Arte
Arte es una gama diversa de actividad humana, y el producto resultante, que involucra talento creativo o imaginativo que expresa destreza técnica, belleza, poder emocional o ideas conceptuales.
No existe una definición generalmente aceptada de lo que constituye el arte, y su interpretación ha variado mucho a lo largo de la historia y entre las culturas. En la tradición occidental, las tres ramas clásicas de las artes visuales son la pintura, la escultura y la arquitectura. El teatro, la danza y otras artes escénicas, así como la literatura, la música, el cine y otros medios, como los medios interactivos, se incluyen en una definición más amplia de las artes. Hasta el siglo XVII, el arte se refería a cualquier habilidad o maestría y no se diferenciaba de los oficios o las ciencias. En el uso moderno posterior al siglo XVII, donde las consideraciones estéticas son primordiales, las bellas artes se separan y distinguen de las habilidades adquiridas en general, como las artes decorativas o aplicadas.
La naturaleza del arte y los conceptos relacionados, como la creatividad y la interpretación, se exploran en una rama de la filosofía conocida como estética. Las obras de arte resultantes se estudian en los campos profesionales de la crítica de arte y la historia del arte.
Resumen
En la perspectiva de la historia del arte, las obras artísticas han existido casi desde la humanidad: desde el arte prehistórico primitivo hasta el arte contemporáneo; sin embargo, algunos teóricos piensan que el típico concepto de "obras artísticas" no encaja bien fuera de las sociedades occidentales modernas. Un sentido temprano de la definición de arte está estrechamente relacionado con el antiguo significado latino, que se traduce aproximadamente como "habilidad" o "artesanía", asociado con palabras como "artesano". Las palabras en inglés derivadas de este significado incluyen artifact, artificial, artifice, medical arts y military arts . Sin embargo, hay muchos otros usos coloquiales de la palabra, todos con alguna relación con su etimología.
Con el tiempo, filósofos como Platón, Aristóteles, Sócrates y Kant, entre otros, cuestionaron el significado del arte. Varios diálogos de Platón abordan cuestiones sobre el arte: Sócrates dice que la poesía se inspira en las musas, y no es racional. Habla con aprobación de esta y otras formas de locura divina (embriaguez, erotismo y ensoñación) en el Fedro(265a–c), y sin embargo en la República quiere fuera de la ley el gran arte poético de Homero, y la risa también. En Ion, Sócrates no da ningún indicio de la desaprobación de Homero que expresa en la República. El diálogo Ion sugiere que la Ilíada de Homero funcionó en el mundo griego antiguo como lo hace la Biblia hoy en el mundo cristiano moderno: como arte literario divinamente inspirado que puede proporcionar guía moral, si sólo se puede interpretar adecuadamente.
Con respecto al arte literario y las artes musicales, Aristóteles consideraba la poesía épica, la tragedia, la comedia, la poesía ditirámbica y la música como arte mimético o imitativo, cada uno de los cuales variaba en la imitación según el medio, el objeto y la manera. Por ejemplo, la música imita con los medios del ritmo y la armonía, mientras que la danza imita sólo con el ritmo y la poesía con el lenguaje. Las formas también difieren en su objeto de imitación. La comedia, por ejemplo, es una imitación dramática de hombres peores que el promedio; mientras que la tragedia imita a los hombres ligeramente mejor que el promedio. Por último, las formas difieren en su modo de imitación: mediante la narración o el carácter, mediante el cambio o sin cambio, y mediante el drama o sin drama. Aristóteles creía que la imitación es natural al hombre y constituye una de las ventajas del hombre sobre los animales.
El sentido más reciente y específico de la palabra arte como abreviatura de arte creativo o bellas artes surgió a principios del siglo XVII. Las bellas artes se refieren a una habilidad utilizada para expresar la creatividad del artista, o para involucrar la sensibilidad estética de la audiencia, o para atraer a la audiencia hacia la consideración de obras más refinadas o mejores. Arte.
Dentro de este último sentido, la palabra arte puede referirse a varias cosas: (i) un estudio de una habilidad creativa, (ii) un proceso de uso de la habilidad creativa, (iii) un producto de la habilidad creativa, o (iv) la experiencia de la audiencia con la habilidad creativa. Las artes creativas (arte como disciplina) son un conjunto de disciplinas que producen obras de arte (arte como objetos) que son impulsadas por un impulso personal (el arte como actividad) y transmitir un mensaje, estado de ánimo o simbolismo para que el perceptor lo interprete (el arte como experiencia). El arte es algo que estimula los pensamientos, emociones, creencias o ideas de un individuo a través de los sentidos. Las obras de arte pueden realizarse explícitamente con este fin o interpretarse a partir de imágenes u objetos. Para algunos estudiosos, como Kant, las ciencias y las artes podrían distinguirse tomando la ciencia como representante del dominio del conocimiento y las artes como el dominio de la libertad de expresión artística.
A menudo, si la habilidad se utiliza de forma común o práctica, la gente la considerará un oficio en lugar de un arte. Del mismo modo, si la habilidad se usa de manera comercial o industrial, puede considerarse arte comercial en lugar de bellas artes. Por otro lado, la artesanía y el diseño a veces se consideran artes aplicadas. Algunos seguidores del arte han argumentado que la diferencia entre las bellas artes y las artes aplicadas tiene más que ver con los juicios de valor que se hacen sobre el arte que con cualquier diferencia definitoria clara. Sin embargo, incluso las bellas artes a menudo tienen objetivos que van más allá de la pura creatividad y la autoexpresión. El propósito de las obras de arte puede ser comunicar ideas, como en el arte motivado política, espiritual o filosóficamente; para crear una sensación de belleza (ver estética); explorar la naturaleza de la percepción; por placer; o para generar emociones fuertes. El propósito también puede ser aparentemente inexistente.
La naturaleza del arte ha sido descrita por el filósofo Richard Wollheim como "uno de los problemas tradicionales más escurridizos de la cultura humana". El arte ha sido definido como un vehículo de expresión o comunicación de emociones e ideas, un medio para explorar y apreciar elementos formales por sí mismos, y como mimesis o representación. El arte como mímesis tiene profundas raíces en la filosofía de Aristóteles. Leo Tolstoy identificó el arte como el uso de medios indirectos para comunicarse de una persona a otra. Benedetto Croce y R. G. Collingwood propusieron la visión idealista de que el arte expresa emociones y que, por lo tanto, la obra de arte existe esencialmente en la mente del creador. La teoría del arte como forma tiene sus raíces en la filosofía de Kant y fue desarrollada a principios del siglo XX por Roger Fry y Clive Bell. Más recientemente, pensadores influenciados por Martin Heidegger han interpretado el arte como el medio por el cual una comunidad desarrolla para sí misma un medio para la autoexpresión y la interpretación. George Dickie ha ofrecido una teoría institucional del arte que define una obra de arte como cualquier artefacto sobre el cual una persona calificada o personas que actúan en nombre de la institución social comúnmente conocida como "el mundo del arte" ha conferido "el estatus de candidato a apreciación". Larry Shiner ha descrito las bellas artes como "no una esencia o un destino, sino algo que hemos hecho". El arte tal como lo hemos entendido generalmente es una invención europea de apenas doscientos años."
