Art Nouveau

Art Nouveau es un estilo internacional de arte, arquitectura y artes aplicadas, especialmente las artes decorativas, conocido en diferentes idiomas por diferentes nombres: Jugendstil en alemán, Stile Liberty en italiano, Modernisme català en catalán, etc. En inglés también se le conoce como Modern Style. El estilo fue más popular entre 1890 y 1910 durante el período Belle Époque que terminó con el inicio de la Primera Guerra Mundial en 1914.Fue una reacción contra el arte académico, el eclecticismo y el historicismo de la arquitectura y la decoración del siglo XIX. A menudo se inspiraba en formas naturales como las sinuosas curvas de plantas y flores. Otras características del Art Nouveau fueron una sensación de dinamismo y movimiento, a menudo dada por la asimetría o las líneas de latigazo, y el uso de materiales modernos, en particular hierro, vidrio, cerámica y más tarde hormigón, para crear formas inusuales y espacios abiertos más grandes.

Uno de los principales objetivos del Art Nouveau era romper la distinción tradicional entre las bellas artes (especialmente la pintura y la escultura) y las artes aplicadas. Fue más utilizado en diseño de interiores, artes gráficas, muebles, arte en vidrio, textiles, cerámica, joyería y trabajo en metal. El estilo respondió a los principales teóricos del siglo XIX, como el arquitecto francés Eugène-Emmanuel Viollet-le-Duc (1814–1879) y el crítico de arte británico John Ruskin (1819–1900). En Gran Bretaña, fue influenciado por William Morris y el movimiento Arts and Crafts. Los arquitectos y diseñadores alemanes buscaron un Gesamtkunstwerk ("obra de arte total") espiritualmente edificante que unificara la arquitectura, el mobiliario y el arte en el interior en un estilo común, para elevar e inspirar a los residentes.

Las primeras casas y decoración de interiores Art Nouveau aparecieron en Bruselas en la década de 1890, en la arquitectura y el diseño interior de las casas diseñadas por Paul Hankar, Henry van de Velde y, especialmente, Victor Horta, cuyo Hôtel Tassel se completó en 1893. Se trasladó rápidamente a París, donde fue adaptada por Héctor Guimard, que vio la obra de Horta en Bruselas y aplicó el estilo para las entradas del nuevo Metro de París. Alcanzó su apogeo en la Exposición Internacional de París de 1900, que presentó el trabajo Art Nouveau de artistas como Louis Tiffany. Apareció en artes gráficas en los carteles de Alphonse Mucha, y en la cristalería de René Lalique y Émile Gallé.

Desde Bélgica y Francia, se extendió al resto de Europa, tomando diferentes nombres y características en cada país (ver la sección Denominación a continuación). Aparecía a menudo no solo en las capitales, sino también en ciudades de rápido crecimiento que querían establecer identidades artísticas (Turín y Palermo en Italia; Glasgow en Escocia; Múnich y Darmstadt en Alemania), así como en centros de movimientos independentistas (Helsinki en Finlandia, entonces parte del Imperio Ruso; Barcelona en Cataluña, España).

Para 1914, y con el comienzo de la Primera Guerra Mundial, el Art Nouveau estaba prácticamente agotado. En la década de 1920, fue reemplazado como estilo arquitectónico y de arte decorativo dominante por el Art Deco y luego por el Modernismo. El estilo Art Nouveau comenzó a recibir una atención más positiva por parte de los críticos a fines de la década de 1960, con una importante exposición de la obra de Hector Guimard en el Museo de Arte Moderno en 1970.

Denominación

El término Art Nouveau se utilizó por primera vez en la década de 1880 en la revista belga L'Art Moderne para describir el trabajo de Les Vingt, veinte pintores y escultores que buscaban la reforma a través del arte. El nombre fue popularizado por la Maison de l'Art Nouveau ("Casa del Arte Nuevo"), una galería de arte abierta en París en 1895 por el comerciante de arte franco-alemán Siegfried Bing. En Gran Bretaña, el término francés Art Nouveau se usaba comúnmente, mientras que en Francia, a menudo se lo llamaba Style moderne (similar al término británico Modern Style), o Style 1900. En Francia, también se le llamó a veces Style Jules Verne.(según el novelista Julio Verne), Style Métro (según las entradas de metro de hierro y vidrio de Hector Guimard), Art Belle Époque o Art fin de siècle.

Art Nouveau está relacionado, pero no es idéntico, a los estilos que surgieron en muchos países de Europa aproximadamente al mismo tiempo. Sus nombres locales se usaban a menudo en sus respectivos países para describir todo el movimiento.

• En Bélgica, a veces sus detractores lo denominan Style coup de fouet ("estilo latigazo"), Paling Stijl ("estilo anguila") o Style nouille ("estilo fideos").
• En Gran Bretaña, además del Art Nouveau, se lo conocía como Modern Style o, debido a las obras de la Escuela de Glasgow, como el estilo de Glasgow. El término Moderno también se usa en Azerbaiyán, Kazajstán, Rusia y Ucrania, y Modernas en Lituania.
• En Alemania y Escandinavia, se llamó Reformstil ("estilo de reforma"), o Jugendstil ("estilo juvenil"), en honor a la popular revista de arte alemana del mismo nombre, así como Wellenstil ("estilo de onda") o Lilienstil (" estilo lirio"). Ahora se llama Jugend en Finlandia, Suecia y Noruega, Juugend en Estonia y Jūgendstils en Letonia.
• En Dinamarca, se conoce como Skønvirke ("Obra de belleza").
• En Austria y los países vecinos entonces parte del Imperio Austro-Húngaro, Wiener Jugendstil, o Secessionsstil ("estilo Secesión"), en honor a los artistas de la Secesión de Viena (húngaro: szecesszió, checo: secese, eslovaco: secesia, polaco: secesja).
• En Italia, a menudo se llamaba estilo Liberty, en honor a Arthur Lasenby Liberty, el fundador de Liberty & Co de Londres, cuyos diseños textiles eran populares. A veces también se le llamaba Stile floreale ("Estilo floral") o Arte nuova ("Arte nuevo").
• En los Estados Unidos, debido a su asociación con Louis Comfort Tiffany, a veces se le llama "estilo Tiffany".
• En los Países Bajos, se llamó Nieuwe Kunst ("Arte nuevo") o Nieuwe Stijl ("Estilo nuevo").
• En Portugal, Arte nova.
• En España, Modernismo, Modernisme (en catalán) y Arte joven ("Arte Joven").
• En Suiza, Style Sapin ("estilo abeto").
• En Finlandia, el estilo Kalevala.
• En Rusia, Модерн ("Moderno") o, para pintura, Мир Искусства (Mir Iskusstva, "Mundo del Arte").
• En Japón, Shiro-Uma.
• En Rumanía, Arta 1900 ("Arte de 1900"), Arta Nouă ("Arte nuevo") o Noul Stil ("Estilo nuevo").

Historia

Orígenes

• La casa roja de William Morris y Philip Webb (1859)
• Grabado en madera japonés de Utagawa Kunisada (década de 1850)
• La habitación del pavo real de James McNeill Whistler (1876–1877)
• Diseño textil estampado de William Morris (1883)
• Diseño de papel tapiz de cisne, junco e iris de Walter Crane (1883)
• Silla diseñada por Arthur Mackmurdo (1882-1883)

El nuevo movimiento artístico tuvo sus raíces en Gran Bretaña, en los diseños florales de William Morris y en el movimiento Arts and Crafts fundado por los alumnos de Morris. Los primeros prototipos del estilo incluyen la Casa Roja con interiores de Morris y arquitectura de Philip Webb (1859), y la lujosa Sala Peacock de James Abbott McNeill Whistler. El nuevo movimiento también estuvo fuertemente influenciado por los pintores prerrafaelitas, incluidos Dante Gabriel Rossetti y Edward Burne-Jones, y especialmente por los artistas gráficos británicos de la década de 1880, incluidos Selwyn Image, Heywood Sumner, Walter Crane, Alfred Gilbert y especialmente Aubrey. Beardsley. La silla diseñada por Arthur Mackmurdo ha sido reconocida como precursora del diseño Art Nouveau.

En Francia, fue influenciado por el teórico e historiador de la arquitectura Eugène Viollet-le-Duc, un enemigo declarado del estilo arquitectónico histórico Beaux-Arts, cuyas teorías sobre el racionalismo se derivaron de su estudio del arte medieval:

• La función debe definir la forma.
• Unidad de las artes y abolición de toda distinción entre arte mayor (arquitectura) y arte menor (artes decorativas).
• La lógica de la naturaleza es el modelo a utilizar para la arquitectura.
• La arquitectura debe adaptarse al entorno y las necesidades del hombre.
• Uso de tecnologías y materiales modernos.

Viollet-le-Duc fue él mismo un precursor del Art Nouveau: en 1851, en Notre-Dame de París, creó una serie de pinturas murales típicas del estilo. Estas pinturas fueron eliminadas en 1945 por considerarse no académicas. En el Château de Roquetaillade en la región de Burdeos, sus decoraciones interiores que datan de 1865 también anticipan el Art Nouveau. En su libro de 1872 Entretiens sur l'architecture, escribió: "Utilice los medios y el conocimiento que nos brinda nuestro tiempo, sin las tradiciones intermedias que ya no son viables hoy, y de esa manera podemos inaugurar una nueva arquitectura. Para cada función su material; para cada material su forma y su ornamento”. Este libro influyó en una generación de arquitectos, incluidos Louis Sullivan, Victor Horta, Hector Guimard y Antoni Gaudí.

Los pintores franceses Maurice Denis, Pierre Bonnard y Édouard Vuillard jugaron un papel importante en la integración de la pintura de bellas artes con la decoración. "Creo que ante todo un cuadro debe decorar", escribió Denis en 1891. "La elección de temas o escenas no es nada. Es por el valor de los tonos, la superficie coloreada y la armonía de las líneas que puedo alcanzar el espíritu y despertar las emociones". Todos estos pintores hicieron pintura tradicional y pintura decorativa en pantallas, en vidrio y en otros medios.

Otra influencia importante en el nuevo estilo fue el japonismo. Esta fue una ola de entusiasmo por la impresión en madera japonesa, en particular las obras de Hiroshige, Hokusai y Utagawa Kunisada, que se importaron a Europa a partir de la década de 1870. El emprendedor Siegfried Bing fundó una revista mensual, Le Japon artistiqueen 1888 y publicó treinta y seis números antes de que finalizara en 1891. Influyó tanto en coleccionistas como en artistas, incluido Gustav Klimt. Las características estilizadas de los grabados japoneses aparecieron en gráficos, porcelana, joyas y muebles Art Nouveau. Desde principios de 1860, se manifestó repentinamente una influencia del Lejano Oriente. En 1862, los amantes del arte de Londres o París podían comprar obras de arte japonesas, ya que en ese año Japón apareció por primera vez como expositor en la Exposición Internacional de Londres. También en 1862, en París, se abrió la tienda La Porte Chinoise, en la Rue de Rivoli, donde se vendían ukiyo-e japoneses y otros objetos del Lejano Oriente. En 1867 apareció Ejemplos de adornos chinos de Owen Jones, y en 1870 Arte e industrias en Japón.por R. Alcock, y dos años más tarde, OH Moser y TW Cutler publicaron libros sobre arte japonés. Algunos artistas del Art Nouveau, como Victor Horta, poseían una colección de arte del Lejano Oriente, especialmente japonés.

Las nuevas tecnologías en la impresión y publicación permitieron que Art Nouveau llegara rápidamente a una audiencia global. Las revistas de arte, ilustradas con fotografías y litografías en color, jugaron un papel fundamental en la popularización del nuevo estilo. El Studio en Inglaterra, Arts et idèes y Art et decoration en Francia, y Jugend en Alemania permitieron que el estilo se extendiera rápidamente por todos los rincones de Europa. Aubrey Beardsley en Inglaterra, y Eugène Grasset, Henri de Toulouse-Lautrec y Félix Vallotton lograron reconocimiento internacional como ilustradores. Con los carteles de Jules Chéret para la bailarina Loie Fuller en 1893 y de Alphonse Mucha para la actriz Sarah Bernhardt en 1895, el cartel se convirtió no solo en publicidad, sino en una forma de arte. Sarah Bernhardt apartó una gran cantidad de sus carteles para venderlos a coleccionistas.

Desarrollo - Bruselas (1893–1898)

• Casa Hankar de Paul Hankar (1893)
• Fachada del Hôtel Tassel de Victor Horta (1892–1893)
• Escalera del Hôtel Tassel
• Casa Bloemenwerf de Henry van de Velde (1895)
• Silla Bloemenwerf realizada por Van de Velde para su residencia (1895)
• Cartel de la Exposición Internacional de Henri Privat-Livemont (1897)

Las primeras casas urbanas modernistas, la Casa Hankar de Paul Hankar (1893) y el Hôtel Tassel de Victor Horta (1892–1893), se construyeron casi simultáneamente en Bruselas. Hankar se inspiró particularmente en las teorías del arquitecto francés Eugène Viollet-le-Duc. Con el objetivo de crear una síntesis de bellas artes y artes decorativas, trajo a Adolphe Crespin [ fr ] y Albert Ciamberlani [ fr ] para decorar el interior y el exterior con esgrafiados o murales. Hankar decoró tiendas, restaurantes y galerías en lo que un crítico local calificó como "un verdadero delirio de originalidad". Murió en 1901, justo cuando el movimiento comenzaba a recibir reconocimiento.

Victor Horta fue uno de los arquitectos más influyentes del Art Nouveau temprano, y su Hôtel Tassel (1892–1893) es uno de los hitos del estilo. La formación arquitectónica de Horta fue como ayudante de Alphonse Balat, arquitecto del rey Leopoldo II, en la construcción de los monumentales Invernaderos Reales de hierro y cristal de Laeken.En 1892-1893, le dio a esta experiencia un uso muy diferente. Diseñó la residencia de un destacado químico belga, Émile Tassel, en un sitio muy estrecho y profundo. El elemento central de la casa era la escalera, no encerrada por muros, sino abierta, decorada con una barandilla de hierro forjado ondulado, y colocada bajo un alto lucernario. Los pisos estaban sostenidos por esbeltas columnas de hierro como troncos de árboles. Los pisos y paredes de mosaico estaban decorados con delicados arabescos en formas florales y vegetales, que se convirtieron en la firma más popular del estilo.En poco tiempo, Horta construyó tres casas adosadas más, todas con interiores abiertos y todas con tragaluces para obtener la máxima luz interior: el Hôtel Solvay, el Hôtel van Eetvelde (para Edmond van Eetvelde) y la Maison & Atelier Horta. Los cuatro son ahora parte del Patrimonio de la Humanidad de la UNESCO.

Henry van de Velde, nacido en Amberes, fue otra figura fundadora en el nacimiento del Art Nouveau. Los diseños de Van de Velde incluyeron el interior de su residencia, el Bloemenwerf (1895). El exterior de la casa se inspiró en la Casa Roja, la residencia del escritor y teórico William Morris, el fundador del movimiento Arts and Crafts. Formado como pintor, Van de Velde se dedicó a la ilustración, luego al diseño de muebles y finalmente a la arquitectura. Para Bloemenwerf, creó los textiles, el papel pintado, la platería, las joyas e incluso la ropa, que coincidían con el estilo de la residencia.Van de Velde fue a París, donde diseñó muebles y decoración para Samuel Bing, cuya galería de París dio nombre al estilo. También fue uno de los primeros teóricos del Art Nouveau y exigió el uso de líneas dinámicas, a menudo opuestas. Van de Velde escribió: "Una línea es una fuerza como todas las demás fuerzas elementales. Varias líneas juntas pero opuestas tienen una presencia tan fuerte como varias fuerzas". En 1906 partió de Bélgica hacia Weimar (Alemania), donde fundó la Escuela Gran Ducal de Artes y Oficios, donde estaba prohibida la enseñanza de estilos históricos. Desempeñó un papel importante en el Werkbund alemán, antes de regresar a Bélgica.

El debut de la arquitectura Art Nouveau en Bruselas estuvo acompañado por una ola de Arte Decorativo en el nuevo estilo. Artistas importantes incluyeron a Gustave Strauven, quien usó hierro forjado para lograr efectos barrocos en las fachadas de Bruselas; el diseñador de muebles Gustave Serrurier-Bovy, conocido por sus originales sillas y muebles articulados de metal; y el diseñador de joyas Philippe Wolfers, que hizo joyas en forma de libélulas, mariposas, cisnes y serpientes.

La Exposición Internacional de Bruselas celebrada en 1897 atrajo la atención internacional hacia el estilo; Horta, Hankar, Van de Velde y Serrurier-Bovy, entre otros, participaron en el diseño de la feria y Henri Privat-Livemont realizó el cartel de la exposición.

París - Maison de l'Art Nouveau (1895) y Castel Beranger (1895-1898)

• Siegfried Bing invitó a artistas a mostrar obras modernas en su nueva Maison de l'Art Nouveau (1895).
• La galería Maison de l'Art Nouveau de Siegfried Bing (1895)
• Cartel de Félix Vallotton para la nueva Maison de l'Art Nouveau (1896)
• Puerta de entrada del Castel Béranger de Hector Guimard (1895–1898)

El comerciante de arte y editor franco-alemán Siegfried Bing desempeñó un papel clave en la publicidad del estilo. En 1891 fundó una revista dedicada al arte de Japón, que ayudó a dar a conocer el japonismo en Europa. En 1892 organizó una exposición de siete artistas, entre ellos Pierre Bonnard, Félix Vallotton, Édouard Vuillard, Toulouse-Lautrec y Eugène Grasset, que incluía tanto pintura moderna como obra decorativa. Esta exposición se mostró en la Société nationale des beaux-arts en 1895. En el mismo año, Bing abrió una nueva galería en 22 rue de Provence en París, la Maison de l'Art Nouveau, dedicada a nuevas obras tanto en el arte fino como en el Artes Decorativas. El interior y el mobiliario de la galería fueron diseñados por el arquitecto belga Henry van de Velde, uno de los pioneros de la arquitectura Art Nouveau. La Maison de l'Art Nouveaumostró pinturas de Georges Seurat, Paul Signac y Toulouse-Lautrec, vidrio de Louis Comfort Tiffany y Émile Gallé, joyas de René Lalique y carteles de Aubrey Beardsley. Las obras que se muestran allí no tenían un estilo uniforme. Bing escribió en 1902: "El Art Nouveau, en el momento de su creación, no aspiraba en modo alguno a tener el honor de convertirse en un término genérico. Era simplemente el nombre de una casa abierta como punto de reunión para todos los jóvenes y artistas ardientes impacientes por mostrar la modernidad de sus tendencias.”

