Arte alemán

El arte alemán tiene una larga y distinguida tradición en las artes visuales, desde las primeras obras de arte figurativo conocidas hasta su producción actual de arte contemporáneo.

Alemania sólo se ha unido en un único estado desde el siglo XIX, y definir sus fronteras ha sido un proceso notoriamente difícil y doloroso. En épocas anteriores, el arte alemán a menudo incluía lo producido en regiones de habla alemana, como Austria, Alsacia y gran parte de Suiza, así como ciudades o regiones de habla alemana al este de las fronteras alemanas modernas.

Aunque desde el punto de vista del mundo angloparlante se tiende a ignorar su contribución en relación con la de Italia y Francia, el arte alemán ha desempeñado un papel crucial en el desarrollo del arte occidental, especialmente el arte celta, el arte carolingio y el arte otoniano. A partir del desarrollo del arte románico, Francia e Italia comenzaron a liderar los avances durante el resto de la Edad Media, pero la producción de una Alemania cada vez más rica siguió siendo muy importante.

El Renacimiento alemán se desarrolló en direcciones bastante diferentes al italiano, y estuvo dominado inicialmente por la figura central de Alberto Durero y el temprano dominio alemán de la imprenta. La fase final del Renacimiento, el manierismo del norte, se centró en los límites de las tierras alemanas, en Flandes y la capital imperial de Praga, pero, especialmente en la arquitectura, el barroco y el rococó alemanes adoptaron estos estilos importados con entusiasmo. Los orígenes alemanes del Romanticismo no llevaron a una posición igualmente central en las artes visuales, pero la participación alemana en los numerosos movimientos modernistas que siguieron al colapso del arte académico ha sido cada vez más importante.

La zona de la Alemania moderna es rica en hallazgos de arte prehistórico, entre ellos la Venus de Hohle Fels, encontrada en los Alpes suabos. Este parece ser el ejemplo indiscutible más antiguo de arte del Paleolítico superior y de escultura figurativa de la forma humana en general, de más de 42.000 años antes del presente, que fue descubierta recién en 2008; la Venus de Willendorf (24-22.000 años antes del presente) más conocida proviene de un poco más allá de la frontera austríaca. Los espectaculares hallazgos de sombreros dorados de la Edad de Bronce se centran en Alemania, al igual que la forma "central" de la cultura de los campos de urnas y la cultura de Hallstatt.

En la Edad del Hierro, la cultura celta de La Tène se centraba en Alemania occidental y Francia oriental, y Alemania ha producido muchos hallazgos importantes de arte celta, como los enterramientos de élite en Reinheim y Hochdorf, y ciudades oppida como Glauberg, Manching y Heuneburg.

Después de largas guerras, el Imperio Romano fijó sus fronteras en Germania con el Limes Germanicus para incluir gran parte del sur y el oeste de la Alemania moderna. Las provincias alemanas produjeron arte en versiones provinciales de estilos romanos, pero los centros allí, al igual que al otro lado del Rin en Francia, fueron productores a gran escala de cerámica fina de la Antigua Roma, exportada a todo el Imperio. Rheinzabern fue uno de los más grandes, que ha sido bien excavado y tiene un museo dedicado.

Las áreas no romanizadas del período romano tardío se incluyen en el arte del período de las migraciones, que se caracteriza por el trabajo en metal, especialmente la joyería (las piezas más grandes aparentemente las usaban principalmente los hombres).

El arte medieval alemán comienza realmente con el Imperio franco de Carlomagno (fallecido en 814), el primer estado que gobernó la gran mayoría del territorio moderno de Alemania, así como Francia y gran parte de Italia. El arte carolingio se limitaba a un número relativamente pequeño de objetos producidos para un círculo en torno a la corte y una serie de abadías imperiales que patrocinaban, pero tuvo una enorme influencia en el arte medieval posterior en toda Europa. El tipo de objeto más común que sobrevivió es el manuscrito iluminado; las pinturas murales eran evidentemente comunes pero, al igual que los edificios que las albergaban, casi todas han desaparecido. Los primeros centros de iluminación se ubicaban en la Francia moderna, pero más tarde Metz en Lorena y la Abadía de Saint Gall en la Suiza moderna llegaron a rivalizar con ellos. El Sacramentario de Drogo y el Salterio de Folchard se encuentran entre los manuscritos que produjeron.

No se conserva ninguna escultura monumental carolingia, aunque quizá el mecenazgo más importante de Carlomagno fue el encargo de una figura de oro de tamaño natural de Cristo sobre un crucifijo para su Capilla Palatina en Aquisgrán; sólo se conoce por referencias literarias y probablemente se trataba de una lámina de oro sobre una base de madera, probablemente modelada con una capa de yeso, como la posterior y bastante arrugada Virgen dorada de Essen. El arte cristiano primitivo no había presentado esculturas monumentales de figuras religiosas en contraposición a los gobernantes, ya que los Padres de la Iglesia las asociaban fuertemente con los ídolos de culto de la antigua religión romana. El arte bizantino y el arte religioso ortodoxo oriental moderno han mantenido la prohibición hasta nuestros días, pero el arte occidental aparentemente fue decisivamente influenciado por el ejemplo de Carlomagno para abandonarla. El círculo de Carlomagno deseaba revivir las glorias del estilo clásico, que conocían principalmente en su forma tardoantigua, y también competir con el arte bizantino, en lo que parece haber recibido ayuda de artistas refugiados de las convulsiones de la iconoclasia bizantina. Como el propio Carlomagno no parece haber estado muy interesado en el arte visual, su rivalidad política con el Imperio bizantino, apoyado por el papado, puede haber contribuido a la fuerte posición a favor de la imagen expresada en los Libri Carolini, que establecieron la posición sobre las imágenes sostenida con pocas variaciones por la Iglesia occidental durante el resto de la Edad Media y más allá.