El arte se puede caracterizar en términos de mímesis (su representación de la realidad), narrativa (narración), expresión, comunicación de emociones u otras cualidades. Durante el período romántico, el arte llegó a ser visto como "una facultad especial de la mente humana que se clasifica con la religión y la ciencia".
Historia
Se determinó que una concha grabada por Homo erectus tiene entre 430.000 y 540.000 años. Un conjunto de ocho garras de águila de cola blanca de 130.000 años de antigüedad tienen marcas de corte y abrasión que indican manipulación por parte de los neandertales, posiblemente para usarlo como joyería. Una serie de diminutas conchas de caracol perforadas de unos 75.000 años de antigüedad fueron descubiertas en una cueva de Sudáfrica. Se han encontrado recipientes que pueden haber sido utilizados para contener pinturas que datan de hace 100.000 años.
Se han encontrado esculturas, pinturas rupestres, pinturas rupestres y petroglifos del Paleolítico superior que datan de hace aproximadamente 40 000 años, pero el significado preciso de este tipo de arte a menudo se cuestiona porque se sabe muy poco sobre las culturas que las produjeron.
Muchas grandes tradiciones en el arte tienen su fundamento en el arte de una de las grandes civilizaciones antiguas: el Antiguo Egipto, Mesopotamia, Persia, India, China, la Antigua Grecia, Roma, así como Inca, Maya y Olmeca. Cada uno de estos centros de la civilización temprana desarrolló un estilo único y característico en su arte. Debido al tamaño y la duración de estas civilizaciones, más de sus obras de arte han sobrevivido y más de su influencia se ha transmitido a otras culturas y épocas posteriores. Algunos también han proporcionado los primeros registros de cómo trabajaban los artistas. Por ejemplo, este período del arte griego vio una veneración de la forma física humana y el desarrollo de habilidades equivalentes para mostrar musculatura, aplomo, belleza y proporciones anatómicamente correctas.
En el arte bizantino y medieval de la Edad Media occidental, gran parte del arte se centró en la expresión de temas sobre la cultura bíblica y religiosa, y utilizó estilos que mostraban la mayor gloria de un mundo celestial, como el uso del oro en el fondo. de pinturas, o vidrio en mosaicos o ventanas, que también presentaban figuras en formas idealizadas, estampadas (planas). Sin embargo, persistió una tradición realista clásica en las pequeñas obras bizantinas, y el realismo creció constantemente en el arte de la Europa católica.
El arte renacentista tenía un énfasis mucho mayor en la representación realista del mundo material y el lugar de los humanos en él, reflejado en la corporeidad del cuerpo humano, y el desarrollo de un método sistemático de perspectiva gráfica para representar la recesión en un espacio de imagen tridimensional.
En el este, el rechazo de la iconografía por parte del arte islámico llevó a enfatizar los patrones geométricos, la caligrafía y la arquitectura. Más hacia el este, la religión dominó los estilos artísticos, y también las formas. India y el Tíbet vieron énfasis en las esculturas pintadas y la danza, mientras que la pintura religiosa tomó prestadas muchas convenciones de la escultura y tendió a colores brillantes que contrastan con énfasis en los contornos. China vio el florecimiento de muchas formas de arte: talla de jade, bronce, cerámica (incluido el impresionante ejército de terracota del emperador Qin), poesía, caligrafía, música, pintura, teatro, ficción, etc. Los estilos chinos varían mucho de una época a otra y cada uno lleva el nombre tradicionalmente de la dinastía gobernante. Entonces, por ejemplo, las pinturas de la dinastía Tang son monocromáticas y escasas, y enfatizan paisajes idealizados, pero las pinturas de la dinastía Ming son intensas y coloridas, y se enfocan en contar historias a través del escenario y la composición. Japón también nombra sus estilos después de las dinastías imperiales, y también vio mucha interacción entre los estilos de caligrafía y pintura. La impresión en madera se hizo importante en Japón después del siglo XVII.
El Siglo de las Luces occidental en el siglo XVIII vio representaciones artísticas de certezas físicas y racionales del universo mecánico, así como visiones políticamente revolucionarias de un mundo posmonárquico, como la representación de Blake de Newton como un geómetra divino, o las pinturas propagandísticas de David. Esto condujo a rechazos románticos a favor de imágenes del lado emocional y la individualidad de los humanos, ejemplificados en las novelas de Goethe. El final del siglo XIX vio una gran cantidad de movimientos artísticos, como el arte académico, el simbolismo, el impresionismo y el fauvismo, entre otros.
La historia del arte del siglo XX es una narración de infinitas posibilidades y la búsqueda de nuevos estándares, cada uno de los cuales es derribado sucesivamente por el siguiente. Así, los parámetros del impresionismo, expresionismo, fauvismo, cubismo, dadaísmo, surrealismo, etc. no pueden mantenerse mucho más allá de la época de su invención. La creciente interacción global durante este tiempo vio una influencia equivalente de otras culturas en el arte occidental. Por lo tanto, los grabados en madera japoneses (ellos mismos influenciados por el dibujo del Renacimiento occidental) tuvieron una inmensa influencia en el impresionismo y el desarrollo posterior. Posteriormente, las esculturas africanas fueron retomadas por Picasso y, en cierta medida, por Matisse. De manera similar, en los siglos XIX y XX, Occidente tuvo un gran impacto en el arte oriental con ideas originalmente occidentales como el comunismo y el posmodernismo que ejercieron una poderosa influencia.
El modernismo, la búsqueda idealista de la verdad, dio paso en la segunda mitad del siglo XX a la comprensión de su inalcanzabilidad. Theodor W. Adorno dijo en 1970: "Ahora se da por sentado que ya nada que se refiera al arte puede darse por sentado: ni el arte en sí mismo, ni el arte en relación con el todo, ni siquiera el derecho del arte a existen." El relativismo fue aceptado como una verdad ineludible, lo que condujo al período del arte contemporáneo y la crítica posmoderna, donde las culturas del mundo y de la historia se ven como formas cambiantes, que solo pueden apreciarse y extraerse con escepticismo e ironía. Además, la separación de culturas es cada vez más borrosa y algunos argumentan que ahora es más apropiado pensar en términos de una cultura global, en lugar de regionales.
En El origen de la obra de arte, Martin Heidegger, filósofo alemán y pensador seminal, describe la esencia del arte en términos de los conceptos de ser y verdad. Argumenta que el arte no es solo una forma de expresar el elemento de verdad en una cultura, sino el medio para crearlo y proporcionar un trampolín desde el cual "aquello que es" puede ser revelado. Las obras de arte no son meras representaciones de cómo son las cosas, sino que en realidad producen la comprensión compartida de una comunidad. Cada vez que se agrega una nueva obra de arte a cualquier cultura, el significado de lo que es existir cambia inherentemente.