El estilo se notó rápidamente en la vecina Francia. Después de visitar el Hôtel Tassel de Horta, Héctor Guimard construyó el Castel Béranger, uno de los primeros edificios de París del nuevo estilo, entre 1895 y 1898. Los parisinos se quejaban de la monotonía de la arquitectura de los bulevares construidos bajo Napoleón III por Georges-Eugène Haussmann.. El Castel Beranger era una curiosa mezcla de neogótico y art nouveau, con líneas curvas y formas naturales. Guimard, hábil publicista de su obra, declaró: "Lo que hay que evitar a toda costa es... el paralelo y la simetría. La naturaleza es la mayor constructora de todas, y la naturaleza no hace nada que sea paralelo y nada que sea simétrico".

Los parisinos dieron la bienvenida al estilo original y pintoresco de Guimard; el Castel Béranger fue elegido como una de las mejores fachadas nuevas de París, lanzando la carrera de Guimard. Guimard recibió el encargo de diseñar las entradas para el nuevo sistema de metro de París, lo que atrajo la atención de millones de visitantes a la Exposición Universal de 1900 de la ciudad.

Exposición Universal de París (1900)

• Entrada principal a la Exposición Universal de París de 1900
• El Pabellón Bigot, que exhibe el trabajo del artista de cerámica Alexandre Bigot
• Entrada al Pabellón de Austria, con exhibiciones diseñadas por Josef Hoffmann
• El pabellón alemán de Bruno Möhring
• Entrada de la estación de metro de París en Abbesses diseñada por Hector Guimard para la Exposición Universal de 1900
• Armas Lindgren y Eliel Saarinen obtuvieron reconocimiento internacional por su diseño del pabellón de Finlandia
• Carta diseñada por Alfons Mucha para el restaurante del Pabellón de Bosnia
• Pórtico del Pabellón de Porcelana de Sevres (1900), ahora en la plaza Félix-Desruelles de París

La Exposición Universal de París de 1900 marcó el punto culminante del Art Nouveau. Entre abril y noviembre de 1900, atrajo a casi cincuenta millones de visitantes de todo el mundo y mostró la arquitectura, el diseño, la cristalería, el mobiliario y los objetos decorativos del estilo. La arquitectura de la Exposición era a menudo una mezcla de arquitectura Art Nouveau y Beaux-Arts: la sala de exposiciones principal, el Grand Palais, tenía una fachada Beaux-Arts completamente ajena a la espectacular escalera Art Nouveau y la sala de exposiciones en el interior.

Todos los diseñadores franceses realizaron obras especiales para la Exposición: cristal y joyería Lalique; joyas de Henri Vever y Georges Fouquet; Daum de vidrio; la Manufacture nationale de Sèvres en porcelana; cerámica de Alexandre Bigot; lámparas y jarrones de vidrio esculpido de Émile Gallé; muebles de Édouard Colonna y Louis Majorelle; y muchas otras empresas destacadas de artes y oficios. En la Exposición de París de 1900, Siegfried Bing presentó un pabellón llamado Art Nouveau Bing, que presentaba seis interiores diferentes completamente decorados en el estilo.

La Exposición fue el primer escaparate internacional para diseñadores y artistas Art Nouveau de toda Europa y más allá. Los ganadores del premio y los participantes incluyeron a Alphonse Mucha, quien realizó murales para el pabellón de Bosnia-Herzegovina y diseñó el menú para el restaurante del pabellón; los decoradores y diseñadores Bruno Paul y Bruno Möhring de Berlín; Carlo Bugatti de Turín; Bernhardt Pankok de Baviera; El arquitecto-diseñador ruso Fyodor Schechtel y Louis Comfort Tiffany and Company de los Estados Unidos. El arquitecto vienés Otto Wagner fue miembro del jurado y presentó una maqueta del baño Art Nouveau de su propio apartamento en Viena, con una bañera de cristal.Josef Hoffmann diseñó la exposición vienesa en la exposición de París, destacando los diseños de la Secesión de Viena. Eliel Saarinen ganó reconocimiento internacional por primera vez por su diseño imaginativo del pabellón de Finlandia.

Si bien la Exposición de París fue, con mucho, la más grande, otras exposiciones hicieron mucho para popularizar el estilo. La Exposición Universal de Barcelona de 1888 marcó el inicio del Modernismo en España, con algunos edificios de Lluís Domènech i Montaner. La Esposizione internazionale d'arte decorativa moderna de 1902 en Turín, Italia, presentó a diseñadores de toda Europa, incluidos Victor Horta de Bélgica y Joseph Maria Olbrich de Viena, junto con artistas locales como Carlo Bugatti, Galileo Chini y Eugenio Quarti.

Variaciones locales

Art Nouveau en Francia

• Cartel de la bailarina Loie Fuller de Jules Chéret (1893)
• Cartel de Alfons Mucha para Gismonda protagonizada por Sarah Bernhardt (1894)
• Escalera del Petit Palais, París (1900)
• Portada del edificio Lavirotte de Jules Lavirotte, 29, avenue Rapp, París (1901)
• La joyería de Georges Fouquet en 6, rue Royale, París, diseñada por Alphonse Mucha, ahora en el Museo Carnavalet (1901)
• Peine de cuerno, oro y diamantes de René Lalique (c. 1902) (Musée d'Orsay)
• La Villa Majorelle en Nancy para el diseñador de muebles Louis Majorelle del arquitecto Henri Sauvage (1901–02)
• Muebles de dormitorio de Villa Majorelle (1901–02), ahora en el Museo de Bellas Artes de Nancy
• Vidrio y reja de hierro forjado de la puerta principal de la Villa Majorelle (1901)

Después de la Exposición de 1900, la capital del Art Nouveau fue París. Las residencias más extravagantes del estilo fueron construidas por Jules Lavirotte, quien cubrió por completo las fachadas con decoración escultórica de cerámica. El ejemplo más llamativo es el Edificio Lavirotte, en el número 29 de la avenida Rapp (1901). Los edificios de oficinas y los grandes almacenes presentaban patios altos cubiertos con cúpulas de vidrieras y decoración de cerámica. El estilo fue particularmente popular en restaurantes y cafés, incluidos Maxim's en 3, rue Royale y Le Train bleu en la Gare de Lyon (1900).

El estatus de París atrajo a artistas extranjeros a la ciudad. El artista nacido en Suiza Eugène Grasset fue uno de los primeros creadores de carteles del Art Nouveau francés. Ayudó a decorar el famoso cabaret Le Chat Noir en 1885, realizó sus primeros carteles para las Fêtes de Paris y un célebre cartel de Sarah Bernhardt en 1890. En París, enseñó en la escuela de arte de Guérin (École normale d'enseignement du dessin), donde tuvo como alumnos a Augusto Giacometti y Paul Berthon. Théophile-Alexandre Steinlen, nacido en Suiza, creó el famoso cartel para el cabaret de París Le Chat noir en 1896. El artista checo Alphonse Mucha (1860–1939) llegó a París en 1888 y, en 1895, hizo un cartel para la actriz Sarah Bernhardt en el jugar gismondade Victorien Sardou en el Théâtre de la Renaissance. El éxito de este cartel dio lugar a un contrato para producir carteles para seis obras más de Bernhardt.

La ciudad de Nancy en Lorena se convirtió en la otra capital francesa del nuevo estilo. En 1901 se fundó la Alliance provinciale des industries d'art, también conocida como École de Nancy, dedicada a trastornar la jerarquía que anteponía la pintura y la escultura a las artes decorativas. Los principales artistas que trabajaron allí incluyeron a los creadores de jarrones y lámparas de vidrio Émile Gallé, los hermanos Daum en el diseño de vidrio y el diseñador Louis Majorelle, quien creó muebles con elegantes formas florales y vegetales. El arquitecto Henri Sauvage trajo el nuevo estilo arquitectónico a Nancy con su Villa Majorelle en 1902.

El estilo francés fue ampliamente difundido por nuevas revistas, incluidas The Studio, Arts et Idées y Art et Décoration, cuyas fotografías y litografías en color dieron a conocer el estilo a diseñadores y clientes adinerados de todo el mundo.

En Francia, el estilo alcanzó su apogeo en 1900 y, a partir de entonces, pasó rápidamente de moda y prácticamente desapareció de Francia en 1905. El Art Nouveau era un estilo de lujo, que requería artesanos expertos y muy bien pagados, y no podía ser fácil o barato en masa. -producido Uno de los pocos productos Art Nouveau que se pudo producir en masa fue el frasco de perfume, y estos todavía se fabrican con el estilo en la actualidad.

Art Nouveau en Bélgica

• El Hôtel van Eetvelde de Victor Horta, Bruselas (1898-1900)
• Detalle del Jardín de Invierno del Hôtel van Eetvelde
• Antiguos grandes almacenes Old England de Paul Saintenoy, Bruselas (1898–1899)
• Casa Saint-Cyr de Gustave Strauven, Bruselas (1901-1903)
• Casa del arquitecto Paul Cauchie con esgrafiados, Bruselas (1905)
• Silla de Henry van de Velde (1896)
• Cama y espejo de Gustave Serrurier-Bovy (1898–1899), ahora en el Musée d'Orsay, París
• Philippe Wolfers, Plume de Paon, (Colección Fundación Rey Balduino, depósito: KMKG-MRAH)

Bélgica fue uno de los primeros centros del Art Nouveau, gracias en gran parte a la arquitectura de Victor Horta, quien diseñó una de las primeras casas Art Nouveau, el Hôtel Tassel en 1893, y otras tres casas adosadas con variaciones del mismo estilo. Ahora son sitios del Patrimonio Mundial de la UNESCO. Horta tuvo una fuerte influencia en la obra del joven Héctor Guimard, que vino a ver en construcción el Hôtel Tassel, y más tarde declaró que Horta era el "inventor" del Art Nouveau. La innovación de Horta no fue la fachada, sino el interior, utilizando abundante hierro y vidrio para abrir espacios e inundar de luz las estancias, y decorándolas con columnas de hierro forjado y barandillas de formas vegetales curvas, que repercutían en los suelos y paredes, así como los muebles y alfombras que diseñó Horta.

Paul Hankar fue otro pionero del Art Nouveau de Bruselas. Su casa se completó en 1903, el mismo año que el Hôtel Tassel de Horta, y presentaba murales esgrafiados en la fachada. Hankar fue influenciado tanto por Viollet-le-Duc como por las ideas del movimiento inglés Arts and Crafts. Su idea de concepción fue unir las artes decorativas y las bellas artes en un todo coherente. Encargó al escultor Alfred Crick y al pintor Adolphe Crespin [ fr ] que decoraran las fachadas de las casas con su obra. El ejemplo más llamativo fue la casa y el estudio construidos para el artista Albert Ciamberlani en 48, rue Defacqz / Defacqzstraaten Bruselas, para la que creó una exuberante fachada cubierta con murales esgrafiados con figuras pintadas y ornamentos, recreando la arquitectura decorativa del Quattrocento, o la Italia del siglo XV. Hankar murió en 1901, cuando su trabajo apenas recibía reconocimiento.

Gustave Strauven fue asistente de Horta, antes de que comenzara su propia práctica a los 21 años. Su obra más famosa es la Maison Saint Cyr en la plaza Ambiorix en Bruselas. Con apenas cuatro metros de ancho, está decorado de arriba a abajo con adornos curvos, en un estilo casi Art Nouveau-Barroco.

Otros artistas importantes del Art Nouveau de Bélgica incluyeron al arquitecto y diseñador Henry van de Velde, aunque la parte más importante de su carrera la pasó en Alemania; influyó fuertemente en la decoración del Jugendstil. Otros incluyeron al decorador Gustave Serrurier-Bovy y al artista gráfico Fernand Khnopff. Los diseñadores belgas aprovecharon una abundante oferta de marfil importado del Congo Belga; Las esculturas mixtas, que combinaban piedra, metal y marfil, de artistas como Philippe Wolfers, eran populares.

Nieuwe Kunst en Holanda

• La bolsa de productos básicos de Ámsterdam, por Hendrik Petrus Berlage (1896-1903)
• Gabinete/Escritorio de Berlage (1898)
• Póster de Delft Salad Oil de Jan Toorop (1893)
• Jarrón con diseño floral abstracto de Theo Colenbrander (1898)
• Jarrón de porcelana diseñado por J. Jurriaaan Kok y decorado por WR Sterken (1901)

En los Países Bajos, el estilo se conocía como Nieuwe Stijl ("Nuevo estilo") o Nieuwe Kunst ("Arte nuevo"), y tomó una dirección diferente del estilo más floral y curvo de Bélgica. Fue influenciado por las formas más geométricas y estilizadas del Jugendstil alemán y la Secesión de Viena austríaca. También fue influenciado por el arte y las maderas importadas de Indonesia, luego de las Indias Orientales Holandesas, particularmente los diseños de los textiles y el batik de Java.

El arquitecto y diseñador de muebles más importante del estilo fue Hendrik Petrus Berlage, quien denunció los estilos históricos y abogó por una arquitectura puramente funcional. Escribió: "Es necesario luchar contra el arte de la ilusión, y reconocer la mentira, para encontrar la esencia y no la ilusión". Al igual que Victor Horta y Gaudí, fue un admirador de las teorías arquitectónicas de Viollet-le-Duc.Sus muebles fueron diseñados para ser estrictamente funcionales y respetar las formas naturales de la madera, en lugar de doblarla o torcerla como si fuera metal. Señaló el ejemplo de los muebles egipcios y prefirió las sillas con ángulos rectos. Su primera y más famosa obra arquitectónica fue Beurs van Berlage (1896-1903), la Bolsa de Mercancías de Ámsterdam, que construyó siguiendo los principios del constructivismo. Todo era funcional, incluidas las líneas de remaches que decoraban las paredes de la sala principal. A menudo incluía torres muy altas en sus edificios para hacerlos más prominentes, una práctica utilizada por otros arquitectos Art Nouveau de la época, incluidos Joseph Maria Olbrich en Viena y Eliel Saarinen en Finlandia.

Otros edificios del estilo incluyen el American Hotel (1898-1900), también de Berlage; y Astoria (1904–1905) de Herman Hendrik Baanders y Gerrit van Arkel en Amsterdam; la estación de tren de Haarlem (1906-1908) y el antiguo edificio de oficinas de Holland America Lines (1917) en Rotterdam, ahora el Hotel New York.

Destacados artistas gráficos e ilustradores del estilo incluyeron a Jan Toorop, cuyo trabajo se inclinaba hacia el misticismo y el simbolismo, incluso en sus carteles para ensaladas de aceite. En sus colores y diseños, a veces también mostraban la influencia del arte de Java.

Figuras importantes de la cerámica y la porcelana holandesa incluyeron a Jurriaan Kok y Theo Colenbrander. Utilizaron estampados florales coloridos y motivos Art Nouveau más tradicionales, combinados con formas inusuales de cerámica y colores oscuros y claros contrastantes, tomados de la decoración batik de Java.

Estilo moderno y Escuela de Glasgow en Gran Bretaña

• Edificio de pub (1899-1900) por James Hoey Craigie (1870-1930). 59 Dumbarton Road, Glasgow
• Diseño de portada de Arthur Mackmurdo para un libro sobre Christopher Wren (1883)
• Salones de té Willow de Charles Rennie Mackintosh, 217 Sauchiehall Street, Glasgow (1903)
• Edificio "The Hatrack" de James Salmon, 142a, 144 St. Vincent Street, Glasgow (1899-1902)
• La antigua imprenta de Everard, Broad Street, Bristol, de Henry Williams (1900)
• Hebilla de cinturón de Archibald Knox para Liberty Department Store
• Paneles bordados de Margaret Macdonald Mackintosh (1902)
• El Royal Liver Building, Liverpool, de Walter Aubrey Thomas (1908-1911)

El Art Nouveau tiene sus raíces en Gran Bretaña, en el movimiento Arts and Crafts que comenzó en la década de 1860 y alcanzó el reconocimiento internacional en la década de 1880. Pidió un mejor tratamiento de las artes decorativas y se inspiró en la artesanía y el diseño medievales y en la naturaleza. Un ejemplo temprano notable del estilo moderno es el diseño de Arthur Mackmurdo para la portada de su ensayo sobre las iglesias de la ciudad de Sir Christopher Wren, publicado en 1883, al igual que su silla de caoba del mismo año.

Otros innovadores importantes en Gran Bretaña incluyeron a los diseñadores gráficos Aubrey Beardsley, cuyos dibujos presentaban líneas curvas que se convirtieron en la característica más reconocible del estilo. También se podría aducir hierro forjado de flujo libre de la década de 1880, o algunos diseños textiles florales planos, la mayoría de los cuales debían cierto ímpetu a los patrones del diseño del siglo XIX. Otros artistas gráficos británicos que tuvieron un lugar importante en el estilo incluyeron a Walter Crane y Charles Ashbee.

Los grandes almacenes Liberty en Londres desempeñaron un papel importante, a través de sus coloridos diseños florales estilizados para textiles y los diseños de plata, peltre y joyas de Manxman (de ascendencia escocesa) Archibald Knox. Sus diseños de joyas en materiales y formas rompieron por completo con las tradiciones históricas del diseño de joyas.

Para la arquitectura Art Nouveau y el diseño de muebles, el centro más importante de Gran Bretaña fue Glasgow, con las creaciones de Charles Rennie Mackintosh y la Escuela de Glasgow, cuyo trabajo se inspiró en la arquitectura señorial escocesa y el diseño japonés.A partir de 1895, Mackintosh exhibió sus diseños en exposiciones internacionales en Londres, Viena y Turín; sus diseños influyeron particularmente en el Estilo Secesión en Viena. Sus creaciones arquitectónicas incluyeron el Glasgow Herald Building (1894) y la biblioteca de la Escuela de Arte de Glasgow (1897). También estableció una gran reputación como diseñador y decorador de muebles, trabajando en estrecha colaboración con su esposa, Margaret Macdonald Mackintosh, una destacada pintora y diseñadora. Juntos crearon llamativos diseños que combinaban líneas rectas geométricas con una decoración floral suavemente curvada, en particular un símbolo famoso del estilo, la rosa de Glasgow".

