Arnold Schönberg
Arnold Schoenberg o Schönberg (EE.UU. también; Alemán: [ya] ()
escucha); 13 de septiembre de 1874 – 13 de julio de 1951) fue un compositor, teórico musical, maestro, escritor y pintor nacido en Austria. Es ampliamente considerado uno de los compositores más influyentes del siglo XX. Se asoció con el movimiento expresionista en poesía y arte alemán, y líder de la Segunda Escuela de Viena. Como compositor judío, Schoenberg fue dirigido por el Partido Nazi, que calificó sus obras como música degenerada y los prohibió ser publicados. Fue exiliado a los Estados Unidos en 1933, convirtiéndose en ciudadano americano en 1941.
El enfoque de Schoenberg, tanto en términos de armonía como de desarrollo, ha dado forma a gran parte del pensamiento musical del siglo XX. Muchos compositores de al menos tres generaciones han ampliado conscientemente su pensamiento, mientras que otros han reaccionado apasionadamente en su contra.
Schoenberg fue conocido al principio de su carrera por extender simultáneamente los estilos románticos alemanes tradicionalmente opuestos de Brahms y Wagner. Posteriormente, su nombre llegaría a personificar las innovaciones en atonalidad (aunque el propio Schoenberg detestaba ese término) que se convertirían en el rasgo más polémico de la música clásica del siglo XX. En la década de 1920, Schoenberg desarrolló la técnica de los doce tonos, un método de composición influyente para manipular una serie ordenada de las doce notas en la escala cromática. También acuñó el término variación en desarrollo y fue el primer compositor moderno en adoptar formas de desarrollar motivos sin recurrir al dominio de una idea melódica centralizada.
Schoenberg también fue un influyente profesor de composición; sus alumnos incluyeron a Alban Berg, Anton Webern, Hanns Eisler, Egon Wellesz, Nikos Skalkottas y más tarde a John Cage, Lou Harrison, Earl Kim, Robert Gerhard, Leon Kirchner, Dika Newlin, Oscar Levant y otros músicos destacados. Muchas de las prácticas de Schoenberg, incluida la formalización del método de composición y su hábito de invitar abiertamente al público a pensar de forma analítica, se repiten en el pensamiento musical de vanguardia a lo largo del siglo XX. Sus puntos de vista a menudo polémicos sobre la historia y la estética de la música fueron cruciales para muchos musicólogos y críticos importantes del siglo XX, incluidos Theodor W. Adorno, Charles Rosen y Carl Dahlhaus, así como los pianistas Artur Schnabel, Rudolf Serkin, Eduard Steuermann y Glenn. Gould.
El legado de archivo de Schoenberg se recopila en el Centro Arnold Schönberg de Viena.
Biografía
Primeros años
Arnold Schoenberg nació en el seno de una familia judía de clase media baja en el distrito de Leopoldstadt (antes un gueto judío) de Viena, en "Obere Donaustraße 5". Su padre Samuel, oriundo de Szécsény, Hungría, luego se mudó a Pozsony (Pressburg, en ese momento parte del Reino de Hungría, ahora Bratislava, Eslovaquia) y luego a Viena, era zapatero, y su madre Pauline Schoenberg (de soltera Nachod), natural de Praga, era profesora de piano. Arnold fue en gran parte autodidacta. Solo tomó lecciones de contrapunto con el compositor Alexander Zemlinsky, quien se convertiría en su primer cuñado.
Cuando tenía veinte años, Schoenberg se ganaba la vida orquestando operetas, mientras componía sus propias obras, como el sexteto de cuerdas Verklärte Nacht ("La noche transfigurada") (1899). Más tarde hizo una versión orquestal de esto, que se convirtió en una de sus piezas más populares. Tanto Richard Strauss como Gustav Mahler reconocieron la importancia de Schoenberg como compositor; Strauss cuando se encontró con los Gurre-Lieder de Schoenberg, y Mahler después de escuchar varios de los primeros trabajos de Schoenberg.
Strauss recurrió a un idioma más conservador en su propio trabajo después de 1909, y en ese momento descartó a Schoenberg. Mahler lo adoptó como protegido y continuó apoyándolo, incluso después de que el estilo de Schoenberg llegara a un punto que Mahler ya no podía entender. Mahler estaba preocupado por quién cuidaría de él después de su muerte. Schoenberg, que inicialmente había despreciado y burlado la música de Mahler, fue convertido por el "rayo" de la Tercera Sinfonía de Mahler, que él consideraba una obra genial. Después 'habló de Mahler como de un santo'.