Históricamente, el arte y las habilidades e ideas artísticas a menudo se han difundido a través del comercio. Un ejemplo de ello es la Ruta de la Seda, donde se mezclan influencias helenísticas, iraníes, indias y chinas. El arte grecobudista es uno de los ejemplos más vívidos de esta interacción. El encuentro de diferentes culturas y cosmovisiones también influyó en la creación artística. Un ejemplo de ello es la metrópolis portuaria multicultural de Trieste a principios del siglo XX, donde James Joyce conoció a escritores de Europa Central y el desarrollo artístico de la ciudad de Nueva York como crisol cultural.
Formas, géneros, medios y estilos
Las artes creativas a menudo se dividen en categorías más específicas, generalmente a lo largo de categorías perceptivamente distinguibles, como medios, géneros, estilos y formas. Forma de arte se refiere a los elementos del arte que son independientes de su interpretación o significado. Abarca los métodos adoptados por el artista y la composición física de la obra de arte, principalmente los aspectos no semánticos de la obra (es decir, las figuras), como el color, el contorno, la dimensión, el medio, la melodía, el espacio, la textura y el valor. La forma también puede incluir principios de diseño visual, como disposición, equilibrio, contraste, énfasis, armonía, proporción, proximidad y ritmo.
En general, existen tres escuelas de filosofía con respecto al arte, centrándose respectivamente en la forma, el contenido y el contexto. El formalismo extremo es la opinión de que todas las propiedades estéticas del arte son formales (es decir, parte de la forma de arte). Los filósofos rechazan casi universalmente este punto de vista y sostienen que las propiedades y la estética del arte se extienden más allá de los materiales, las técnicas y la forma. Desafortunadamente, hay poco consenso sobre la terminología de estas propiedades informales. Algunos autores se refieren al tema y el contenido, es decir, denotaciones y connotaciones, mientras que otros prefieren términos como significado y significado.
El intencionalismo extremo sostiene que la intención del autor juega un papel decisivo en el significado de una obra de arte, transmitiendo el contenido o la idea principal esencial, mientras que todas las demás interpretaciones pueden descartarse. Define el tema como las personas o la idea representada, y el contenido como la experiencia del artista sobre ese tema. Por ejemplo, la composición de Napoleón I en su trono imperial está parcialmente tomada de la estatua de Zeus en Olimpia. Como lo demuestra el título, el tema es Napoleón y el contenido es la representación de Ingres de Napoleón como "Emperador-Dios más allá del tiempo y el espacio". De manera similar al formalismo extremo, los filósofos suelen rechazar el intencionalismo extremo, porque el arte puede tener múltiples significados ambiguos y la intención del autor puede ser incognoscible y, por lo tanto, irrelevante. Su interpretación restrictiva es "socialmente malsana, filosóficamente irreal y políticamente imprudente".
Finalmente, la teoría en desarrollo del postestructuralismo estudia la importancia del arte en un contexto cultural, como las ideas, emociones y reacciones provocadas por una obra. El contexto cultural a menudo se reduce a las técnicas e intenciones del artista, en cuyo caso el análisis procede en líneas similares al formalismo y el intencionalismo. Sin embargo, en otros casos pueden predominar las condiciones históricas y materiales, como las convicciones religiosas y filosóficas, las estructuras sociopolíticas y económicas, o incluso el clima y la geografía. La crítica de arte continúa creciendo y desarrollándose junto con el arte.
Habilidad y oficio
El arte puede connotar una sensación de habilidad entrenada o dominio de un medio. El arte también puede referirse al uso desarrollado y eficiente de un lenguaje para transmitir significado con inmediatez o profundidad. El arte se puede definir como un acto de expresar sentimientos, pensamientos y observaciones.
Hay un entendimiento que se alcanza con el material como resultado de su manipulación, lo que facilita los procesos de pensamiento. Una opinión común es que el epíteto arte, particular en su sentido elevado, requiere un cierto nivel de experiencia creativa por parte del artista, ya sea una demostración de habilidad técnica, una originalidad en el enfoque estilístico o una combinación de estos dos. Tradicionalmente, la habilidad de ejecución se consideraba una cualidad inseparable del arte y, por lo tanto, necesaria para su éxito; para Leonardo da Vinci, el arte, ni más ni menos que sus otros esfuerzos, era una manifestación de habilidad. La obra de Rembrandt, ahora elogiada por sus efímeras virtudes, fue más admirada por sus contemporáneos por su virtuosismo. A principios del siglo XX, las hábiles interpretaciones de John Singer Sargent fueron alternativamente admiradas y vistas con escepticismo por su fluidez manual, pero casi al mismo tiempo el artista que se convertiría en el iconoclasta itinerante y más reconocido de la era. Pablo Picasso, estaba completando una formación académica tradicional en la que sobresalió.
Una crítica contemporánea común de parte del arte moderno ocurre en el sentido de objetar la aparente falta de destreza o habilidad requerida en la producción del objeto artístico. En el arte conceptual, la Fuente de Marcel Duchamp se encuentra entre los primeros ejemplos de piezas en las que el artista usó objetos encontrados ("ready-made") y no ejerció un conjunto tradicionalmente reconocido de habilidades. Mi cama de Tracey Emin, o La imposibilidad física de la muerte en la mente de alguien vivo de Damien Hirst siguen este ejemplo y también manipulan los medios de comunicación.. Emin durmió (y se dedicó a otras actividades) en su cama antes de colocar el resultado en una galería como obra de arte. A Hirst se le ocurrió el diseño conceptual de la obra de arte, pero dejó la mayor parte de la eventual creación de muchas obras a los artesanos empleados. La celebridad de Hirst se basa completamente en su capacidad para producir conceptos impactantes. La producción real en muchas obras de arte conceptuales y contemporáneas es una cuestión de ensamblaje de objetos encontrados. Sin embargo, hay muchos artistas modernistas y contemporáneos que continúan destacándose en las habilidades de dibujo y pintura y en la creación de obras de arte prácticas.
Propósito
El arte ha tenido una gran cantidad de funciones diferentes a lo largo de su historia, lo que hace que su propósito sea difícil de abstraer o cuantificar en un solo concepto. Esto no implica que el propósito del arte sea "vago", sino que ha tenido muchas razones únicas y diferentes para ser creado. Algunas de estas funciones del arte se proporcionan en el siguiente esquema. Los diferentes propósitos del arte pueden agruparse según los no motivados y los motivados (Lévi-Strauss).
Funciones no motivadas
Los propósitos no motivados del arte son aquellos que son integrales al ser humano, trascienden al individuo o no cumplen un propósito externo específico. En este sentido, el arte, como creatividad, es algo que los humanos deben hacer por su propia naturaleza (es decir, ninguna otra especie crea arte) y, por lo tanto, está más allá de la utilidad.
