Annie salón

Annie Hall es una película de comedia dramática romántica satírica estadounidense de 1977dirigida por Woody Allen a partir de un guión escrito por él y Marshall Brickman, y producida por Allen' Gerente de s, Charles H. Joffe. La película está protagonizada por Allen como Alvy Singer, que intenta descubrir las razones del fracaso de su relación con la protagonista femenina del mismo nombre, interpretada por Diane Keaton en un papel escrito específicamente para ella.

La fotografía principal de la película comenzó el 19 de mayo de 1976 en South Fork de Long Island y continuó periódicamente durante los siguientes diez meses. Allen ha descrito el resultado, que marcó su primera colaboración con el director de fotografía Gordon Willis, como "un gran punto de inflexión", ya que, a diferencia de las farsas y comedias que eran su trabajo hasta ese momento, introdujo un nuevo nivel de gravedad. Los académicos han notado el contraste en los escenarios de la ciudad de Nueva York y Los Ángeles, el estereotipo de las diferencias de género en la sexualidad, la presentación de la identidad judía y los elementos del psicoanálisis y el modernismo.

Annie Hall se proyectó en el Festival de Cine de Los Ángeles el 27 de marzo de 1977, antes de su estreno oficial en los Estados Unidos el 20 de abril de 1977. La película fue muy elogiada, fue nominada al premio Los Cinco Grandes Premios de la Academia, ganando cuatro: el Premio de la Academia a la Mejor Película, dos para Allen (Mejor Director y, con Brickman, Mejor Guión Original) y Mejor Actriz para Keaton. La película también ganó cuatro premios BAFTA y un Globo de Oro, este último otorgado a Keaton. Los ingresos de taquilla de la película en los Estados Unidos y Canadá de $ 38,251,425 son los cuartos mejores de las obras de Allen cuando no se ajustan a la inflación.

Ubicada entre las mejores películas jamás realizadas, ocupa el puesto 31 en la Lista de las mejores películas del cine estadounidense de la AFI, el cuarto en su lista de las mejores películas de comedia y el 28 en la lista de los 100 de Bravo. Películas más divertidas. El crítico de cine Roger Ebert la llamó "casi la película de Woody Allen favorita de todos". El guión de la película también fue nombrado el más divertido jamás escrito por el Writers Guild of America en su lista de los '101 guiones más divertidos'. En 1992, la Biblioteca del Congreso seleccionó la película para su conservación en el Registro Nacional de Cine de los Estados Unidos por ser "cultural, histórica o estéticamente significativa".

Trama

El comediante Alvy Singer está tratando de entender por qué su relación con Annie Hall terminó hace un año. Al crecer en Brooklyn, molestó a su madre con preguntas imposibles sobre el vacío de la existencia, pero fue precoz en su inocente curiosidad sexual, de repente besó a una compañera de clase a los seis años y no entendió por qué ella no estaba dispuesta a corresponder.

Annie y Alvy, en una línea para The Sorrow and the Pity, escuchan a otro hombre burlarse del trabajo de Federico Fellini y Marshall McLuhan; Alvy imagina al propio McLuhan interviniendo ante su invitación para criticar la comprensión del hombre. Esa noche, Annie no muestra interés en tener sexo con Alvy. En cambio, hablan de su primera esposa, cuyo ardor no le producía ningún placer. Su segundo matrimonio fue con un escritor de Nueva York al que no le gustaban los deportes y no podía llegar al orgasmo.

Con Annie, es diferente. Los dos se divierten cocinando juntos una comida de langosta hervida. Él se burla de ella sobre los hombres inusuales en su pasado. Se habían conocido jugando tenis de dobles con unos amigos. Después del juego, una pequeña charla incómoda la lleva a ofrecerle llevarlo a la ciudad y luego una copa de vino en su balcón. Allí, lo que parecía un leve intercambio de datos personales triviales se revela en 'subtítulos mentales'. como un coqueteo creciente. Su primera cita sigue a la audición de canto de Annie para un club nocturno ("Tenías que ser tú"). Después de hacer el amor esa noche, Alvy es 'un desastre', mientras que Annie se relaja con un porro.

Pronto, Annie admite que ama a Alvy, mientras él compra sus libros sobre la muerte y dice que sus sentimientos por ella son más que amor. Cuando Annie se muda con él, las cosas se ponen muy tensas. Eventualmente, Alvy la encuentra del brazo de uno de sus profesores universitarios, y los dos comienzan a discutir sobre si esta es la "flexibilidad" habían discutido. Eventualmente se separan y él busca la verdad de las relaciones, preguntando a extraños en la calle sobre la naturaleza del amor, cuestionando sus años de formación e imaginando una versión de dibujos animados de sí mismo discutiendo con una caricatura de Annie retratada como la Reina Malvada en Blancanieves.

