los ricos. Incluso en los Juicios FinalesA Cristo se le mostraba ahora habitualmente exponiendo su pecho para mostrar las heridas de su Pasión. Los santos se mostraban con más frecuencia, y los retablos mostraban santos relevantes para la iglesia en particular o el donante asistiendo a una Crucifixión o a la Virgen y el Niño entronizados, o ocupando el espacio central ellos mismos (esto generalmente para obras diseñadas para capillas laterales). Durante el período, muchas características iconográficas antiguas que se originaron en los apócrifos del Nuevo Testamento fueron eliminadas gradualmente bajo la presión del clero, como las parteras en la Natividad, aunque otras estaban demasiado bien establecidas y se consideraban inofensivas.

En la pintura holandesa temprana, procedente de las ciudades más ricas del norte de Europa, se combinaba un nuevo realismo minucioso en la pintura al óleo con alusiones teológicas sutiles y complejas, expresadas precisamente a través de escenarios religiosos muy detallados. El Retablo de Mérode (década de 1420) de Robert Campin y la Anunciación de Washington Van Eyck o la Virgen del canciller Rolin (ambas de la década de 1430, de Jan van Eyck) son ejemplos.

En el siglo XV, la introducción de grabados baratos, principalmente en xilografía, hizo posible que incluso los campesinos tuvieran imágenes devocionales en casa. Estas imágenes, diminutas en la parte inferior del mercado, a menudo toscamente coloreadas, se vendieron por miles, pero ahora son extremadamente raras, la mayoría se pegaron en las paredes. Los recuerdos de peregrinaciones a los santuarios, como insignias de arcilla o plomo, medallas y ampollas estampadas con imágenes, también eran populares y baratos. A partir de mediados de siglo, los párrocos de los Países Bajos, donde eran más populares, parecen haber tenido acceso a los libros en bloque, con texto e imágenes cortados en madera. A finales de siglo, los libros impresos con ilustraciones, todavía en su mayoría sobre temas religiosos, se estaban volviendo rápidamente accesibles para la clase media próspera.

Para los ricos, las pinturas de paneles pequeños, incluso los polípticos en pintura al óleo, se estaban volviendo cada vez más populares, a menudo mostrando retratos de donantes junto, aunque a menudo mucho más pequeños que, la Virgen o los santos representados. Estos generalmente se exhibían en el hogar.

Arte renacentista

El arte renacentista, fuertemente influenciado por el "renacimiento" (francés: renacimiento) del interés en el arte y la cultura de la antigüedad clásica, inicialmente continuó las tendencias del período anterior sin cambios fundamentales, pero utilizando vestimentas clásicas y escenarios arquitectónicos que, después de todo, eran muy apropiado para las escenas del Nuevo Testamento. Sin embargo, es evidente una clara pérdida de intensidad religiosa en muchas pinturas religiosas del Renacimiento temprano: los famosos frescos de la Capilla Tornabuoni de Domenico Ghirlandaio (1485-1490) parecen más interesados ​​en la representación detallada de escenas de la vida burguesa de la ciudad que en sus temas reales, el La vida de la Virgen y la de Juan Bautista, y la Capilla de los Reyes Magos de Benozzo Gozzoli (1459-1461) es más una celebración del estatus de Medici que unLlegada de los Reyes Magos. Ambos ejemplos (que todavía usaban ropa contemporánea) provienen de Florencia, el corazón del Renacimiento temprano, y el lugar donde el carismático predicador dominico Savonarola lanzó su ataque a la mundanalidad de la vida y el arte de los ciudadanos, culminando en su famosa Hoguera. de las Vanidades en 1497; de hecho, otros predicadores habían realizado eventos similares durante décadas, pero en menor escala. Muchos artistas del Renacimiento temprano, como Fra Angelico y Botticelli, eran extremadamente devotos, y este último fue uno de los muchos que cayeron bajo la influencia de Savonarola.

El breve Alto Renacimiento (c. 1490-1520) de Leonardo da Vinci, Miguel Ángel y Rafael transformó el arte católico de manera más fundamental, rompiendo con la antigua iconografía que estaba completamente integrada con las convenciones teológicas para composiciones originales que reflejaban tanto los imperativos artísticos como la influencia de Humanismo renacentista. Tanto Miguel Ángel como Rafael trabajaron casi exclusivamente para el Papado durante gran parte de sus carreras, incluido el año de 1517, cuando Martín Lutero escribió sus Noventa y cinco tesis. La conexión entre los hechos no fue solo cronológica, ya que las indulgencias que provocaron a Lutero ayudaron a financiar el programa artístico papal, como han señalado muchos historiadores.