- Instinto humano básico para armonía, equilibrio, ritmo. El arte a este nivel no es una acción o un objeto, sino una apreciación interna del equilibrio y la armonía (grandeza), y por lo tanto un aspecto de ser humano más allá de la utilidad.
La imitación, entonces, es un instinto de nuestra naturaleza. A continuación, hay el instinto de 'armonía' y ritmo, metros siendo secciones manifiestamente del ritmo. Las personas, por lo tanto, comenzando con este don natural desarrollado por grados sus aptitudes especiales, hasta que sus rudas improvisaciones dieron a luz a la poesía. – Aristóteles
- Experiencia de lo misterioso. El arte proporciona una manera de experimentar uno mismo en relación con el universo. Esta experiencia puede llegar a menudo sin motivación, ya que se aprecia el arte, la música o la poesía.
Lo más hermoso que podemos experimentar es lo misterioso. Es la fuente de todo verdadero arte y ciencia. – Albert Einstein
- Expresión de la imaginación. El arte proporciona un medio para expresar la imaginación de formas no gramáticas que no están vinculadas a la formalidad del lenguaje hablado o escrito. A diferencia de palabras, que vienen en secuencias y cada una de las cuales tiene un significado definido, el arte proporciona una gama de formas, símbolos e ideas con significados que son maleables.
El águila de Júpiter [como ejemplo de arte] no es, como atributos lógicos (estéticos) de un objeto, el concepto de la sublimidad y majestuosidad de la creación, sino algo más—algo que da a la imaginación un incentivo para extender su vuelo sobre toda una multitud de representaciones amistosas que provocan más pensamiento que admitir expresión en un concepto determinado por palabras. Proporcionan una idea estética, que sirve a la idea racional anterior como sustituto de la presentación lógica, pero con la función adecuada, sin embargo, de animar la mente abriendo para ella una perspectiva en un campo de representaciones amistosas que se extienden más allá de su signo. – Immanuel Kant
- Funciones rituales y simbólicas. En muchas culturas, el arte se utiliza en rituales, performances y danzas como decoración o símbolo. Aunque a menudo no tienen un propósito utilitario específico (motivado), los antropólogos saben que a menudo sirven a un propósito en el nivel de significado dentro de una cultura particular. Este significado no es proporcionado por ningún individuo, pero es a menudo el resultado de muchas generaciones de cambio, y de una relación cosmológica dentro de la cultura.
La mayoría de los eruditos que se ocupan de pinturas rupestres o objetos recuperados de contextos prehistóricos que no pueden explicarse en términos utilitarios y que se clasifican como decorativos, rituales o simbólicos, son conscientes de la trampa que plantea el término 'art'. – Silva Tomaskova
Funciones motivadas
Los propósitos motivados del arte se refieren a acciones intencionales y conscientes por parte de los artistas o creadores. Estos pueden ser para provocar un cambio político, comentar sobre un aspecto de la sociedad, transmitir una emoción o estado de ánimo específico, abordar la psicología personal, ilustrar otra disciplina, (con artes comerciales) vender un producto o usarse como una forma. de comunicación.
- Comunicación. El arte, en su más simple, es una forma de comunicación. Como la mayoría de las formas de comunicación tienen una intención o una meta dirigida hacia otro individuo, este es un propósito motivado. Las artes ilustrativas, como la ilustración científica, son una forma de arte como la comunicación. Los mapas son otro ejemplo. Sin embargo, el contenido no necesita ser científico. Emociones, estados de ánimo y sentimientos también se comunican a través del arte.
[El arte es un conjunto de] artefactos o imágenes con significados simbólicos como medio de comunicación. – Steve Mithen
- Arte como entretenimiento. El arte puede tratar de producir una emoción o un estado de ánimo particular, con el propósito de relajarse o entretener al espectador. Esta es a menudo la función de las industrias artísticas de imágenes de movimiento y videojuegos.
- El Avant-Garde. Arte para el cambio político. Una de las funciones definitorias del arte de principios del siglo XX ha sido utilizar imágenes visuales para producir cambios políticos. Los movimientos artísticos que tenían este objetivo —Dadaísmo, Surrealismo, constructivismo ruso y expresionismo abstracto, entre otros— se denominan colectivamente el avant-garde Artes.
Por el contrario, la actitud realista, inspirada en el positivismo, de Santo Tomás de Aquino a Anatole Francia, me parece claramente hostil a cualquier avance intelectual o moral. Lo odio, porque está compuesto de mediocridad, odio y engaño. Es esta actitud que hoy da a luz estos libros ridículos, estos juegos insultantes. Se alimenta constantemente y deriva fuerza de los periódicos y agudiza tanto la ciencia como el arte al aplanar el más bajo de los gustos; claridad que limita con la estupidez, la vida de un perro. – André Breton (Surrealismo)
- Arte como "zona libre", eliminado de la acción de la censura social. A diferencia de los movimientos de vanguardia, que querían borrar las diferencias culturales para producir nuevos valores universales, el arte contemporáneo ha aumentado su tolerancia hacia las diferencias culturales, así como sus funciones críticas y liberadoras (indagación social, activismo, subversión, deconstrucción, etc.), convirtiéndose en un lugar más abierto para la investigación y la experimentación.
- Arte para la investigación social, subversión o anarquía. Si bien es similar al arte para el cambio político, el arte subversivo o deconstructivo puede tratar de cuestionar aspectos de la sociedad sin ningún objetivo político específico. En este caso, la función del arte puede ser utilizada para criticar algún aspecto de la sociedad.El arte graffiti y otros tipos de arte callejero son gráficos e imágenes que se pintan con pulverización o se aíslan en paredes, edificios, autobuses, trenes y puentes, generalmente sin permiso. Algunas formas de arte, como el graffiti, también pueden ser ilegales cuando rompen leyes (en este caso vandalismo).
graffiti en una pared en Roma - Arte para causas sociales. El arte se puede utilizar para crear conciencia para una gran variedad de causas. Varias actividades artísticas tenían por objeto concienciar sobre el autismo, el cáncer, la trata de personas y diversos temas, como la conservación de los océanos, los derechos humanos en Darfur, las mujeres aborígenes asesinadas y desaparecidas, los abusos de los ancianos y la contaminación. Trashion, usando basura para hacer moda, practicada por artistas como Marina DeBris es un ejemplo de uso de arte para concienciar sobre la contaminación.
- Arte para fines psicológicos y curativos. El arte también es utilizado por terapeutas de arte, psicoterapeutas y psicólogos clínicos como terapia de arte. La Serie de Dibujo Diagnóstico, por ejemplo, se utiliza para determinar la personalidad y el funcionamiento emocional de un paciente. El producto final no es el objetivo principal en este caso, sino un proceso de curación, a través de actos creativos, se busca. La pieza resultante de la obra también puede ofrecer información sobre los problemas experimentados por el sujeto y puede sugerir enfoques adecuados para ser utilizados en formas más convencionales de terapia psiquiátrica.