En 1898 Schoenberg se convirtió al cristianismo en la iglesia luterana. Según MacDonald (2008, 93), esto fue en parte para fortalecer su apego a las tradiciones culturales de Europa occidental y en parte como un medio de autodefensa 'en una época de resurgimiento del antisemitismo'. En 1933, tras una larga meditación, volvió al judaísmo, porque se dio cuenta de que "su herencia racial y religiosa era ineludible", y para asumir una posición inequívoca del lado opuesto al nazismo. Se identificaría a sí mismo como miembro de la religión judía más adelante en su vida.
1901–1914: experimentando con la atonalidad
En octubre de 1901, Schoenberg se casó con Mathilde Zemlinsky, la hermana del director de orquesta y compositor Alexander von Zemlinsky, con quien Schoenberg había estado estudiando desde aproximadamente 1894. Schoenberg y Mathilde tuvieron dos hijos, Gertrud (1902–1947) y Georg (1906). –1974). Gertrud se casaría con el alumno de Schoenberg, Felix Greissle, en 1921.
Durante el verano de 1908, la esposa de Schoenberg, Mathilde, lo dejó durante varios meses por un joven pintor austriaco, Richard Gerstl (quien se suicidó en noviembre después de que Mathilde volviera a casarse). Este período marcó un cambio distinto en el trabajo de Schoenberg. Fue durante la ausencia de su esposa que compuso "Te apoyas en un sauce plateado" (Alemán: Du lehnest wide eine Silberweide), la decimotercera canción del ciclo Das Buch der Hängenden Gärten, op. 15, basado en la colección del mismo nombre del poeta místico alemán Stefan George. Esta fue la primera composición sin ninguna referencia a una clave.
También en este año, Schoenberg completó una de sus composiciones más revolucionarias, el Cuarteto de Cuerdas No. 2. Los primeros dos movimientos, aunque de color cromático, usan armaduras tradicionales. Los dos movimientos finales, nuevamente usando poesía de George, incorporan una línea vocal de soprano, rompiendo con la práctica anterior del cuarteto de cuerdas, y debilitan audazmente los vínculos con la tonalidad tradicional. Ambos movimientos terminan en acordes tónicos y la obra no es totalmente atonal.
Durante el verano de 1910, Schoenberg escribió su Harmonielehre (Teoría de la armonía, Schoenberg 1922), que sigue siendo uno de los libros de teoría musical más influyentes. Aproximadamente desde 1911, Schoenberg perteneció a un círculo de artistas e intelectuales que incluía a Lene Schneider-Kainer, Franz Werfel, Herwarth Walden y Else Lasker-Schüler.
En 1910 conoció a Edward Clark, un periodista musical inglés que entonces trabajaba en Alemania. Clark se convirtió en su único alumno de inglés y, en su capacidad posterior como productor de la BBC, fue responsable de presentar muchas de las obras de Schoenberg, y al propio Schoenberg, en Gran Bretaña (así como a Webern, Berg y otros).
Otra de sus obras más importantes de este período atonal o pantonal es la muy influyente Pierrot lunaire, op. 21, de 1912, un ciclo de novelas de canciones expresionistas ambientadas en una traducción al alemán de poemas del poeta belga-francés Albert Giraud. Utilizando la técnica de Sprechstimme, o recitación hablada melodramáticamente, la obra empareja a una vocalista femenina con un pequeño conjunto de cinco músicos. El conjunto, que ahora se conoce comúnmente como el conjunto Pierrot, consta de flauta (doblando en flautín), clarinete (doblando en clarinete bajo), violín (doblando en viola), violoncello, altavoz y piano.
Wilhelm Bopp, director del Conservatorio de Viena desde 1907, quería romper con el ambiente viciado que representaban para él Robert Fuchs y Hermann Graedener. Habiendo considerado muchos candidatos, ofreció puestos docentes a Schoenberg y Franz Schreker en 1912. En ese momento, Schoenberg vivía en Berlín. No estaba completamente aislado del Conservatorio de Viena, ya que había impartido un curso privado de teoría un año antes. Consideró seriamente la oferta, pero la rechazó. Escribiendo después a Alban Berg, citó su "aversión a Viena" como la razón principal de su decisión, mientras contemplaba que podría haber sido la equivocada financieramente, pero habiéndola hecho se sintió satisfecho. Un par de meses después, le escribió a Schreker sugiriendo que podría haber sido una mala idea para él también aceptar el puesto de profesor.
Primera Guerra Mundial
La Primera Guerra Mundial trajo una crisis en su desarrollo. El servicio militar interrumpió su vida cuando a la edad de 42 años estaba en el ejército. Nunca pudo trabajar de forma ininterrumpida o durante un período de tiempo, y como resultado dejó muchas obras sin terminar y 'comienzos' sin desarrollar. En una ocasión, un oficial superior exigió saber si él era "este notorio Schoenberg, entonces"; Schoenberg respondió: 'Le ruego informe, señor, sí. Nadie quería serlo, alguien tenía que serlo, así que dejé que fuera yo". Según Norman, se trata de una referencia al aparente 'destino' de Schoenberg. como el "Emancipador de la Disonancia".