Bajo la siguiente dinastía otoniana, cuyo territorio central se aproximaba más a la actual Alemania, Austria y la Suiza de habla alemana, el arte otoniano fue principalmente un producto de los grandes monasterios, especialmente Reichenau, que fue el principal centro artístico occidental en la segunda mitad del siglo X. El estilo de Reichenau utiliza formas simplificadas y estampadas para crear imágenes fuertemente expresivas, lejos de las aspiraciones clásicas del arte carolingio y con una mirada hacia el románico. La cruz de madera de Gero de 965-970 en la catedral de Colonia es la figura cruciforme de tamaño natural más antigua y mejor de la Alta Edad Media; los historiadores del arte se habían mostrado reacios a dar crédito a los registros que daban su fecha hasta que fueron confirmados por la dendrocronología en 1976. Como en el resto de Europa, la metalistería seguía siendo la forma de arte más prestigiosa, en obras como la Cruz de Lotario adornada con joyas, realizada alrededor del año 1000, probablemente en Colonia.

El arte románico fue el primer movimiento artístico que abarcó toda Europa occidental, aunque con variantes regionales. Alemania fue una parte central del movimiento, aunque la arquitectura románica alemana hizo un uso bastante menor de la escultura que la de Francia. Con la creciente prosperidad, se construyeron iglesias enormes en ciudades de toda Alemania, ya no sólo en aquellas patrocinadas por el círculo imperial.

Los franceses inventaron el estilo gótico y Alemania tardó en adoptarlo, pero una vez que lo hizo, los alemanes lo hicieron suyo y continuaron utilizándolo mucho después de que el resto de Europa lo hubiera abandonado. Según Henri Focillon, el gótico permitió al arte alemán "definir por primera vez ciertos aspectos de su genio nativo: una concepción vigorosa y enfática de la vida y la forma, en la que la ostentación teatral se mezclaba con una vehemente franqueza emocional". El Jinete de Bamberg de la década de 1330, en la Catedral de Bamberg, es la estatua ecuestre de piedra en pie más antigua de la era posterior a la Antigüedad; han sobrevivido más monumentos funerarios principescos medievales de Alemania que de Francia o Inglaterra. Las iglesias románicas y del gótico temprano tenían pinturas murales en versiones locales de estilos internacionales, de los que se conocen pocos nombres de artistas.

La corte del Sacro Imperio Romano Germánico, que por entonces tenía su sede en Praga, desempeñó un papel importante en la formación del estilo gótico internacional a finales del siglo XIV. El estilo se difundió por las ciudades ricas del norte de Alemania de la mano de artistas como Conrad von Soest en Westfalia, Meister Bertram en Hamburgo y, más tarde, Stefan Lochner en Colonia. Hamburgo era una de las ciudades de la Liga Hanseática, cuando esta se encontraba en su apogeo. Bertram fue sucedido en la ciudad por artistas como el Maestro Francke, el Maestro del Altar de Malchin, Hans Bornemann, Hinrik Funhof y Wilm Dedeke, que sobrevivieron hasta el período del Renacimiento. Los artistas hanseáticos pintaron por encargo para las ciudades bálticas de Escandinavia y los modernos estados bálticos del este. En el sur, el Maestro del Altar de Bamberg es el primer pintor importante que residió en Núremberg, mientras que el Maestro de Heiligenkreuz y, posteriormente, Michael Pacher trabajaron en Austria.

Al igual que el de Pacher, el taller de Bernt Notke, un pintor de la ciudad hanseática de Lübeck, pintó retablos o los talló en el estilo pintado y dorado cada vez más elaborado que se usaba como marco o alternativa para los paneles pintados. La escultura en madera del sur de Alemania fue importante en el desarrollo de nuevos temas que reflejaban la vida devocional intensamente emocional alentada por movimientos del catolicismo medieval tardío como el misticismo alemán. Estas esculturas a menudo se conocen en inglés como andachtsbilder (imágenes devocionales) e incluyen la Piedad, el Cristo pensativo, el Varón de dolores, el Arma Christi, el Velo de la Verónica, la cabeza cortada de San Juan Bautista y la Virgen de los Dolores, muchas de las cuales se extenderían por toda Europa y seguirían siendo populares hasta el Barroco y, en la imaginería religiosa popular, más allá. De hecho, el "barroco gótico tardío" es un término que se utiliza a veces para describir el arte hiperdecorado y emotivo del siglo XV, sobre todo en Alemania.

Martin Schongauer, que trabajó en Alsacia en la última parte del siglo XV, fue la culminación de la pintura gótica tardía alemana, con un estilo sofisticado y armonioso, pero cada vez más dedicó su tiempo a producir grabados, para los que se habían desarrollado canales de distribución nacionales e internacionales, de modo que sus estampas eran conocidas en Italia y otros países. Sus predecesores fueron el Maestro de los naipes y el Maestro E. S., ambos también de la región del Alto Rin. El conservadurismo alemán se muestra en el uso tardío de fondos dorados, todavía utilizados por muchos artistas hasta bien entrado el siglo XV.