La mayoría de los cuadros del siglo XV de este período eran cuadros religiosos. Esto es evidente, en un sentido, pero las "imágenes religiosas" se refieren a más que solo una cierta variedad de temas; significa que las imágenes existieron para cumplir fines institucionales. La Iglesia encargó obras de arte por tres razones principales: la primera fue el adoctrinamiento, las imágenes claras podían transmitir significado a una persona sin educación. El segundo fue la facilidad de recordar, las representaciones de santos y otras figuras religiosas permiten un punto de contacto mental. El tercero es incitar asombro en el corazón del espectador, Juan de Génova creía que esto era más fácil de hacer con imágenes que con palabras. Teniendo en cuenta estos tres principios, se puede suponer que el oro se utilizó para inspirar asombro en la mente y el corazón del espectador.

La Reforma protestante fue un holocausto de arte en muchas partes de Europa. Aunque el luteranismo estaba preparado para vivir con gran parte del arte católico existente siempre que no se convirtiera en un foco de devoción, los puntos de vista más radicales de Calvino, Zwinglio y otros vieron las imágenes religiosas públicas de cualquier tipo como idolatría, y el arte fue sistemáticamente destruido en áreas donde dominaban sus seguidores. Este proceso destructivo continuó hasta mediados del siglo XVII, cuando las guerras religiosas trajeron períodos de control protestante iconoclasta sobre gran parte del continente. En Inglaterra y Escocia, la destrucción del arte religioso, más intensa durante la Commonwealth inglesa, fue especialmente intensa. Algunas esculturas de piedra, manuscritos iluminados y vidrieras (costosas de reemplazar) sobrevivieron,

En Roma, el saqueo de 1527 por parte del emperador católico Carlos V y sus tropas mercenarias, en su mayoría protestantes, fue enormemente destructivo tanto para el arte como para los artistas, muchos de cuyos registros biográficos terminan abruptamente. Otros artistas lograron escapar a diferentes partes de Italia, a menudo encontrando dificultades para retomar el hilo de sus carreras. Los artistas italianos, con la extraña excepción de Girolamo da Treviso, parecen haber sentido poca atracción por el protestantismo. En Alemania, sin embargo, las figuras principales como Albrecht Dürer y sus alumnos, Lucas Cranach el Viejo, Albrecht Altdorfer y la escuela del Danubio y Hans Holbein el Joven siguieron a los reformadores. El desarrollo de la pintura religiosa alemana se detuvo abruptamente alrededor de 1540, aunque se siguieron produciendo muchos grabados e ilustraciones de libros, especialmente sobre temas del Antiguo Testamento.

Concilio de Trento

La pintura italiana posterior a 1520, con la notable excepción del arte de Venecia, se convirtió en manierismo, un estilo muy sofisticado, que busca el efecto, que atrajo la preocupación de muchos eclesiásticos porque carecía de atractivo para la mayoría de la población. La presión de la iglesia para restringir las imágenes religiosas afectó al arte desde la década de 1530 y resultó en los decretos de la sesión final del Concilio de Trento en 1563 que incluían pasajes breves y poco explícitos sobre las imágenes religiosas, que iban a tener un gran impacto en el desarrollo del arte católico. Los concilios anteriores de la Iglesia Católica rara vez habían sentido la necesidad de pronunciarse sobre estos asuntos, a diferencia de los ortodoxos que a menudo se han pronunciado sobre tipos específicos de imágenes.

El decreto confirmó la doctrina tradicional de que las imágenes solo representaban a la persona retratada, y que la veneración hacia ellas se rendía a la persona misma, no a la imagen, y además instruía que:

... se eliminará toda superstición... se evitará toda lascivia; de tal manera que las figuras no se pinten ni se adornen con una belleza excitante a la lujuria... no se vea nada que esté desordenado, o que esté impropio o confuso arreglado, nada que sea profano, nada indecoroso, ya que la santidad conviene a la casa de Dios. Y para que estas cosas se observen más fielmente, el santo Concilio ordena que a nadie se le permita colocar, o hacer que se coloque, ninguna imagen inusual, en cualquier lugar o iglesia, cualquiera que sea la exención, a menos que la imagen haya sido aprobada. del obispo...