En lo que Alex Ross llama un 'acto de psicosis de guerra', Schoenberg hizo comparaciones entre el asalto de Alemania a Francia y su asalto a los valores artísticos burgueses decadentes. En agosto de 1914, mientras denunciaba la música de Bizet, Stravinsky y Ravel, escribió: "¡Ahora viene el ajuste de cuentas! Ahora arrojaremos a estos mediocres kitschmongers a la esclavitud y les enseñaremos a venerar el espíritu alemán y a adorar al Dios alemán.
La relación cada vez más deteriorada entre los compositores contemporáneos y el público lo llevó a fundar la Society for Private Musical Performances (Verein für musikalische Privataufführungen en alemán) en Viena en 1918. Procuró proporcionar un foro en el que las composiciones musicales modernas podían prepararse y ensayarse cuidadosamente, y ejecutarse adecuadamente en condiciones protegidas de los dictados de la moda y las presiones del comercio. Desde su inicio hasta 1921, cuando terminó por razones económicas, la Sociedad presentó 353 representaciones a los miembros que pagan, a veces a razón de una por semana. Durante el primer año y medio, Schoenberg no permitió que se representara ninguna de sus obras. En cambio, el público de los conciertos de la Sociedad escuchó composiciones contemporáneas difíciles de Scriabin, Debussy, Mahler, Webern, Berg, Reger y otras figuras destacadas de la música de principios del siglo XX.
Desarrollo del método dodecafónico
Más tarde, Schoenberg desarrollaría la versión más influyente del método de composición dodecafónico (también conocido como dodecafónico), que en francés e inglés recibió el nombre alternativo de serialismo de René Leibowitz y Humphrey Searle en 1947. Esta técnica fue retomado por muchos de sus alumnos, que constituyeron la llamada Segunda Escuela Vienesa. Incluyeron a Anton Webern, Alban Berg y Hanns Eisler, todos los cuales fueron profundamente influenciados por Schoenberg. Publicó varios libros, desde su famoso Harmonielehre (Teoría de la armonía) hasta Fundamentos de composición musical, muchos de los cuales todavía están en impreso y utilizado por músicos y compositores en desarrollo.
Schoenberg vio su desarrollo como una progresión natural y no menospreció sus trabajos anteriores cuando se aventuró en el serialismo. En 1923 le escribió al filántropo suizo Werner Reinhart:
Para el presente, me importa más si la gente entiende mis obras mayores... Ellos son los precursores naturales de mis obras posteriores, y sólo aquellos que entienden y comprenden estos serán capaces de obtener una comprensión de las obras posteriores que van más allá de un mínimo desnudo de moda. ¡No asigno tanta importancia a ser un bogey-man musical en cuanto a ser un continuador natural de buena tradición adecuadamente comprendida!
Su primera esposa murió en octubre de 1923, y en agosto del año siguiente, Schoenberg se casó con Gertrud Kolisch (1898–1967), hermana de su alumno, el violinista Rudolf Kolisch. Tuvieron tres hijos: Nuria Dorothea (nacida en 1932), Ronald Rudolf (nacido en 1937) y Lawrence Adam (nacido en 1941). Gertrude Kolisch Schoenberg escribió el libreto de la ópera en un acto de Schoenberg Von heute auf morgen bajo el seudónimo de Max Blonda. A pedido de ella, la pieza de Schoenberg (finalmente sin terminar), Die Jakobsleiter fue preparada para ser interpretada por el alumno de Schoenberg, Winfried Zillig. Tras la muerte de su marido en 1951 fundó Belmont Music Publishers dedicada a la publicación de sus obras. Arnold usó las notas G y E♭ (alemán: Es, es decir, "S") para "Gertrud Schoenberg", en la Suite, para septeto, op. 29 (1925). (ver criptograma musical).
Tras la muerte en 1924 del compositor Ferruccio Busoni, quien se había desempeñado como director de una clase magistral de composición en la Academia Prusiana de las Artes en Berlín, Schoenberg fue designado para este cargo al año siguiente, pero debido a problemas de salud no pudo para ocupar su cargo hasta 1926. Entre sus alumnos notables durante este período se encuentran los compositores Robert Gerhard, Nikos Skalkottas y Josef Rufer.
Junto con sus obras dodecafónicas, 1930 marca el regreso de Schoenberg a la tonalidad, con los números 4 y 6 de las Seis piezas para coro masculino op. 35, siendo las demás piezas dodecafónicas.