Alvy intenta volver a las citas, pero el esfuerzo se ve empañado por la neurosis y un episodio de mal sexo que se interrumpe cuando Annie llama en medio de la noche, insistiendo en que venga de inmediato a matar dos arañas en su baño. Sigue una reconciliación, junto con un voto de permanecer juntos, pase lo que pase. Sin embargo, sus discusiones separadas con sus terapeutas hacen evidente que existe una división tácita e infranqueable. Cuando Alvy acepta una oferta para presentar un premio en televisión, viajan a Los Ángeles con Rob, el amigo de Alvy. Sin embargo, en el viaje de regreso, coinciden en que su relación no funciona. Después de perder a Annie ante su productor discográfico Tony Lacey, Alvy intenta sin éxito reavivar la llama con una propuesta de matrimonio. De vuelta en Nueva York, pone en escena una obra de teatro sobre su relación, pero cambia el final: ahora ella acepta.

El último encuentro entre Annie y Alvy es una coda melancólica en el Upper West Side de Manhattan después de que ambos se hayan mudado a alguien nuevo. La voz de Alvy regresa con un resumen: el amor es esencial, especialmente si es neurótico. Annie canta 'Parece como en los viejos tiempos' y aparecen los créditos.

Reparto

Truman Capote, representado aquí en 1959, tuvo un papel de cameo en la película.

• Woody Allen como cantante de Alvy
• Diane Keaton como Annie Hall
• Tony Roberts como Rob
• Carol Kane como Allison Portchnik
• Paul Simon como Tony Lacey
• Janet Margolin como Robin
• Shelley Duvall como Pam
• Christopher Walken como Duane Hall
• Colleen Dewhurst como la Sra. Hall
• Donald Symington como el Sr. Hall
• Joan Newman como la Sra. Singer
• Marshall McLuhan como Mismo
• Mordecai Lawner como el padre de Alvy

Truman Capote tiene un cameo. Alvy está bromeando sobre la gente que pasa caminando. Él dice: 'Ahí está el ganador del concurso de dobles de Truman Capote'. mientras Truman Capote camina a través del marco. Varios actores que más tarde ganaron un perfil más alto tuvieron pequeños papeles en la película: John Glover como el novio actor de Annie, Jerry; Jeff Goldblum como un hombre que "olvidó [su] mantra" en la fiesta de Navidad de Tony Lacey; Beverly D'Angelo como actriz en el programa de televisión de Rob; y Sigourney Weaver, en su debut cinematográfico, en la secuencia final como la cita de Alvy en el cine. También aparece Laurie Bird, dos años antes de su suicidio.

Estilo y técnica

Técnicamente, la película supuso un avance para el director. Seleccionó a Gordon Willis como su director de fotografía—para Allen, 'un maestro muy importante'; y un "mago técnico," diciendo: "Realmente considero a Annie Hall como el primer paso hacia la madurez de alguna manera al hacer películas." En ese momento, se consideró una "pareja extraña" por muchos, Keaton entre ellos. El director era conocido por sus comedias y farsas, mientras que Willis era conocido como "el príncipe de las tinieblas" por trabajar en películas dramáticas como El Padrino. A pesar de esto, los dos se hicieron amigos durante el rodaje y continuaron colaborando en varias películas posteriores, incluida Zelig, que le valió a Willis su primera nominación al Premio de la Academia a la Mejor Fotografía.

Willis describió la producción de la película como "relativamente fácil". Disparó en diferentes estilos; "Luz cálida y dorada para California, gris nublado para Manhattan y un brillo de Hollywood de los años cuarenta para... secuencias de sueños," la mayoría de los cuales fueron cortados. Fue su sugerencia lo que llevó a Allen a filmar las escenas de terapia dual en un set dividido por una pared en lugar del método habitual de pantalla dividida. Intentó tomas largas, con algunos planos, íntegros, que duraban una escena completa, lo que, para Ebert, se suman al poder dramático de la película: "Pocos espectadores probablemente notan cuánto de Annie Hall consiste en gente hablando, simplemente hablando. Caminan y hablan, se sientan y hablan, van a loqueros, van a almorzar, hacen el amor y hablan, hablan a la cámara o se lanzan a monólogos inspirados como la asociación libre de Annie mientras le describe a Alvy su familia. Este discurso de Diane Keaton es lo más perfecto que puede ser un discurso de este tipo... todo hecho en una sola toma de brillante política arriesgada." Cita un estudio que calculó que la duración media de la toma de Annie Hall era de 14,5 segundos, mientras que otras películas realizadas en 1977 tenían una duración media de la toma de 4 a 7 segundos. Peter Cowie sugiere que "Allen divide sus tomas extendidas con cortes más ortodoxos de ida y vuelta en las piezas de conversación para que se mantenga el impulso de avance de la película". Bernd Herzogenrath destaca la innovación en el uso de la pantalla dividida durante la escena de la cena para exagerar poderosamente el contraste entre la familia judía y la gentil.