El concepto de Renacimiento del Norte o Renacimiento alemán resulta un tanto confuso debido a la continuación del uso de ornamentación gótica elaborada hasta bien entrado el siglo XVI, incluso en obras que son indudablemente renacentistas en su tratamiento de la figura humana y otros aspectos. La ornamentación clásica tuvo poca resonancia histórica en gran parte de Alemania, pero en otros aspectos Alemania siguió rápidamente los avances, especialmente en la adopción de la imprenta con tipos móviles, una invención alemana que permaneció casi bajo el monopolio alemán durante algunas décadas y que fue llevada por primera vez a la mayor parte de Europa, incluidas Francia e Italia, por los alemanes.

La técnica del grabado en madera, el aguafuerte, inventado por Daniel Hopfer, y el grabado al aguafuerte (quizá otro invento alemán) ya estaban más desarrollados en Alemania y los Países Bajos que en ningún otro lugar, y los alemanes tomaron la delantera en el desarrollo de las ilustraciones de libros, por lo general de un nivel artístico relativamente bajo, pero que se veían en toda Europa, y las xilografías a menudo se prestaban a impresores de ediciones en otras ciudades o idiomas. El mayor artista del Renacimiento alemán, Alberto Durero, comenzó su carrera como aprendiz en un importante taller de Núremberg, el de Michael Wolgemut, que había abandonado en gran medida su pintura para explotar el nuevo medio. Durero trabajó en el libro con ilustraciones más extravagantes de la época, la Crónica de Núremberg, publicada por su padrino Anton Koberger, el impresor-editor más importante de Europa en ese momento.

Tras completar su aprendizaje en 1490, Durero viajó por Alemania durante cuatro años y por Italia durante unos meses antes de establecer su propio taller en Núremberg. Rápidamente se hizo famoso en toda Europa por sus enérgicos y equilibrados grabados en madera y en madera, además de por sus pinturas. Aunque conserva un estilo típicamente alemán, su obra muestra una fuerte influencia italiana y a menudo se considera que representa el comienzo del Renacimiento alemán en las artes visuales, que durante los siguientes cuarenta años sustituyó a los Países Bajos y Francia como la zona que produjo la mayor innovación en el arte del norte de Europa. Durero apoyó a Martín Lutero, pero siguió creando vírgenes y otras imágenes católicas, y pintando retratos de líderes de ambos bandos de la escisión emergente de la Reforma protestante.

Durero murió en 1528, antes de que fuera evidente que la división de la Reforma se había vuelto permanente, pero sus discípulos de la siguiente generación no pudieron evitar tomar partido. La mayoría de los principales artistas alemanes se hicieron protestantes, pero esto los privó de pintar la mayoría de las obras religiosas, que anteriormente eran el principal sustento de los ingresos de los artistas. Martín Lutero se había opuesto a gran parte de la imaginería católica, pero no a la imaginería en sí, y Lucas Cranach el Viejo, un amigo cercano de Lutero, había pintado una serie de "retablos luteranos", en su mayoría mostrando la Última Cena, algunos con retratos de los principales teólogos protestantes como los Doce Apóstoles. Esta fase del arte luterano terminó antes de 1550, probablemente bajo la influencia más ferozmente anicónica del calvinismo, y las obras religiosas para exhibición pública prácticamente dejaron de producirse en las áreas protestantes. Probablemente debido en gran medida a esto, el desarrollo del arte alemán prácticamente había cesado hacia 1550, pero en las décadas anteriores los artistas alemanes habían sido muy fértiles en el desarrollo de temas alternativos para llenar el vacío en sus libros de pedidos. Lucas Cranach el Joven, además de retratos, desarrolló un formato de delgados retratos verticales de desnudos provocativos, a los que dio títulos clásicos o bíblicos.

Un poco al margen de estos desarrollos se encuentra Matthias Grünewald, que dejó muy pocas obras, pero cuya obra maestra, su Retablo de Isenheim (terminado en 1515), ha sido considerada ampliamente como la mayor pintura renacentista alemana desde que fue restaurada a la atención de la crítica en el siglo XIX. Es una obra intensamente emocional que continúa la tradición gótica alemana de gestos y expresiones desenfrenadas, utilizando principios compositivos renacentistas, pero todo ello en la forma más gótica de todas, el tríptico de múltiples alas.

La Escuela del Danubio es el nombre de un círculo de artistas del primer tercio del siglo XVI en Baviera y Austria, entre los que se encontraban Albrecht Altdorfer, Wolf Huber y Augustin Hirschvogel. Con Altdorfer a la cabeza, la escuela produjo los primeros ejemplos de arte paisajístico independiente en Occidente (casi 1.000 años después de China), tanto en pinturas como en grabados. Sus pinturas religiosas tenían un estilo expresionista algo similar al de Grünewald. Los discípulos de Durero, Hans Burgkmair y Hans Baldung Grien, trabajaron principalmente en grabados, y Baldung desarrolló el tema de actualidad de las brujas en una serie de grabados enigmáticos.