Tercer Reich y mudarse a los Estados Unidos
Schoenberg continuó en su puesto hasta que el régimen nazi Machtergreifung llegó al poder en 1933. Mientras estaba de vacaciones en Francia, le advirtieron que regresar a Alemania sería peligroso. Schoenberg reclamó formalmente la membresía en la religión judía en una sinagoga de París y luego viajó con su familia a los Estados Unidos. Esto sucedió después de que sus intentos de mudarse a Gran Bretaña fracasaran.
Su primer puesto docente en Estados Unidos fue en el Conservatorio Malkin (Universidad de Boston). Se mudó a Los Ángeles, donde enseñó en la Universidad del Sur de California y en la Universidad de California en Los Ángeles, las cuales luego nombraron un edificio de música en sus respectivos campus Schoenberg Hall. Fue nombrado profesor invitado en UCLA en 1935 por recomendación de Otto Klemperer, director musical y director de orquesta de la Orquesta Filarmónica de Los Ángeles; y al año siguiente fue ascendido a profesor con un salario de 5.100 dólares al año, lo que le permitió en mayo de 1936 o 1937 comprar una casa de estilo neoespañol en 116 North Rockingham en Brentwood Park, cerca del campus de UCLA, por 18.000 dólares. Esta dirección estaba justo al otro lado de la calle de la casa de Shirley Temple, y allí se hizo amigo del también compositor (y compañero de tenis) George Gershwin. Los Schoenberg pudieron contratar ayuda doméstica y comenzaron a celebrar reuniones los domingos por la tarde que eran conocidas por su excelente café y pasteles vieneses. Entre los invitados frecuentes se encontraban Otto Klemperer (que estudió composición en privado con Schoenberg a partir de abril de 1936), Edgard Varèse, Joseph Achron, Louis Gruenberg, Ernst Toch y, en ocasiones, actores de renombre como Harpo Marx y Peter Lorre. Los compositores Leonard Rosenman y George Tremblay y el orquestador de Hollywood Edward B. Powell estudiaron con Schoenberg en ese momento.
Después de mudarse a los Estados Unidos, donde llegó el 31 de octubre de 1933, el compositor usó la ortografía alternativa de su apellido Schoenberg, en lugar de Schönberg, en lo que llamó "deferencia a la práctica estadounidense", aunque según un escritor, hizo el cambio por primera vez un año antes.
Vivió allí el resto de su vida, pero al principio no estaba asentado. Alrededor de 1934, solicitó un puesto de profesor de armonía y teoría en el Conservatorio Estatal de Nueva Gales del Sur en Sydney. El director, Edgar Bainton, lo rechazó por ser judío y por tener 'ideas modernistas y tendencias peligrosas'. Schoenberg también exploró en un momento la idea de emigrar a Nueva Zelanda. Su secretario y alumno (y sobrino de la suegra de Schoenberg, Henriette Kolisch), fue Richard Hoffmann, nacido en Viena pero que vivió en Nueva Zelanda entre 1935 y 1947, y Schoenberg había estado fascinado con las islas desde la infancia. y con Nueva Zelanda en particular, posiblemente por la belleza de los sellos postales emitidos por ese país.
Durante este período final, compuso varias obras notables, incluido el difícil Concierto para violín, op. 36 (1934/36), el Kol Nidre, op. 39, para coro y orquesta (1938), la Oda a Napoleón Buonaparte, op. 41 (1942), el inquietante Concierto para piano, op. 42 (1942), y su memorial a las víctimas del Holocausto, Un superviviente de Varsovia, op. 46 (1947). No pudo completar su ópera Moses und Aron (1932/33), que fue una de las primeras obras de su género escritas completamente con composición dodecafónica. Junto a la música dodecafónica, Schoenberg también volvió a la tonalidad con obras de su última etapa, como la Suite para cuerdas en sol mayor (1935), la Sinfonía de cámara n.º 2 en mi ♭ menor, op. 38 (comenzado en 1906, terminado en 1939), las Variaciones sobre un recitativo en re menor, op. 40 (1941). Durante este período, sus estudiantes notables incluyeron a John Cage y Lou Harrison.
En 1941, se convirtió en ciudadano de los Estados Unidos. Aquí fue el primer compositor residente en el conservatorio de verano de la Academia de Música del Oeste.
Superstición y muerte
La naturaleza supersticiosa de Schoenberg puede haber provocado su muerte. El compositor tenía triskaidekaphobia, y según la amiga Katia Mann, temía morir durante un año múltiplo de 13. Esto posiblemente comenzó en 1908 con la composición de la decimotercera canción del ciclo de canciones Das Buch der Hängenden jardín op. 15. Temía tanto su sexagésimo quinto cumpleaños en 1939 que un amigo le pidió al compositor y astrólogo Dane Rudhyar que preparara el horóscopo de Schoenberg. Rudhyar hizo esto y le dijo a Schoenberg que el año era peligroso, pero no fatal.