Aunque la película no es esencialmente experimental, en varios puntos socava la realidad narrativa. James Bernardoni señala la forma en que Allen inicia la película mirando a la cámara, lo que inmediatamente se entromete en la participación del público en la película. En una escena, el personaje de Allen, en la fila para ver una película con Annie, escucha a un hombre detrás de él pronunciar pontificaciones mal informadas sobre la importancia del trabajo de Fellini y Marshall McLuhan. Allen saca al propio McLuhan fuera de cámara para corregir personalmente los errores del hombre. Más adelante en la película, cuando vemos a Annie y Alvy en su primera charla extensa, "subtítulos mentales" transmitir a la audiencia los personajes' nerviosas dudas internas. Una escena animada, con obras de arte basadas en la tira cómica Inside Woody Allen, muestra a Alvy y Annie disfrazados de la Reina Malvada de Blancanieves. Aunque Allen usa cada una de estas técnicas solo una vez, la "cuarta pared" se rompe varias otras veces cuando los personajes se dirigen directamente a la cámara. En uno, Alvy detiene a varios transeúntes para hacerles preguntas sobre el amor, y en otro, se encoge de hombros al escribir un final feliz para su relación con Annie en su primera obra autobiográfica como un "deseo cumplido" perdonable. Allen eligió que Alvy rompiera la cuarta pared, explicó, "porque sentí que muchas de las personas en la audiencia tenían los mismos sentimientos y los mismos problemas". Quería hablar con ellos directamente y confrontarlos."

Producción

Escribir

La idea de lo que se convertiría en Annie Hall se desarrolló mientras Allen caminaba por la ciudad de Nueva York con el coguionista Marshall Brickman. La pareja discutió el proyecto con frecuencia, a veces sintiéndose frustrados y rechazando la idea. Allen escribió un primer borrador de un guión en un período de cuatro días y se lo envió a Brickman para que hiciera modificaciones. Según Brickman, este borrador se centró en un hombre de unos cuarenta años, alguien cuya vida constaba de "varias hebras". Uno era una relación con una mujer joven, otro era una preocupación por la banalidad de la vida que todos llevamos y un tercero una obsesión por probarse a sí mismo y probarse a sí mismo para saber qué tipo de carácter tenía. El mismo Allen cumplió cuarenta años en 1975, y Brickman sugiere que "la edad avanzada" y "preocupaciones por la muerte" había influido en el enfoque filosófico y personal de Allen para complementar su "lado comercial". Allen tomó la decisión consciente de 'sacrificar algunas de las risas por una historia sobre seres humanos'. Reconoció que por primera vez tenía el coraje de abandonar la seguridad de la comedia general completa y tenía la voluntad de producir una película de significado más profundo que sería una experiencia nutritiva para la audiencia. También estuvo influenciado por la comedia dramática 8½ (1963) de Federico Fellini, creada en un punto de inflexión personal similar y teñida de manera similar por el psicoanálisis de cada director.

Brickman y Allen enviaron el guión de un lado a otro hasta que estuvieron listos para pedirle a United Artists 4 millones de dólares. Muchos elementos de los primeros borradores no sobrevivieron. Originalmente era un drama centrado en un misterio de asesinato con una trama secundaria cómica y romántica. Según Allen, el asesinato se produjo tras una escena que permanece en la película, la secuencia en la que Annie y Alvy se pierden la película de Ingmar Bergman Face to Face (1976). Aunque decidieron abandonar la trama del asesinato, Allen y Brickman crearon un misterio de asesinato muchos años después: Manhattan Murder Mystery (1993), también protagonizada por Diane Keaton. El borrador que Allen le presentó al editor de la película, Ralph Rosenblum, concluyó con las palabras "finalizando la filmación".