Diez años después del decreto, Paolo Veronese fue citado por la Inquisición para explicar por qué su Última Cena, un enorme lienzo para el refectorio de un monasterio, contenía, en palabras de la Inquisición: "bufones, alemanes borrachos, enanos y otras groserías". así como trajes y escenarios extravagantes, en lo que de hecho es una versión fantástica de una fiesta patricia veneciana. A Veronese se le dijo que debía cambiar su pintura dentro de un período de tres meses; de hecho, simplemente cambió el título a La fiesta en la casa de Levi, todavía un episodio de los Evangelios, pero menos doctrinalmente central, y no más. dijo.Pero el número de tales tratamientos decorativos de temas religiosos disminuyó drásticamente, al igual que las piezas manieristas "dispuestas de manera indecorosa o confusa", como una serie de libros, en particular del teólogo flamenco Molanus (De Picturis et Imaginibus Sacris, pro vero earum usu contra abusus ("Tratado sobre las imágenes sagradas"), 1570), el cardenal Federico Borromeo (De Pictura Sacra) y el cardenal Gabriele Paleotti (Discorso, 1582), y las instrucciones de los obispos locales ampliaron los decretos, a menudo entrando en detalles minuciosos sobre lo que era aceptable. Uno de los primeros, Degli Errori dei Pittori (1564), del teólogo dominicano Andrea Gilio da Fabriano, se unió al coro de críticas al Juicio Final de Miguel Ángel.y defendió el carácter devoto y sencillo de gran parte de la imaginería medieval. Pero otros escritores simpatizaron menos con el arte medieval y muchas iconografías tradicionales consideradas sin un fundamento bíblico adecuado fueron prohibidas (por ejemplo, el Desmayo de la Virgen), al igual que cualquier inclusión de elementos paganos clásicos en el arte religioso, y casi todos los desnudos, incluidos la del niño Jesús. Según el medievalista Émile Mâle, esta fue "la muerte del arte medieval".

Arte barroco

El arte barroco, que se desarrolló durante las décadas posteriores al Concilio de Trento, aunque la medida en que esto influyó en él es un tema de debate, ciertamente cumplió con la mayoría de los requisitos del concilio, especialmente en las fases anteriores y más simples asociadas con los Carracci y Caravaggio, quien sin embargo encontró oposición clerical por el realismo de sus figuras sagradas.

Los temas se mostraban de manera directa y dramática, con relativamente pocas alusiones abstrusas. La elección de temas se amplió considerablemente, ya que los artistas barrocos se deleitaron en encontrar nuevos episodios bíblicos y momentos dramáticos de la vida de los santos. A medida que el movimiento continuó en el siglo XVII, la simplicidad y el realismo tendieron a reducirse, más lentamente en España y Francia, pero el drama se mantuvo, producido por la representación de momentos extremos, movimiento dramático, iluminación de color y claroscuro, y si es necesario huestes de querubines agitados. y nubes arremolinadas, todo destinado a abrumar al adorador. La arquitectura y la escultura buscaban los mismos efectos; Bernini (1598–1680) personifica el estilo barroco en esas artes. El arte barroco se extendió por la Europa católica y hacia las misiones de ultramar de Asia y las Américas, promovido por los jesuitas y los franciscanos.

Los nuevos temas icónicos popularizados en el período barroco incluyeron el Sagrado Corazón de Jesús y la Inmaculada Concepción de María; la iconografía definitiva de este último parece haberla establecido el maestro y luego suegro de Diego Velázquez, el pintor y teórico Francisco Pacheco, a quien la Inquisición de Sevilla también contrató la aprobación de nuevas imágenes. La Asunción de María se convirtió en un tema muy común y (a pesar de un Caravaggio del tema) la Muerte de la Virgen casi se extinguió en el arte católico; Molanus y otros habían escrito en contra.

Siglo 18

En el siglo XVIII, el barroco secular se transformó en un estilo rococó aún más vistoso pero más ligero, difícil de adaptar a temas religiosos, aunque Gianbattista Tiepolo pudo hacerlo. En la última parte del siglo hubo una reacción, especialmente en la arquitectura, contra el barroco y un regreso a formas clásicas y palladianas más austeras.

A estas alturas, la tasa de producción de arte religioso se estaba desacelerando notablemente. Después de una serie de construcciones y reconstrucciones en el período barroco, la mayoría de los países católicos estaban claramente sobrecargados de iglesias, monasterios y conventos, en el caso de algunos lugares como Nápoles, casi absurdamente. La Iglesia era ahora menos importante como mecenas que la realeza y la aristocracia, y la demanda de arte de la clase media, en su mayoría secular, aumentaba rápidamente. Los artistas ahora podrían tener una carrera exitosa pintando retratos, paisajes, bodegones u otras especialidades de género, sin siquiera pintar un tema religioso, algo inusual hasta ahora inusual en los países católicos, aunque durante mucho tiempo la norma en los protestantes. El número de ventas de pinturas, trabajos en metal y otros accesorios eclesiásticos a coleccionistas privados aumentó durante el siglo, especialmente en Italia, donde el Grand Tour dio lugar a redes de distribuidores y agentes. El Londres de Leonardo da VinciVirgin of the Rocks fue vendida al artista y comerciante escocés Gavin Hamilton por la iglesia de Milán para la que fue pintada alrededor de 1781; la versión del Louvre aparentemente fue desviada de la misma iglesia tres siglos antes por el propio Leonardo, para ir al rey de Francia.