Léon-Victor Solon, hizo una importante contribución a la cerámica Art Nouveau como director de arte en Mintons. Se especializó en placas y en jarrones revestidos de tubos comercializados como "artículos secesionistas" (generalmente descritos con el nombre del movimiento artístico vienés). Aparte de la cerámica, diseñó textiles para la industria de la seda Leek y doblajes para un encuadernador (GTBagguley of Newcastle under Lyme), que patentó la encuadernación Sutherland en 1895.

George Skipper fue quizás el arquitecto Art Nouveau más activo de Inglaterra. El edificio Edward Everard en Bristol, construido entre 1900 y 1901 para albergar la imprenta de Edward Everard, presenta una fachada Art Nouveau. Las figuras representadas son de Johannes Gutenberg y William Morris, ambos eminentes en el campo de la imprenta. Una figura alada simboliza el "Espíritu de la Luz", mientras que una figura que sostiene una lámpara y un espejo simboliza la luz y la verdad.

Jugendstil en Alemania

• Portada de la revista Pan de Joseph Sattler (1895)
• Portada de Jugend de Otto Eckmann (1896)
• Tapiz Los cinco cisnes de Otto Eckmann (1896-1897)
• Póster de la Secesión de Múnich de Franz Stuck (1898-1900)
• Tirador de puerta Jugendstil en Berlín (circa 1900)
• Silla de Richard Riemerschmid (1902)
• Juego de comedor Jugendstil y platos de Peter Behrens (1900-1901)
• Jarra de gres de Richard Riemerschmid (1902)
• Plato de peltre Jugendstil de WMF Design no.232. c.1906

El Art Nouveau alemán es comúnmente conocido por su nombre alemán, Jugendstil, o "Estilo Juvenil". El nombre está tomado de la revista artística, Die Jugend, o Juventud, que se publicó en Munich. La revista fue fundada en 1896 por Georg Hirth, quien fue editor hasta su muerte en 1916. La revista sobrevivió hasta 1940. A principios del siglo XX, Jugendstil se aplicó solo a las artes gráficas. Se refería especialmente a las formas de tipografía y diseño gráfico que se encuentran en revistas alemanas como Jugend, Pan y Simplicissimus. JugendstilPosteriormente se aplicó a otras versiones del Art Nouveau en Alemania, los Países Bajos. El término fue tomado del alemán por varios idiomas de los estados bálticos y los países nórdicos para describir el Art Nouveau (ver la sección de nombres).

En 1892 Georg Hirth eligió el nombre Munich Secession para la Asociación de Artistas Visuales de Munich. La Secesión de Viena, fundada en 1897, y la Secesión de Berlín también tomaron sus nombres del grupo de Munich.

Las revistas Jugend y Simplicissimus, publicadas en Munich, y Pan, publicada en Berlín, fueron importantes defensores del Jugendstil. El arte Jugendstil combinó curvas sinuosas y líneas más geométricas, y se utilizó para portadas de novelas, anuncios y carteles de exposiciones. Los diseñadores a menudo creaban estilos originales de tipografía que funcionaban en armonía con la imagen, por ejemplo, la tipografía Arnold Böcklin en 1904.

Otto Eckmann fue uno de los artistas alemanes más destacados asociados con Die Jugend y Pan. Su animal favorito era el cisne, y su influencia fue tan grande que el cisne llegó a servir como símbolo de todo el movimiento. Otro diseñador prominente en el estilo fue Richard Riemerschmid, quien hizo muebles, cerámica y otros objetos decorativos en un estilo sobrio y geométrico que apuntaba hacia el Art Deco. El artista suizo Hermann Obrist, residente en Munich, ilustró el motivo del golpe de fouet o latigazo cervical, una doble curva muy estilizada que sugiere el movimiento del tallo de la flor del ciclamen.

• Ernst Ludwig House de Joseph Maria Olbrich (1900) que ahora alberga el Museo de la colonia de Darmstadt
• Torre de bodas en la colonia de artistas de Darmstadt (1908)
• Complejo balneario Sprudelhof en Bad Nauheim (1905-1911)
• Estación Mexikoplatz en Berlín (1902-1904)
• Hackesche Höfe en Berlín (1906)
• Puerta Art Nouveau con un motivo decorativo de girasol (Rybnik Silesia)

La Colonia de Artistas de Darmstadt fue fundada en 1899 por Ernest Ludwig, Gran Duque de Hesse. El arquitecto que construyó la casa del Gran Duque, así como la estructura más grande de la colonia (Torre nupcial), fue Joseph Maria Olbrich, uno de los fundadores de la Secesión de Viena. Otros artistas notables de la colonia fueron Peter Behrens y Hans Christiansen. Ernest Ludwig también encargó la reconstrucción del complejo termal de Bad Nauheim a principios de siglo. Un complejo Sprudelhof [ de ] completamente nuevo se construyó en 1905-1911 bajo la dirección de Wilhelm Jost [ de ] y logró uno de los principales objetivos de Jugendstil: una síntesis de todas las artes. Otro miembro de la familia reinante que encargó una estructura Art Nouveau fue la princesa Isabel de Hesse y del Rin. Fundó el Convento Marfo-Mariinsky en Moscú en 1908 y su katholikon es reconocida como una obra maestra del Art Nouveau.

Otro sindicato notable en el Imperio alemán fue el Deutscher Werkbund, fundado en 1907 en Munich a instancias de Hermann Muthesius por artistas de Darmstadt Colony Joseph Maria Olbrich, Peter Behrens; por otro fundador de la Secesión de Viena, Josef Hoffmann, así como por Wiener Werkstätte (fundada por Hoffmann), por Richard Riemerschmid, Bruno Paul y otros artistas y compañías. Más tarde, el belga Henry van de Velde se unió al movimiento. La Escuela Gran Ducal de Artes y Oficios [ de ], fundada por él en Weimar, fue predecesora de la Bauhaus, una de las corrientes más influyentes en la arquitectura modernista.

En Berlín se eligió Jugendstil para la construcción de varias estaciones de tren. La más notable es Bülowstraße de Bruno Möhring (1900–1902), otros ejemplos son Mexikoplatz (1902–1904), Botanischer Garten (1908–1909), Frohnau (1908–1910), Wittenbergplatz (1911–1913) y Pankow (1912– 1914) estaciones. Otra estructura notable de Berlín es Hackesche Höfe (1906), que utilizó ladrillo vidriado policromado para la fachada del patio.

Art Nouveau en Estrasburgo (entonces parte del Imperio alemán como capital del Reichsland Elsaß-Lothringen) era una marca específica, ya que combinaba influencias de Nancy y Bruselas, con influencias de Darmstadt y Viena, para operar una síntesis local. que reflejaba la historia de la ciudad entre los reinos germánico y francés.

Secesión en Austria-Hungría

Secesión de Viena

• El Salón de la Secesión de Viena de Joseph Maria Olbrich (1897-1898)
• Vampiro en Ver Sacrum #12 (1899) p. 8 de Ernst Stohr
• Sillón de Koloman Moser (c. 1900)
• Mujer con vestido amarillo de Max Kurzweil (1907)
• El beso de Gustav Klimt (1907–08)

Viena se convirtió en el centro de una variante distinta del Art Nouveau, que se conoció como la Secesión de Viena. El movimiento tomó su nombre de la Secesión de Múnich establecida en 1892. La Secesión de Viena fue fundada en abril de 1897 por un grupo de artistas que incluía a Gustav Klimt, Koloman Moser, Josef Hoffmann, Joseph Maria Olbrich, Max Kurzweil, Ernst Stöhr y otros. El pintor Klimt se convirtió en el presidente del grupo. Se opusieron a la orientación conservadora hacia el historicismo expresada por Vienna Künstlerhaus, el sindicato oficial de artistas. La Secesión fundó una revista, Ver Sacrum, para promocionar sus obras en todos los medios.El arquitecto Joseph Olbrich diseñó el edificio abovedado de la Secesión en el nuevo estilo, que se convirtió en un escaparate para las pinturas de Gustav Klimt y otros artistas de la Secesión.

Klimt se convirtió en el más conocido de los pintores de la Secesión, a menudo borrando la frontera entre la pintura de bellas artes y la pintura decorativa. Koloman Moser fue un artista extremadamente versátil en el estilo; su trabajo incluye ilustraciones de revistas, arquitectura, platería, cerámica, porcelana, textiles, vidrieras y muebles.

• Diseño floral de Alois Ludwig en la fachada de Maiolica House de Otto Wagner (1898)
• Estación Karlsplatz Stadtbahn de Otto Wagner (1899)
• Interior de la Kirche am Steinhof de Otto Wagner (1904-1907)
• El Palais Stoclet en Bruselas por Josef Hoffmann (1905-1911)

El arquitecto más destacado de la Secesión de Viena fue Otto Wagner, se unió al movimiento poco después de su inicio para seguir a sus alumnos Hoffmann y Olbrich. Sus principales proyectos incluyeron varias estaciones de la red ferroviaria urbana (Stadtbahn), los Edificios Linke Wienzeile (que consta de la Casa Mayólica, la Casa de los Medallones y la casa en Köstlergasse). La estación Karlsplatz es ahora una sala de exposiciones del Museo de Viena. La Kirche am Steinhof del hospital psiquiátrico de Steinhof (1904–1907) es un ejemplo único y finamente elaborado de la arquitectura religiosa de la Secesión, con un exterior abovedado tradicional pero un interior dorado y blanco elegante y moderno iluminado por una gran cantidad de vidrieras modernas.

En 1899 Joseph Maria Olbrich se mudó a la colonia de artistas de Darmstadt, en 1903 Koloman Moser y Josef Hoffmann fundaron Wiener Werkstätte, una escuela de formación y taller para diseñadores y artesanos de muebles, alfombras, textiles y objetos decorativos. En 1905, Koloman Moser y Gustav Klimt se separaron de la Secesión de Viena, más tarde, en 1907, Koloman Moser también dejó Wiener Werkstätte, mientras que su otro fundador, Josef Hoffmann, se unió a Deutscher Werkbund. Gustav Klimt y Josef Hoffmann continuaron colaborando, organizaron la Exposición Kunstschau [ de ] en 1908 en Viena y construyeron el Palacio Stoclet en Bruselas (1905-1911) que anunció la llegada de la arquitectura modernista. Fue designado como Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO en junio de 2009.

Szecesszió húngaro

• Museo de Artes Aplicadas de Budapest de Ödön Lechner (1893–1896)
• Museo Geológico de Budapest por Ödön Lechner (1898–1899)
• Palacio Gróf en Szeged por Ferenc Raichle (1913)

El pionero y profeta de la Szecesszió (Secesión en húngaro), el arquitecto Ödön Lechner, creó edificios que marcaron una transición del historicismo al modernismo para la arquitectura húngara. Su idea para un estilo arquitectónico húngaro fue el uso de cerámica arquitectónica y motivos orientales. En sus obras, utilizó pigorganita puesta en producción en 1886 por la fábrica de porcelana Zsolnay. Este material se utilizó en la construcción de notables edificios húngaros de otros estilos, por ejemplo, el edificio del parlamento húngaro y la iglesia Matthias.

Las obras de Ödön Lechner incluyen el Museo de Artes Aplicadas (1893–1896), otros edificios con características distintivas similares son el Museo Geológico (1896–1899) y el edificio The Postal Savings Bank (1899–1902), todos en Budapest. Sin embargo, debido a la oposición del establecimiento arquitectónico húngaro al éxito de Lechner, pronto no pudo obtener nuevos encargos comparables a sus edificios anteriores. Pero Lechner fue una inspiración y un maestro para la siguiente generación de arquitectos que desempeñaron el papel principal en la popularización del nuevo estilo. Dentro del proceso de magiarización, se encargaron numerosos edificios a sus discípulos en las afueras del reino: por ejemplo, Marcell Komor [hu]y Dezső Jakab recibieron el encargo de construir la Sinagoga (1901-1903) y el Ayuntamiento (1908-1910) en Szabadka (ahora Subotica, Serbia), la Prefectura del Condado (1905-1907) y el Palacio de la Cultura (1911-1913) en Marosvásárhely (ahora Târgu Mureș, Rumania). Más tarde, el propio Lechner construyó la Iglesia Azul en Pozsony (actual Bratislava, Eslovaquia) en 1909-1913.

Otro arquitecto importante fue Károly Kós, seguidor de John Ruskin y William Morris. Kós tomó el movimiento del romanticismo nacional finlandés como modelo y la lengua vernácula de Transilvania como inspiración. Sus edificios más notables incluyen la Iglesia Católica Romana en Zebegény (1908–09), pabellones para el Zoológico Municipal de Budapest (1909–1912) y el Museo Nacional Székely en Sepsiszentgyörgy (ahora Sfântu Gheorghe, Rumania, 1911–12).

• Mosaico de Miksa Róth en el edificio Török Bank [ fr ] en Budapest (1906)
• Relieve en la fachada del Palacio Gresham de Géza Maróti en Budapest (1906)
• Gabinete de Ödön Faragó, de Budapest (1901)

El movimiento que promovió Szecesszió en las artes fue Gödöllő Art Colony, fundado por Aladár Körösfői-Kriesch, también seguidor de John Ruskin y William Morris y profesor de la Real Escuela de Artes Aplicadas de Budapest en 1901. Sus artistas participaron en muchos proyectos, incluyendo la Academia de Música Franz Liszt en Budapest.

Miksa Róth, asociada de Gödöllő Art Colony, también participó en varias docenas de proyectos de Szecesszió, incluidos edificios de Budapest como el Palacio Gresham (vidrieras, 1906) y el Banco Török [ fr ] (mosaicos, 1906) y también creó mosaicos y vidrieras para Palace de Cultura (1911-1913) en Marosvásárhely.

Un diseñador de muebles notable es Ödön Faragó [hu], quien combinó la arquitectura popular tradicional, la arquitectura oriental y el Art Nouveau internacional en un estilo muy pintoresco. Pál Horti [hu], otro diseñador húngaro, tenía un estilo mucho más sobrio y funcional, realizado en roble con delicadas tracerías de ébano y latón.

Otras variaciones

• Frescos de la Casa Municipal de Praga por Alphonse Mucha
• Vitral de Alphonse Mucha en la Catedral de San Vito de Praga
• Relieve de cerámica del Teatro Viola de Praga por Ladislav Šaloun
• El Nuevo Ayuntamiento de Praga (1908-1911)

El arquitecto Art Nouveau esloveno más prolífico fue Ciril Metod Koch. Estudió en las clases de Otto Wagner en Viena y trabajó en el Ayuntamiento de Laybach (ahora Ljubljana, Eslovenia) de 1894 a 1923. Después del terremoto de Laybach en 1895, diseñó muchos edificios seculares en estilo Secesión que adoptó de 1900 a 1910: Casa Pogačnik (1901), Edificio Čuden (1901), The Farmers Loan Bank (1906–07), edificio Hauptmann renovado en estilo Secession en 1904. El punto culminante de su carrera fue el Loan Bank en Radmannsdorf (ahora Radovljica) en 1906.

Los edificios de la Secesión más notables de Praga son ejemplos de arte total con arquitectura, escultura y pinturas distintivas. La estación de tren principal (1901-1909) fue diseñada por Josef Fanta y presenta pinturas de Václav Jansa y esculturas de Ladislav Šaloun y Stanislav Sucharda junto con otros artistas. La Casa Municipal (1904–1912) fue diseñada por Osvald Polívka y Antonín Balšánek, pintada por el famoso pintor checo Alphonse Mucha y presenta esculturas de Josef Mařatka y Ladislav Šaloun. Polívka, Mařatka y Šaloun cooperaron simultáneamente en la construcción del Nuevo Ayuntamiento (1908-1911) junto con Stanislav Sucharda, y Mucha pintó más tarde las vidrieras de la Catedral de San Vito con su estilo distintivo.

El estilo de combinar Szecesszió húngaro y elementos arquitectónicos nacionales era típico del arquitecto eslovaco Dušan Jurkovič. Sus obras más originales son la Casa de la Cultura en Szakolca (ahora Skalica en Eslovaquia, 1905), los edificios del spa en Luhačovice (ahora República Checa) en 1901-1903 y 35 cementerios de guerra cerca de Nowy Żmigród en Galicia (ahora Polonia), la mayoría de ellos fuertemente influenciados por el arte popular y la carpintería local Lemko (Rusyn) (1915-1917).