Allen sugirió Anhedonia, un término para la incapacidad de experimentar placer, como título provisional, y Brickman sugirió alternativas que incluyen It Had to Be Jew, Rollercoaster Llamado Desire y Me and My Goy. Una agencia de publicidad, contratada por United Artists, aceptó la elección de Allen de una palabra oscura y sugirió que el estudio sacara anuncios de periódicos que parecían titulares falsos de tabloides como '¡Anhedonia ataca a Cleveland!'. Sin embargo, Allen experimentó con varios títulos durante cinco proyecciones de prueba, incluidos Anxiety y Annie and Alvy, antes de decidirse por Annie Hall.

Reparto

Varias referencias en la película a la propia vida de Allen han provocado especulaciones de que es autobiográfica. Tanto Alvy como Allen eran comediantes. Su cumpleaños aparece en la pizarra en una escena escolar y 'Alvy' fue uno de los apodos de infancia de Allen; ciertas características de su infancia se encuentran en Alvy Singer's; Allen fue a la Universidad de Nueva York y Alvy también. El verdadero apellido de Diane Keaton es "Hall" y 'Annie' era su apodo, y ella y Allen alguna vez tuvieron una relación sentimental. Sin embargo, Allen se apresura a disipar estas sugerencias. "Las cosas que la gente insiste en que son autobiográficas casi invariablemente no lo son", dijo allen. "Es tan exagerado que prácticamente no tiene sentido para las personas en las que se basan estos pequeños matices". A la gente se le metió en la cabeza que Annie Hall era autobiográfica, y no pude convencerlos de que no lo era. Al contrario de varios entrevistadores y comentaristas, dice, Alvy no es el personaje más cercano a sí mismo; se identificó más con la madre (Eve, interpretada por Geraldine Page) en su siguiente película, Interiors. A pesar de esto, Keaton ha declarado que la relación entre Alvy y Annie se basó en parte en la relación de ella con el director.

El papel de Annie Hall fue escrito específicamente para Keaton, quien había trabajado con Allen en Play It Again, Sam (1972), Sleeper (1973) y Amor y muerte (1975). Consideró al personaje como una "versión afable" de sí misma—ambas eran "semiarticuladas, soñaban con ser cantantes y sufrían de inseguridad"—y se sorprendió al ganar un Oscar por su interpretación. La película también marca la segunda colaboración cinematográfica entre Allen y Tony Roberts, su proyecto anterior fue Play It Again, Sam.

Federico Fellini fue la primera opción de Allen para aparecer en la escena del lobby del cine porque sus películas estaban en discusión, pero Allen eligió al académico cultural Marshall McLuhan después de que tanto Fellini como Luis Buñuel rechazaran el cameo. Algunos miembros del elenco, afirma el biógrafo John Baxter, se sintieron ofendidos por el trato que Allen les dio. El director "actuó con frialdad" hacia McLuhan, quien tuvo que regresar de Canadá para volver a filmar, y Mordecai Lawner, quien interpretó al padre de Alvy, afirmó que Allen nunca habló con él. Sin embargo, durante la producción, Allen inició una relación de dos años con Stacey Nelkin, quien aparece en una sola escena.

Filmación, edición y música

Woody Allen vio el Coney Island Thunderbolt al explorar lugares y lo escribió en el guión como la casa infantil de Alvy.

La fotografía principal comenzó el 19 de mayo de 1976 en South Fork de Long Island con la escena en la que Alvy y Annie hierven langostas vivas; El rodaje continuó periódicamente durante los siguientes diez meses y se desvió con frecuencia del guión. No había nada escrito sobre la casa de la infancia de Alvy debajo de una montaña rusa, pero cuando Allen buscaba locaciones en Brooklyn con Willis y el director de arte Mel Bourne, "vio esta montaña rusa y... vio la casa debajo de ella. Y pensé, tenemos que usar esto." De manera similar, está el incidente en el que Alvy esparce un tesoro de cocaína con un estornudo accidental: aunque no está en el guión, la broma surgió de una casualidad en el ensayo y se quedó en la película. En las pruebas de audiencia, esta risa fue tan sostenida que hubo que añadir una pausa mucho más larga para que no se perdiera el siguiente diálogo.

El primer montaje de la película del editor Ralph Rosenblum en 1976 dejó a Brickman decepcionado. "Sentí que la película se estaba ejecutando en nueve direcciones diferentes," recordó Brickman. "Era como el primer borrador de una novela... a partir del cual posiblemente se podrían ensamblar dos o tres películas." Rosenblum caracterizó el primer corte, de dos horas y veinte minutos, como "las aventuras surrealistas y abstractas de un comediante judío neurótico que estaba reviviendo su vida altamente defectuosa y en el proceso satirizando gran parte de nuestra cultura... un monólogo visual"., una versión más sofisticada y filosófica de Take the Money and Run". Brickman lo encontró "no dramático y, en última instancia, poco interesante, una especie de ejercicio cerebral". Sugirió una narrativa más lineal.