Hans Holbein el Viejo y su hermano Sigismund Holbein pintaron obras religiosas en estilo gótico tardío. Hans el Viejo fue un pionero y líder en la transformación del arte alemán del estilo gótico al renacentista. Su hijo, Hans Holbein el Joven, fue un importante pintor de retratos y algunas obras religiosas, que trabajó principalmente en Inglaterra y Suiza. La conocida serie de pequeños grabados en madera de Holbein sobre la Danza de la Muerte se relaciona con las obras de los Pequeños Maestros, un grupo de grabadores que se especializaron en grabados muy pequeños y muy detallados para coleccionistas burgueses, incluidos muchos temas eróticos.

A los extraordinarios logros de la primera mitad del siglo XVI le siguieron varias décadas en las que no hubo arte alemán digno de mención, salvo los retratos logrados que nunca rivalizaron con los logros de Holbein o Durero. Los siguientes artistas alemanes importantes trabajaron en el estilo bastante artificial del manierismo nórdico, que tuvieron que aprender en Italia o Flandes. Hans von Aachen y el holandés Bartholomeus Spranger fueron los pintores más destacados de las cortes imperiales de Viena y Praga, y la productiva familia de grabadores neerlandeses Sadeler se extendió por toda Alemania, entre otros condados. Este estilo fue continuado durante otra generación por Bartholomeus Strobel, un ejemplo de artista esencialmente alemán nacido y trabajando en Silesia, en la actual Polonia, hasta que emigró para escapar de la Guerra de los Treinta Años y convertirse en pintor de la corte polaca. Adam Elsheimer, el artista alemán más influyente del siglo XVII, pasó toda su carrera de madurez en Italia, donde comenzó trabajando para otro emigrante, Hans Rottenhammer. Ambos produjeron pinturas de gabinete de gran acabado, principalmente sobre cobre, con temas clásicos y fondos de paisajes.

En las zonas católicas del sur de Alemania, la tradición gótica de la talla de madera continuó floreciendo hasta finales del siglo XVIII, adaptándose a los cambios de estilo a lo largo de los siglos. Veit Stoss (fallecido en 1533), Tilman Riemenschneider (fallecido en 1531) y Peter Vischer el Viejo (fallecido en 1529) fueron contemporáneos de Durero y sus largas carreras abarcaron la transición entre los períodos gótico y renacentista, aunque su ornamentación a menudo siguió siendo gótica incluso después de que sus composiciones comenzaran a reflejar los principios renacentistas.

Dos siglos y medio después, Johann Joseph Christian e Ignaz Günther fueron los maestros más destacados del período barroco tardío, y ambos murieron a fines de la década de 1770, apenas una década antes de la Revolución Francesa. Un elemento vital en el efecto de los interiores barrocos alemanes fue el trabajo de la Escuela Wessobrunner, un término posterior para los estucadores de finales del siglo XVII y XVIII. Otra manifestación de la habilidad escultórica alemana fue la porcelana; el modelista más famoso es Johann Joachim Kaendler de la fábrica de Meissen en Dresde, pero el mejor trabajo de Franz Anton Bustelli para la Manufactura de Porcelana de Nymphenburg en Múnich a menudo se considera el mayor logro de la porcelana del siglo XVIII.

La pintura barroca tardó en llegar a Alemania, con muy pocas obras antes de 1650, pero una vez establecida parece haber encajado bien con el gusto alemán. Los períodos barroco y rococó vieron al arte alemán produciendo principalmente obras derivadas de desarrollos en otros lugares, aunque numerosos artistas expertos en varios géneros estaban activos. El período sigue siendo poco conocido fuera de Alemania, y aunque "nunca pretendió estar entre las grandes escuelas de pintura", su descuido por parte de la historia del arte no alemana sigue siendo sorprendente. Muchos pintores extranjeros distinguidos pasaron temporadas trabajando en Alemania para príncipes, entre ellos Bernardo Bellotto en Dresde y otros lugares, y Gianbattista Tiepolo, que pasó tres años pintando la Residencia de Würzburg con su hijo. Muchos pintores alemanes trabajaron en el extranjero, entre ellos Johann Liss, que trabajó principalmente en Venecia, Joachim von Sandrart y Ludolf Bakhuisen, el principal artista marino de los años finales de la pintura del Siglo de Oro holandés. A finales del siglo XVIII, el retratista Heinrich Füger y su alumno Johann Peter Krafft, cuyas obras más conocidas son tres grandes murales en el Hofburg, se habían trasladado a Viena como estudiantes y se habían alojado allí.

El neoclasicismo, que nació en gran medida gracias a los escritos de Johann Joachim Winckelmann, aparece bastante antes en Alemania que en Francia, con Anton Raphael Mengs (1728-1779), el pintor danés Asmus Jacob Carstens (1754-1798) y el escultor Gottfried Schadow (1764-1850). Mengs fue uno de los artistas más valorados de su época, trabajó en Roma, Madrid y otros lugares y encontró un estilo neoclásico temprano que ahora parece más bien decadente, aunque sus retratos son más efectivos. La carrera más corta de Carstens fue turbulenta y problemática, dejando un rastro de obras inacabadas, pero a través de alumnos y amigos como Gottlieb Schick, Joseph Anton Koch y Bonaventura Genelli, más influyente. Koch nació en las montañas del Tirol austríaco y se convirtió en el principal pintor continental de paisajes, centrándose en vistas de montaña, a pesar de pasar gran parte de su carrera en Roma.