- Arte para propaganda, o comercialismo. El arte se utiliza a menudo como una forma de propaganda, y por lo tanto se puede utilizar para influenciar sutilmente las concepciones populares o el estado de ánimo. De manera similar, el arte que intenta vender un producto también influye en el humor y la emoción. En ambos casos, el propósito del arte aquí es manipular sutilmente al espectador en una respuesta emocional o psicológica particular hacia una idea o objeto particular.
- El arte como indicador de aptitud. Se ha argumentado que la capacidad del cerebro humano supera con creces lo necesario para la supervivencia en el entorno ancestral. Una explicación de psicología evolutiva para esto es que el cerebro humano y los rasgos asociados (como la capacidad artística y la creatividad) son el equivalente humano de la cola del pavo real. Se ha argumentado que el propósito de la cola extravagante del pavo real masculino es atraer a las mujeres (véase también el principio de fuga y desventaja de la pesca). Según esta teoría, la ejecución superior del arte era evolutivamente importante porque atraía compañeros.
Las funciones del arte descritas anteriormente no se excluyen mutuamente, ya que muchas de ellas pueden superponerse. Por ejemplo, el arte con fines de entretenimiento también puede buscar vender un producto, es decir, la película o el videojuego.
Acceso público
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Desde la antigüedad, gran parte del mejor arte ha representado una muestra deliberada de riqueza o poder, a menudo lograda mediante el uso de materiales costosos y a gran escala. Mucho del arte ha sido encargado por gobernantes políticos o establecimientos religiosos, con versiones más modestas solo disponibles para los más ricos de la sociedad.
Sin embargo, ha habido muchos períodos en los que el arte de muy alta calidad estaba disponible, en términos de propiedad, en grandes sectores de la sociedad, sobre todo en medios baratos como la cerámica, que persiste en el suelo, y medios perecederos como textiles y madera. En muchas culturas diferentes, la cerámica de los pueblos indígenas de las Américas se encuentra en una variedad tan amplia de tumbas que claramente no estaban restringidas a una élite social, aunque otras formas de arte pueden haberlo estado. Los métodos de reproducción, como los moldes, facilitaron la producción en masa y se utilizaron para llevar cerámica de la Antigua Roma y figurillas griegas de Tanagra de alta calidad a un mercado muy amplio. Los sellos cilíndricos eran tanto artísticos como prácticos, y muy utilizados por lo que se puede denominar vagamente la clase media en el Antiguo Cercano Oriente. Una vez que las monedas fueron ampliamente utilizadas, estas también se convirtieron en una forma de arte que llegó a la más amplia gama de la sociedad.
Otra innovación importante se produjo en el siglo XV en Europa, cuando el grabado comenzó con pequeños grabados en madera, en su mayoría religiosos, que a menudo eran muy pequeños y coloreados a mano, y asequibles incluso para los campesinos que los pegaban en las paredes de sus casas. Los libros impresos eran inicialmente muy caros, pero su precio cayó constantemente hasta que en el siglo XIX, incluso los más pobres podían comprar algunos con ilustraciones impresas. Estampados populares de muchos tipos diferentes han decorado casas y otros lugares durante siglos.
En 1661, la ciudad de Basilea, en Suiza, abrió el primer museo de arte público del mundo, el Kunstmuseum Basel. Hoy en día, su colección se distingue por una impresionante amplitud histórica, desde principios del siglo XV hasta el presente inmediato. Sus diversas áreas de énfasis le otorgan una posición internacional como uno de los museos más importantes de su tipo. Estos abarcan: pinturas y dibujos de artistas activos en la región del Alto Rin entre 1400 y 1600, y sobre el arte de los siglos XIX a XXI.
Los edificios y monumentos públicos, seculares y religiosos, por su naturaleza normalmente se dirigen a toda la sociedad y a los visitantes como espectadores, y la exhibición al público en general ha sido durante mucho tiempo un factor importante en su diseño. Los templos egipcios son típicos porque la decoración más grande y lujosa se colocó en las partes que podía ver el público en general, en lugar de las áreas que solo veían los sacerdotes. Muchas áreas de los palacios reales, los castillos y las casas de la élite social a menudo eran accesibles en general, y gran parte de las colecciones de arte de esas personas a menudo podían ser vistas, ya sea por cualquiera, o por aquellos que podían pagar un precio pequeño, o aquellos vistiendo la ropa correcta, independientemente de quiénes fueran, como en el Palacio de Versalles, donde los accesorios adicionales apropiados (hebillas de zapatos plateadas y una espada) se podían alquilar en tiendas externas.
Se hicieron arreglos especiales para permitir que el público viera muchas colecciones reales o privadas ubicadas en galerías, como la Colección Orleans, que se encuentra principalmente en un ala del Palais Royal en París, que se pudo visitar durante la mayor parte del siglo XVIII. En Italia, el turismo artístico del Grand Tour se convirtió en una industria importante a partir del Renacimiento, y los gobiernos y las ciudades se esforzaron por hacer accesibles sus obras clave. La Colección Real Británica sigue siendo distinta, pero se hicieron grandes donaciones, como la Antigua Biblioteca Real, al Museo Británico, establecido en 1753. Los Uffizi en Florencia se abrieron completamente como galería en 1765, aunque esta función había ido tomando el edificio de los funcionarios originales' oficinas durante mucho tiempo antes. El edificio que ahora ocupa el Prado en Madrid fue construido antes de la Revolución Francesa para la exhibición pública de partes de la colección de arte real, y existían galerías reales similares abiertas al público en Viena, Munich y otras capitales. La apertura del Musée du Louvre durante la Revolución Francesa (en 1793) como museo público para gran parte de la antigua colección real francesa sin duda marcó una etapa importante en el desarrollo del acceso público al arte, transfiriendo la propiedad a un estado republicano, pero fue una continuación de tendencias ya bien establecidas.
La mayoría de los museos públicos modernos y los programas de educación artística para niños en las escuelas se remontan a este impulso de tener el arte disponible para todos. Sin embargo, los museos no solo brindan disponibilidad para el arte, sino que también influyen en la forma en que la audiencia percibe el arte, según los estudios. Por lo tanto, el museo en sí mismo no es solo un escenario directo para la presentación del arte, sino que juega un papel activo y vital en la percepción general del arte en la sociedad moderna.
Los museos en los Estados Unidos tienden a ser obsequios de los muy ricos a las masas. (El Museo Metropolitano de Arte de la ciudad de Nueva York, por ejemplo, fue creado por John Taylor Johnston, un ejecutivo ferroviario cuya colección de arte personal sembró la semilla del museo). Pero a pesar de todo esto, al menos una de las funciones importantes del arte en el siglo XXI siglo sigue siendo un marcador de riqueza y estatus social.