Pero en 1950, en su cumpleaños número 76, un astrólogo le escribió a Schoenberg una nota advirtiéndole que el año era crítico: 7 + 6 = 13. Esto sorprendió y deprimió al compositor, porque hasta ese momento solo había estado Desconfiaba de los múltiplos de 13 y nunca consideró sumar los dígitos de su edad. Murió el viernes 13 de julio de 1951, poco antes de la medianoche. Schoenberg se había quedado en cama todo el día, enfermo, ansioso y deprimido. Su esposa Gertrud informó en un telegrama a su cuñada Ottilie al día siguiente que Arnold murió a las 11:45 p. m., 15 minutos antes de la medianoche. En una carta a Ottilie fechada el 4 de agosto de 1951, Gertrud explicó: “Alrededor de las doce menos cuarto, miré el reloj y me dije: otro cuarto de hora y luego lo peor habrá pasado. Entonces me llamó el médico. La garganta de Arnold se agitó dos veces, su corazón dio un fuerte latido y ese fue el final.
Las cenizas de Schoenberg se enterraron más tarde en el Zentralfriedhof de Viena el 6 de junio de 1974.
Música
Las importantes composiciones de Schoenberg en el repertorio de la música culta moderna abarcan un período de más de 50 años. Tradicionalmente, se dividen en tres períodos, aunque esta división podría decirse que es arbitraria, ya que la música en cada uno de estos períodos varía considerablemente. La idea de que su período dodecafónico "representa un cuerpo de obras estilísticamente unificado simplemente no está respaldada por la evidencia musical", e importantes características musicales, especialmente aquellas relacionadas con el desarrollo de motivos, trascienden estos límites por completo.
El primero de estos períodos, 1894-1907, se identifica en el legado de los compositores del alto romanticismo de finales del siglo XIX, así como con el "expresionista" movimientos en la poesía y el arte. El segundo, 1908-1922, se caracteriza por el abandono de los centros clave, un movimiento descrito a menudo (aunque no por Schoenberg) como "atonalidad libre". El tercero, a partir de 1923, comienza con la invención de Schoenberg del dodecafónico, o 'doce tonos'. método compositivo. Los estudiantes más conocidos de Schoenberg, Hanns Eisler, Alban Berg y Anton Webern, siguieron fielmente a Schoenberg a través de cada una de estas transiciones intelectuales y estéticas, aunque no sin una experimentación considerable y una variedad de enfoques.
Primer período: Romanticismo tardío
Comenzando con canciones y cuartetos de cuerda escritos alrededor del cambio de siglo, las preocupaciones de Schoenberg como compositor lo posicionaron de manera única entre sus pares, ya que sus procedimientos exhibieron características tanto de Brahms como de Wagner, quienes para la mayoría de los oyentes contemporáneos, se consideraban polos opuestos, representando direcciones mutuamente excluyentes en el legado de la música alemana. Seis canciones de Schoenberg, op. 3 (1899-1903), por ejemplo, exhiben una claridad conservadora de organización tonal típica de Brahms y Mahler, lo que refleja un interés en frases equilibradas y una jerarquía imperturbable de relaciones clave. Sin embargo, las canciones también exploran un cromatismo incidental inusualmente audaz y parecen aspirar a una "representacional" Aproximación a la identidad motívica.
La síntesis de estos enfoques alcanza un ápice en su Verklärte Nacht, op. 4 (1899), una obra programática para sexteto de cuerdas que desarrolla varios temas distintivos parecidos a un "leitmotiv", cada uno eclipsando y subordinando al anterior. Los únicos elementos motívicos que persisten a lo largo de la obra son aquellos que se disuelven, varían y recombinan perpetuamente, en una técnica, identificada principalmente en la música de Brahms, que Schoenberg llamó "variación en desarrollo". Los procedimientos de Schoenberg en la obra se organizan de dos maneras simultáneamente; sugiriendo a la vez una narrativa wagneriana de ideas motívicas, así como un enfoque brahmsiano del desarrollo motívico y la cohesión tonal.
Segundo período: Atonalidad libre
La música de Schoenberg desde 1908 en adelante experimenta en una variedad de formas con la ausencia de claves tradicionales o centros tonales. Su primera pieza explícitamente atonal fue el segundo cuarteto de cuerda, op. 10, con soprano. El último movimiento de esta pieza no tiene armadura, lo que marca el divorcio formal de Schoenberg de las armonías diatónicas. Otras obras importantes de la época incluyen su ciclo de canciones Das Buch der Hängenden Gärten, op. 15 (1908-1909), sus Cinco piezas orquestales, op. 16 (1909), el influyente Pierrot Lunaire, op. 21 (1912), así como su dramática Erwartung, op. 17 (1909).