Daniel Chodowiecki nació en Danzig y, al menos en parte, se identificaba como polaco, aunque sólo hablaba alemán y francés. Sus pinturas y cientos de grabados, ilustraciones de libros y caricaturas políticas constituyen un valioso registro visual de la vida cotidiana y la mentalidad cada vez más compleja de la Alemania de la Ilustración y su naciente nacionalismo. Anton Graff, nacido en Suiza, fue un prolífico retratista en Dresde, que pintó figuras literarias y de la corte. La dinastía familiar Tischbein estaba formada por sólidos polifacéticos que abarcaron la mayor parte del siglo XVIII, al igual que la familia Zick, inicialmente principalmente pintores de grandes techos barrocos, que todavía estaban activos en el siglo XX en la persona del ilustrador Alexander Zick. Tanto los hermanos Asam como Johann Baptist Zimmermann y su hermano pudieron proporcionar entre ellos un servicio completo para encargos de iglesias y palacios, diseñando el edificio y ejecutando el estuco y las pinturas murales. El efecto combinado de todos los elementos de estos edificios del sur de Alemania, Austria y Bohemia, especialmente sus interiores, representan algunas de las realizaciones más completas y extremas de la aspiración barroca de abrumar al espectador con el "radiante mundo de hadas de la vivienda del noble", o el "anticipo de las glorias del Paraíso" en el caso de las iglesias.

La primera academia alemana fue la Akademie der Künste, fundada en Berlín en 1696, y durante los dos siglos siguientes varias ciudades establecieron sus propias instituciones, en paralelo a la evolución de otras naciones europeas. En Alemania, el mercado incierto para el arte en un país dividido en una multitud de pequeños estados significó que, hasta el día de hoy, los artistas alemanes importantes han tenido más probabilidades de aceptar puestos de enseñanza en las academias y sus instituciones sucesoras que sus equivalentes en Inglaterra o Francia. En general, las academias alemanas impusieron un estilo particular con menos rigidez que durante mucho tiempo en París, Londres, Moscú o en otros lugares.

El período de la Ilustración vio a los escritores alemanes convertirse en teóricos y críticos de arte de primer orden, encabezados por Johann Joachim Winckelmann, que exaltó el arte griego antiguo y, a pesar de no haber visitado nunca Grecia ni haber visto muchas estatuas griegas antiguas, propuso un análisis que distinguía entre los principales períodos del arte griego antiguo y los relacionaba con movimientos históricos más amplios. La obra de Winckelmann marcó la entrada de la historia del arte en el discurso filosófico de la cultura alemana; fue leído con avidez por Goethe y Friedrich Schiller, quienes comenzaron a escribir sobre la historia del arte, y su relato del grupo del Laocoonte provocó una respuesta de Lessing. Goethe había intentado formarse como artista y sus bocetos de paisajes muestran "ocasionales destellos de emoción en presencia de la naturaleza que son bastante aislados en el período".

El surgimiento del arte como tema principal de especulación filosófica se consolidó con la aparición de la Crítica del juicio de Immanuel Kant en 1790, y fue promovida por las Lecturas sobre estética de Hegel. En el siglo siguiente, las universidades alemanas fueron las primeras en enseñar historia del arte como materia académica, iniciando la posición líder que Alemania (y Austria) ocuparía en el estudio de la historia del arte hasta la dispersión de los académicos en el extranjero durante el período nazi. Johann Gottfried Herder defendió lo que identificó en el gótico y en Durero como estilos específicamente germánicos, iniciando una discusión sobre los modelos adecuados para un artista alemán contra la llamada "tiranía de Grecia sobre Alemania" que duraría casi dos siglos.

El Romanticismo alemán fue testigo de un resurgimiento de la innovación y la singularidad en el arte alemán. Fuera de Alemania, sólo Caspar David Friedrich es conocido, pero hubo varios artistas con estilos muy personales, en particular Philipp Otto Runge, que, como Friedrich, se había formado en la Academia de Copenhague y fue olvidado tras su muerte hasta que resurgió en el siglo XX. Friedrich pintó casi exclusivamente paisajes, con un marcado aire nórdico y siempre con una sensación de quietud casi religiosa. A menudo, sus figuras se ven de espaldas, como si el espectador estuviera perdido en la contemplación del paisaje. Los retratos de Runge, en su mayoría de su propio círculo, son naturalistas, salvo sus niños de caras enormes, pero las demás obras de su breve carrera reflejaban cada vez más un panteísmo visionario. Adrian Ludwig Richter es recordado principalmente por sus retratos, y Carl Wilhelm Kolbe era puramente un grabador (además de un filólogo), cuyos grabados posteriores muestran figuras casi engullidas por una vegetación gigantesca.