Art Nouveau en Rumania

• El Casino Constanța de Daniel Renard y Petre Antonescu (1905-1910)
• El centro de una estufa de una casa de la ciudad en el área de Rosetti Square (Bucarest)
• Puerta en la plaza Mihail Kogălniceanu, Bucarest
• Relieve en la fachada de un pequeño bloque, cerca del Hospital Colțea, Bucarest
• Mița the Cyclist House de Bucarest de Nicolae C. Mihăescu (1910), combinación de Renacimiento barroco y Art Nouveau
• Casa en la calle Dimitrie Racoviță, Bucarest
• La Casa Dianu de Craiova (1900-1905)
• La Casa Dinu Lipatti de Bucarest por Petre Antonescu (1902), combinación de Renacimiento barroco y Art Nouveau
• La casa Romulus Porescu de Bucarest por Dumitru Maimarolu (1905), Art Nouveau con influencias del Renacimiento barroco
• La parte superior de una estufa de azulejos del Museo George Severeanu, Bucarest
• Detalle de una valla en el bulevar Lascăr Catargiu, Bucarest
• Frescos en el techo del pórtico de la iglesia del monasterio de Antim, Bucarest
• Puerta de arco trilobulado del Renacimiento rumano de Bucarest, que muestra elementos Art Nouveau

El Casino Constanța es probablemente el ejemplo más famoso de Art Nouveau en Rumania. El Casino, Kurhaus o KursaalEl tema es específico de la Belle Époque. El autor del casino, iniciado en 1905 y terminado en 1910, es el arquitecto Daniel Renard, quien estudió en París entre 1894 y 1900. Firmó los planos tanto arquitectónicos como de decoración del casino. Específico del Art Nouveau es la ornamentación en relieve de las fachadas, ya sea con motivos florales naturalistas, como los de la Escuela de Nancy, o motivos inspirados en la fauna marina, como conchas y delfines. Una de las casas Art Nouveau de Bucarest es la Casa Dinu Lipatti (n. 12, bulevar Lascăr Catargiu), de Petre Antonescu, cuyo motivo central es el arco de entrada, sobre el cual hay un mascarón femenino en alto relieve. Entre los ejemplos de arquitectura Art Nouveau en Bucarest se encuentran casas adosadas, que a veces tienen solo ventanas en forma de herradura u otras formas u ornamentos propios del Art Nouveau. Un ejemplo es la Casa Romulus Porescu (n.º 12, calle Doctor Paleologu), que también tiene vidrieras de estilo renacentista egipcio en las ventanas de las esquinas. Algunos de los edificios del Renacimiento barroco en Bucarest tienen influencias Art Nouveau o neorocaille, entre ellos el Observatorio de Bucarest (no. 21, Lascăr Catargiu Boulevard), la casa no. 58 en la calle Sfinții Voievozi, la Casa Mița the Cyclist (calle Biserica Amzei, n.° 9, o calle Christian Tell, n.° 11) y el Palacio Cantacuzino (calle de la Victoria, n.° 141). Algunos de los edificios del Renacimiento barroco en Bucarest tienen influencias Art Nouveau o neorocaille, entre ellos el Observatorio de Bucarest (no. 21, Lascăr Catargiu Boulevard), la casa no. 58 en la calle Sfinții Voievozi, la Casa Mița the Cyclist (calle Biserica Amzei, n.° 9, o calle Christian Tell, n.° 11) y el Palacio Cantacuzino (calle de la Victoria, n.° 141). Algunos de los edificios del Renacimiento barroco en Bucarest tienen influencias Art Nouveau o neorocaille, entre ellos el Observatorio de Bucarest (no. 21, Lascăr Catargiu Boulevard), la casa no. 58 en la calle Sfinții Voievozi, la Casa Mița the Cyclist (calle Biserica Amzei, n.° 9, o calle Christian Tell, n.° 11) y el Palacio Cantacuzino (calle de la Victoria, n.° 141).El estilo del Renacimiento rumano, presente en la arquitectura, el mobiliario y el diseño gráfico, incluye elementos Art Nouveau.

• Una portada de la revista Literatură și Artă Română ("Literatura y artes rumanas") (1899)
• Panel decorativo de Ștefan Lucian (1900)
• Primavera, panel decorativo de Ștefan Lucian (1901)
• Mujer joven de Ștefan Lucian, dibujo para la portada de la Revista Ileana
• Sello de Weaver Charity Society (1906)
• El hada del agua de Elena Alexandrina Bednarik (1908)
• La portada de un pequeño libro de poesía de 1908.
• La portada de un pequeño libro de poesía de 1908.
• La portada de una pequeña revista de poesía de la serie Biblioteca Societății (1912)

Uno de los pintores Art Nouveau más notables de Rumania fue Ștefan Lucian, quien rápidamente se hizo cargo de las direcciones innovadoras y decorativas del Art Nouveau durante un corto período de tiempo. El momento se sincronizó con la fundación de la Sociedad Ileana en 1897, de la cual fue miembro fundador, compañía que organizó una exposición (1898) en el Hotel Unión titulada La Exposición de Artistas Independientes y publicó una revista: la Revista Ileana.

Transilvania tiene ejemplos de edificios Art Nouveau y del Renacimiento rumano, siendo el primero de la era austrohúngara. La mayoría de ellos se pueden encontrar en Oradea, apodada la "capital del Art Nouveau de Rumania", pero también en Timișoara, Târgu Mureș y Sibiu.

Stile Liberty en Italia

• Cartel de la Exposición de Turín de 1902
• Villino Florio en Palermo de Ernesto Basile (1899-1902)
• Palacio Castiglioni en Milán por Giuseppe Sommaruga (1901-1903)
• Florero de Galileo Chini (1896-1898)
• Carlo Bugatti, silla y escritorio Cobra (1902), Museo de Brooklyn
• Entrada de Casa Guazzoni (1904–05) en Milán por Giovanni Battista Bossi (1904–06)

Art Nouveau en Italia era conocido como arte nuova, stile floreale, stile moderno y especialmente stile Liberty. El estilo Liberty tomó su nombre de Arthur Lasenby Liberty y la tienda que fundó en 1874 en Londres, Liberty Department Store, que se especializaba en importar adornos, textiles y objetos de arte de Japón y el Lejano Oriente, y cuyos coloridos textiles eran particularmente populares en Italia.. Los diseñadores italianos notables en el estilo incluyeron a Galileo Chini, cuyas cerámicas a menudo se inspiraron en patrones de mayólica. Posteriormente fue conocido como pintor y escenógrafo teatral; diseñó los decorados de dos célebres óperas de Puccini, Gianni Schicchi y Turandot.

La arquitectura de estilo Liberty varió mucho y, a menudo, siguió estilos históricos, particularmente el barroco. Las fachadas a menudo estaban empapadas de decoración y escultura. Ejemplos del estilo Liberty incluyen el Villino Florio (1899–1902) de Ernesto Basile en Palermo; el Palazzo Castiglioni de Milán de Giuseppe Sommaruga (1901–1903); Milán y la Casa Guazzoni (1904–05) en Milán por Giovanni Battista Bossi (1904–06).

Los frescos coloridos, pintados o en cerámica, y la escultura, tanto en el interior como en el exterior, eran una característica popular del estilo Liberty. Se basaron en temas tanto clásicos como florales. como en los baños de Acque della Salute, y en la Casa Guazzoni de Milán.

La figura más importante en el diseño del estilo Liberty fue Carlo Bugatti, hijo de un arquitecto y decorador, padre de Rembrandt Bugatti, escultor de Liberty, y de Ettore Bugatti, famoso diseñador de automóviles. Estudió en la Academia Milanesa de Brera, y más tarde en la Académie des Beaux-Arts de París. Su trabajo se distinguió por su exotismo y excentricidad, incluyendo platería, textiles, cerámica e instrumentos musicales, pero es mejor recordado por sus innovadores diseños de muebles, mostrados por primera vez en la Feria de Bellas Artes de Milán de 1888. Sus muebles a menudo presentaban un diseño de ojo de cerradura y tenían revestimientos inusuales, que incluían pergamino y seda, e incrustaciones de hueso y marfil. A veces también tenía sorprendentes formas orgánicas, copiadas de caracoles y cobras.

modernismo en españa

• Basílica de la Sagrada Familia en Barcelona de Antoni Gaudí (1883–)
• Fachada de trencadís de la Casa Batlló de Antoni Gaudí y Josep Maria Jujol (1904-1906)
• Casa Milà de Antoni Gaudí (1906-1912)
• Hospital de Sant Pau de Lluis Domenech i Montaner (1901-1930)
• Casa de les Punxes de Josep Puig i Cadafalch (1905)
• Santuario de María Magdalena [ ca ] en Novelda, Comunidad Valenciana
• Casa Gallardo en Madrid
• El Capricho de Gaudí en Comillas, Cantabria

Una variante muy original del estilo surgió en Barcelona, ​​Cataluña, aproximadamente al mismo tiempo que apareció el estilo Art Nouveau en Bélgica y Francia. Se llamó Modernismo en catalán y Modernismo en castellano. Su creador más famoso fue Antoni Gaudí. Gaudí utilizó formas florales y orgánicas de una forma muy novedosa en el Palau Güell (1886-1890). Según la UNESCO, "la arquitectura del parque combinó elementos del movimiento Arts and Crafts, el simbolismo, el expresionismo y el racionalismo, y presagió e influyó en muchas formas y técnicas del modernismo del siglo XX". Integró a su arquitectura oficios como la cerámica, las vidrieras, la forja y la carpintería. En sus Pabellones Güell (1884-1887) y luego en el Parc Güell (1900-1914) también utilizó una nueva técnica llamada trencadís, que utilizaba piezas de cerámica de desecho. Sus diseños de aproximadamente 1903, la Casa Batlló (1904-1906) y la Casa Milà (1906-1912), están más estrechamente relacionados con los elementos estilísticos del Art Nouveau. Las estructuras posteriores, como la Sagrada Familia, combinaron elementos Art Nouveau con el neogótico revivalista.La Casa Batlló, la Casa Milà, los Pabellones Güell y el Parc Güell fueron el resultado de su colaboración con Josep Maria Jujol, quien él mismo creó casas en Sant Joan Despí (1913-1926), varias iglesias cerca de Tarragona (1918 y 1926) y la sinuosa Casa Planells (1924) en Barcelona.

Además de la presencia dominante de Gaudí, Lluís Domènech i Montaner también utilizó el Art Nouveau en Barcelona en edificios como el Castell dels Tres Dragons (1888), la Casa Lleó Morera, el Palau de la Música Catalana (1905) y el Hospital de Sant Pau (1901– 1930). Los dos últimos edificios han sido catalogados por la UNESCO como Patrimonio Cultural de la Humanidad.

Otro gran modernista fue Josep Puig i Cadafalch, que proyectó la Casa Martí y su café Els Quatre Gats, la fábrica textil Casimir Casaramona (hoy museo de arte CaixaFòrum), la Casa Macaya, la Casa Amatller, el Palau del Baró de Quadras (que alberga la Casa Àsia durante 10 años hasta 2013) y la Casa de les Punxes ("Casa de los Pinchos").

Un movimiento Art Nouveau distintivo también estaba en la Comunidad Valenciana. Algunos de los arquitectos notables fueron Demetrio Ribes Marco, Vicente Pascual Pastor, Timoteo Briet Montaud y José María Manuel Cortina Pérez. Las características definitorias del Art Nouveau valenciano son un uso notable de la cerámica en la decoración, tanto en la fachada como en la ornamentación, y también el uso de motivos regionales valencianos.

Otra variante destacable es el Art Nouveau madrileño o "Modernismo madrileño", con edificios tan notables como el Palacio Longoria, el Casino de Madrid o el Cementerio de la Almudena, entre otros. Reconocidos modernistas madrileños fueron los arquitectos José López Sallaberry, Fernando Arbós y Tremanti y Francisco Andrés Octavio.

• Ramon Casas y Pere Romeu en tándem de Ramon Casas (1897)
• Escultura de terracota policromada de Lambert Escaler [ ca ]
• Lowboy de Antoni Gaudí (1889)
• Techo de vidrieras del Palau de la Música Catalana de Antoni Rigalt (1905-1908)
• Mobiliario de Gaspar Homar [ca]

El movimiento Modernismo dejó una amplia herencia artística que incluye dibujos, pinturas, esculturas, trabajos en vidrio y metal, mosaicos, cerámica y muebles. Una parte se encuentra en el Museu Nacional d'Art de Catalunya.

Inspirándose en un café de París llamado Le Chat Noir, donde había trabajado anteriormente, Pere Romeu i Borràs [ ca ] decidió abrir un café en Barcelona que se llamó Els Quatre Gats (Cuatro gatos en catalán). El café se convirtió en un punto de encuentro central para las figuras más destacadas del Modernismo de Barcelona, ​​como Pablo Picasso y Ramon Casas i Carbó, quienes ayudaron a promover el movimiento con sus carteles y postales. Para el café creó un cuadro llamado Ramon Casas y Pere Romeu en un tándem que fue reemplazado por otra composición suya titulada Ramon Casas y Pere Romeu en un automóvil en 1901, que simboliza el nuevo siglo.

Antoni Gaudí diseñó muebles para muchas de las casas que construyó; un ejemplo es un sillón llamado the for the Battle House. Influyó en otro notable diseñador de muebles catalán, Gaspar Homar [ ca ] (1870-1953), quien a menudo combinaba marquetería y mosaicos con sus muebles.

Arte Nova en Portugal

• Fachada de la residencia Major Pessoa en Aveiro (1907-1909)
• Atrio de la Residencia Major Pessoa
• Museo-Residencia Dr. Anastácio Gonçalves en Lisboa (1904–1905)
• La librería Livraria Lello en Oporto, Portugal (1906)
• Detalles de Almirante Reis, edificio 2-2K en Lisboa (1908)
• Azulejo de cerámica de la Cooperativa Agrícola de Aveiro (1913)

La variante Art Nouveau en Aveiro (Portugal) se llamó Arte Nova, y su principal rasgo característico fue la ostentación: el estilo fue utilizado por la burguesía que quería expresar su riqueza en las fachadas dejando los interiores conservadores. Otro rasgo distintivo de Arte Nova fue el uso de azulejos producidos localmente con motivos Art Nouveau.

El artista más influyente de Arte Nova fue Francisco Augusto da Silva Rocha. Aunque no se formó como arquitecto, diseñó muchos edificios en Aveiro y en otras ciudades de Portugal. Uno de ellos, la residencia Major Pessoa, tiene tanto una fachada como un interior de estilo Art Nouveau, y ahora alberga el Museo de Arte Nova.

Hay otros ejemplos de Arte Nova en otras ciudades de Portugal. Algunos de ellos son el Museo-Residencia Dr. Anastácio Gonçalves de Manuel Joaquim Norte Júnior [pt] (1904–1905) en Lisboa, Café Majestic de João Queiroz [pt] (1921) y la librería Livraria Lello de Xavier Esteves [pt] (1906), ambos en Oporto.

Jugendstil en los países nórdicos

Finlandia

• Entrada principal del edificio Pohjola Insurance (1899-1901), esculturas de Hilda Flodin
• Junto al río Tuonela (1903) en el estilo romántico nacional finlandés de Akseli Gallen-Kallela
• Catedral de Tampere en el estilo romántico nacional finlandés (1902-1907) de Lars Sonck
• Silla de Eliel Saarinen (1907-1908)
• Estatuas en la estación central de tren de Helsinki por Emil Wikström

El Art Nouveau fue popular en los países nórdicos, donde generalmente se lo conocía como Jugendstil, y a menudo se combinaba con el Estilo Romántico Nacional de cada país. El país nórdico con el mayor número de edificios Jugendstil es el Gran Ducado de Finlandia, entonces parte del Imperio Ruso. El período Jugendstil coincidió con la Edad de Oro del arte finlandés y el despertar nacional. Después de la Exposición de París de 1900, el principal artista finlandés fue Akseli Gallen-Kallela. Es conocido por sus ilustraciones del Kalevala, la epopeya nacional finlandesa, así como por pintar numerosos edificios Judendstil en el Ducado.

Los arquitectos del pabellón finlandés en la Exposición fueron Herman Gesellius, Armas Lindgren y Eliel Saarinen. Trabajaron juntos desde 1896 hasta 1905 y crearon muchos edificios notables en Helsinki, incluido el edificio Pohjola Insurance (1899-1901) y el Museo Nacional de Finlandia (1905-1910), así como su residencia conjunta Hvitträsk en Kirkkonummi (1902). Los arquitectos se inspiraron en las leyendas nórdicas y la naturaleza, por lo que la fachada de granito en bruto se convirtió en un símbolo de pertenencia a la nación finlandesa. Después de la disolución de la empresa, Saarinen diseñó la estación de tren de Helsinki (1905-1914) en formas más claras, influenciada por la arquitectura estadounidense. El escultor que trabajó con Saarinen en la construcción del Museo Nacional de Finlandia y la estación de tren de Helsinki fue Emil Wikström.

Otro arquitecto que creó varias obras notables en Finlandia fue Lars Sonck. Sus principales obras Jugendstil incluyen la Catedral de Tampere (1902–1907), Ainola, la casa de Jean Sibelius (1903), la sede de la Asociación Telefónica de Helsinki (1903–1907) y la Iglesia Kallio en Helsinki (1908–1912). Además, Magnus Schjerfbeck, hermano de Helene Schjerfbeck, hizo que el sanatorio para tuberculosos fuera conocido como Nummela Sanatorium en 1903 utilizando el estilo Jugendstil.

Noruega

• Diseño gráfico de Gerhard Munthe (1914)
• Silla Viking-Art Nouveau del diseñador noruego Lars Kinsarvik (1900)
• Centro Art Nouveau en Ålesund (1905-1907)
• Interior del Centro Art Nouveau de Ålesund
• Adornos de una puerta en el Centro Art Nouveau de Ålesund

Noruega también aspiraba a la independencia (de Suecia) y el Art Nouveau local estaba conectado con un renacimiento inspirado en el arte y la artesanía folclóricos vikingos. Los diseñadores notables incluyeron a Lars Kisarvik, quien diseñó sillas con patrones vikingos y celtas tradicionales, y Gerhard Munthe, quien diseñó una silla con un emblema estilizado de cabeza de dragón de antiguos barcos vikingos, así como una amplia variedad de carteles, pinturas y gráficos.

La ciudad noruega de Ålesund está considerada como el principal centro del Art Nouveau en Escandinavia porque fue completamente reconstruida tras un incendio el 23 de enero de 1904. Entre 1904 y 1907 se construyeron unos 350 edificios bajo un plan urbanístico diseñado por el ingeniero Frederik Næsser. La fusión de unidad y variedad dio origen a un estilo conocido como Ål Stil. Los edificios de este estilo tienen una decoración lineal y ecos tanto de Jugendstil como de elementos vernáculos, por ejemplo, torres de iglesias de madera o techos con cresta. Uno de los edificios, Swan Pharmacy, ahora alberga el Art Nouveau Centre.

Suecia y Dinamarca

• Jarrón con mora, pintura de Per Algot Eriksson, y plata de E. Lefebvre, en el Museo Bröhan (Berlín)
• Taza y platillo del servicio 'iris' (1897), en el Museo de Arte del Condado de Los Ángeles
• Tintero y caja de sellos, de Jens Dahl-Jensen (c. 1900), en el Hessisches Landesmuseum Darmstadt (Darmstadt, Alemania)
• El Gran Salón de la Biblioteca Municipal de Aarhus por Karl Hansen Reistrup
• Altar de Engelbrektskyrkan en Estocolmo (1914)
• Cartel de la Exposición del Báltico en Malmö (1914)

Las obras maestras de Jugendstil de otros países nórdicos incluyen Engelbrektskyrkan (1914) y Royal Dramatic Theatre (1901–1908) en Estocolmo, Suecia y la antigua Biblioteca de la Ciudad (ahora Archivos Comerciales Nacionales Daneses) en Aarhus, Dinamarca (1898–1901). El arquitecto de este último es Hack Kampmann, entonces defensor del estilo romántico nacional que también creó Custom House, Theatre y Villa Kampen en Aarhus. El diseñador Art Nouveau más notable de Dinamarca fue el platero Georg Jensen. La Exposición del Báltico en Malmö de 1914 puede verse como la última gran manifestación del Jugendstil en Suecia.