Sin embargo, la urgencia de las construcciones musicales que carecen de centros tonales o relaciones tradicionales de disonancia-consonancia se remonta a su Sinfonía de cámara n.º 1, op. 9 (1906), una obra notable por su desarrollo tonal de armonía de tono completo y cuartal, y su inicio de relaciones de conjunto dinámicas e inusuales, que implican una interrupción dramática y lealtades instrumentales impredecibles; muchas de estas características tipificarían la estética de la música de cámara orientada al timbre del próximo siglo.
Tercer período: Obras dodecafónicas y tonales
A principios de la década de 1920, trabajó en la evolución de un medio de orden que haría que su textura musical fuera más simple y clara. Esto resultó en el "método de composición con doce tonos que están relacionados solo entre sí", en el que los doce tonos de la octava (no realizados compositivamente) se consideran iguales, y no se da ninguna nota o tonalidad. el énfasis que ocupaba en la armonía clásica. Lo consideró como el equivalente en música de los descubrimientos de Albert Einstein en física. Schoenberg lo anunció de forma característica, durante un paseo con su amigo Josef Rufer, cuando dijo: "He hecho un descubrimiento que asegurará la supremacía de la música alemana durante los próximos cien años". Este período incluye las Variaciones para orquesta, op. 31 (1928); Piezas para piano, op. 33a y amplificador; b (1931), y el Concierto para piano, op. 42 (1942). Contrariamente a su reputación de rigor, el uso de la técnica por parte de Schoenberg varió ampliamente según las demandas de cada composición individual. Así, la estructura de su ópera inacabada Moses und Aron es diferente a la de su Fantasía para violín y piano, op. 47 (1949).
Diez rasgos de la práctica dodecafónica madura de Schoenberg son característicos, interdependientes e interactivos:
- Hexachordal inversional combinatoriality
- Aggregates
- Presentación del conjunto lineal
- Partición
- Partición yosomorfa
- Invariantes
- Niveles hexachordal
- Armonía, "consistente y derivado de las propiedades del conjunto referencial"
- Metre, establecido a través de "características relacionales de punta"
- Presentaciones de conjunto multidimensional
Recepción y legado
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Primeras obras
Después de algunas dificultades iniciales, Schoenberg comenzó a ganar la aceptación del público con obras como el poema sinfónico Pelleas und Melisande en una representación en Berlín en 1907. En el estreno en Viena de Gurre-Lieder en 1913 recibió una ovación que duró un cuarto de hora y culminó con la entrega de una corona de laurel a Schoenberg.
Sin embargo, gran parte de su trabajo no fue bien recibido. Su Sinfonía de cámara n.º 1 se estrenó sin novedad en 1907. Sin embargo, cuando se volvió a tocar en el Skandalkonzert el 31 de marzo de 1913 (que también incluía obras de Berg, Webern y Zemlinsky), " se oía el sonido estridente de las llaves de la puerta entre los aplausos violentos, y en la segunda galería comenzó la primera pelea de la velada." Más tarde en el concierto, durante una interpretación de Altenberg Lieder de Berg, estalló una pelea después de que Schoenberg interrumpiera la presentación para amenazar con que la policía sacara a los alborotadores.
Período de doce tonos
Según Ethan Haimo, la comprensión de la obra dodecafónica de Schoenberg ha sido difícil de lograr debido en parte a la "naturaleza verdaderamente revolucionaria" de su nuevo sistema, la desinformación difundida por algunos de los primeros escritores sobre las "reglas" y "excepciones" que tienen "poca relación con las características más significativas de la música de Schoenberg", el secretismo del compositor y la falta generalizada de disponibilidad de sus bocetos y manuscritos hasta finales de la década de 1970. Durante su vida, fue "sometido a una variedad de críticas y abusos que es impactante incluso en retrospectiva".
Schoenberg criticó la nueva tendencia neoclásica de Igor Stravinsky en el poema "Der neue Klassizismus" (en el que deroga el neoclasicismo y se refiere oblicuamente a Stravinsky como "Der kleine Modernsky"), que utilizó como texto para la tercera parte de su Drei Satiren, op. 28
La técnica serial de composición con doce notas de Schoenberg se convirtió en uno de los temas más centrales y polémicos entre los músicos estadounidenses y europeos de mediados a finales del siglo XX. A partir de la década de 1940 y hasta la actualidad, compositores como Pierre Boulez, Karlheinz Stockhausen, Luigi Nono y Milton Babbitt han ampliado el legado de Schoenberg en direcciones cada vez más radicales. Las principales ciudades de los Estados Unidos (por ejemplo, Los Ángeles, Nueva York y Boston) han tenido representaciones históricamente significativas de la música de Schoenberg, con defensores como Babbitt en Nueva York y el director de orquesta y pianista franco-estadounidense Jacques- Luis Monod. Los estudiantes de Schoenberg han sido maestros influyentes en las principales universidades estadounidenses: Leonard Stein en USC, UCLA y CalArts; Richard Hoffmann en Oberlin; Patricia Carpenter en Columbia; y Leon Kirchner y Earl Kim en Harvard. Los músicos asociados con Schoenberg han tenido una profunda influencia en la práctica de la interpretación musical contemporánea en los EE. UU. (por ejemplo, Louis Krasner, Eugene Lehner y Rudolf Kolisch en el Conservatorio de Música de Nueva Inglaterra; Eduard Steuermann y Felix Galimir en la Juilliard School). En Europa, el trabajo de Hans Keller, Luigi Rognoni y René Leibowitz ha tenido una influencia mensurable en la difusión del legado musical de Schoenberg fuera de Alemania y Austria. Su alumno y asistente Max Deutsch, quien más tarde se convirtió en profesor de música, también fue director de orquesta. quien realizó una grabación de tres "obras maestras" Schoenberg con la Orchestre de la Suisse Romande, estrenada póstumamente a finales de 2013. Esta grabación incluye breves conferencias de Deutsch sobre cada una de las piezas.
