Arte ambiental

Arte ambiental es una gama de prácticas artísticas que abarcan tanto enfoques históricos de la naturaleza en el arte como tipos de obras más recientes con motivaciones ecológicas y políticas. El arte ambiental ha evolucionado alejándose de preocupaciones formales, por ejemplo, movimientos de tierra monumentales que utilizan la tierra como material escultórico, hacia una relación más profunda con sistemas, procesos y fenómenos en relación con preocupaciones sociales. Los enfoques sociales y ecológicos integrados desarrollados como una postura ética y restauradora surgieron en la década de 1990. Durante los últimos diez años, el arte medioambiental se ha convertido en un punto focal de exposiciones en todo el mundo a medida que los aspectos sociales y culturales del cambio climático pasan a primer plano.

El término "arte ambiental" a menudo abarca aspectos "ecológicos" preocupaciones pero no es específico para ellas. Principalmente celebra la conexión de un artista con la naturaleza utilizando materiales naturales. El concepto se entiende mejor en relación con el arte histórico de la tierra/Land y el campo en evolución del arte ecológico. El campo es interdisciplinario en el hecho de que los artistas ambientales adoptan ideas de la ciencia y la filosofía. La práctica abarca medios tradicionales, nuevos medios y formas sociales críticas de producción. El trabajo abarca una amplia gama de condiciones paisajísticas/ambientales, desde lo rural hasta lo suburbano y urbano, así como lo urbano/rural industrial.

Historia: pintura y representación del paisaje

Se puede argumentar que el arte ambiental comenzó con las pinturas rupestres del Paleolítico de nuestros antepasados. Si bien (todavía) no se han encontrado paisajes, las pinturas rupestres representaban otros aspectos de la naturaleza importantes para los primeros humanos, como animales y figuras humanas. "Son observaciones prehistóricas de la naturaleza. De una forma u otra, la naturaleza siguió siendo durante siglos el tema preferencial del arte creativo." Ejemplos más modernos de arte ambiental provienen de la pintura y la representación de paisajes. Cuando los artistas pintaron en el lugar, desarrollaron una profunda conexión con el entorno y el clima y trasladaron estas observaciones cercanas a sus lienzos. Las pinturas del cielo de John Constable "representan mejor el cielo en la naturaleza". La Serie Londres de Monet también ejemplifica la conexión del artista con el medio ambiente. "Para mí, un paisaje no existe por derecho propio, ya que su apariencia cambia en cada momento; pero la atmósfera circundante le da vida, el aire y la luz, que para mí varían continuamente, es sólo la atmósfera circundante la que da a los objetos su verdadero valor."

Pintores contemporáneos, como Diane Burko, representan fenómenos naturales (y sus cambios a lo largo del tiempo) para transmitir cuestiones ecológicas y llamar la atención sobre el cambio climático. Los paisajes de Alexis Rockman representan una visión sardónica del cambio climático y las intervenciones de la humanidad en otras especies mediante la ingeniería genética.

Desafiando las formas escultóricas tradicionales

El crecimiento del arte ambiental como "movimiento" Comenzó a finales de los años 1960 y principios de los años 1970. En sus primeras fases estuvo más asociado con la escultura, especialmente el arte de sitio específico, el Land art y el arte povera, que surgieron de las crecientes críticas a las formas y prácticas escultóricas tradicionales que se consideraban cada vez más anticuadas y potencialmente fuera de armonía con el entorno natural. .

En octubre de 1968, Robert Smithson organizó una exposición en la Dwan Gallery de Nueva York titulada “Earthworks”. Las obras de la exposición plantearon un desafío explícito a las nociones convencionales de exposición y venta, en el sentido de que eran demasiado grandes o demasiado difíciles de manejar para ser coleccionadas; la mayoría estaban representadas únicamente por fotografías, lo que enfatiza aún más su resistencia a la adquisición. Para estos artistas escapar de los confines de la galería y de la teoría modernista se lograba saliendo de las ciudades y adentrándose en el desierto.

”No estaban representando el paisaje, sino atrayendolo; su arte no era simplemente del paisaje, sino también del mismo”. Este cambio ocurrido a finales de los años 1960 y 1970 representa una noción vanguardista de la escultura, el paisaje y nuestra relación con él. La obra desafió los medios convencionales para crear escultura, pero también desafió modos más elitistas de difusión y exhibición de arte, como la exposición de la Galería Dwan mencionada anteriormente. Este cambio abrió un nuevo espacio y, al hacerlo, amplió las formas en que se documentaba y conceptualizaba el trabajo.