Ha habido intentos de artistas de crear arte que los ricos no pueden comprar como un objeto de estatus. Uno de los principales motivadores originales de gran parte del arte de finales de la década de 1960 y 1970 fue crear arte que no se podía comprar ni vender. Es "necesario presentar algo más que meros objetos" dijo el gran artista alemán de posguerra Joseph Beuys. Este período de tiempo vio el surgimiento de cosas como el arte escénico, el videoarte y el arte conceptual. La idea era que si la obra de arte era una actuación que no dejaba nada atrás, o era una idea, no podía comprarse ni venderse. “Los preceptos democráticos en torno a la idea de que la obra de arte es una mercancía impulsaron la innovación estética que germinó a mediados de la década de 1960 y se cosechó a lo largo de la década de 1970. Los artistas ampliamente identificados bajo el título de arte conceptual... sustituyendo las actividades de interpretación y publicación por el compromiso con las preocupaciones materiales y materialistas de la forma pintada o escultórica... [se han] esforzado por socavar el objeto de arte en cuanto objeto."
En las décadas posteriores, estas ideas se han perdido un poco a medida que el mercado del arte ha aprendido a vender DVD de edición limitada de obras de video, invitaciones a piezas de arte de performance exclusivas y los objetos sobrantes de piezas conceptuales. Muchas de estas actuaciones crean obras que solo entiende la élite que ha sido educada sobre por qué una idea, un video o una aparente basura pueden considerarse arte. El marcador de estatus se convierte en comprender el trabajo en lugar de poseerlo necesariamente, y la obra de arte sigue siendo una actividad de clase alta. "Con el uso generalizado de la tecnología de grabación de DVD a principios de la década de 2000, los artistas y el sistema de galerías que obtiene sus ganancias de la venta de obras de arte obtuvieron un medio importante para controlar la venta de obras de arte en video y computadora en ediciones limitadas para coleccionistas."
Controversias
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El arte ha sido controvertido durante mucho tiempo, es decir, no ha gustado a algunos espectadores, por una amplia variedad de razones, aunque la mayoría de las controversias premodernas se registran vagamente o se pierden por completo para una visión moderna. La iconoclasia es la destrucción del arte que no gusta por una variedad de razones, incluidas las religiosas. El aniconismo es una aversión general a todas las imágenes figurativas, o a menudo solo a las religiosas, y ha sido un hilo conductor en muchas religiones importantes. Ha sido un factor crucial en la historia del arte islámico, donde las representaciones de Mahoma siguen siendo especialmente controvertidas. Gran parte del arte no ha gustado simplemente porque representaba o representaba a gobernantes, partidos u otros grupos impopulares. Las convenciones artísticas a menudo han sido conservadoras y los críticos de arte las han tomado muy en serio, aunque a menudo mucho menos por un público más amplio. El contenido iconográfico del arte podría causar controversia, como ocurre con las representaciones bajomedievales del nuevo motivo del Desmayo de la Virgen en escenas de la Crucifixión de Jesús. El Juicio Final de Miguel Ángel fue controvertido por varias razones, incluidas las violaciones del decoro a través de la desnudez y la pose de Cristo como Apolo.
El contenido de gran parte del arte formal a lo largo de la historia fue dictado por el mecenas o comisionado en lugar de solo por el artista, pero con el advenimiento del romanticismo y los cambios económicos en la producción de arte, los artistas' la visión se convirtió en el determinante habitual del contenido de su arte, aumentando la incidencia de controversias, aunque a menudo reduciendo su importancia. Los fuertes incentivos para la publicidad y la originalidad percibida también alentaron a los artistas a generar controversia. La balsa de la Medusa de Théodore Géricault (c. 1820), fue en parte un comentario político sobre un evento reciente. Le Déjeuner sur l'Herbe (1863), de Édouard Manet, fue considerada escandalosa no por la mujer desnuda, sino porque está sentada junto a hombres completamente vestidos con la ropa del tiempo, en lugar de en túnicas del mundo antiguo. Madame Pierre Gautreau (Madam X) (1884) de John Singer Sargent, provocó una controversia sobre el rosa rojizo utilizado para colorear el lóbulo de la oreja de la mujer, considerado demasiado sugerente y supuestamente arruinando la reputación del modelo de la alta sociedad. El abandono gradual del naturalismo y la representación de representaciones realistas de la apariencia visual de los sujetos en los siglos XIX y XX llevaron a una controversia continua que duró más de un siglo.
En el siglo XX, el Guernica (1937) de Pablo Picasso usó llamativas técnicas cubistas y crudos óleos monocromáticos para representar las desgarradoras consecuencias de un bombardeo contemporáneo de una pequeña y antigua ciudad vasca.. Interrogation III (1981), de Leon Golub, muestra a una detenida desnuda, encapuchada, atada a una silla, con las piernas abiertas para revelar sus órganos sexuales, rodeada por dos verdugos vestidos con ropa normal. Piss Christ (1989) de Andrés Serrano es una fotografía de un crucifijo, sagrado para la religión cristiana y que representa el sacrificio y el sufrimiento final de Cristo, sumergido en un vaso del artista. 39;s propia orina. El alboroto resultante provocó comentarios en el Senado de los Estados Unidos sobre la financiación pública de las artes.
Teoría
Antes del Modernismo, la estética en el arte occidental estaba muy preocupada por lograr el equilibrio apropiado entre los diferentes aspectos del realismo o la verdad de la naturaleza y el ideal; las ideas sobre cuál es el equilibrio apropiado han cambiado de un lado a otro a lo largo de los siglos. Esta preocupación está en gran parte ausente en otras tradiciones del arte. El teórico estético John Ruskin, que defendía lo que consideraba el naturalismo de J. M. W. Turner, veía el papel del arte como la comunicación mediante el artificio de una verdad esencial que solo podía encontrarse en la naturaleza.
La definición y evaluación del arte se ha vuelto especialmente problemática desde el siglo XX. Richard Wollheim distingue tres enfoques para evaluar el valor estético del arte: el realista, según el cual la calidad estética es un valor absoluto independiente de cualquier punto de vista humano; el objetivista, en el que también es un valor absoluto, pero depende de la experiencia humana general; y la posición relativista, según la cual no es un valor absoluto, sino que depende y varía con la experiencia humana de diferentes seres humanos.
Llegada del Modernismo
La llegada del Modernismo a fines del siglo XIX llevó a una ruptura radical en la concepción de la función del arte, y luego nuevamente a fines del siglo XX con el advenimiento del posmodernismo. El artículo de 1960 de Clement Greenberg "Pintura Modernista" define el arte moderno como "el uso de métodos característicos de una disciplina para criticar la disciplina misma". Greenberg aplicó originalmente esta idea al movimiento expresionista abstracto y la utilizó como una forma de comprender y justificar la pintura abstracta plana (no ilusionista):
El arte realista y naturalista había desmontado al medio, utilizando el arte para ocultar el arte; el modernismo usaba el arte para llamar la atención al arte. Las limitaciones que constituyen el medio de la pintura —la superficie plana, la forma del soporte, las propiedades del pigmento— fueron tratadas por los Antiguos Maestros como factores negativos que sólo podían reconocerse implícitamente o indirectamente. Bajo el Modernismo estas mismas limitaciones se consideraron como factores positivos, y fueron reconocidas abiertamente.