Las guerras que siguieron a la Revolución Francesa vieron grandes cantidades de las mejores obras de arte, pinturas en particular, cuidadosamente seleccionadas para su apropiación por los ejércitos franceses o los regímenes seculares que establecieron. Muchos fueron enviados a París para el Louvre (algunos para ser devueltos eventualmente, otros no) o museos locales establecidos por los franceses, como el Brera en Milán. La supresión de los monasterios, que había estado en marcha durante décadas bajo los déspotas católicos ilustrados del Antiguo Régimen, por ejemplo en el Edicto sobre instituciones ociosas (1780) de José II de Austria, se intensificó considerablemente. En 1830, gran parte del mejor arte religioso católico se exhibía al público en los museos, como ha sido el caso desde entonces. Sin duda, esto amplió el acceso a muchas obras y promovió la conciencia pública del patrimonio del arte católico, pero a un costo,

Siglos XIX y XX

El siglo XIX vio un repudio generalizado por parte de las iglesias católica y protestante del clasicismo, que estaba asociado con la Revolución Francesa y el secularismo de la Ilustración. Esto condujo al Renacimiento gótico, un regreso a las formas de influencia gótica en la arquitectura, la escultura y la pintura, liderado por personas como Augustus Pugin en Inglaterra y Eugène Viollet-le-Duc en Francia. En todo el mundo, se produjeron miles de iglesias y catedrales góticas en una nueva ola de construcción de iglesias, y el estilo gótico colegiado se convirtió en la norma para otras instituciones eclesiásticas. Las iglesias góticas medievales, especialmente en Inglaterra y Francia, fueron restauradas, a menudo con mucha mano dura. En pintura, actitudes similares dieron lugar al movimiento nazareno alemán ya los prerrafaelitas ingleses. Ambos movimientos abarcaron miembros tanto católicos como protestantes,

Fuera de estos y otros movimientos similares, el mundo del arte establecido produjo mucha menos pintura religiosa que en cualquier otro momento desde el Imperio Romano, aunque se hicieron muchos tipos de arte aplicado para accesorios de iglesias en estilo gótico. El arte católico popular comercial floreció utilizando técnicas más baratas para la reproducción en masa. La litografía en color hizo posible reproducir imágenes en color a bajo costo, lo que llevó a una circulación mucho más amplia de tarjetas sagradas. Gran parte de este arte continuó utilizando versiones diluidas de estilos barrocos. El Inmaculado Corazón de María fue un nuevo tema del siglo XIX, y nuevas apariciones en Lourdes y Fátima, así como nuevos santos, proporcionaron nuevos temas para el arte.

Los arquitectos comenzaron a revivir otros estilos cristianos anteriores y a experimentar con otros nuevos, produciendo resultados como el Sacre Coeur en París, la Sagrada Familia en Barcelona y la Catedral de Westminster de influencia bizantina en Londres. El siglo XX condujo a la adopción de estilos modernistas de arquitectura y arte. Este movimiento rechazó las formas tradicionales en favor de formas utilitarias con un mínimo de decoración. El arte que existía evitaba el naturalismo y las cualidades humanas, favoreciendo las formas estilizadas y abstractas. Ejemplos de modernismo incluyen la Catedral Metropolitana de Cristo Rey de Liverpool y la Catedral de Los Ángeles.

Los artistas católicos modernos incluyen a Brian Whelan, Efren Ordonez, Ade Bethune, Imogen Stuart y Georges Rouault.

Siglo 21

La adopción temprana de estilos modernistas en los albores del siglo XXI continuó con las tendencias del siglo XX. Los artistas comenzaron a experimentar con materiales y colores. En muchos casos esto contribuyó a simplificaciones que llevaron a la semejanza con el arte cristiano primitivo. La simplicidad fue vista como la mejor manera de llevar mensajes cristianos puros al espectador.

Asignaturas

Algunos de los temas más comunes representados en el arte católico:

• Categoría:Iconografía cristiana

La vida de Cristo en el arte:

• Anunciación
• Natividad de Jesús en el arte
• Adoración de los Magos
• Adoración de los pastores
• bautismo de jesus
• La última cena
• arresto de jesus
• El levantamiento de la cruz
• la crucifixión
• Descenso de la Cruz
• no me toques
• Ascensión de Jesús
• Cristo en Majestad

María:

• Arte mariano católico romano
• vida de la virgen
• Cristo despidiéndose de su Madre
• muerte de la virgen
• Asunción de la Virgen María en el arte
• Coronación de la Virgen
• la sagrada familia
• madonna (arte)
• virgen y el niño
• Jardín cerrado
• Santo parentesco

Otro:

• La Trinidad en el Arte
• Ángeles en el arte
• Retrato de evangelista
• Majestad
• Estaciones de la Cruz
• Árbol de Jesé