Crítica
En la década de 1920, Ernst Krenek criticó cierta marca anónima de música contemporánea (presumiblemente Schoenberg y sus discípulos) como "la autogratificación de un individuo que se sienta en su estudio e inventa reglas según las cuales luego escribe". por sus notas". Schoenberg se ofendió por este comentario y respondió que Krenek "solo desea putas como oyentes".
Allen Shawn ha señalado que, dadas las circunstancias de vida de Schoenberg, su obra suele ser defendida en lugar de escuchada, y que es difícil experimentarla aparte de la ideología que lo rodea. Richard Taruskin afirmó que Schoenberg cometió lo que él llama una "falacia poiética", la convicción de que lo que más importa (o todo lo que importa) en una obra de arte es su realización, la aportación del creador., y que el placer del oyente no debe ser el objetivo principal del compositor. Taruskin también critica las ideas de medir el valor de Schoenberg como compositor en términos de su influencia sobre otros artistas, la sobrevaloración de la innovación técnica y la restricción de la crítica a cuestiones de estructura y oficio, mientras que denigra otros enfoques como vulgares.
Relación con el público en general
En un escrito de 1977, Christopher Small observó: "Muchos amantes de la música, incluso hoy en día, encuentran dificultades con la música de Schoenberg". Small escribió su breve biografía un cuarto de siglo después de la muerte del compositor. Según Nicholas Cook, escribiendo unos veinte años después de Small, Schoenberg había pensado que esta falta de comprensión
era simplemente una fase transitoria, si inevitable: la historia de la música, dijeron, mostró que los públicos siempre resistían a lo desconocido, pero a tiempo se acostumbraron a ella y aprendieron a apreciarlo... Schoenberg mismo esperaba un momento en que, como dijo, los chicos de los supermercados silban la música en serie en sus rondas. Si Schoenberg realmente creyó lo que dijo (y es difícil estar seguro de esto), entonces representa uno de los momentos más conmovedores de la historia de la música. Para el serialismo no logró popularidad; el proceso de familiarización por el cual él y sus contemporáneos estaban esperando nunca ocurrió.
Ben Earle (2003) descubrió que Schoenberg, aunque venerado por los expertos y enseñado a "generaciones de estudiantes" en los cursos de grado, no fue querido por el público. A pesar de más de cuarenta años de promoción y producción de "libros dedicados a la explicación de este difícil repertorio a audiencias no especializadas", parecería que, en particular, "los intentos británicos de popularizar la música de este tipo... ahora se puede decir con seguridad que ha fallado".
En su biografía de 2018 del compositor pionero y casi contemporáneo de Schoenberg, Debussy, Stephen Walsh se opone a la idea de que no es posible 'para un artista creativo ser a la vez radical y popular'.;. Walsh concluye: "Schoenberg puede ser el primer 'gran' compositor de la historia moderna cuya música no ha entrado en el repertorio casi siglo y medio después de su nacimiento".
La novela Doctor Fausto de Thomas Mann
Adrian Leverkühn, el protagonista de la novela de Thomas Mann Doctor Faustus (1947), es un compositor cuyo uso de la técnica dodecafónica es paralelo a las innovaciones de Arnold Schoenberg. Schoenberg no estaba contento con esto e inició un intercambio de cartas con Mann luego de la publicación de la novela.
Leverkühn, que puede estar basado en Nietzsche, vende su alma al diablo. El escritor Sean O'Brien comenta que 'escrito a la sombra de Hitler, Doktor Faustus observa el surgimiento del nazismo, pero su relación con la historia política es oblicua'.
Personalidad e intereses extramusicales
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Schoenberg fue un pintor de considerable habilidad, cuyas obras se consideraron lo suficientemente buenas como para exhibirlas junto a las de Franz Marc y Wassily Kandinsky. como compañeros del grupo expresionista Der Blaue Reiter.