La relación en tiempo presente entre Alvy y Annie no era el enfoque narrativo de este primer corte, pero Allen y Rosenblum la reconocieron como la columna vertebral dramática y comenzaron a reelaborar la película 'en la dirección de esa relación'. #34; Rosenblum recordó que Allen "no dudó en recortar gran parte de los primeros veinte minutos para establecer a Keaton más rápidamente". Según Allen, "No me senté con Marshall Brickman y dije: 'Vamos a escribir una película sobre una relación". Me refiero a que todo el concepto de la imagen cambió mientras la estábamos cortando."

Como la película estaba presupuestada para dos semanas de fotografía de posproducción, a fines de 1976 hubo tres tomas separadas para el segmento final, pero solo se utilizó una parte de este material. La narración que cierra la película, con el chiste sobre 'todos necesitamos los huevos', fue concebida y grabada solo dos horas antes de una proyección de prueba.

Los créditos llaman a la película "Una producción de Jack Rollins y Charles H. Joffe"; los dos hombres eran los representantes de Allen y recibieron este mismo crédito en sus películas de 1969 a 1993. Sin embargo, para esta película, Joffe tomó el crédito de productor y, por lo tanto, recibió el Premio de la Academia a la Mejor Película. La secuencia del título presenta un fondo negro con texto blanco en el tipo de letra Windsor Light Condensed, un diseño que Allen usaría en sus películas posteriores. Stig Björkman ve cierta similitud con el diseño de título simple y consistente de Ingmar Bergman, aunque Allen dice que su propia elección es un dispositivo de ahorro de costos.

Se escucha muy poca música de fondo en la película, un punto de partida para Allen influenciado por Ingmar Bergman. Diane Keaton actúa dos veces en el club de jazz: "Tuviste que ser tú" y "Parece como en los viejos tiempos" (este último repite en voz en off en la escena final). Las otras excepciones incluyen un coro de niños "Navidad Medley" mientras los personajes conducen por Los Ángeles, el Molto allegro de la Sinfonía Júpiter de Mozart (que se escucha mientras Annie y Alvy conducen por el campo), la interpretación de Tommy Dorsey de 'Sleepy Lagoon', y la anodina versión de la canción de Savoy Brown "A Hard Way to Go" tocando en una fiesta en la mansión del personaje de Paul Simon.

Banda sonora

• "Pareces como los viejos tiempos" (1945) - Música de Carmen Lombardo - Letras de John Jacob Loeb - Sung de Diane Keaton (no acreditada) acompañada por Artie Butler (no acreditada)
• "Tenía que ser tú" (1924) - Música de Isham Jones - Letras de Gus Kahn - Sung de Diane Keaton (no acreditada) acompañada por Artie Butler (no acreditada)
• "Un camino difícil para ir" (1977) - Escrito y realizado por Tim Weisberg
• "Christmas Medley" (Canciones navideñas tradicionales: "Te deseamos una Feliz Navidad" (sin acreditar), "O, Christmas Tree" (sin acreditar) y "Dios los descanse señores" (sin acreditar)) - Letras de Ernst Anschütz - Performed by the Do-Re-Mi Children's Chorus
• "Sleepy Lagoon" (1930) - Compuesto por Eric Coates - Realizado por Tommy Dorsey
• "Sinfonía No 41 en C Mayor, K. 551, Molto Allegro" (1788) (sin acreditar) - Escrito por Wolfgang Amadeus Mozart

Liberar

Taquilla y estreno

Annie Hall se proyectó en el Festival de Cine de Los Ángeles el 27 de marzo de 1977, antes de su estreno oficial en los Estados Unidos el 20 de abril de 1977. La película finalmente ganó $38,251,425 ($171 millones en 2021 dólares) en los Estados Unidos y Canadá con un presupuesto de $ 4 millones, lo que la convierte en la undécima película más taquillera de 1977. En cifras brutas, actualmente se ubica como la cuarta película de Allen más taquillera en los Estados Unidos. después de Manhattan, Hannah and Her Sisters y Midnight in Paris; cuando se ajusta a la inflación, la cifra bruta la convierte en el mayor éxito de taquilla de Allen. Jugó durante más de 100 semanas consecutivas en Londres y recaudó más de $ 5,6 millones en el Reino Unido. Fue lanzado por primera vez en Blu-ray el 24 de enero de 2012, junto con la película de Allen Manhattan (1979). Ambos lanzamientos incluyen las películas' trailers teatrales originales.