El movimiento Nazareno, término acuñado por un crítico burlón, designa a un grupo de pintores románticos alemanes de principios del siglo XIX que pretendían recuperar la honestidad y la espiritualidad en el arte cristiano. La motivación principal de los Nazarenos era una reacción contra el neoclasicismo y la educación artística rutinaria del sistema académico. Esperaban volver al arte que encarnaba valores espirituales y buscaron inspiración en artistas de finales de la Edad Media y principios del Renacimiento, rechazando lo que consideraban el virtuosismo superficial del arte posterior. Su programa no era muy distinto al de la Hermandad Prerrafaelita inglesa en la década de 1850, aunque el grupo central llegó al extremo de usar ropas especiales pseudomedievales. En 1810, Johann Friedrich Overbeck, Franz Pforr, Ludwig Vogel y el suizo Johann Konrad Hottinger se mudaron a Roma, donde ocuparon el monasterio abandonado de San Isidoro. A ellos se unieron Philipp Veit, Peter von Cornelius, Julius Schnorr von Carolsfeld, Friedrich Wilhelm Schadow y un grupo informal de otros artistas alemanes. Se encontraron con el paisajista romántico austríaco Joseph Anton Koch (1768-1839), que se convirtió en tutor no oficial del grupo. En 1827 se les unió Joseph von Führich, y más tarde Eberhard Wächter se asoció al grupo. A diferencia del fuerte apoyo que dio a los prerrafaelitas el crítico de arte dominante de la época, John Ruskin, Goethe desestimó a los nazarenos: "Este es el primer caso en la historia del arte en el que verdaderos talentos se han atrevido a formarse a la inversa, retirándose al vientre de su madre, y así fundaron una nueva época en el arte".

Dirigida por el Nazareno Schadow, hijo del escultor, la escuela de Düsseldorf fue un grupo de artistas que pintaban principalmente paisajes y que estudiaron en la Academia de Düsseldorf, fundada en 1767, o recibieron la influencia de ésta. La influencia de la academia creció en las décadas de 1830 y 1840, y tuvo muchos estudiantes estadounidenses, varios de los cuales se asociaron con la Escuela del río Hudson.

Biedermeier se refiere a un estilo de la literatura, la música, las artes visuales y el diseño de interiores que se desarrolló en el período comprendido entre el final de las guerras napoleónicas en 1815 y las revoluciones de 1848. El arte Biedermeier atrajo a las prósperas clases medias con un realismo detallado pero pulido, que a menudo celebraba las virtudes domésticas, y llegó a dominar los gustos aristocráticos de tendencia francesa, así como los anhelos del Romanticismo. Carl Spitzweg fue un destacado artista alemán en este estilo. El Zimmerbild o "retrato" de una habitación vacía, se convirtió en una forma popular.

En la segunda mitad del siglo XIX se desarrollaron varios estilos, que seguían tendencias similares a las de otros países europeos, aunque la falta de una capital dominante probablemente contribuyó a que hubiera una diversidad de estilos aún mayor que en otros países.

Adolph Menzel gozó de una enorme popularidad tanto entre el público alemán como entre los funcionarios; en su funeral, Guillermo II, emperador de Alemania, caminó detrás de su ataúd. Dramatizó los éxitos militares prusianos pasados y contemporáneos tanto en pinturas como en brillantes grabados en madera que ilustran libros, aunque sus temas domésticos son íntimos y conmovedores. Siguió el desarrollo del impresionismo temprano para crear un estilo que utilizó para representar grandes ocasiones públicas, entre otros temas como su Muro del estudio. Karl von Piloty fue un destacado pintor académico de temas históricos en la última parte del siglo que enseñó en Múnich; entre sus alumnos más famosos se encontraban Hans Makart, Franz von Lenbach, Franz Defregger, Gabriel von Max y Eduard von Grützner. El término "escuela de Múnich" se utiliza tanto para la pintura alemana como para la griega, después de que griegos como Georgios Jakobides estudiaran con él. El alumno más influyente de Piloty fue Wilhelm Leibl. Como líder del llamado Círculo Leibl, un grupo informal de artistas con un enfoque no académico del arte, tuvo un gran impacto en el realismo en Alemania.

La Secesión de Berlín fue un grupo fundado en 1898 por pintores como Max Liebermann, que compartía en líneas generales el enfoque artístico de Manet y los impresionistas franceses, y Lovis Corinth, que por aquel entonces todavía pintaba en un estilo naturalista. El grupo sobrevivió hasta la década de 1930, a pesar de las divisiones, y sus exposiciones periódicas ayudaron a lanzar las siguientes dos generaciones de artistas berlineses, sin imponer un estilo particular. Hacia finales de siglo, la Escuela de Arte Benedictina de Beuron desarrolló un estilo, principalmente para murales religiosos, en colores más bien apagados, con un interés medievalista en los patrones que se inspiraba en Les Nabis y en algunos aspectos se anticipaba al Art Nouveau o al Jugendstil ("Estilo Juvenil"), como se lo conoce en alemán. Franz von Stuck y Max Klinger son los principales pintores simbolistas alemanes.

Aún más que en otros países, el arte alemán de principios del siglo XX se desarrolló a través de una serie de grupos y movimientos informales, muchos de los cuales abarcaban también otros medios artísticos y, a menudo, con un elemento político específico, como en el caso del Arbeitsrat für Kunst y el Grupo de Noviembre, ambos formados en 1918. En 1922, el Grupo de Noviembre, la Secesión de Dresde, Das Junge Rheinland y varios otros grupos progresistas formaron un "Cartel de grupos artísticos avanzados en Alemania" (Kartell fortschrittlicher Künstlergruppen in Deutschland) en un esfuerzo por ganar exposición.

Die Brücke ('El Puente') fue uno de los dos grupos de pintores alemanes fundamentales para el expresionismo, el otro fue el grupo Der Blaue Reiter. Die Brücke fue un grupo de artistas expresionistas alemanes formado en Dresde en 1905 por estudiantes de arquitectura que querían ser pintores: Fritz Bleyl (1880-1966), Erich Heckel (1883-1970), Ernst Ludwig Kirchner (1880-1938) y Karl Schmidt-Rottluff (1884-1976), a los que se unieron posteriormente Max Pechstein y otros. El notoriamente individualista Emil Nolde (1867-1956) fue durante un breve tiempo miembro de Die Brücke, pero estuvo en desacuerdo con los miembros más jóvenes del grupo. Die Brücke se trasladó a Berlín en 1911, donde finalmente se disolvió en 1913. Quizás su contribución más importante haya sido el redescubrimiento de la xilografía como medio válido para la expresión artística original.

