Aria
En música, un aria (italiano: [ˈaːrja]; plural: arie [ˈaːrje], o arias en el uso común, forma diminutiva arietta [aˈrjetta], plural ariette, o simplemente en inglés aire) es una pieza independiente para una voz, con o sin acompañamiento instrumental u orquestal, normalmente parte de una obra mayor.
El contexto típico de las arias es la ópera, pero las arias vocales también aparecen en oratorios y cantatas, o pueden ser arias de concierto independientes. El término se usó originalmente para referirse a cualquier melodía expresiva, generalmente, pero no siempre, interpretada por un cantante.
Etimología
El término italiano aria, que deriva del griego ἀήρ y del latín aer (aire), apareció por primera vez en relación con la música en el siglo XIV cuando simplemente significaba un Manera o estilo de cantar o tocar. A finales del siglo XVI, el término 'aria' se refiere a una forma instrumental (cf. Obras para laúd de Santino Garsi da Parma, 'Aria del Gran Duca'). A principios del siglo XVI, era de uso común con el significado de un escenario simple de poesía estrófica; los madrigales melódicos, libres de polifonía compleja, se conocían como madrigale arioso.
En ópera
Forma de aria en la ópera francesa e italiana de finales del siglo XVII
En el contexto de obras escénicas y obras de concierto, las arias evolucionaron de melodías simples a formas estructuradas. En tales obras, el aria cantada, melódica y estructurada se diferenció del recitativo más parecido a un discurso (parlando); en términos generales, el último tendía a llevar la trama, el primero llevaba más carga emocional. y se convirtió en una oportunidad para que los cantantes mostraran su talento vocal.
El aria evolucionó típicamente en una de dos formas. Las arias de forma binaria estaban en dos secciones (A – B); Las arias en forma ternaria (A–B–A) se conocían como da capo arias (literalmente "de la cabeza", es decir, con la sección de apertura repetida, a menudo de una manera muy decorada). En el aria da capo el 'B' el episodio normalmente estaría en una clave diferente: la clave mayor dominante o relativa. Otras variantes de estas formas se encuentran en las óperas francesas de finales del siglo XVII, como las de Jean-Baptiste Lully, que dominaron el período del barroco francés; los solos vocales en sus óperas (denominados por supuesto por el término francés, airs) están frecuentemente en forma binaria extendida (ABB') o, a veces, en forma rondeau (ABACA), (una forma análoga al rondó instrumental).
En la escuela italiana de compositores de finales del siglo XVII y principios del XVIII, la forma de aria da capo llegó a asociarse gradualmente con el ritornello (literalmente, & #39;pequeño retorno'), un episodio instrumental recurrente que se entremezclaba con los elementos del aria y eventualmente brindaba, en las primeras óperas, la oportunidad para bailar o para la entrada de personajes. Esta versión de la forma de aria con ritornelli se convirtió en una característica dominante de la ópera europea a lo largo del siglo XVIII. Algunos escritores piensan que es el origen de las formas instrumentales de la forma de concierto y sonata. Los ritornelli se volvieron esenciales para la estructura del aria: "mientras que las palabras determinan el carácter de una melodía, los instrumentos ritornello a menudo deciden en qué términos se presentarán".
Siglo XVIII
A principios del siglo XVIII, compositores como Alessandro Scarlatti habían establecido la forma de aria, y especialmente su versión da capo con ritornelli, como el elemento clave de la opera seria. "Ofrecía equilibrio y continuidad y, sin embargo, daba margen para el contraste. [...] La misma regularidad de sus características convencionales permitía explotar las desviaciones de lo normal con un efecto revelador." En los primeros años del siglo, las arias de estilo italiano comenzaron a imponerse en la ópera francesa, dando lugar eventualmente al género francés de ariette, normalmente en una forma ternaria relativamente simple.
Los tipos de aria de ópera se conocieron con una variedad de términos según su carácter, por ejemplo, aria parlante ('estilo de habla', naturaleza narrativa), aria di bravura (típicamente dada a una heroína), aria buffa (aria de tipo cómico, típicamente dada a un bajo o bajo-barítono), y así sucesivamente.
M. F. Robinson describe el aria estándar en opera seria en el período 1720 a 1760 de la siguiente manera:
La primera sección normalmente comenzó con un ritornello orquestal después del cual el cantante entró y cantó las palabras de la primera estrofa en su totalidad. Al final de este primer párrafo vocal, la música, si estuviera en una clave importante como solía ser, había modulado al dominante. La orquesta tocó un segundo ritornello generalmente más corto que el primero. El cantante volvió a entrar y cantó las mismas palabras por segunda vez. La música de este segundo párrafo era a menudo ligeramente más elaborada que la de la primera. Hubo más repeticiones de palabras y quizás más voces floridas. La clave funcionó su camino de regreso a la tónica para la cadencia vocal final después de la cual la orquesta redondeó la sección con un ritornello final.