Después de Greenberg, surgieron varios teóricos del arte importantes, como Michael Fried, T. J. Clark, Rosalind Krauss, Linda Nochlin y Griselda Pollock, entre otros. Aunque originalmente solo pretendía ser una forma de entender un conjunto específico de artistas, la definición de arte moderno de Greenberg es importante para muchas de las ideas de arte dentro de los diversos movimientos artísticos del siglo XX y principios del siglo XXI.
Artistas pop como Andy Warhol se hicieron notables e influyentes a través de trabajos que incluyen y posiblemente critican la cultura popular, así como el mundo del arte. Los artistas de las décadas de 1980, 1990 y 2000 ampliaron esta técnica de autocrítica más allá del gran arte a toda la creación de imágenes culturales, incluidas las imágenes de moda, los cómics, las vallas publicitarias y la pornografía.
Duchamp propuso una vez que el arte es cualquier actividad de cualquier tipo, todo. Sin embargo, la forma en que solo ciertas actividades se clasifican hoy como arte es una construcción social. Hay evidencia de que puede haber un elemento de verdad en esto. En La invención del arte: una historia cultural, Larry Shiner examina la construcción del sistema moderno de las artes, es decir, las bellas artes. Él encuentra evidencia de que el antiguo sistema de las artes anterior a nuestro sistema moderno (bellas artes) consideraba que el arte era cualquier actividad humana calificada; por ejemplo, la sociedad griega antigua no poseía el término arte, sino techne. Techne no puede entenderse como arte u oficio, ya que las distinciones de arte y oficio son productos históricos que llegaron más tarde en la historia humana. Techne incluía la pintura, la escultura y la música, pero también la cocina, la medicina, la equitación, la geometría, la carpintería, la profecía y la agricultura, etc.
Nueva crítica y la "falacia intencional"
Después de Duchamp durante la primera mitad del siglo XX, se produjo un cambio significativo hacia la teoría estética general que intentaba aplicar la teoría estética entre varias formas de arte, incluidas las artes literarias y las artes visuales, entre sí. Esto resultó en el surgimiento de la escuela de la Nueva Crítica y el debate sobre la falacia intencional. En cuestión estaba la cuestión de si las intenciones estéticas del artista al crear la obra de arte, cualquiera que sea su forma específica, debían asociarse con la crítica y evaluación del producto final de la obra de arte o, si la obra de arte debe evaluarse por sus propios méritos independientemente de las intenciones del artista.
En 1946, William K. Wimsatt y Monroe Beardsley publicaron un ensayo clásico y controvertido de la Nueva Crítica titulado "La falacia intencional", en el que argumentaron fuertemente en contra de la relevancia de la intención del autor, o "significado intencionado" en el análisis de una obra literaria. Para Wimsatt y Beardsley, las palabras en la página eran todo lo que importaba; la importación de significados desde fuera del texto se consideró irrelevante y potencialmente una distracción.
En otro ensayo, "La falacia afectiva", que sirvió como una especie de ensayo hermano de "La falacia intencional" Wimsatt y Beardsley también descartaron la reacción personal/emocional del lector ante una obra literaria como un medio válido para analizar un texto. Esta falacia sería más tarde repudiada por los teóricos de la escuela de teoría literaria de la respuesta del lector. Irónicamente, uno de los principales teóricos de esta escuela, Stanley Fish, fue formado por New Critics. Fish critica a Wimsatt y Beardsley en su ensayo de 1970 "La literatura en el lector".
Como resumieron Berys Gaut y Paisley Livingston en su ensayo "La creación del arte": "Los teóricos y críticos estructuralistas y posestructuralistas criticaron duramente muchos aspectos de la Nueva Crítica, comenzando con el énfasis en la apreciación estética y la llamada autonomía del arte, pero reiteraron el ataque a las críticas biográficas' suposición de que las actividades y la experiencia del artista eran un tema crítico privilegiado." Estos autores sostienen que: "Los antiintencionalistas, como los formalistas, sostienen que las intenciones involucradas en la creación de arte son irrelevantes o periféricas para interpretar correctamente el arte. Así que los detalles del acto de crear una obra, aunque posiblemente de interés en sí mismos, no tienen relación con la interpretación correcta de la obra."
Gaut y Livingston definen a los intencionalistas como distintos de los formalistas y afirman que: "Los intencionalistas, a diferencia de los formalistas, sostienen que la referencia a las intenciones es esencial para fijar la interpretación correcta de las obras." Citan a Richard Wollheim afirmando que, "La tarea de la crítica es la reconstrucción del proceso creativo, donde el proceso creativo debe a su vez ser pensado como algo que no se detiene, sino que termina en la obra de arte misma".."
"Giro lingüístico" y su debate
El final del siglo XX fomentó un extenso debate conocido como la controversia del giro lingüístico, o el "debate del ojo inocente" en la filosofía del arte. Este debate discutió el encuentro de la obra de arte como determinado por la medida relativa en que el encuentro conceptual con la obra de arte domina sobre el encuentro perceptivo con la obra de arte.
Decisivo para el debate sobre el giro lingüístico en la historia del arte y las humanidades fueron las obras de otra tradición, a saber, el estructuralismo de Ferdinand de Saussure y el movimiento posterior del postestructuralismo. En 1981, el artista Mark Tansey creó una obra de arte titulada The Innocent Eye como crítica al clima de desacuerdo imperante en la filosofía del arte durante las últimas décadas del siglo XX. Los teóricos influyentes incluyen a Judith Butler, Luce Irigaray, Julia Kristeva, Michel Foucault y Jacques Derrida. Hayden White exploró el poder del lenguaje, más específicamente de ciertos tropos retóricos, en la historia del arte y el discurso histórico. El hecho de que el lenguaje no es un medio transparente de pensamiento ha sido enfatizado por una forma muy diferente de filosofía del lenguaje que se originó en los trabajos de Johann Georg Hamann y Wilhelm von Humboldt. Ernst Gombrich y Nelson Goodman en su libro Languages of Art: An Approach to a Theory of Symbols llegaron a sostener que el encuentro conceptual con la obra de arte predominaba exclusivamente sobre el encuentro perceptivo y visual con la obra de arte durante las décadas de 1960 y 1970. Fue cuestionado sobre la base de la investigación realizada por el psicólogo ganador del premio Nobel Roger Sperry, quien sostuvo que el encuentro visual humano no se limitaba a los conceptos representados solo en el lenguaje (el giro lingüístico) y que otras formas de representaciones psicológicas de la obra de arte eran igualmente defendibles y demostrables. El punto de vista de Sperry finalmente prevaleció a fines del siglo XX con filósofos estéticos como Nick Zangwill defendiendo firmemente un regreso al formalismo estético moderado entre otras alternativas.