Moderno en Rusia

• Un huevo Art Nouveau Fabergé (1898)
• Ilustración del pájaro de fuego de Ivan Bilibin (1899)
• Escenografía para el ballet Scheherazade de Nikolai Rimsky-Korsakov de Léon Bakst (1910)
• Diseño de programa para "La tarde de un fauno" de Léon Bakst para Ballets Russes, (1912)
• Sillas de Sergey Malyutin, Talashkino Art Colony
• Chimenea de cerámica sobre el tema del folclore ruso de Mikhail Vrubel (1908)

Модерн ("Moderno") fue una variación rusa muy colorida del Art Nouveau que apareció en Moscú y San Petersburgo en 1898 con la publicación de una nueva revista de arte, "Мир искусства" (transliteración: Mir Iskusstva) ("El mundo del arte"), de los artistas rusos Alexandre Benois y Léon Bakst, y el editor jefe Sergei Diaghilev. La revista organizó exposiciones de destacados artistas rusos, incluidos Mikhail Vrubel, Konstantin Somov, Isaac Levitan y el ilustrador de libros Ivan Bilibin. El estilo World of Art hizo menos uso de las formas vegetales y florales del Art Nouveau francés; se basó en gran medida en los colores brillantes y los diseños exóticos del folclore y los cuentos de hadas rusos. La contribución más influyente del "Mundo del Arte" fue la creación de una nueva compañía de ballet,, encabezada por Diaghilev, con vestuario y decorados diseñados por Bakst y Benois. La nueva compañía de ballet se estrenó en París en 1909 y actuó allí todos los años hasta 1913. Los escenarios exóticos y coloridos diseñados por Benois y Bakst tuvieron un gran impacto en el arte y el diseño franceses. Los diseños de vestuario y escenografía se reprodujeron en las principales revistas de París, L'Illustration, La Vie parisienne y Gazette du bon ton, y el estilo ruso se conoció en París como à la Bakst. La compañía quedó varada en París primero por el estallido de la Primera Guerra Mundial y luego por la Revolución Rusa en 1917, e irónicamente nunca actuó en Rusia.

De los arquitectos rusos, el más destacado en el estilo Art Nouveau puro fue Fyodor Schechtel. El ejemplo más famoso es la Casa Ryabushinsky en Moscú. Fue construido por un empresario ruso y dueño de un periódico, y luego, después de la Revolución Rusa, se convirtió en la residencia del escritor Máximo Gorki, y ahora es el Museo Gorki. Su escalera principal, hecha de un agregado pulido de hormigón, mármol y granito, tiene líneas ondulantes y fluidas como las olas del mar, y está iluminada por una lámpara en forma de medusa flotante. El interior también cuenta con puertas, ventanas y techos decorados con coloridos frescos de mosaico.Schechtel, quien también es considerado una figura importante en el simbolismo ruso, diseñó varios otros edificios emblemáticos en Moscú, incluida la reconstrucción de la estación de tren de Moscú Yaroslavsky, en un estilo de renacimiento más tradicional de Moscú.

• Casa Ryabushinsky en Moscú por Fyodor Schechtel (1900)
• Escalera principal de la Casa Ryabushinsky de Moscú por Fyodor Schechtel (1900)
• Casa Teremok en Talashkino, una obra del renacimiento ruso de Sergey Malyutin (1901-1902)
• Cartucho con mascarón, en la fachada de la Casa Singer, de Pavel Suzor (1904)
• Casa Pertsova de Sergey Malyutin en Moscú (1905-1907)
• Fachada del Hotel Metropol de Moscú con mosaicos de Mikhail Vrubel (1899–1907)
• Comedor del Grand Hotel Europe de San Petersburgo (1910)
• Exterior del Renacimiento ruso de la estación de tren Yaroslavsky de Fyodor Schechtel en Moscú (1902-1904)
• La Iglesia del Espíritu Santo en Talashkino, por Sergey Malyutin

Otros arquitectos rusos de la época crearon la arquitectura del Renacimiento ruso, que se basó en la arquitectura rusa histórica. Estos edificios se crearon principalmente en madera y se referían a la arquitectura de la Rus de Kiev. Un ejemplo es la Casa Teremok en Talashkino (1901-1902) de Sergey Malyutin y la Casa Pertsova (también conocida como Casa Pertsov) en Moscú (1905-1907). También fue miembro del movimiento Mir iskusstva. El arquitecto de San Petersburgo Nikolai Vasilyev construyó en una variedad de estilos antes de emigrar en 1923. Este edificio es más notable por las tallas de piedra hechas por Sergei Vashkov inspiradas en las tallas de la Catedral de San Demetrio en Vladimir y la Catedral de San Jorge en Yuryev-Polsky de la siglos XII y XIII. El convento Marfo-Mariinsky (1908-1912) de Alexey Shchusev es una versión actualizada de una iglesia ortodoxa rusa clásica.

Varias colonias de arte en Rusia en este período se construyeron al estilo del Renacimiento ruso. Las dos colonias más conocidas estaban situadas en Abramtsevo, financiada por Savva Mamontov, y Talashkino, gobernación de Smolensk, financiada por la princesa María Tenisheva. Un ejemplo de esta arquitectura del Renacimiento ruso es el Convento Marfo-Mariinsky (1908-1912), una iglesia ortodoxa rusa actualizada por Alexey Shchusev, quien más tarde, irónicamente, diseñó el Mausoleo de Lenin en Moscú.

Jūgendstils (Art Nouveau en Riga)

• Fachada de la casa de Elizabetes ielā, 10b, de Mikhail Eisenstein (1903)
• Escalera en la casa Pēkšēns de Konstantīns Pēkšēns (1903) que ahora alberga el museo Riga Jūgendstils
• Decoración romántica nacional en una casa construida por Konstantīns Pēkšēns (1908)
• Ministerio de Educación, construido por Edgar Friesendorf (1911)

Riga, la actual capital de Letonia, fue en ese momento una de las principales ciudades del Imperio Ruso. Sin embargo, la arquitectura Art Nouveau en Riga se desarrolló de acuerdo con su propia dinámica, y el estilo se volvió abrumadoramente popular en la ciudad. Poco después de la Exposición Etnográfica de Letonia en 1896 y la Exposición Industrial y Artesanal en 1901, el Art Nouveau se convirtió en el estilo dominante en la ciudad. Por lo tanto, la arquitectura Art Nouveau representa un tercio de todos los edificios en el centro de Riga, lo que la convierte en la ciudad con la mayor concentración de tales edificios en todo el mundo. La cantidad y calidad de la arquitectura Art Nouveau fue uno de los criterios para incluir a Riga en el Patrimonio Cultural Mundial de la UNESCO.

Hubo diferentes variaciones de la arquitectura Art Nouveau en Riga:

• en el Art Nouveau ecléctico, los elementos florales y otros elementos de decoración inspirados en la naturaleza eran los más populares. Ejemplos de esa variación son las obras de Mikhail Eisenstein,
• en el Art Nouveau perpendicular, los adornos geométricos se integraron en las composiciones verticales de las fachadas. Se construyeron varios grandes almacenes con este estilo y, a veces, también se lo denomina "estilo de grandes almacenes" o Warenhausstil en alemán.
• El Art Nouveau Romántico Nacional se inspiró en el arte popular local, los volúmenes monumentales y el uso de materiales de construcción naturales.

Algunos edificios neoclásicos posteriores también contenían detalles de Art Nouveau.

Estilo Sapin en La Chaux-de-Fonds, Suiza

• Villa Fallet con decoración inspirada en abetos (1906) de Le Corbusier (1905)
• Crematorio (1908–10), interior, con diseño de abeto estilizado en el techo. Posteriormente se añadieron los murales simbolistas de L'Epplattenier.
• Crematorio (1908-10), con detalle estilizado de "sapin" o cono de pino
• Crematorio (1908–10), con detalle de piña.

Una variación llamada Style Sapin ("Estilo de pino") surgió en La Chaux-de-Fonds en el cantón de Neuchâtel en Suiza. El estilo fue lanzado por el pintor y artista Charles l'Eplattenier y se inspiró especialmente en el sapin, o pino, y otras plantas y vida silvestre de las montañas del Jura. Una de sus principales obras fue el Crematorio de la ciudad, que presentaba formas triangulares de árboles, piñas y otros temas naturales de la región. El estilo también se mezcló con los elementos estilísticos más geométricos de Jugendstil y Vienna Secession.

Otro edificio notable en el estilo es la Villa Fallet La Chaux-de-Fonds, un chalet diseñado y construido en 1905 por un alumno de L'Epplattenier, Le Corbusier, de dieciocho años. La forma de la casa era un chalet suizo tradicional, pero la decoración de la fachada incluía árboles triangulares y otras características naturales. Le Corbusier construyó dos chalets más en la zona, incluida la Villa Stotzer, en un estilo de chalet más tradicional.

Tiffany Style y Louis Sullivan en Estados Unidos

• Tiffany Chapel de la Exposición Colombina de Word de 1893, ahora en el Museo de Arte Americano Charles Hosmer Morse en Winter Park, Florida
• Jarrón de vidrio de Louis Comfort Tiffany ahora en el Museo de Arte de Cincinnati (1893-1896)
• Póster Siglo de Louis John Rhead (1894)
• Lámpara Wisteria de Louis Comfort Tiffany (circa 1902), en el Museo de Bellas Artes de Virginia
• Ventana de Tiffany en su casa en Oyster Bay, Nueva York
• The Flight of Souls Window de Louis Comfort Tiffany ganó una medalla de oro en la Exposición de París de 1900
• Ventanas del edificio Wainwright de Louis Sullivan (1891)
• Entrada de South State Street a Carson, Pirie, Scott and Company Store (1899) de Louis Sullivan
• Detalle del edificio Prudential (Garanty), Nueva York Louis Sullivan (1896)
• Banco Nacional de Agricultores de Owatonna por Louis Sullivan (1907–08)

En los Estados Unidos, la firma de Louis Comfort Tiffany jugó un papel central en el Art Nouveau americano. Nacido en 1848, estudió en la Academia Nacional de Diseño de Nueva York, empezó a trabajar el vidrio a los 24 años, entró en el negocio familiar iniciado por su padre y en 1885 montó su propia empresa dedicada al vidrio fino, y desarrolló nuevas técnicas para su coloración. En 1893, comenzó a hacer jarrones y cuencos de vidrio, nuevamente desarrollando nuevas técnicas que permitieron formas y colores más originales, y comenzó a experimentar con vidrios decorativos para ventanas. Se imprimieron, marmolaron y superpusieron capas de vidrio, lo que le dio una riqueza y variedad de color excepcionales. En 1895, sus nuevas obras se presentaron en la galería Art Nouveau de Siegfried Bing, brindándole una nueva clientela europea. Tras la muerte de su padre en 1902, se hizo cargo de toda la empresa de Tiffany, pero aun así dedicó gran parte de su tiempo a diseñar y fabricar objetos de arte en vidrio. A instancias de Thomas Edison, comenzó a fabricar lámparas eléctricas con pantallas de vidrio multicolor en estructuras de bronce y hierro, o decoradas con mosaicos, producidas en numerosas series y ediciones, cada una hecha con el cuidado de una pieza de joyería. Un equipo de diseñadores y artesanos trabajó en cada producto. La lámpara Tiffany en particular se convirtió en uno de los íconos del Art Nouveau, pero los artesanos de Tiffany diseñaron y fabricaron ventanas, jarrones y otras obras de arte en vidrio extraordinarias. La copa de Tiffany también tuvo un gran éxito en la comenzó a fabricar lámparas eléctricas con pantallas de vidrio multicolor en estructuras de bronce y hierro, o decoradas con mosaicos, producidas en numerosas series y ediciones, cada una hecha con el cuidado de una pieza de joyería. Un equipo de diseñadores y artesanos trabajó en cada producto. La lámpara Tiffany en particular se convirtió en uno de los íconos del Art Nouveau, pero los artesanos de Tiffany diseñaron y fabricaron ventanas, jarrones y otras obras de arte en vidrio extraordinarias. La copa de Tiffany también tuvo un gran éxito en la comenzó a fabricar lámparas eléctricas con pantallas de vidrio multicolor en estructuras de bronce y hierro, o decoradas con mosaicos, producidas en numerosas series y ediciones, cada una hecha con el cuidado de una pieza de joyería. Un equipo de diseñadores y artesanos trabajó en cada producto. La lámpara Tiffany en particular se convirtió en uno de los íconos del Art Nouveau, pero los artesanos de Tiffany diseñaron y fabricaron ventanas, jarrones y otras obras de arte en vidrio extraordinarias. La copa de Tiffany también tuvo un gran éxito en la Los artesanos de s diseñaron y fabricaron extraordinarias ventanas, jarrones y otras obras de arte en vidrio. La copa de Tiffany también tuvo un gran éxito en la Los artesanos de s diseñaron y fabricaron extraordinarias ventanas, jarrones y otras obras de arte en vidrio. La copa de Tiffany también tuvo un gran éxito en la1900 Exposición Universal en París; su vidriera llamada El Vuelo de las Almas ganó una medalla de oro. La Exposición Colombina fue un lugar importante para Tiffany; una capilla que diseñó se mostró en el Pabellón de Arte e Industria. La Capilla de Tiffany, junto con una de las ventanas de la casa de Tiffany en Nueva York, ahora se exhiben en el Museo de Arte Americano Charles Hosmer Morse en Winter Park, Florida.

Otra figura importante en el Art Nouveau estadounidense fue el arquitecto Louis Sullivan. Sullivan fue un destacado pionero de la arquitectura moderna estadounidense. Fue el fundador de la Escuela de Chicago, el arquitecto de algunos de los primeros rascacielos y el maestro de Frank Lloyd Wright. Su dicho más famoso fue "La forma sigue a la función". Si bien la forma de sus edificios fue moldeada por su función, su decoración fue un ejemplo del Art Nouveau estadounidense. En la Exposición Colombina Mundial de 1893 en Chicago, más famosa por la arquitectura neoclásica de su renombrada Ciudad Blanca, diseñó una espectacular entrada Art Nouveau para el muy funcional Edificio de Transporte.

Si bien la arquitectura de su edificio Carson, Pirie, Scott and Company (1899) (ahora el Centro Sullivan) era sorprendentemente moderna y funcional, rodeó las ventanas con una decoración floral estilizada. Inventó una decoración igualmente original para el Banco Nacional de Agricultores de Owatonna, Minnestota (1907–1908) y el Banco Nacional de Comerciantes en Grinell, Iowa. Inventó una variedad específicamente estadounidense de Art Nouveau, declarando que las formas decorativas deberían oscilar, surgir, mezclarse y derivar sin fin. Creó obras de gran precisión que a veces combinaban temas góticos con art nouveau.

Art Nouveau en Argentina

• Vitrales y esculturas de Ercole Pasina en Casa Calise en Buenos Aires (1911)
• Interior de la Galería Güemes, Buenos Aires por Francisco Gianotti (1913)
• Palacio Barolo en Buenos Aires por Mario Palanti (1919-1923)
• Trabajos en metal, cerámica y estatuas en la fachada del edificio del Club Español en Rosario (1912)
• Chimenea de cerámica de Confitería La Europea en Rosario (1916)

Inundada de inmigrantes europeos, Argentina acogió todos los estilos artísticos y arquitectónicos europeos, incluido el Art Nouveau. Las ciudades con la herencia Art Nouveau más notable de Argentina son Buenos Aires, Rosario y Mar del Plata.

París fue un prototipo de Buenos Aires con la construcción de grandes bulevares y avenidas en el siglo XIX. El estilo local junto con la influencia francesa también seguía la libertad italiana ya que muchos arquitectos (Virginio Colombo, Francisco Gianotti, Mario Palanti) eran italianos. En las obras de Julián García Núñez se puede notar la influencia catalana ya que completó sus estudios en Barcelona en 1900. La influencia de la Secesión de Viena se puede encontrar en el edificio Paso y Viamonte.

La introducción del Art Nouveau en Rosario está ligada a Francisco Roca Simó que se formó en Barcelona. Su edificio Club Español [ es ] (1912) presenta uno de los vitrales más grandes de América Latina producido (además de azulejos y cerámica) por la firma local Buxadera, Fornells y Cía. El escultor del edificio es el barcelonés Diego Masana.

La influencia belga en el Art Nouveau argentino está representada por la Villa Ortiz Basualdo, que ahora alberga el Museo Municipal de Arte Juan Carlos Castagnino en Mar del Plata, donde los muebles, los interiores y la iluminación son de Gustave Serrurier-Bovy.

Art Nouveau en el resto del mundo

• Art Nouveau/Neoclásico Palacio de Bellas Artes en la Ciudad de México (1904–1934)
• El interior Art Nouveau del Gran Hotel de la Ciudad de México, construido en 1918 por Jacques Grüber.
• Teatro municipal de Túnez (1902)
• Goerke-Haus en Lüderitz, Namibia (1909-1910)
• Una boda alegórica: boceto para una alfombra (tríptico de derecha a izquierda): exilio, matrimonio, redención de Ephraim Moses Lilien (1906)
• Un bistró en Sofitel Legend Metropole Hanoi (1902) con diseños coloniales y Art Nouveau

Al igual que en Argentina, el Art Nouveau en otros países estuvo influenciado principalmente por artistas extranjeros:

• Los españoles estaban detrás de los proyectos de Art Nouveau en La Habana, Cuba, incluso no estaban lo suficientemente calificados para ser llamados arquitectos. Los españoles no estuvieron directamente involucrados en las obras en Ponce, Puerto Rico, pero fueron una inspiración y un tema de estudio para los arquitectos locales en Ponce, Puerto Rico,
• Los franceses estaban detrás del Art Nouveau en Túnez (entonces era un protectorado francés),
• Los alemanes estaban detrás de la herencia Jugendstil de Lüderitz, Namibia; Qingdao, China,
• los italianos estuvieron detrás del Art Nouveau en Valparaíso, Chile; Montevideo, Uruguay; Río de Janeiro, Brasil,
• Los rusos estaban detrás de la herencia Art Nouveau de Harbin, China,
• Art Nouveau Heritage en Lima está compuesto por obra de los hermanos italianos Masperi, el arquitecto francés Claude Sahut y maestros británicos de las vidrieras
• El Palacio de Bellas Artes de la Ciudad de México fue el resultado de la cooperación de italianos (el arquitecto Adamo Boari y el escultor Leonardo Bistolfi), el arquitecto local Federico Mariscal, los artistas húngaros Aladár Körösfői -Kriesch, Géza Maróti y Miksa Róth, el escultor catalán Agustí Querol. Subirats y el maestro francés Edgar Brandt.