La naturaleza y asignación de las arias a los diferentes roles en opera seria estaba altamente formalizada. Según el dramaturgo y libretista Carlo Goldoni, en su autobiografía,
Los tres personajes principales del drama deben cantar cinco arias cada uno; dos en el primer acto, dos en el segundo, y uno en el tercero. La segunda actriz y la segunda soprano sólo pueden tener tres, y los personajes inferiores deben estar satisfechos con un solo aria cada uno, o dos al máximo. El autor de las palabras debe [...] cuidar de que dos arias patéticas [es decir, melancolía] no se tengan éxito unos a otros. Debe distribuir con la misma precaución las bravura arias, las arias de acción, las arias inferiores y los minuets y rondeaus. Debe, sobre todo, evitar dar arias, bravura arias, o rondeaus, a caracteres inferiores.
Por el contrario, las arias en opera buffa (ópera cómica) a menudo tenían un carácter específico para la naturaleza del personaje representado (por ejemplo, la atrevida sirvienta o el irascible anciano pretendiente o guardián)..
Más avanzado el siglo quedó claro que estos formatos se estaban fosilizando. Christoph Willibald Gluck pensó que tanto la opera buffa como la opera seria se habían desviado demasiado de lo que realmente debería ser la ópera y parecían antinaturales. Los chistes de la ópera buffa eran gastados y la repetición de los mismos personajes los hacía parecer meros estereotipos. En opera seria el canto estaba dedicado a efectos superficiales y el contenido era poco interesante y rancio. Como en la ópera buffa, los cantantes eran a menudo maestros del escenario y de la música, decorando las líneas vocales con tanta floritura que el público ya no podía reconocer la melodía original. Gluck quería devolver la ópera a sus orígenes, centrándose en el drama y las pasiones humanas y haciendo que las palabras y la música tuvieran la misma importancia. Los efectos de estas reformas de Gluck se vieron no solo en sus propias óperas sino también en las obras posteriores de Mozart; las arias ahora se vuelven mucho más expresivas de las emociones individuales de los personajes y están más firmemente ancladas en la historia y avanzan en ella. Richard Wagner elogiaría las innovaciones de Gluck en su ensayo de 1850 "Ópera y drama": " El compositor musical se rebeló contra la obstinación del cantante"; en lugar de 'desplegar] los contenidos puramente sensuales del Aria a su tono más alto y rancio', Gluck buscó 'poner grilletes a la ejecución de Caprice de ese Aria, por sí mismo'. esforzándose por dar a la melodía [...] una expresión que responda al texto-Palabra subyacente. Esta actitud iba a ser la base de la supuesta deconstrucción de Wagner de aria en su concepto de Gesamtkunstwerk.
Siglo XIX
A pesar de los ideales de Gluck y de la tendencia a organizar los libretos para que las arias tuvieran una parte más orgánica en el drama en lugar de simplemente interrumpir su flujo, en las óperas de principios del siglo XIX (por ejemplo, las de Gioachino Rossini y Gaetano Donizetti), las arias de bravura siguieron siendo atracciones centrales y continuaron desempeñando un papel importante en la gran ópera y en la ópera italiana durante el siglo XIX.
Una forma preferida de aria en la primera mitad del siglo XIX en la ópera italiana era la caballetta, en la que una sección cantabile parecida a una canción es seguida por una sección más animada., la caballetta propiamente dicha, repetida total o parcialmente. Por lo general, tales arias estarían precedidas por un recitativo, y toda la secuencia se denominaría escena. También puede haber oportunidades para la participación de una orquesta o un coro. Un ejemplo es Casta diva de la ópera Norma de Vincenzo Bellini.
Después de alrededor de 1850, las formas de aria en la ópera italiana comenzaron a mostrar más variedad: muchas de las óperas de Giuseppe Verdi ofrecen arias narrativas extendidas para papeles principales que permiten, en su alcance, la intensificación del drama y la caracterización. Los ejemplos incluyen la condena de Rigoletto a la corte, "Cortigiani, vil razza dannata!" (1851).
Más adelante en el siglo, las óperas de Wagner posteriores a 1850 se compusieron completamente, con menos elementos fácilmente identificables como arias independientes; mientras que el género italiano de la ópera verista también buscó integrar elementos arioso aunque aún permitía algunas 'piezas de espectáculo'.
Arias de concierto
Las arias de concierto, que no forman parte de ninguna obra mayor (o que a veces se escribieron para reemplazar o insertar arias en sus propias óperas o en óperas de otros compositores) fueron escritas por compositores para brindar la oportunidad de exhibición vocal a los cantantes de concierto; algunos ejemplos son ¡Ah! pérfido, op. 65, de Beethoven, y varias arias de concierto de Mozart, incluida Conservati fedele.
Música instrumental
El término 'aria' se usó con frecuencia en los siglos XVII y XVIII para la música instrumental utilizada para el baile o la variación, y se inspiró en la música vocal. Por ejemplo, las llamadas "Variaciones Goldberg" de J. S. Bach; fueron titulados en su publicación de 1741 "Clavier Ubung bestehend in einer ARIA mit verschiedenen Verænderungen" ("Ejercicio de teclado, que consiste en un ARIA con diversas variaciones.")
La palabra se usa a veces en la música contemporánea como título para piezas instrumentales, p. 'Aria' de 1980 de Robin Holloway para conjunto de cámara. o la pieza para banda de música de Harrison Birtwistle, 'Grimethorpe Aria'. (1973).