Entrar en espacios públicos y urbanos

Así como los movimientos de tierra en los desiertos del oeste surgieron de nociones de pintura de paisaje, el crecimiento del arte público estimuló a los artistas a abordar el paisaje urbano como otro entorno y también como una plataforma para involucrar ideas y conceptos sobre el medio ambiente para una audiencia más grande. Si bien esta obra anterior se creó principalmente en los desiertos del oeste americano, a finales de la década de 1970 y principios de la de 1980 las obras se trasladaron al paisaje público. Artistas como Robert Morris comenzaron a involucrar a departamentos del condado y comisiones de artes públicas para crear obras en espacios públicos como una gravera abandonada. Herbert Bayer utilizó un enfoque similar y fue seleccionado para crear sus movimientos de tierras en Mill Creek Canyon en 1982. El proyecto cumplió funciones tales como control de la erosión, un lugar que sirvió como depósito durante los períodos de lluvia intensa y un parque de 2,5 acres durante las estaciones secas. El innovador libro de Lucy Lippard, sobre el paralelo entre el land art contemporáneo y los sitios prehistóricos, examinó las formas en que estas culturas, formas e imágenes prehistóricas se han "superpuesto" a la realidad prehistórica. sobre el trabajo de artistas contemporáneos que trabajan con la tierra y los sistemas naturales.

En 1965, Alan Sonfist introdujo una idea ambientalista clave de devolver la naturaleza al entorno urbano con su primera escultura histórica Time Landscape, propuesta a la ciudad de Nueva York en 1965 y revelada al público en 1978 en un estado maduro y crecido. Time Landscape sigue siendo visible hasta el día de hoy en la esquina de Houston y LaGuardia en el Greenwich Village de la ciudad de Nueva York. El trabajo dio como resultado un "bosque de lento desarrollo que representa el paisaje de Manhattan habitado por nativos americanos y encontrado por colonos holandeses a principios del siglo XVII".

El arte ambiental también abarca el ámbito del paisaje urbano. Mary Miss, artista ambiental pionera, comenzó a crear arte en el entorno urbano con su instalación de 1969, Ropes/Shore y continúa desarrollando proyectos que involucran a comunidades extensas a través de City as a Living Laboratory. Agnes Denes creó una obra en el centro de Manhattan Wheatfield - A Confrontation (1982) en la que plantó un campo de trigo en dos acres de un vertedero cubierto de detritos y escombros urbanos. El sitio ahora es Battery Park City y el World Financial Center, una transformación de poder ecológico a poder económico.

En 1974, Bonnie Sherk creó The Farm en San Francisco, un jardín urbano de 7 acres en espacios infrautilizados debajo de los pasos elevados de las autopistas. La granja, hasta 1980, también sirvió como centro comunitario y espacio de arte que ofrecía pasantías, educación ecoartística infantil para niños y sirvió como parque público durante sus seis años de existencia.

La instalación de Andrea Polli Particle Falls hizo que las partículas en el aire fueran visibles de una manera que los transeúntes pudieran ver. Para HighWaterLine, Eve Mosher y otros caminaron por vecindarios en ciudades en riesgo como Nueva York y Miami, marcando los daños proyectados por inundaciones que podrían ocurrir como resultado del cambio climático y hablando con residentes sobre lo que estaban haciendo.

A partir de la década de 2010, el "jardinero de guerrilla" Ron Finley comenzó a plantar jardines comestibles en el vecindario urbano del centro sur de Los Ángeles a lo largo de estrechas franjas de tierra entre la acera y la acera. Su motivación era abordar los efectos del apartheid alimentario en determinados barrios, incluido el suyo, y fomentar hábitos alimentarios saludables, especialmente entre los niños.

Ecoarte

El arte ecológico, también conocido como ecoarte, es una práctica o disciplina artística que propone paradigmas sustentables con las formas de vida y recursos de nuestro planeta. Está compuesto por artistas, científicos, filósofos y activistas que se dedican a las prácticas del arte ecológico. Los precedentes históricos incluyen movimientos de tierras, Land Art y pintura/fotografía de paisajes. Ecoart se distingue por un enfoque en los sistemas y las interrelaciones dentro de nuestro entorno: lo ecológico, geográfico, político, biológico y cultural. Ecoart crea conciencia, estimula el diálogo, cambia el comportamiento humano hacia otras especies y fomenta el respeto a largo plazo por los sistemas naturales con los que convivimos. Se manifiesta como arte restaurativo o intervencionista socialmente comprometido, activista, basado en la comunidad. El artista ecológico Aviva Rahmani cree que “el arte ecológico es una práctica artística, a menudo en colaboración con científicos, urbanistas, arquitectos y otros, que resulta en una intervención directa en la degradación ambiental”. A menudo, el artista es el agente principal de esa práctica”.