Los motivos Art Nouveau también se pueden encontrar en la arquitectura colonial francesa en toda la Indochina francesa.

Un movimiento artístico notable llamado escuela Bezalel apareció en la región de Palestina en los períodos tardíos del mandato otomano y británico. Se ha descrito como "una fusión de arte oriental y Jugendstil". Varios artistas asociados con la escuela Bezalel se destacaron por su estilo Art Nouveau, incluidos Ze'ev Raban, Ephraim Moses Lilien y Abel Pann.

Características

• Suelo del Hôtel Tassel, de Victor Horta, con motivo vegetal de latigazo cervical (1893)
• Coup de Fouet o motivo de latigazo cervical, que representa los tallos de las flores de ciclamen, de Hermann Obrist (1895)
• Formas vegetales estilizadas; Entrada de la estación de metro de Anvers en París por Hector Guimard (1900)
• Patrones florales. Lámpara con diseño Wisteria de Louis Comfort Tiffany (1899-1900)
• Materiales exóticos y decoración. Gabinete de caoba y madera de amourette con decoración de nenúfares de bronce dorado de Louis Majorelle (1905–08)
• Diseños florales muy estilizados en balcones y barandillas. Escalera de Otto Wagner en Mayólica House, Viena (1898)
• Líneas geométricas la Secesión de Viena; Palacio Stoclet de Josef Hoffmann (1905-1911)

El Art Nouveau temprano, particularmente en Bélgica y Francia, se caracterizó por formas onduladas y curvas inspiradas en lirios, vides, tallos de flores y otras formas naturales, utilizadas en particular en los interiores de Victor Horta y la decoración de Louis Majorelle y Émile Gallé. También se basó en patrones basados ​​en mariposas y libélulas, tomados del arte japonés, que eran populares en Europa en ese momento.

El Art Nouveau temprano también a menudo presentaba formas más estilizadas que expresaban movimiento, como el golpe de fouet o la línea de "latigazo cervical", representada en las plantas de ciclamen dibujadas por el diseñador Hermann Obrist en 1894. Una descripción publicada en la revista Pan del tapiz Ciclamen de Hermann Obrist (1894), lo comparó con las "curvas repentinas y violentas generadas por el chasquido de un látigo". Estas líneas decorativas ondulantes y fluidas en un ritmo sincopado y una forma asimétrica se encuentran a menudo en la arquitectura, la pintura, la escultura y otras formas de diseño Art Nouveau.

Otras formas florales fueron populares, inspiradas en lirios, glicinias y otras flores, particularmente en las lámparas de Louis Comfort Tiffany y los objetos de vidrio realizados por los artistas de la Escuela de Nancy y Émile Gallé. Otras formas curvas y onduladas tomadas de la naturaleza incluyen mariposas, pavos reales, cisnes y nenúfares. Muchos diseños representaban cabellos de mujeres entrelazados con tallos de lirios, lirios y otras flores.Víctor Horta utilizó especialmente formas florales estilizadas en alfombras, balaustradas, ventanas y muebles. Hector Guimard también los utilizó ampliamente para las balaustradas y, sobre todo, para las lámparas y las barandillas de las entradas del metro de París. Guimard explicó: "Lo que debe evitarse en todo lo que es continuo es el paralelo y la simetría. La naturaleza es la mayor constructora y la naturaleza no hace nada que sea paralelo y nada que sea simétrico".

Los primeros muebles Art Nouveau, como los fabricados por Louis Majorelle y Henry van de Velde, se caracterizaban por el uso de materiales exóticos y costosos, incluida la caoba con incrustaciones y molduras de maderas preciosas, y formas curvas sin ángulos rectos. Daba una sensación de ligereza.

En la segunda fase del Art Nouveau, a partir de 1900, la decoración se vuelve más pura y las líneas más estilizadas. Las líneas y formas curvas se convirtieron en polígonos y luego en cubos y otras formas geométricas. Estas formas geométricas se utilizaron con particular efecto en la arquitectura y el mobiliario de Joseph Maria Olbrich, Otto Wagner, Koloman Moser y Josef Hoffmann, especialmente en el Palais Stoclet de Bruselas, que anunciaba la llegada del Art Deco y el modernismo.

Otra característica de la arquitectura Art Nouveau fue el uso de la luz, mediante la apertura de espacios interiores, la eliminación de paredes y el uso extensivo de tragaluces para llevar la máxima cantidad de luz al interior. La residencia-estudio de Víctor Horta y otras casas construidas por él tenían amplios lucernarios, apoyados en marcos curvos de hierro. En el Hotel Tassel, eliminó las paredes tradicionales alrededor de la escalera, de modo que la escalera se convirtió en un elemento central del diseño interior.

Relación con estilos y movimientos contemporáneos

Dos ejemplos de rococó: un diseño de una consola de 1752 (a la izquierda) y una sopera cubierta de porcelana de 1756 (a la derecha). Las curvas, los adornos vegetales, la asimetría y los motivos inspirados en la naturaleza fueron muy utilizados tanto en el Rococó Revival (uno de los estilos más populares en las décadas de 1870 y 1880) como en el Art Nouveau.

Como estilo artístico, el Art Nouveau tiene afinidades con los estilos prerrafaelitas y simbolistas, y artistas como Aubrey Beardsley, Alphonse Mucha, Edward Burne-Jones, Gustav Klimt y Jan Toorop podrían clasificarse en más de uno de estos estilos. Sin embargo, a diferencia de la pintura simbolista, el Art Nouveau tiene una apariencia distintiva; y, a diferencia del movimiento Arts and Crafts orientado a los artesanos, los artistas Art Nouveau utilizaron nuevos materiales, superficies mecanizadas y abstracción al servicio del diseño puro.

Art Nouveau no evitó el uso de máquinas, como lo hizo el movimiento Arts and Crafts. Para la escultura, los principales materiales empleados fueron el vidrio y el hierro forjado, dando como resultado cualidades escultóricas incluso en la arquitectura. La cerámica también se empleó en la creación de ediciones de esculturas de artistas como Auguste Rodin. aunque su escultura no se considera Art Nouveau.

La arquitectura Art Nouveau hizo uso de muchas innovaciones tecnológicas de finales del siglo XIX, especialmente el uso de hierro expuesto y grandes piezas de vidrio de forma irregular para la arquitectura.

Las tendencias Art Nouveau también fueron absorbidas por los estilos locales. En Dinamarca, por ejemplo, era un aspecto de Skønvirke ("obra estética"), que a su vez se relaciona más estrechamente con el estilo Arts and Crafts. Asimismo, los artistas adoptaron muchos de los motivos florales y orgánicos del Art Nouveau en el estilo Młoda Polska ("Polonia Joven") en Polonia. Młoda Polska, sin embargo, también incluía otros estilos artísticos y abarcaba un enfoque más amplio del arte, la literatura y el estilo de vida.

Arquitectónicamente, el Art Nouveau tiene afinidades con estilos que, aunque modernos, existen fuera de la tradición modernista establecida por arquitectos como Walter Gropius y Le Corbusier. Está especialmente relacionado con la arquitectura expresionista, que comparte su preferencia por las formas orgánicas, pero surgió de una insatisfacción intelectual con el enfoque de la ornamentación del Art Nouveau. A diferencia del enfoque del Art Nouveau en las plantas y los motivos vegetales, el expresionismo se inspira en cosas como cuevas, montañas, relámpagos, cristales y formaciones rocosas. Otro estilo concebido como reacción al Art Nouveau fue el Art Deco, que rechazaba por completo las superficies orgánicas en favor de un estilo rectilíneo derivado de la vanguardia artística contemporánea.

Géneros

El Art Nouveau está representado en la pintura y la escultura, pero es más prominente en la arquitectura y las artes decorativas. Se adaptaba bien a las artes gráficas, especialmente al cartel, diseño de interiores, arte en metal y vidrio, joyería, diseño de muebles, cerámica y textiles.

Cartelería y artes gráficas

• La falda de pavo real, de Aubrey Beardsley, (1892)
• Primer número de The Studio, con portada de Aubrey Beardsley (1893)
• Cartel de Grafton Galleries de Eugène Grasset (1893)
• Litografía Divan Japonais de Henri de Toulouse-Lautrec (1892-1893)
• La portada de la revista Inland Printer de Will H. Bradley (1894)
• Póster de The Chap-Book de Will H. Bradley (1895)
• Galletas Lefèvre-Utile de Alphonse Mucha (1896)
• Calendario del zodiaco de Alphonse Mucha (1896)
• Motocycles Comiot de Théophile-Alexandre Steinlen de Les Maîtres de l'affiche (1899)
• Ilustración de Ver Sacrum de Koloman Moser (1899)
• ilustración de Ver Sacrum de Koloman Moser (1900)
• Cartel del festival de Ludwig Hohlwein (1910)

Las artes gráficas florecieron en el período Art Nouveau, gracias a las nuevas tecnologías de impresión, particularmente la litografía en color, que permitió la producción en masa de carteles en color. El arte ya no estaba confinado a galerías, museos y salones; se podía encontrar en las paredes de París y en revistas de arte ilustradas, que circulaban por toda Europa y los Estados Unidos. El tema más popular de los carteles Art Nouveau fueron las mujeres; mujeres que simbolizan el glamour, la modernidad y la belleza, a menudo rodeadas de flores.

En Gran Bretaña, el artista gráfico líder en el estilo Art Nouveau fue Aubrey Beardsley (1872–1898). Comenzó con ilustraciones de libros grabados para Le Morte d'Arthur, luego ilustraciones en blanco y negro para Salomé de Oscar Wilde (1893), que le dieron fama. En el mismo año, comenzó a grabar ilustraciones y carteles para la revista de arte The Studio, que ayudó a dar a conocer a artistas europeos como Fernand Khnopff en Gran Bretaña. Las líneas curvas y los intrincados motivos florales atrajeron tanta atención como el texto.

El artista suizo-francés Eugène Grasset (1845–1917) fue uno de los primeros creadores de carteles del Art Nouveau francés. Ayudó a decorar el famoso cabaret Le Chat noir en 1885 e hizo sus primeros carteles para las Fêtes de Paris. Realizó un célebre cartel de Sarah Bernhardt en 1890 y una amplia variedad de ilustraciones de libros. Los artistas-diseñadores Jules Chéret, Georges de Feure y el pintor Henri de Toulouse-Lautrec realizaron carteles para teatros, cafés, salas de baile y cabarets de París. El artista checo Alphonse Mucha (1860-1939) llegó a París en 1888 y en 1895 realizó un cartel para la actriz Sarah Bernhardt en la obra Gismondade Victorien Sardou. El éxito de este cartel dio lugar a un contrato para producir carteles para seis obras más de Bernhardt. Durante los siguientes cuatro años, también diseñó decorados, vestuario e incluso joyas para la actriz. Basado en el éxito de sus carteles de teatro, Mucha hizo carteles para una variedad de productos, desde cigarrillos y jabón hasta galletas de cerveza, todos presentando una figura femenina idealizada con una figura de reloj de arena. Continuó diseñando productos, desde joyas hasta cajas de galletas, con su estilo distintivo.

En Viena, el diseñador de gráficos y carteles más prolífico fue Koloman Moser (1868-1918), quien participó activamente en el movimiento de Secesión con Gustav Klimt y Josef Hoffmann, y realizó ilustraciones y portadas para la revista del movimiento, Ver Sacrum, como así como pinturas, muebles y decoración.

Cuadro

• Le Corsage rayé de Édouard Vuillard (1895), Galería Nacional de Arte
• Paul Sérusier, Mujeres en la primavera, Musée d'Orsay (1898)
• Friso de Beethoven en la Sezessionshaus de Viena de Gustav Klimt (1902)
• Pintura en acuarela y tinta de Loïe Fuller bailando, de Koloman Moser (1902)
• Slavia de Alphonse Mucha (1908)
• Esgrafiado de Paul Cauchie en su residencia y estudio, Bruselas (1905)
• Detalle del friso de Gustav Klimt en el Palais Stoclet, Bruselas (1905-1911)

La pintura fue otro dominio del Art Nouveau, aunque la mayoría de los pintores asociados con el Art Nouveau se describen principalmente como miembros de otros movimientos, particularmente el posimpresionismo y el simbolismo. Alphonse Mucha era famoso por sus carteles Art Nouveau, que lo frustraban. Según su hijo y biógrafo, Jiří Mucha, no pensaba mucho en el Art Nouveau. "¿Qué es, Art Nouveau ? preguntó. "... El arte nunca puede ser nuevo". Se enorgullecía mucho de su trabajo como pintor de historia. Su único cuadro inspirado en el Art Nouveau, "Slava", es un retrato de la hija de su patrón en traje eslavo, que se inspiró en sus carteles teatrales.

Los pintores más asociados con el Art Nouveau fueron Les Nabis, artistas postimpresionistas que estuvieron activos en París desde 1888 hasta 1900. Uno de sus objetivos declarados era romper la barrera entre las bellas artes y las artes decorativas. Pintaron no solo lienzos, sino también pantallas y paneles decorativos. Muchas de sus obras estuvieron influenciadas por la estética de las estampas japonesas. Los miembros incluyeron a Pierre Bonnard, Maurice Denis, Paul Ranson, Édouard Vuillard, Ker-Xavier Roussel, Félix Vallotton y Paul Sérusier.

En Bélgica, Fernand Khnopff trabajó tanto en pintura como en diseño gráfico. Los murales de Gustav Klimt se integraron en el esquema decorativo de Josef Hoffmann para el Palais Stoclet. El mural de Klimt para el comedor del Palais Stoclet (1905-1911) se considera una obra maestra del Art Nouveau tardío.

Un tema apareció tanto en la pintura tradicional como en el Art Nouveau; la bailarina estadounidense Loie Fuller, fue retratada por pintores y cartelistas franceses y austriacos.

Un estilo particular que se hizo popular en el período Art Nouveau, especialmente en Bruselas, fue el esgrafiado, una técnica inventada en el Renacimiento de aplicar capas de yeso teñido para hacer murales en las fachadas de las casas. Esto fue utilizado en particular por el arquitecto belga Paul Hankar para las casas que construyó para dos amigos artistas, Paul Cauchie y Albert Ciamberlani.

Arte en vidrio

• Cup Par une telle nuit de Émile Gallé, Francia, (1894)
• Lampe aux ombelles de Émile Gallé, Francia (alrededor de 1902)
• Copa Rose de France de Émile Gallé, (1901)
• Jarrón Daum, Francia, (1900)
• Lámpara de Daum, Francia (1900)
• Henri de Toulouse-Lautrec, Louis Comfort Tiffany, Au Nouveau Cirque, Papa Chrysanthème, c.1894, vidrieras, Musée d'Orsay
• Vitral Veranda de la Salle de Jacques Grüber en Nancy, Francia (1904)
• Vidrio soplado con diseño floral de Karl Koepping, Alemania, (1896)
• Vidrio diseñado por Otto Prutscher (Austria) (1909)
• Ventana para la casa de un amante del arte, de Margaret Macdonald Mackintosh (1901)
• Lámpara Lily de Louis Comfort Tiffany (1900-1910)
• Jarrón iridiscente de Louis Comfort Tiffany (1904)
• Jarrón Jack-in-the-pulpit, Louis Comfort Tiffany, EE. UU. (1910)
• Vidriera Arquitectura de John La Farge EE. UU. (1903)
• Vidrieras de Koloman Moser para la Iglesia de San Leopoldo, Viena (1902-1907)

El arte en vidrio fue un medio en el que el Art Nouveau encontró nuevas y variadas formas de expresión. Se experimentó intensamente, sobre todo en Francia, para encontrar nuevos efectos de transparencia y opacidad: en el grabado win cameo, las dobles capas y el grabado al ácido, técnica que permitía la producción en serie. La ciudad de Nancy se convirtió en un importante centro para la industria del vidrio francesa, y allí se ubicaron los talleres de Émile Gallé y el estudio Daum, dirigido por Auguste y Antonin Daum. Trabajaron con muchos diseñadores notables, incluidos Ernest Bussière [ fr ], Henri Bergé (ilustrador) [ fr ]y Amalric Walter. Desarrollaron un nuevo método de incrustación de vidrio presionando fragmentos de vidrio de diferentes colores en la pieza sin terminar. A menudo colaboraron con el diseñador de muebles Louis Majorelle, cuya casa y talleres estaban en Nancy. Otra característica del Art Nouveau fue el uso de vidrieras con ese estilo de temas florales en los salones residenciales, particularmente en las casas Art Nouveau de Nancy. Muchos fueron obra de Jacques Grüber, quien hizo ventanas para la Villa Majorelle y otras casas.

En Bélgica, la firma líder fue la fábrica de vidrio de Val Saint Lambert, que creó jarrones de formas orgánicas y florales, muchos de ellos diseñados por Philippe Wolfers. Wolfers se destacó particularmente por crear obras de vidrio simbolista, a menudo con decoración de metal adjunta. En Bohemia, entonces una región del Imperio Austro-Húngaro destacada por la fabricación de cristal, las empresas J. & L. Lobmeyr y Joh. Loetz Witwe también experimentó con nuevas técnicas de coloración, produciendo colores más vivos y ricos. En Alemania, la experimentación estuvo a cargo de Karl Köpping, quien utilizó vidrio soplado para crear vasos extremadamente delicados en forma de flores; tan delicado que pocos sobreviven hoy.