Recepción

Respuesta crítica

Diane Keaton recibió aclamaciones críticas y numerosas acolas para su actuación.

Annie Hall recibió elogios generalizados de la crítica tras su estreno, con grandes elogios dirigidos al guión de la película y las actuaciones de Allen y Keaton.

Tim Radford de The Guardian llamó a la película "la película más audaz y enfocada de Allen hasta la fecha". The New York Times' Vincent Canby prefirió Annie Hall al segundo trabajo como director de Allen, Take the Money and Run, ya que el primero es más "humano" mientras que el segundo es más un 'dibujo animado'. Varios críticos han comparado favorablemente la película con Scenes from a Marriage (1973) de Bergman, incluido Joseph McBride en Variety, que encontró que Allen & #34;la película más tridimensional hasta la fecha" con una ambición igual a la mejor de Bergman incluso cuando los coprotagonistas se convierten en el 'equivalente contemporáneo de... Tracy-Hepburn'.

Más críticamente, Peter Cowie comentó que la película "adolece de su profusión de referencias culturales y apartes". Escribiendo para la revista New York, John Simon calificó la película de "comedia sin gracia, mala realización cinematográfica y autorrevelación vergonzosa". y escribió que la actuación de Keaton fue "de mal gusto para ver e indecente para mostrar", diciendo que el papel debería haber sido interpretado por Robin Mary Paris, la actriz que aparece brevemente en la escena en la que Alvy Singer ha escrito una obra de teatro de dos personajes desnuda basada en él y Annie Hall. La reseña de Simon de Annie Hall "Es una película tan informe, extensa, repetitiva y sin rumbo que parece rogar por el olvido. En esto, tiene éxito."

La película ha seguido recibiendo críticas positivas. En su retrospectiva de 2002, Roger Ebert la agregó a su lista de Grandes películas y comentó con sorpresa que la película tenía 'una familiaridad instantánea'. a pesar de su edad, y el escritor de Slant, Jaime N. Christley, consideró que las frases ingeniosas "siguen siendo desgarradoras después de 35 años". Un crítico posterior de Guardian, Peter Bradshaw, la nombró la mejor película de comedia de todos los tiempos y comentó que "esta película maravillosamente divertida e insoportablemente triste es un milagro de la escritura cómica y la realización cinematográfica inspirada". 34;. John Marriott de Radio Times creía que Annie Hall era la película donde Allen "encontró su propia voz singular, una voz que resuena a través de los eventos con una mezcla de exuberancia e introspección", refiriéndose al "deleite cómico" se deriva de la "interpretación enérgica de Diane Keaton como la inocente chiflada del Medio Oeste, y el propio Woody como el neurótico torpe de Nueva York". La revista Empire calificó la película con cinco de cinco estrellas y la calificó como un "clásico". En 2017, Claire Dederer escribió: "Annie Hall es la mejor película cómica del siglo XX [...] porque reconoce el nihilismo incontenible que acecha en el centro de toda comedia.& #34;

El cineasta japonés Akira Kurosawa citó a Annie Hall como una de sus películas favoritas.

En el agregador de reseñas Rotten Tomatoes, la película tiene una calificación del 97 % según 108 reseñas, con una calificación promedio de 9.1/10. El consenso crítico del sitio dice: "Lleno de actuaciones conmovedoras y humor devastador, Annie Hall representa un salto cuántico para Woody Allen y sigue siendo un clásico estadounidense". Metacritic le dio a la película una puntuación de 92 sobre 100 basada en 20 reseñas críticas, lo que indica "aclamación universal".

Análisis crítico

Amor y sexualidad

Woody Allen en Nueva York en 2006

Las sociólogas Virginia Rutter y Pepper Schwartz consideran que la relación de Alvy y Annie es un estereotipo de las diferencias de género en la sexualidad. La naturaleza del amor es un tema recurrente para Allen y su coprotagonista Tony Roberts describió esta película como "la historia de todos los que se enamoran, y luego se desenamoran y continúan". Alvy busca el propósito del amor a través de su esfuerzo por superar su depresión por la desaparición de su relación con Annie. A veces revisa sus recuerdos de la relación, en otro momento detiene a la gente en la acera, con una mujer que dice: "Nunca es algo que hagas". Así es la gente. El amor se desvanece," una sugerencia de que no fue culpa de nadie, simplemente se separaron y el final era inevitable. Al final de la película, Alvy acepta esto y decide que el amor es, en última instancia, "irracional, loco y absurdo", pero una necesidad de la vida. Christopher Knight cree que la búsqueda de Alvy al conocer a Annie es carnal, mientras que la de ella tiene una nota emocional.