Der Blaue Reiter (El jinete azul) se formó en Múnich, Alemania, en 1911. Wassily Kandinsky, Franz Marc, August Macke, Alexej von Jawlensky, Marianne von Werefkin y otros fundaron el grupo en respuesta al rechazo de la pintura de Kandinsky El juicio final en una exposición de la Neue Künstlervereinigung, otro grupo de artistas del que Kandinsky había sido miembro. El nombre Der Blaue Reiter deriva del entusiasmo de Marc por los caballos y del amor de Kandinsky por el color azul. Para Kandinsky, el azul es el color de la espiritualidad: cuanto más oscuro es el azul, más despierta el deseo humano de lo eterno (véase su libro de 1911 Sobre lo espiritual en el arte). Kandinsky también había titulado un cuadro Der Blaue Reiter (ver ilustración) en 1903. La intensa actividad escultórica y gráfica de Käthe Kollwitz estuvo fuertemente influenciada por el expresionismo, que también constituyó el punto de partida para los jóvenes artistas que luego se sumaron a otras tendencias dentro de los movimientos de principios del siglo XX.

Die Brücke y Der Blaue Reiter fueron ejemplos de la tendencia del arte alemán de principios del siglo XX a ser "honesto, directo y espiritualmente comprometido". Sin embargo, la diferencia en la forma en que los dos grupos intentaron esto fue reveladora. Los artistas de Der Blaue Reiter estaban menos orientados hacia la expresión intensa de la emoción y más hacia la teoría, una tendencia que llevaría a Kandinsky a la abstracción pura. Aun así, eran las propiedades espirituales y simbólicas de la forma abstracta las que eran importantes. Por lo tanto, había tonos utópicos en las abstracciones de Kandinsky: "Tenemos ante nosotros una era de creación consciente, y este nuevo espíritu en la pintura va de la mano con pensamientos hacia una época de mayor espiritualidad". Die Brücke también tenía tendencias utópicas, pero tomó el gremio artesanal medieval como modelo de trabajo cooperativo que podía mejorar la sociedad: "Todo aquel que con franqueza y autenticidad transmite aquello que lo impulsa a crear, pertenece a nosotros". La Bauhaus también compartía estas tendencias utópicas, buscando combinar las bellas artes y las artes aplicadas (Gesamtkunstwerk) con vistas a crear una sociedad mejor.

Una característica importante del arte alemán de principios del siglo XX hasta 1933 fue el auge de la producción de obras de arte de estilo grotesco. Entre los artistas que utilizaron el género grotesco-satírico se encontraban George Grosz, Otto Dix y Max Beckmann, al menos en sus obras de la década de 1920. El dadaísmo en Alemania, cuyos principales practicantes fueron Kurt Schwitters y Hannah Höch, se centró en Berlín, donde tendía a tener una orientación más política que los grupos dadaístas de otros lugares. Hicieron importantes contribuciones al desarrollo del collage como medio para el comentario político; Schwitters desarrolló más tarde su Merzbau, un precursor del arte de instalación. Dix y Grosz también estuvieron asociados con el grupo dadaísta de Berlín. Max Ernst dirigió un grupo dadaísta en Colonia, donde también practicó el collage, pero con un mayor interés en la fantasía gótica que en el contenido político manifiesto; esto aceleró su transición al surrealismo, del que se convirtió en el principal practicante alemán. Paul Klee, nacido en Suiza, Lyonel Feininger y otros experimentaron con el cubismo.

La Nueva Objetividad, o Neue Sachlichkeit (nueva objetividad), fue un movimiento artístico que surgió en Alemania durante la década de 1920 como una consecuencia del expresionismo y en oposición a él. Por lo tanto, es postexpresionista y se aplicó a obras de arte visual, así como a la literatura, la música y la arquitectura. Describe el estilo de construcción despojado y simplificado de la Bauhaus y el asentamiento de Weissenhof, los proyectos de planificación urbana y vivienda pública de Bruno Taut y Ernst May, y la industrialización del hogar ejemplificada por la cocina de Frankfurt. Grosz y Dix fueron figuras destacadas, formando el lado "verista" del movimiento junto con Beckmann y Christian Schad, Rudolf Schlichter, Georg Scholz (en sus primeras obras), Elfriede Lohse-Wächtler y Karl Hubbuch. La otra tendencia, a veces llamada realismo mágico, incluía a Anton Räderscheidt, Georg Schrimpf, Alexander Kanoldt y Carl Grossberg. A diferencia de algunos de los otros grupos, la Neue Sachlichkeit nunca fue un grupo formal y sus artistas estaban asociados con otros grupos; el término fue inventado por un comisario comprensivo y el de "realismo mágico" por un crítico de arte.

Plakatstil, o "estilo de cartel" en alemán, fue un estilo temprano de diseño de carteles que comenzó a principios del siglo XX y que utilizaba fuentes rectas y en negrita con diseños muy simples, en contraste con los carteles Art Nouveau. Lucian Bernhard fue una figura destacada.