En Viena, los diseños de vidrio del movimiento Secession eran mucho más geométricos que los de Francia o Bélgica; Otto Prutscher fue el diseñador de vidrio más riguroso del movimiento. En Gran Bretaña, Margaret Macdonald Mackintosh creó varios diseños de vidrieras florales para la exhibición arquitectónica llamada "La casa de un amante del arte".

En los Estados Unidos, Louis Comfort Tiffany y sus diseñadores se hicieron particularmente famosos por sus lámparas, cuyas pantallas de vidrio usaban temas florales comunes intrincadamente ensamblados. Las lámparas Tiffany ganaron popularidad después de la Exposición Colombina Mundial en Chicago en 1893, donde Tiffany exhibió sus lámparas en una capilla de estilo bizantino. Tiffany experimentó mucho con los procesos de coloreado del vidrio, patentando en 1894 el proceso Favrile glass, que usaba óxidos metálicos para colorear el interior del vidrio fundido, dándole un efecto iridiscente. Sus talleres produjeron varias series diferentes de la lámpara Tiffany en diferentes diseños florales, junto con vidrieras, pantallas, jarrones y una variedad de objetos decorativos. Sus obras fueron importadas primero a Alemania, luego a Francia por Siegfried Bing, y luego se convirtió en una de las sensaciones decorativas de la Exposición de 1900. Un rival estadounidense de Tiffany, Steuben Glass, fue fundado en 1903 en Corning, Nueva York, por Frederick Carder, quien, al igual que Tiffany, usó el proceso Fevrile para crear superficies con colores iridiscentes. Otro artista de vidrio estadounidense notable fue John La Farge, quien creó vidrieras intrincadas y coloridas sobre temas religiosos y puramente decorativos.

Se pueden encontrar ejemplos de vidrieras en iglesias en el artículo sobre edificios religiosos Art Nouveau.

Arte metalico

• Balcón de Castel Béranger en París, de Hector Guimard (1897-1898)
• Barandillas de Louis Majorelle para el Bank Renauld en Nancy
• Candelabro de tulipanes de Fernand Dubois (1899)
• Lámpara de mesa de François-Raoul Larche en bronce dorado, con la bailarina Loïe Fuller como modelo (1901)
• Parrilla de entrada de la Villa Majorelle en Nancy (1901-1902)
• Lámpara de Victor Horta (1903)
• Balaustre de hierro fundido por George Grant Elmslie (1899-1904)
• Lámpara del arquitecto alemán Friedrich Adler (1903–04)
• Lámpara de Ernst Riegel realizada en plata y malaquita (1905)
• Puerta del Palais Stoclet de Josef Hoffmann, Bruselas (1905-1911)
• Puerta de Villa Knopf en Estrasburgo (1905)

El teórico de la arquitectura del siglo XIX Viollet-le-Duc había abogado por mostrar, en lugar de ocultar, los marcos de hierro de los edificios modernos, pero los arquitectos Art Nouveau Victor Horta y Hector Guimard fueron un paso más allá: agregaron una decoración de hierro en curvas inspiradas en motivos florales y vegetales. formas tanto en los interiores como en los exteriores de sus edificios. Tomaron la forma de barandas de escaleras en el interior, lámparas y otros detalles en el interior y balcones y otros adornos en el exterior. Estos se convirtieron en algunas de las características más distintivas de la arquitectura Art Nouveau. El uso de la decoración metálica con formas vegetales pronto apareció también en platería, lámparas y otros elementos decorativos.

En los Estados Unidos, el diseñador George Grant Elmslie hizo diseños de hierro fundido extremadamente intrincados para las balaustradas y otras decoraciones interiores de los edificios del arquitecto de Chicago Louis Sullivan.

Mientras que los diseñadores franceses y estadounidenses utilizaron formas florales y vegetales, Joseph Maria Olbrich y los demás artistas de la Secesión diseñaron teteras y otros objetos de metal en un estilo más geométrico y sobrio.

Joyería

• Cuerno tallado decorado con perlas, de Louis Aucoc (hacia 1900)
• Flores de esmalte translúcido con pequeños diamantes en las venas, de Louis Aucoc (hacia 1900)
• Broche "Flora" de Louis Aucoc (hacia 1900)
• Un adorno de ramillete de Louis Tiffany (1900)
• Broche Dragonfly Lady de René Lalique, hecho de oro, esmalte, crisoprasa, piedra lunar y diamantes (1897-1898)
• Broche con mujer de René Lalique
• Collar de Charles Robert Ashbee (1901)
• Broche de cuerno con esmalte, oro y aguamarina de Paul Follot (1904-1909)
• Philippe Wolfers, Niké Brooch (1902), colección Fundación Rey Balduino, depósito: KMKG-MRAH

Las características de la joyería Art Nouveau incluyen líneas y curvas sutiles. Su diseño a menudo presenta objetos naturales como flores, animales o pájaros. El cuerpo femenino también es popular y aparece a menudo en cameos. Con frecuencia incluía collares largos hechos de perlas o cadenas de plata esterlina puntuadas con cuentas de vidrio o que terminaban en un colgante de plata u oro, a menudo diseñado como un adorno para sostener una sola joya facetada de amatista, peridoto o citrino.

El período Art Nouveau trajo una notable revolución estilística a la industria de la joyería, liderada en gran parte por las principales firmas de París. Durante los dos siglos anteriores, el énfasis en la joyería fina se había centrado en la creación de engastes espectaculares para los diamantes. Durante el reinado del Art Nouveau, los diamantes solían jugar un papel secundario. Los joyeros experimentaron con una amplia variedad de otras piedras, como ágata, granate, ópalo, piedra lunar, aguamarina y otras piedras semipreciosas, y con una amplia variedad de nuevas técnicas, entre otras, esmaltado y nuevos materiales, como cuerno, vidrio moldeado, y marfil.

Los primeros joyeros notables de París en el estilo Art Nouveau incluyeron a Louis Aucoc, cuya empresa de joyería familiar data de 1821. El diseñador más famoso del período Art Nouveau, René Lalique, realizó su aprendizaje en el estudio Aucoc de 1874 a 1876. Lalique se convirtió en un centro figura de la joyería y el vidrio Art Nouveau, tomando como modelos la naturaleza, desde las libélulas hasta las hierbas. Artistas ajenos al mundo tradicional de la joyería, como Paul Follot, más conocido como diseñador de muebles, experimentaron con diseños de joyería. Otros notables diseñadores franceses de joyas Art Nouveau incluyeron a Jules Brateau y Georges Henry. En los Estados Unidos, el diseñador más famoso fue Louis Comfort Tiffany, cuyo trabajo se mostró en la tienda de Siegfried Bing y también en la Exposición de París de 1900.

En Gran Bretaña, la figura más destacada fue Archibald Knox, diseñador de Liberty & Co. & Cymric, quien hizo una variedad de piezas Art Nouveau, incluidas hebillas de cinturón plateadas. CR Ashbee diseñó colgantes en forma de pavos reales. El versátil diseñador de Glasgow Charles Rennie Mackintosh también fabricó joyas utilizando símbolos celtas tradicionales. En Alemania, el centro de la joyería Jugendstil era la ciudad de Pforzheim, donde estaban ubicadas la mayoría de las firmas alemanas, incluida Theodor Fahrner. Rápidamente produjeron obras para satisfacer la demanda del nuevo estilo.

Arquitectura y ornamentación

• Entrada del Hôtel Solvay en Bruselas de Victor Horta (1898)
• Detalle de la fachada de la Villa Majorelle de Henri Sauvage en Nancy (1901-1902)
• Cardos y mascarones de líneas curvas en la decoración del edificio Les Chardons de Charles Klein en París (1903)
• Jugendstil mascaron de líneas rectas en Riga, Letonia (1906)
• Motivos de latigazo cervical en la estación de tren de Vitebsky por Sima Mihash y Stanislav Brzozowski, San Petersburgo (1904)
• Uno de los mascarones realizados por Adamo Boari en la fachada del Palacio de Bellas Artes en la Ciudad de México, México (1904-1934)
• Fachada asimétrica con líneas curvas del edificio De Beck de Gustave Strauven en Bruselas (1905)
• Iris y mascaron en la fachada del edificio Schichtel de Aloys Walter en Estrasburgo, Francia (1905–06)

La arquitectura Art Nouveau fue una reacción contra los estilos eclécticos que dominaron la arquitectura europea en la segunda mitad del siglo XIX. Se expresó a través de la decoración: ya sea ornamental (a base de flores y plantas, por ejemplo, cardos, lirios,ciclamen, orquídeas, nenúfares, etc.) o escultóricos (ver la sección respectiva más abajo). Si bien los rostros de personas (o mascarons) se refieren al ornamento, el uso de personas en diferentes formas de escultura (estatuas y relieves: consulte la sección respectiva a continuación) también fue común en algunas formas de Art Nouveau. Antes de la Secesión de Viena, Jugendstil y las diversas formas de las fachadas de estilo romántico nacional eran asimétricas y, a menudo, estaban decoradas con azulejos de cerámica policromada. La decoración por lo general sugería movimiento; no había distinción entre la estructura y el ornamento.Un motivo rizado o "latigazo cervical", basado en las formas de las plantas y las flores, se utilizó ampliamente en el Art Nouveau temprano, pero la decoración se volvió más abstracta y simétrica en la Secesión de Viena y otras versiones posteriores del estilo, como en el Palais Stoclet en Bruselas (1905-1911).

El estilo apareció por primera vez en la Casa Hankar de Bruselas de Paul Hankar (1893) y el Hôtel Tassel (1892-1893) de Victor Horta. El Hôtel Tassel fue visitado por Hector Guimard, quien usó el mismo estilo en su primera obra importante, el Castel Béranger (1897-1898). Horta y Guimard también diseñaron el mobiliario y la decoración interior, hasta los pomos de las puertas y la moqueta. En 1899, basado en la fama del Castel Béranger, Guimard recibió el encargo de diseñar las entradas de las estaciones del nuevo Metro de París, que se inauguró en 1900. Aunque sobrevivieron pocos de los originales, estos se convirtieron en el símbolo del movimiento Art Nouveau. en París.

En París, el estilo arquitectónico también fue una reacción a las estrictas normas impuestas a las fachadas de los edificios por Georges-Eugène Haussmann, el prefecto de París bajo Napoleón III. Las ventanas en arco finalmente se permitieron en 1903, y los arquitectos Art Nouveau se fueron al extremo opuesto, sobre todo en las casas de Jules Lavirotte, que eran esencialmente grandes obras de escultura, completamente cubiertas con decoración. Un importante barrio de casas Art Nouveau apareció en la ciudad francesa de Nancy, alrededor de la Villa Majorelle (1901-1902), residencia del diseñador de muebles Louis Majorelle. Fue diseñado por Henri Sauvage como escaparate de los diseños de muebles de Majorelle.

• Escalera de caracol en Maison and Atelier Horta de Victor Horta en Bruselas (1898-1901)
• Detalle del Palacio Stoclet en Bruselas (1905-1911)
• Interior del Palau de la Música Catalana de Barcelona (1905-1909)
• Edificios de entrada en el Parc Güell de Antoni Gaudí en Barcelona (1900-1914)

Muchos edificios Art Nouveau se incluyeron en la lista del Patrimonio Cultural Mundial de la UNESCO como parte de sus centros urbanos (en Berna, Budapest, Lviv, París, Oporto, Praga, Riga, San Petersburgo, Estrasburgo (Neustadt), Viena). Junto a ellos, hubo edificios que se incluyeron en la lista como objetos separados:

• Bélgica: las obras de Victor Horta (Hôtel Tassel, Hôtel Solvay, Hôtel van Eetvelde, Maison y Atelier Horta) y el Stoclet Palace de Josef Hoffmann en Bruselas;
• España: las obras de Lluís Domènech i Montaner (Palau de la Música Catalana y Hospital de Sant Pau de Barcelona), y las obras de Antoni Gaudí (Park Güell, Palau Güell, Sagrada Família, Casa Batlló, Casa Milá, Casa Vicens de Barcelona; Colonia Güell en Santa Coloma de Cervelló).

Escultura

• Bailarina con bufanda de Agathon Léonard, realizada para la Manufacture nationale de Sèvres, Francia (1898)
• Estatua de terracota policromada de Lambert Escaler [ ca ] en Barcelona (1901)
• Altorrelieve de cisnes y estatuas en el interior del Teatro Aarhus de Karl Hansen Reistrup en Aarhus, Dinamarca (1897-1900)
• Altorrelieve de búhos en Katajanokka de Georg Wasastjerna, Helsinki (1903)
• Escultura de Ernest Bussière en Nancy, Francia
• Estatua del oso de Emil Wikström en el Museo Nacional de Finlandia (1905-1910)
• Bajorrelieve en Sprudelhof de Heinrich Jobst en Bad Nauheim, Alemania (1905-1911)
• Monumento al Asedio de Zaragoza de Agustí Querol Subirats (1908)
• Relieve de cerámica y estatua de Stanislav Sucharda en Hradec Kralove, República Checa (1909-1912)
• Gárgola de Josep Plantada i Artiga en Tortosa, Cataluña, España (1915)
• Atlantes, cariátides en Sankt-Mang-Brunnen de Georg Wrba en Kempten, Alemania (1905)
• Putti de cerámica en el conservatorio de música de Barcelona por Eusebi Arnau (1916-1928)

La escultura fue otra forma de expresión para los artistas del Art Nouveau, cruzándose en ocasiones con la cerámica. La figura de porcelana Bailarina con bufanda de Agathon Léonard ganó reconocimiento tanto en cerámica como en escultura en la Exposición de París de 1900. Escultores de otros países también crearon esculturas en cerámica: el bohemio Stanislav Sucharda y Ladislav Šaloun, el belga Charles Van der Stappen y el catalán Lambert Escaler [ ca ], que creó estatuas de terracota policromada. Otro escultor notable de esa época fue Agustí Querol Subirats de Cataluña, quien creó estatuas en España, México, Argentina y Cuba.

En la escultura arquitectónica no solo se utilizaron estatuas sino también relieves. Los arquitectos y escultores del Art Nouveau se inspiraron en motivos animales (mariposas, pavos reales, cisnes, búhos, murciélagos, dragones, osos). También se utilizaron atlantes, cariátides, amorcillos y gárgolas.

Muebles

• Silla de Henry van de Velde, Bélgica (1896)
• Presidente de Charles Rennie Mackintosh, Reino Unido (1897-1900)
• Taburete de Paul Hankar, Bélgica (1898)
• Vestuario de Richard Riemerschmid, Alemania (1902)
• Un dormitorio de Louis Majorelle (1903-1904)
• Comedor de Eugène Vallin, Francia (1903)
• Silla de Rupert Carabin, Francia (1895)
• Conjunto de muebles de Victor Horta en el Hôtel Aubeque de Bruselas (1902-1904)
• Presidente de Charles Rohlfs, EE. UU. (1898–1899)
• "Silla de caracol" y otros muebles de Carlo Bugatti, Italia (1902)
• Silla de Gaspar Homar, España (1903)
• Cama "Dawn and Dusk" de Émile Gallé, Francia (1904)
• Sillón ajustable Modelo 670 "Sitting Machine" diseñado por Josef Hoffmann, Austria (1904-1906)
• Victor Horta, muebles de Turín (1902), en la colección de la Fundación Rey Balduino.

El diseño de muebles en el período Art Nouveau estuvo estrechamente asociado con la arquitectura de los edificios; los arquitectos a menudo diseñaban los muebles, las alfombras, las lámparas, los picaportes y otros detalles decorativos. Los muebles eran a menudo complejos y caros; un acabado fino, generalmente pulido o barnizado, se consideraba esencial, y los diseños continentales solían ser muy complejos, con formas curvas que eran costosas de hacer. También tenía el inconveniente de que el dueño de la casa no podía cambiar los muebles o agregar piezas de un estilo diferente sin alterar todo el efecto de la habitación. Por esta razón, cuando la arquitectura Art Nouveau pasó de moda, el estilo de los muebles también desapareció en gran medida.

En Francia, el centro de diseño y fabricación de muebles estaba en Nancy, donde tenían sus estudios y talleres dos grandes diseñadores, Émile Gallé y Louis Majorelle, y donde la Alliance des industries d'art(luego llamada Escuela de Nancy) había sido fundada en 1901. Ambos diseñadores basaron su estructura y ornamentación en formas tomadas de la naturaleza, incluidas flores e insectos, como la libélula, un motivo popular en el diseño Art Nouveau. Gallé fue particularmente conocido por su uso de la marquetería en relieve, en forma de paisajes o temas poéticos. Majorelle era conocido por su uso de maderas exóticas y costosas, y por colocar bronce esculpido en temas vegetales en sus muebles. Ambos diseñadores utilizaron máquinas para las primeras fases de fabricación, pero todas las piezas se terminaron a mano. Otros diseñadores de muebles notables de la Escuela Nancy incluyeron a Eugène Vallin y Émile André; ambos eran arquitectos de formación y ambos diseñaron muebles que se parecían a los muebles de diseñadores belgas como Horta y Van de Velde, que tenía menos decoración y seguía más de cerca las plantas y flores curvas. Otros diseñadores franceses notables incluyeron a Henri Bellery-Desfontaines, quien se inspiró en los estilos neogóticos de Viollet-le-Duc; y Georges de Feure, Eugène Gaillard y Édouard Colonna, quienes trabajaron junto con el comerciante de arte Siegfried Bing para revitalizar la industria del mueble francés con nuevos temas. Su trabajo fue conocido por el "naturalismo abstracto", su unidad de líneas rectas y curvas y su influencia rococó. Los muebles de de Feure en el pabellón Bing ganaron una medalla de oro en la Exposición de París de 1900. El diseñador francés más inusual y pintoresco fue François-Rupert Carabin, un escultor de formación, cuyos muebles presentaban formas femeninas desnudas esculpidas y animales simbólicos, en particular gatos, que combinaban elementos Art Nouveau con simbolismo.En muchos sentidos, el antiguo vocabulario y las técnicas de los muebles rococó franceses clásicos del siglo XVIII se reinterpretaron en un nuevo estilo.