Disputas de clasificación
Las disputas sobre si clasificar o no algo como una obra de arte se conocen como disputas clasificatorias sobre el arte. Las disputas clasificatorias en el siglo XX han incluido pinturas cubistas e impresionistas, la Fuente de Duchamp, las películas, J. S. G. Boggs' imitaciones superlativas de billetes, arte conceptual y videojuegos. El filósofo David Novitz ha argumentado que los desacuerdos sobre la definición de arte rara vez son el centro del problema. Más bien, "las preocupaciones e intereses apasionados que los humanos otorgan a su vida social" son "una parte tan importante de todas las disputas clasificatorias sobre el arte" Según Novitz, las disputas clasificatorias son más a menudo disputas sobre los valores sociales y hacia dónde intenta ir la sociedad que sobre la teoría propiamente dicha. Por ejemplo, cuando el Daily Mail criticó el trabajo de Hirst y Emin argumentando: "Durante 1000 años, el arte ha sido una de nuestras grandes fuerzas civilizadoras". Hoy, las ovejas en escabeche y las camas sucias amenazan con convertirnos a todos en bárbaros" no avanzan en una definición o teoría sobre el arte, sino que cuestionan el valor del trabajo de Hirst y Emin. En 1998, Arthur Danto sugirió un experimento mental que mostraba que “el estatus de un artefacto como obra de arte resulta de las ideas que una cultura le aplica, más que de sus cualidades físicas o perceptibles inherentes. La interpretación cultural (una teoría del arte de algún tipo) es, por lo tanto, constitutiva de la condición artística de un objeto.
Anti-art es una etiqueta para el arte que desafía intencionalmente los parámetros y valores establecidos del arte; es un término asociado con el dadaísmo y atribuido a Marcel Duchamp justo antes de la Primera Guerra Mundial, cuando hacía arte a partir de objetos encontrados. Uno de ellos, Fountain (1917), un urinario ordinario, ha alcanzado una prominencia e influencia considerables en el arte. El antiarte es una característica del trabajo de Situationist International, el movimiento de arte postal de baja fidelidad y los Jóvenes Artistas Británicos, aunque es una forma que aún rechazan los Stuckists, quienes se describen a sí mismos como anti-antiarte.
La arquitectura a menudo se incluye como una de las artes visuales; sin embargo, al igual que las artes decorativas o la publicidad, implica la creación de objetos donde las consideraciones prácticas de uso son esenciales de una manera que normalmente no lo son en una pintura, por ejemplo.
Juicio de valor
Algo relacionado con lo anterior, la palabra arte también se usa para aplicar juicios de valor, como en expresiones como "esa comida fue una obra de arte" (el cocinero es un artista), o "el arte del engaño" (Se alaba el nivel de habilidad altamente alcanzado por el engañador). Es este uso de la palabra como una medida de alta calidad y alto valor lo que le da al término su sabor de subjetividad. El hacer juicios de valor requiere una base para la crítica. En el nivel más simple, una forma de determinar si el impacto del objeto en los sentidos cumple con los criterios para ser considerado arte es si se percibe como atractivo o repulsivo. Aunque la percepción siempre está coloreada por la experiencia y es necesariamente subjetiva, se entiende comúnmente que lo que no es estéticamente satisfactorio de alguna manera no puede ser arte. Sin embargo, "bien" el arte no es siempre, ni siquiera regularmente, estéticamente atractivo para la mayoría de los espectadores. En otras palabras, la principal motivación de un artista no tiene por qué ser la búsqueda de la estética. Además, el arte a menudo representa imágenes terribles creadas por razones sociales, morales o que invitan a la reflexión. Por ejemplo, la pintura de Francisco Goya que representa los fusilamientos españoles del 3 de mayo de 1808 es una representación gráfica de un pelotón de fusilamiento que ejecuta a varios civiles suplicantes. Sin embargo, al mismo tiempo, las horribles imágenes demuestran la aguda habilidad artística de Goya en la composición y ejecución y producen la indignación social y política adecuada. Por lo tanto, continúa el debate sobre qué modo de satisfacción estética, si es que hay alguno, se requiere para definir el 'arte'.
La asunción de nuevos valores o la rebelión contra las nociones aceptadas de lo que es estéticamente superior no tiene por qué ocurrir simultáneamente con un abandono total de la búsqueda de lo que es estéticamente atractivo. De hecho, lo contrario suele ser cierto, que la revisión de lo que popularmente se concibe como estéticamente atractivo permite una revitalización de la sensibilidad estética y una nueva apreciación de los estándares del arte mismo. Innumerables escuelas han propuesto sus propias formas de definir la calidad, pero todas parecen estar de acuerdo en al menos un punto: una vez que se aceptan sus elecciones estéticas, el valor de la obra de arte está determinado por su capacidad para trascender los límites del medio elegido. tocar algún acorde universal por la rareza de la habilidad del artista o en su fiel reflejo en lo que se denomina el zeitgeist. El arte a menudo tiene la intención de apelar y conectarse con la emoción humana. Puede despertar sentimientos estéticos o morales, y puede entenderse como una forma de comunicar estos sentimientos. Los artistas expresan algo para que su audiencia se excite hasta cierto punto, pero no tienen que hacerlo conscientemente. El arte puede considerarse una exploración de la condición humana; es decir, lo que es ser humano. Por extensión, Emily L. Spratt ha argumentado que el desarrollo de la inteligencia artificial, especialmente en lo que respecta a sus usos con imágenes, requiere una reevaluación de la teoría estética en la historia del arte actual y una reconsideración de los límites de la creatividad humana.
Arte y derecho
Un tema legal esencial son las falsificaciones de arte, el plagio, las réplicas y las obras que se basan fuertemente en otras obras de arte.
El comercio de obras de arte o la exportación desde un país puede estar sujeto a regulaciones legales. A nivel internacional también existen amplios esfuerzos para proteger las obras de arte creadas. La ONU, la UNESCO y Blue Shield International intentan garantizar una protección eficaz a nivel nacional e intervenir directamente en caso de conflictos armados o desastres. Esto puede afectar particularmente a museos, archivos, colecciones de arte y sitios de excavación. Esto también debería asegurar la base económica de un país, especialmente porque las obras de arte son a menudo de importancia turística. El presidente fundador de Blue Shield International, Karl von Habsburg, explicó una conexión adicional entre la destrucción de bienes culturales y la causa de la huida durante una misión en el Líbano en abril de 2019: “Los bienes culturales son parte de la identidad de las personas que viven en un lugar determinado Si destruyes su cultura, también destruyes su identidad. Muchas personas son desarraigadas, a menudo ya no tienen perspectivas y, como resultado, huyen de su tierra natal”.