Richard Brody de The New Yorker señala que la 'autoconciencia eurocéntrica de la casa de arte" y la 'obsesión psicoanalítica de revelar sus deseos y frustraciones sexuales, sus desastres románticos y sus inhibiciones neuróticas' de Alvy Singer.

Identidad judía

Singer se identifica con el hombre judío neurótico estereotipado, y las diferencias entre Alvy y Annie a menudo se relacionan con las percepciones y realidades de la identidad judía. Vincent Brook señala que "Alvy cena con la familia WASP-y Hall e imagina que deben verlo como un judío jasídico, completo con payot (orejas) y un gran sombrero negro". Robert M. Seltzer y Norman J. Cohen destacan la escena en la que Annie comenta que la abuela de Annie "odia a los judíos". Ella cree que solo ganan dinero, pero es ella. ¿Alguna vez, te lo digo?, revelando la hipocresía en la visión estadounidense estereotipada de su abuela sobre los judíos al argumentar que 'no hay estigma asociado al amor por el dinero en Estados Unidos'. 34;. Bernd Herzogenrath también considera que la broma de Allen, 'Me gustaría pero necesitamos los huevos', al médico al final cuando sugiere internarlo en una institución mental, es una paradoja de no sólo la personalidad del judío neurótico urbano sino también de la película misma.

Personaje de Woody Allen

Christopher Knight señala que Annie Hall está enmarcada a través de las experiencias de Alvy. "Por lo general, lo que sabemos sobre Annie y sobre la relación se filtra a través de Alvy, un narrador intrusivo capaz de detener la narración y salirse de ella para suplicar el favor interpretativo de la audiencia". Sugiere que debido a que las películas de Allen confunden al protagonista con 'protagonistas pasados y futuros, así como con el propio director', 'marca la diferencia en cuanto a si respondemos más a la el encuadre de los acontecimientos del director o del personaje. A pesar del encuadre de la narración, 'la broma es sobre Alvy'. Emanuel Levy cree que Alvy Singer se convirtió en sinónimo de la percepción pública de Woody Allen en los Estados Unidos. Annie Hall es vista como la película definitiva de Woody Allen que muestra un humor neurótico.

Ubicación

Upper East Side of New York City

Annie Hall "es tanto una canción de amor para la ciudad de Nueva York como para el personaje," reflejando la adoración de Allen por la isla de Manhattan. Fue una relación que exploró repetidamente, particularmente en películas como Manhattan (1979) y Hannah and Her Sisters (1986). El apartamento de Annie Hall, que todavía existe en East 70th Street, entre Lexington Avenue y Park Avenue, es, según confesión del propio Allen, su bloque favorito de la ciudad. Peter Cowie argumenta que la película muestra "una visión romántica" del distrito, con la cámara "permaneciendo en el Upper East Side [... y donde] el miedo al crimen no perturba a sus personajes." Por el contrario, California se presenta de manera menos positiva, y David Halle señala la obvia 'comparación intelectual envidiosa'; entre la ciudad de Nueva York y Los Ángeles. Mientras que las salas de cine de Manhattan muestran películas clásicas y extranjeras, los cines de Los Ángeles ofrecen tarifas menos prestigiosas como The House of Exorcism y Messiah of Evil. La demostración de Rob de agregar risas enlatadas a la televisión demuestra el "artificio cínico del medio". La ciudad de Nueva York sirve como símbolo de la personalidad de Alvy ('sombría, claustrofóbica y socialmente fría, pero también un refugio intelectual lleno de energía nerviosa'), mientras que Los Ángeles es un símbolo de libertad para Annie..

Psicoanálisis y modernismo

Annie Hall ha sido citada como una película que utiliza tanto la terapia como el análisis para lograr un efecto cómico. Sam B. Girgus considera que Annie Hall es una historia sobre la memoria y la retrospección, que "dramatiza un retorno a través del deseo narrativo a lo reprimido y al inconsciente de una manera similar al psicoanálisis". Argumenta que la película constituye una afirmación autoconsciente de cómo el deseo narrativo y el humor interactúan en la película para reformar ideas y percepciones y que el despliegue de conceptos y humor freudianos de Allen forma un "patrón de escepticismo hacia la superficie". significado que obliga a una mayor interpretación". Girgus cree que la prueba de la omnipresencia de Sigmund Freud en la película se demuestra al principio a través de una referencia a un chiste en Los chistes y su relación con el inconsciente, y hace otro chiste sobre un psiquiatra y un paciente, lo que Girgus argumenta también es un símbolo de la dinámica entre el humor y el inconsciente en la película. Otros conceptos freudianos se abordan más tarde en la película con el recuerdo de Annie de un sueño a su psicoanalista en el que Frank Sinatra la está asfixiando con una almohada, lo que alude a la creencia de Freud en los sueños como "visuales". representaciones de palabras o ideas".