En Bélgica, los arquitectos pioneros del movimiento Art Nouveau, Victor Horta y Henry van de Velde, diseñaron muebles para sus casas, utilizando vigorosas líneas curvas y un mínimo de decoración. El diseñador belga Gustave Serrurier-Bovy agregó más decoración, aplicando tiras de latón en formas curvas. En los Países Bajos, donde el estilo se denominó Nieuwe Kunst o New Art, HP Berlag, Lion Cachet y Theodor Nieuwenhuis siguieron un rumbo diferente, el del movimiento Arts and Crafts inglés, con formas más racionales geométricas.

En Gran Bretaña, el mobiliario de Charles Rennie Mackintosh era puramente Arts and Crafts, austero y geométrico, con largas líneas rectas y ángulos rectos y un mínimo de decoración.Los diseños continentales eran mucho más elaborados, utilizando a menudo formas curvas tanto en las formas básicas de la pieza como en los motivos decorativos aplicados. En Alemania, el mobiliario de Peter Behrens y el Jugendstil era en gran parte racionalista, con líneas rectas geométricas y alguna decoración adosada a la superficie. Su objetivo era exactamente lo contrario del Art Nouveau francés; simplicidad de estructura y simplicidad de materiales, para muebles que podrían ser económicos y fácilmente fabricados en masa. Lo mismo sucedió con los muebles de los diseñadores de Wiener Werkstätte en Viena, encabezados por Otto Wagner, Josef Hoffmann, Josef Maria Olbrich y Koloman Moser. El mobiliario era geométrico y tenía un mínimo de decoración, aunque en estilo a menudo seguía el precedente histórico nacional, particularmente el estilo Biedemeier.

El diseño de muebles italiano y español se fue en su propia dirección. Carlo Bugatti diseñó en Italia la extraordinaria Snail Chair, madera recubierta de pergamino pintado y cobre, para la Exposición Internacional de Turín de 1902. En España, siguiendo la estela de Antoni Gaudí y el movimiento Modernista, el diseñador de muebles Gaspar Homar diseñó obras que se inspiraron por formas naturales con toques de estilos históricos catalanes.

En los Estados Unidos, el diseño de muebles se inspiró más a menudo en el movimiento Arts and Crafts, o en modelos históricos estadounidenses, que en el Art Nouveau. Un diseñador que introdujo temas Art Nouveau fue Charles Rohlfs en Buffalo, Nueva York, cuyos diseños de muebles de roble blanco estadounidense estaban influenciados por motivos del arte celta y el arte gótico, con toques de Art Nouveau en los adornos metálicos aplicados a las piezas.

Cerámica

• Jarrón de loza vidriada de Émile Gallé (1880–1885) (Museo Metropolitano)
• Plato de loza y soporte esculpido (1884) de Émile Gallé (Museo Metropolitano)
• Jarrón de loza o loza con dos pies, con escena nocturna de montaña en la parte posterior y escena floral diurna con mariposa en el frente, de Émile Gallé (1884-1885)
• Jarrón de Maurice Dufrêne, Francia, (1900)
• Cuenco de Auguste Delaherche, París, (1901)
• Edmond Lachenal, jarrón, Francia (1902)
• Esmalte de Limoges de Paul Bonnaud, Francia (1903)
• Jarrón de loza de Thorvald Bindesbøll, Dinamarca, (1893)
• Jarrón de Alf Wallander, Suecia (1897)
• Jarrón con adornos de cobre de la fábrica de cerámica Rosenthal, Baviera, Alemania, (1900)
• Ponchera de gres porcelánico de Richard Riemerschmid, Alemania, (1902)
• Decoración cerámica de la fachada del edificio Lavirotte de Alexandre Bigot, París (1901)
• Decoración de fachada con azulejos de cerámica por Galileo Chini, Italia, (1904)
• Jarrón de József Rippl-Rónai Hungría, (1900)
• Jarrón con enredaderas y caracoles de Pál Horti, Hungría (1900)
• Olla de barro vidriado de Grueby Faience Company de Boston (1901)
• Ánfora con hoja de olmo y mora fabricada por Stellmacher & Kessner
• Jarrón de Rookwood Pottery Company de cerámica recubierta de plata de Kataro Shirayamadani, EE. UU., (1892)
• Florero Rookwood Pottery Company de Carl Schmidt (1904)
• Fábrica Zsolnay y mosaicos de Miksa Róth del mausoleo de Schmidl en Budapest (1902–03)
• Azulejo de la Cooperativa Agrícola de Aveiro (1913)

El arte de la cerámica, incluida la loza, fue otro dominio floreciente para los artistas del Art Nouveau, en los países de habla inglesa que se encuentran bajo el movimiento más amplio de la cerámica artística. La última parte del siglo XIX vio muchas innovaciones tecnológicas en la fabricación de cerámica, particularmente el desarrollo de cerámica de alta temperatura (grand feu) con esmaltes cristalizados y mate. Al mismo tiempo, se redescubrieron varias técnicas perdidas, como el glaseado sang de boeuf. La cerámica Art Nouveau también estuvo influenciada por la cerámica japonesa y china tradicional y moderna, cuyos motivos vegetales y florales encajaban bien con el estilo Art Nouveau. En Francia, los artistas también redescubrieron los métodos tradicionales del gres (grés) y los reinventaron con nuevos motivos.

Émile Gallé, en Nancy, creó obras de loza en colores naturales de la tierra con temas naturalistas de plantas e insectos. La cerámica también encontró un nuevo uso importante en la arquitectura: los arquitectos Art Nouveau, entre ellos Jules Lavirotte y Hector Guimard, comenzaron a decorar las fachadas de los edificios con cerámicas arquitectónicas, muchas de ellas realizadas por la firma de Alexandre Bigot, dándoles un distintivo estilo Art Nouveau. mirada escultórica.

Uno de los ceramistas pioneros del Art Nouveau francés fue Ernest Chaplet, cuya carrera en la cerámica abarcó treinta años. Comenzó produciendo gres influenciado por prototipos japoneses y chinos. A partir de 1886, trabajó con el pintor Paul Gauguin en diseños de gres con figuras aplicadas, asas múltiples, pintadas y parcialmente vidriadas, y colaboró ​​con los escultores Félix Bracquemond, Jules Dalou y Auguste Rodin. Sus obras fueron aclamadas en la Exposición de 1900.

Las principales firmas cerámicas nacionales tuvieron un lugar destacado en la Exposición de París de 1900: la Manufacture nationale de Sèvres en las afueras de París; Nymphenburg, Meissen, Villeroy & Boch en Alemania y Doulton en Gran Bretaña. Otros ceramistas franceses destacados incluyeron a Taxile Doat, Pierre-Adrien Dalpayrat, Edmond Lachenal, Albert Dammouse [ fr ] y Auguste Delaherche.

En Francia, la cerámica Art Nouveau a veces cruzó la línea de la escultura. La figura de porcelana Bailarina con bufanda de Agathon Léonard, realizada para la Manufacture nationale de Sèvres, ganó el reconocimiento en ambas categorías en la Exposición de París de 1900.

La fábrica de Zsolnay en Pécs, Hungría, fue fundada por Miklós Zsolnay (1800–1880) en 1853 y dirigida por su hijo, Vilmos Zsolnay (1828–1900) con el diseñador jefe Tádé Sikorski (1852–1940) para producir gres y otras cerámicas. En 1893, Zsolnay introdujo piezas de porcelana hechas de eosina. Llevó a la fábrica al reconocimiento mundial al demostrar sus productos innovadores en ferias mundiales y exhibiciones internacionales, incluida la Feria Mundial de 1873 en Viena, luego en la Feria Mundial de 1878 en París, donde Zsolnay recibió un Gran Premio. Las decoraciones de edificios Zsolnay resistentes a las heladas se utilizaron en numerosos edificios, específicamente durante el movimiento Art Nouveau.

Las baldosas cerámicas también fueron un rasgo distintivo del Arte Nova portugués que continuó la larga tradición azulejera del país.

Mosaicos

• Casa de mayólica en Viena de Otto Wagner (1898)
• Chimenea de mayólica, casa de Bazhanov, Colonia Abramtsevo, de Mikhail Vrubel (1898)
• Mosaicos del pub Fox and Anchor de William James Neatby en Londres (1898)
• Mosaico que retrata el verano como una mujer, con un fondo dorado del Renacimiento bizantino, en Amberes, Bélgica
• Mosaicos diseñados por Oskar Graf para Merkel'sches Schwimmbad [ de ] en Esslingen am Neckar, Alemania (1905-1907)
• Mosaicos de Villa l'Aube por Auguste Donnay, Bélgica
• Mandylion de Nicholas Roerich en Talashkino, Rusia (1908–1914)
• Mosaicos para el Palacio de la Cultura de Aladár Körösfői-Kriesch y Miksa Róth en Târgu Mureș, Rumania (1911-1913)
• Mosaicos de trencadís en el Park Güell de Antoni Gaudí en Barcelona (1914)
• Azulejo de la Cooperativa Agrícola de Aveiro (1913)
• Mural de mayólica de la colonia Abramtsevo en Rusia (décadas de 1870 a 1890)
• Mosaicos de Louis Comfort Tiffany (1915)

Los mosaicos fueron utilizados por muchos artistas del Art Nouveau de diferentes movimientos, especialmente del Modernismo catalán (Hospital de Sant Pau, Palau de la Música Catalana, Casa Lleó-Morera y muchos otros). Antoni Gaudí inventó una nueva técnica en el tratamiento de materiales llamada trencadís, que utilizaba piezas de cerámica de desecho.

La colorida mayólica con diseños florales es un rasgo distintivo de la Casa Mayólica de Viena de Otto Wagner, (1898) y de los edificios de las obras de la colonia rusa Abramtsevo, especialmente los de Mikhail Vrubel.

Textiles y papel pintado

• Diseño de tapiz de seda y lana, Cyclamen, de Hermann Obrist, un ejemplo temprano del motivo Whiplash basado en el tallo de una flor de ciclamen (1895)
• Página sobre el nenúfar, del libro de Eugène Grasset sobre los usos ornamentales de las flores (1899)
• Diseño textil de Koloman Moser (1899)
• Algodón estampado de Silver Studio, para los grandes almacenes Liberty, Reino Unido (1904)
• El tapiz Shepherd de János Vaszary (1906) combinaba motivos Art Nouveau y un tema folclórico tradicional húngaro
• Victor Horta, Una alfombra de la colección Fundación Rey Balduino.

Los textiles y los papeles pintados fueron un vehículo importante del Art Nouveau desde el comienzo del estilo y un elemento esencial del diseño de interiores Art Nouveau. En Gran Bretaña, los diseños textiles de William Morris ayudaron a lanzar el movimiento Arts and Crafts y luego el Art Nouveau. Se crearon muchos diseños para los grandes almacenes Liberty de Londres, que popularizaron el estilo en toda Europa. Uno de esos diseñadores fue Silver Studio, que proporcionó coloridos patrones florales estilizados. Otros diseños distintivos provinieron de la Escuela de Glasgow y Margaret Macdonald Mackintosh. La escuela de Glasgow introdujo varios motivos distintivos, incluidos huevos estilizados, formas geométricas y la "Rosa de Glasgow".

En Francia, una contribución importante la hizo el diseñador Eugène Grasset, quien en 1896 publicó La Plante et ses application ornamentales, sugiriendo diseños Art Nouveau basados ​​en diferentes flores y plantas. Muchos patrones fueron diseñados y producidos por los principales fabricantes textiles franceses en Mulhouse, Lille y Lyon, por talleres alemanes y belgas. El diseñador alemán Hermann Obrist se especializó en estampados florales, en particular el ciclamen y el estilo "latigazo cervical" basado en tallos de flores, que se convirtió en un motivo principal del estilo. El belga Henry van de Velde presentó una obra textil, La Veillée d'Anges, en el Salón La Libre Esthéthiqueen Bruselas, inspirado en el simbolismo de Paul Gauguin y de los Nabis. En los Países Bajos, los textiles a menudo se inspiraron en los patrones de batik de las colonias holandesas en las Indias Orientales. El arte popular también inspiró la creación de tapices, alfombras, bordados y textiles en Europa Central y Escandinavia, en la obra de Gerhard Munthe y Frida Hansen en Noruega. El diseño Five Swans de Otto Eckmann apareció en más de cien versiones diferentes. El diseñador húngaro János Vaszary combinó elementos Art Nouveau con temas folclóricos.

Museos

Hay 4 tipos de museos que presentan el patrimonio Art Nouveau:

• Museos de amplio alcance (no dedicados específicamente al Art Nouveau pero con una gran colección de piezas de este estilo). Los monumentos Art Nouveau están en cursiva;
• Casa-museo de artistas Art Nouveau (todos menos el museo Alphonse Mucha son monumentos Art Nouveau);
• Museos dedicados a los movimientos Art Nouveau locales (todos son monumentos Art Nouveau);
• Otros edificios Art Nouveau con estatus de museo o que tengan un museo en su interior (no dedicados a movimientos Art Nouveau locales/artistas específicos).

País	Museos de amplio alcance	Casa-museo de artistas Art Nouveau	Museos dedicados a los movimientos Art Nouveau locales	Otros edificios Art Nouveau con estatus de museo o con un museo en su interior
Austria	Museo de Artes Aplicadas de Viena		Palacio de la Secesión de Viena	Pabellones de Wagner en Karlsplatz y Hietzing en Viena
Argentina				Museo Municipal de Arte Juan Carlos Castagnino de Mar del Plata
Bélgica	Museo Fin-de-Siècle en Bruselas	Maison y Atelier Horta en Bruselas		Centro Belga del Cómic, Museo de Instrumentos Musicales de Bruselas
Chile				Palacio Baburizza en Valparaíso
República Checa	Museo de Bohemia Oriental en Hradec Kralove	Museo Alphonse Mucha en Praga		Museo de Arte Moderno de Olomouc
Dinamarca	Museo Sønderjylland en Skærbæk
Francia	Musée d'Orsay, Museo de Artes Decorativas, Museo Carnavalet, Petit Palais de París; Museo histórico de Haguenau; Musée d'art moderne et contemporain en Estrasburgo, Museo de Bellas Artes de Nancy	Villa Majorelle en Nancy; Musée Lalique [ fr ] en Wingen-sur-Moder;	Museo de la Escuela de Nancy en Nancy	Maxim's Art Nouveau "Colección 1900" sobre el restaurante Maxim's en París (solo grupos de veinte o más personas)
Finlandia	Ateneum y Museo Nacional de Finlandia en Helsinki, Museo de Arte de Turku en Turku	Hvitträsk (casa de Herman Gesellius, Armas Lindgren y Eliel Saarinen) en Kirkkonummi y Museo Gallen-Kallela en Espoo
Alemania	Museo Bröhan en Berlín, Museo in der Majolika en Karlsruhe, Landesmuseum en Maguncia, Museo Wiesbaden en Wiesbaden		Museo de la colonia de Darmstadt [ de ] en Darmstadt	Museo Osthaus de Hagen
Hungría	Museo de Artes Aplicadas y su sucursal Villa György Ráth en Budapest	Casa museo de Miksa Róth en Budapest	Casa de Hungría Szecesszió en Budapest	Museo Geológico de Budapest
Italia	Museo municipal [ it ] en Casale Monferrato			Villa Bernasconi [ it ] en Cernobbio
letonia			Museo Art Nouveau de Riga en Riga
México				Museo del Objeto del Objeto en la Ciudad de México
Noruega			Centro Jugendstil en Ålesund	Museo Noruego de Arte Contemporáneo de Oslo
Portugal			Museo de Arte Nova en Aveiro	Museo-Residencia del Dr. Anastácio Gonçalves en Lisboa
Rumania	Museo Nacional Székely en Sfântu Gheorghe
Rusia	Colonia Abramtsevo en la región de Moscú; Museo de Arte Decorativo de toda Rusia y Museo Gorky en Moscú; Museo Estatal Ruso, Museo de Historia Política de Rusia en San Petersburgo	Casa Museo Fyodor Livchak en Ulyanovsk	Museo de la Colonia de Arte Talashkino en Flenovo, Óblast de Smolensk (solo en ruso)	Museo de la Edad de Plata de la literatura rusa en Moscú, Museo de Moderna en Samara, Estado de Aseevs en Tambov; Museo Municipal en Primorsk y Museo Estatal de Scherbov en Gatchina (ambos Óblast de Leningrado), Museo de Arquitectura y Urbanismo de Taganrog en Taganrog, Museo de Arquitectura Belle Epoque en Ulyanovsk
España	Museo Nacional de Arte de Cataluña en Barcelona, ​​CaixaFòrum en Madrid, Museo Art Nouveau y Art Déco en Salamanca	Casa Museo Gaudí de Barcelona, ​​Casa-Museo Lluís Domènech i Montaner de Canet de Mar	Museo del Modernismo Catalán [ca] de Barcelona, ​​Casa-Museo Art Nouveau [es] de Novelda	Sagrada Familia, Hospital de Sant Pau de Barcelona
Suecia				Museo biológico en Estocolmo, Museo Röhsska en Gotemburgo
Suiza	Museo de Bellas Artes de La Chaux-de-Fonds [ fr ]
Reino Unido	el Museo Victoria and Albert de Londres; Museo Kelvingrove en Glasgow, Galería de Arte Haworth en Accrington	Casa Mackintosh en el Museo y Galería de Arte Hunterian en Glasgow		Museo Horniman en Londres
Ucrania				Museo de Arte en Chernivtsi, Museo de Costumbres Locales en Poltava
EE.UU	Museo Charles Hosmer Morse de Arte Americano en Winter Park, Florida, Museo Metropolitano de Arte en Nueva York, Centro Getty en Los Ángeles; Cooper Hewitt, Smithsonian Design Museum en la ciudad de Nueva York, Instituto de Arte de Chicago en Chicago

Hay muchos otros edificios y estructuras Art Nouveau que no tienen estatus de museo, pero que se pueden visitar oficialmente por una tarifa o extraoficialmente de forma gratuita (por ejemplo, estaciones de tren, iglesias, cafés, restaurantes, pubs, hoteles, tiendas, oficinas, bibliotecas, cementerios, fuentes, así como numerosos edificios de apartamentos que aún están habitados).