Existen numerosos enfoques del ecoarte que incluyen, entre otros: obras de arte representativas que abordan el medio ambiente a través de imágenes y objetos; proyectos de remediación que restauren ambientes contaminados; proyectos activistas que involucran a otros y activan cambios de comportamiento y/o políticas públicas; esculturas sociales basadas en el tiempo que involucran a las comunidades en el seguimiento de sus paisajes y asumiendo un papel participativo en prácticas sostenibles; proyectos ecopoéticos que inician una reimaginación y un reencantamiento con el mundo natural, inspirando la curación y la coexistencia con otras especies; obras de arte de encuentro directo que involucran fenómenos naturales como el agua, el clima, la luz solar o las plantas; obras de arte pedagógicas que comparten información sobre la injusticia ambiental y los problemas ecológicos como la contaminación del agua y el suelo y los peligros para la salud; Estética relacional que involucra existencias sostenibles, fuera de la red y de permacultura.

Existe discusión y debate entre los ecoartistas sobre si el arte ecológico debe considerarse una disciplina discreta dentro de las artes, distinta del arte ambiental. Una definición actual de arte ecológico, redactada colectivamente por EcoArtNetwork, es: "El arte ecológico es una práctica artística que abraza una ética de justicia social tanto en su contenido como en su forma/materiales". Ecoart se crea para inspirar cariño y respeto, estimular el diálogo y fomentar el florecimiento a largo plazo de los entornos sociales y naturales en los que vivimos. Comúnmente se manifiesta como arte restaurativo o intervencionista socialmente comprometido, activista, basado en la comunidad." La comunidad global ArtTech NatureCulture, que reúne a más de 400 profesionales creativos involucrados en formas de arte ecológico en todas las disciplinas, afirma: "En tiempos precarios, ¿cómo podemos construir nuevas formas de avanzar que desafíen y transformen las numerosas desigualdades del status quo? Nuestras formas de abordar esto son tan diversas como nuestros orígenes, pero nos une un interés compartido en utilizar prácticas creativas en todas las disciplinas (desde las artes, el diseño, la cultura y la piratería hasta la ciencia, la tecnología y el activismo) para explorar futuros alternativos que repiensen, reconstruyan y sanar." El cofundador Kit Braybrooke ha descrito el motivo de ArtTech NatureCulture como "solos, enfrentamos el dolor y la inestabilidad climáticos, pero juntos reconstruimos".

Los artistas que trabajan en este campo generalmente suscriben uno o más de los siguientes principios: centrarse en la red de interrelaciones en nuestro entorno: en los aspectos físicos, biológicos, culturales, políticos e históricos de los sistemas ecológicos; crear obras que empleen materiales naturales o interactúen con fuerzas ambientales como el viento, el agua o la luz solar; recuperar, restaurar y remediar entornos dañados; informar al público sobre la dinámica ecológica y los problemas ambientales que enfrentamos; revisar las relaciones ecológicas, proponiendo creativamente nuevas posibilidades de convivencia, sostenibilidad y curación.

Las contribuciones de las mujeres en el ámbito del EcoArt son significativas. Muchos están catalogados en WEAD, Women Environmental Artists Directory fundado en 1995 por Jo Hanson, Susan Leibovitz Steinman y Estelle Akamine. El trabajo de las escritoras ecofeministas inspiró a los primeros profesionales masculinos y femeninos a abordar sus preocupaciones sobre una relación más horizontal con las cuestiones ambientales en sus propias prácticas. La escritora de arte feminista Lucy Lippard, escribiendo para el Weather Report Show que fue curadora en 2007 en el Museo de Arte Contemporáneo de Boulder, que incluía a muchos artistas ambientalistas, ecológicos y ecofeministas, comentó cuántos de esos artistas eran mujer.

Considerando el impacto ambiental

Dentro del arte ambiental, se puede hacer una distinción crucial entre los artistas ambientales que no consideran el posible daño al medio ambiente en el que pueden incurrir sus obras de arte y aquellos cuya intención es no causar daño a la naturaleza. Por ejemplo, a pesar de sus méritos estéticos, la célebre escultura Spiral Jetty (1969) del artista estadounidense Robert Smithson infligió daños permanentes al paisaje en el que trabajaba, utilizando una topadora para raspar y cortar el terreno. , con la propia espiral incidiendo sobre el lago. De manera similar, se levantaron críticas contra el escultor europeo Christo cuando cubrió temporalmente la costa de Little Bay, al sur de Sydney, Australia, en 1969. Los comentarios atrajeron la atención internacional en los círculos ambientalistas y llevaron a los artistas contemporáneos de la región a repensar las inclinaciones del land art y el arte de sitio específico.

El arte sostenible se produce teniendo en cuenta el impacto más amplio de la obra y su recepción en relación con su entorno (social, económico, biofísico, histórico y cultural). Algunos artistas optan por minimizar su impacto potencial, mientras que otras obras implican restaurar el paisaje inmediato a un estado natural.