El régimen nazi prohibió el arte moderno, al que condenó como arte degenerado (del alemán: entartete Kunst). Según la ideología nazi, el arte moderno se desviaba de la norma prescrita de belleza clásica. Si bien las décadas de 1920 a 1940 se consideran el apogeo de los movimientos de arte moderno, hubo movimientos nacionalistas conflictivos que resentían el arte abstracto, y Alemania no fue una excepción. Los artistas alemanes de vanguardia ahora eran tildados de enemigos del estado y una amenaza para la nación alemana. Muchos se exiliaron, y relativamente pocos regresaron después de la Segunda Guerra Mundial. Dix fue uno de los que se quedó, siendo reclutado en la milicia de la Guardia Nacional Volkssturm; Pechstein mantuvo la cabeza baja en la Pomerania rural. Nolde también se quedó, creando sus "cuadros sin pintar" en secreto después de que se le prohibiera pintar. Beckmann, Ernst, Grosz, Feininger y otros se fueron a Estados Unidos, Klee a Suiza, donde murió. Kirchner se suicidó.

En julio de 1937, los nazis organizaron en Múnich una polémica exposición titulada Entartete Kunst (Arte degenerado), que posteriormente viajó a otras once ciudades de Alemania y Austria. La muestra pretendía ser una condena oficial del arte moderno e incluía más de 650 pinturas, esculturas, grabados y libros de las colecciones de treinta y dos museos alemanes. El expresionismo, que tuvo sus orígenes en Alemania, fue el que tuvo la mayor proporción de pinturas representadas. Simultáneamente, y con gran pompa, los nazis presentaron la Grosse deutsche Kunstausstellung (Gran exposición de arte alemán) en la palaciega Haus der deutschen Kunst (Casa del Arte Alemán). Esta exposición mostraba las obras de artistas oficialmente aprobados, como Arno Breker y Adolf Wissel. Al cabo de cuatro meses, el Entartete Kunst había atraído a más de dos millones de visitantes, casi tres veces y media más que el cercano Grosse Deutsche Kunstausstellung.

Las tendencias artísticas de posguerra en Alemania pueden dividirse, en líneas generales, en el realismo socialista en la RDA (Alemania Oriental comunista) y en Alemania Occidental una variedad de movimientos en gran medida internacionales, entre ellos el neoexpresionismo y el conceptualismo.

Entre los destacados representantes del realismo socialista se encuentran Walter Womacka, Willi Sitte, Werner Tübke y Bernhard Heisig.

Entre los neoexpresionistas más destacados se encuentran Georg Baselitz, Anselm Kiefer, Jörg Immendorff, A. R. Penck, Markus Lüpertz, Peter Robert Keil y Rainer Fetting. Otros artistas notables que trabajan con medios tradicionales o imágenes figurativas son Martin Kippenberger, Gerhard Richter, Sigmar Polke y Neo Rauch.

Entre los artistas conceptuales alemanes más destacados se encuentran Bernd y Hilla Becher, Hanne Darboven, Hans-Peter Feldmann, Hans Haacke y Charlotte Posenenske.

El artista de performance, escultor y teórico Joseph Beuys fue quizás el artista alemán más influyente de finales del siglo XX. Su principal contribución a la teoría fue la expansión de la Gesamtkunstwerk para incluir a toda la sociedad, como lo expresa su famosa expresión "Todos somos artistas". Este concepto ampliado del arte, conocido como escultura social, define todo lo que contribuye creativamente a la sociedad como de naturaleza artística. La forma que esto adoptó en su obra varió desde performances ricamente metafóricas, casi chamánicas, basadas en su mitología personal (Cómo explicar imágenes a una liebre muerta, Me gusta América y América me quiere) hasta expresiones más directas y utilitarias, como 7000 Oaks y sus actividades en el Partido Verde.

Ha Schult y Wolf Vostell son famosos por sus eventos. Wolf Vostell también es conocido por sus primeras instalaciones con televisión. Su primera instalación con televisión, Cycle Black Room de 1958, se mostró en Wuppertal en la Galerie Parnass en 1963 y su instalación 6 TV Dé-coll/age se mostró en la Smolin Gallery de Nueva York también en 1963.

El grupo artístico Gruppe SPUR estaba formado por Lothar Fischer (1933-2004), Heimrad Prem (1934-1978), Hans-Peter Zimmer (1936-1992) y Helmut Sturm (1932). Los artistas del SPUR se conocieron por primera vez en la Academia de Bellas Artes de Múnich y, antes de distanciarse de ella, estuvieron asociados a la Internacional Situacionista. Otros grupos incluyen a Junge Wilde de finales de los años 1970 y principios de los años 1980.

Documenta (sic) es una importante exposición de arte contemporáneo que se celebra en Kassel cada cinco años (2007, 2012...), Art Cologne es una feria de arte anual, también sobre todo de arte contemporáneo, y Transmediale es un festival anual de arte y cultura digital que se celebra en Berlín.

Otros artistas alemanes contemporáneos incluyen a Jonathan Meese, Daniel Richter, Albert Oehlen, Markus Oehlen, Rosemarie Trockel, Andreas Gursky, Thomas Ruff, Blinky Palermo, Hans-Jürgen Schlieker, Günther Uecker, Aris Kalaizis, Katharina Fritsch, Fritz Schwegler y Thomas Schütte.

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