Estaba interesado en las películas de Hopalong Cassidy, que Paul Buhle y David Wagner (2002, v–vii) atribuyen a las películas' guionistas de izquierda, una afirmación bastante extraña a la luz de la declaración de Schoenberg de que él era un 'burgués'; convertido en monárquico.
Libros de texto
- 1922. Harmonielehre, tercera edición. Viena: Edición Universal. (Originally published 1911).
- 1943. Modelos para principiantes en la composición, Nueva York: G. Schirmer, Inc.
- 1954. Funciones estructurales de la armonía. Nueva York: W. W. Norton; Londres: Williams y Norgate. Edición revisada, Nueva York, Londres: W. W. Norton y Company 1969. ISBN 978-0-393-00478-6
- 1964. Ejercicios preliminares en contrapunto, editado con un prólogo de Leonard Stein. New York, St. Martin's Press. Reimpreso, Los Angeles: Belmont Music Publishers 2003.
- 1967. Fundamentos de Composición Musical, editado por Gerald Strang, con una introducción de Leonard Stein. New York: St. Martin's Press. Reimpreso 1985, Londres: Faber y Faber. ISBN 978-0-571-09276-5
- 1978. Teoría de la Armonía, edición en inglés, traducido por Roy E. Carter, basado en Harmonielehre 1922. Berkeley, Los Angeles: University of California Press. ISBN 978-0-520-03464-8
- 1979. Die Grundlagen der musikalischen Komposition, traducido al alemán por Rudolf Kolisch; editado por Rudolf Stephan. Viena: Edición Universal (traducción alemana) Fundamentos de Composición Musical).
- 2003. Ejercicios preliminares en contrapunto, Reimpreso, Los Angeles: Belmont Music Publishers.
- 2010. Teoría de la Armonía, edición 100 aniversario. Berkeley: California University Press. Segunda edición. ISBN 978-0-52026-608-7
- 2016. Modelos para principiantes en la composición, Reimpreso, Londres: Oxford University Press. ISBN 978-0-19538-221-1
Escritos
- 1947. "El músico". In Las obras de la mente, editado por Robert B. Heywood, Chicago: University of Chicago Press. OCLC 752682744
- 1950. Estilo e Idea: Escritos seleccionados de Arnold Schoenberg, editado y traducido por Dika Newlin. Nueva York: Biblioteca Filosófica.
- 1958. Ausgewählte BriefePor Söhne de B. Schott, Mainz.
- 1964. Arnold Schoenberg Letters, seleccionado y editado por Erwin Stein, traducido del alemán original por Eithne Wilkins y Ernst Kaiser. Londres: Faber y Faber Ltd.
- 1965. Arnold Schoenberg Letters, seleccionado y editado por Erwin Stein, traducido del alemán original por Eithne Wilkins y Ernst Kaiser. New York: St.Martin's Press.
- 1975. Estilo e Idea: Escritos seleccionados de Arnold Schoenberg, editado por Leonard Stein, con traducciones de Leo Black. Nueva York: St. Martins Press; Londres: Faber & Faber. ISBN 978-0-520-05294-9 Ampliada de la publicación de la Biblioteca Filosófica de 1950 (Nueva York) editada por Dika Newlin (559 páginas desde 231). El volumen lleva la nota "Several of the essays... originalmente escrita en alemán (traducida por Dika Newlin)" en ambas ediciones.
- 1984. Estilo e idea: Escrituras seleccionadas, traducido por Leo Black. Berkeley: California University Press.
- 1984. Arnold Schoenberg Wassily Kandinsky: Cartas, Fotos y Documentos, editado por Jelena Hahl-Koch, traducido por John C. Crawford. Londres: Faber y Faber. ISBN 0-571-13060-7, ISBN 0-571-13194-8
- 1987. Arnold Schoenberg Letters, seleccionado y editado por Erwin Stein, traducido del alemán original por Eithne Wilkins y Ernst Kaiser. Berkeley y Los Ángeles: Universidad de California Press. ISBN 978-0-520-06009-8
- 2006. La Idea Musical y la Lógica, Técnica y Arte de Su Presentación, nueva edición en inglés de papelback. Bloomington y Londres: Indiana University Press. ISBN 978-0-25321-835-3
- 2010. Estilo e idea: Escrituras seleccionadas, edición del 60o aniversario (segunda), traducida por Leonard Stein y Leo Black. Berkeley: California University Press. ISBN 978-0-52026-607-0
- 2020. Kathryn Puffet y Barbara Schingnitz: Tres hombres de cartas. Arnold Schönberg, Alban Berg y Anton Webern, 1906-1921. Viena: Hollitzer, 2020. ISBN 978-3-99012-776-6
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