Durante varias décadas, el escultor británico Richard Long ha realizado obras escultóricas temporales al aire libre reorganizando los materiales naturales que se encuentran en el lugar, como rocas, barro y ramas, que por lo tanto no tendrán efectos perjudiciales persistentes. Chris Drury instituyó una obra titulada "Rueda medicinal" la cual fue fruto y resultado de una caminata meditativa diaria, una vez al día, durante un año calendario. El resultado de este trabajo fue un mandala de objetos encontrados en mosaico: el arte de la naturaleza como arte procesal.

Artistas ambientales destacados como el artista y poeta británico Hamish Fulton, el escultor holandés Herman de Vries, el escultor australiano John Davis y el escultor británico Andy Goldsworthy dejan igualmente ileso el paisaje con el que han trabajado; en algunos casos han revegetado tierras dañadas con flora indígena apropiada en el proceso de realización de su trabajo. De esta manera la obra de arte surge de una sensibilidad hacia el hábitat.

Quizás el ejemplo más famoso de arte ambiental de finales del siglo XX fue 7000 Oaks, una acción ecológica llevada a cabo en la Documenta durante 1982 por Joseph Beuys, en la que el artista y sus asistentes resaltaron la condición de el medio ambiente local mediante la plantación de 7.000 robles en toda la ciudad de Kassel y sus alrededores.

Sensación y transformación ecológicas

Otros ecoartistas reflejan nuestro compromiso humano con el mundo natural y crean obras de arte ecológicamente informadas que se centran en la transformación o la regeneración. La escritora ecoartista y teorética Linda Weintraub acuñaron el término "ciclo-lógico" para describir la correlación entre el reciclaje y la psicología. La noción del siglo XXI del compromiso consciente de los artistas con sus materiales se remonta a las pilas paleolíticos de alfarería y metales descartados de civilizaciones antiguas. Weintraub cita el trabajo de MacArthur Fellow Sarah Sze que recicla, reutiliza y remodela detritus de la corriente de residuos en elegantes instalaciones de esguince. Su trabajo autoreflexivo atrae nuestra atención a nuestras propias vidas desordenadas y la conexión con la cultura del consumidor. Brigitte Hitschler's Energy field Dibujó el poder para 400 diodos rojos del montón de jerga de potasa a la que se instalaron, utilizando arte y ciencia para revelar la cultura material oculta.

La artista y activista ecológica Beverly Naidus crea instalaciones que abordan crisis ambientales, problemas del legado nuclear y crea obras en papel que visualizan la transformación. Su proyecto de permacultura comunitario, Eden Reframed, remedia suelos degradados mediante fitorremediación y hongos, lo que da como resultado un lugar público para cultivar y cosechar plantas medicinales y comestibles. Naidus es una educadora que ha enseñado en la Universidad de Washington, Tacoma durante más de diez años, donde creó el plan de estudios del Estudio Interdisciplinario Artes en Comunidad que fusiona el arte con la ecología y las prácticas socialmente comprometidas. El libro de Naidus, Arts for Change: Teaching Outside the Frame es un recurso para profesores, activistas y artistas. La escultora y artista de instalaciones Erika Wanenmacher se inspiró en Tony Price en el desarrollo de obras que abordan la creatividad, la mitología y la presencia nuclear de Nuevo México. Richard Reames, artista y arborista radicado en Oregón, utiliza técnicas de injerto para producir sus obras de arborescultura y arbortectura. Utiliza procesos basados en el tiempo de múltiples plantaciones de árboles a los que luego se les da forma doblando, podando e injertando, de manera similar al plegado y la espaldera. Estas obras tienen ventajas ecológicas que incluyen el secuestro de dióxido de carbono, la creación de hábitat y la mitigación del cambio climático.

Escultura de energías renovables

La escultura basada en energías renovables es otro desarrollo reciente en el arte ambiental. En respuesta a la creciente preocupación por el cambio climático global, los artistas están diseñando intervenciones explícitas a nivel funcional, fusionando respuestas estéticas con las propiedades funcionales de la generación o el ahorro de energía. Los profesionales de esta área emergente a menudo trabajan de acuerdo con códigos éticos y prácticos ecológicamente informados que se ajustan a los criterios de ecodiseño. Andrea Polli Queensbridge Wind Power Project es un ejemplo de arquitectura experimental, que incorpora turbinas eólicas en la estructura de un puente para recrear aspectos del diseño original, además de iluminar el puente y las áreas vecinas. La escultura pública de Ralf Sander, la Máquina Salvadora del Mundo, utilizó energía solar para crear nieve y hielo frente al Museo de Arte de Seúl en el caluroso verano coreano.