Peter Bailey en su libro The Reluctant Film Art of Woody Allen, argumenta que Alvy muestra una "denigración genial del arte" que contiene un "equívoco significativo", en el sentido de que en su autodesprecio invita a la audiencia a creer que se está sincerando con ellos. Bailey argumenta que los dispositivos de Allen en la película, incluidos los subtítulos que revelan los pensamientos de Annie y Alvy, "extienden y refuerzan Annie Hall'el atractivo espíritu de trato sencillo e ingeniosidad". Él reflexiona que la película está llena de emblemas antimiméticos como la apariencia mágica de McLuhan que proporciona un humor peculiar y que la "disparidad entre las proyecciones mentales de la realidad y la actualidad" impulsa la película. Su opinión es que los dispositivos cinematográficos autorreflexivos dramatizan inteligentemente la diferencia entre la superficie y la sustancia, con emblemas visuales que "incesantemente destilan la distinción entre el mundo construido mentalmente y la realidad".

En su discusión sobre la relación de la película con el modernismo, Thomas Schatz considera que la película es un "examen del proceso de interacción humana y comunicación interpersonal" y "establece inmediatamente [una] postura autorreferencial" que invita al espectador "a leer la narración como algo más que un desarrollo secuencial hacia alguna verdad trascendente". Para él, Alvy "es víctima de una tendencia hacia la sobredeterminación del significado, o en términos modernistas 'la tiranía del significado' – y su relación con Annie puede verse como un intento de establecer una relación espontánea e intelectualmente libre de trabas, un intento que está condenado al fracaso."

Premios y reconocimientos

Annie Hall ganó cuatro premios Oscar en la 50ª edición de los Premios de la Academia el 3 de abril de 1978 y fue nominada a cinco (los Cinco Grandes) en total. El productor Charles H. Joffe recibió la estatuilla a Mejor Película, Allen a Mejor Director y, con Brickman, a Mejor Guión Original, y Keaton a Mejor Actriz. Allen también fue nominado a Mejor Actor. Muchos esperaban que Star Wars ganara los principales premios, incluidos Brickman y el productor ejecutivo Robert Greenhut.

La película también fue galardonada cinco veces en los premios BAFTA. Junto con el premio máximo a la Mejor Película y el premio a la Edición de la Película, Keaton ganó a la Mejor Actriz, Allen ganó a la Mejor Dirección y al Mejor Guión Original junto a Brickman. La película recibió solo un Globo de Oro, a la Mejor Actriz de Cine en un Musical o Comedia (Diane Keaton), a pesar de las nominaciones a otros tres premios: Mejor Película (Musical o Comedia), Mejor Director y Mejor Actor de Cine en un Musical o Comedia. Comedia (Woody Allen).

En 1992, los Estados Unidos' La Biblioteca del Congreso seleccionó la película para su preservación en su Registro Nacional de Películas que incluye películas "cultural, histórica o estéticamente significativas" Película (s. La película se menciona a menudo entre las mejores comedias de todos los tiempos. El American Film Institute lo ubica en el puesto 31 en la historia del cine estadounidense. En 2000, la nombraron la segunda comedia romántica más grande del cine estadounidense. La interpretación de Keaton de 'Parece como en los viejos tiempos' ocupó el puesto 90 en su lista de las mejores canciones incluidas en una película, y su línea "La-dee-da, la-dee-da." fue nombrada la 55ª cita más grande de una película. El guión fue nombrado el sexto mejor guión por el Writers Guild of America, West, mientras que IGN lo nombró la séptima película de comedia más grande de todos los tiempos. En 2000, los lectores de la revista Total Film la votaron como la cuadragésima segunda película de comedia más grande de todos los tiempos y la séptima película de comedia romántica más grande de todos los tiempos. Varias listas que clasifican las mejores películas de Allen han colocado a Annie Hall entre sus mejores obras.

En junio de 2008, AFI reveló su 10 Top 10 (las diez mejores películas en diez géneros cinematográficos estadounidenses clásicos) después de encuestar a más de 1500 personas de la comunidad creativa y Annie Hall ocupó el segundo lugar en la categoría romántica. género de comedia. AFI también clasificó a Annie Hall en muchas otras listas. En noviembre de 2008, Annie Hall fue votada en el puesto 68 de la lista de Las 500 mejores películas de todos los tiempos de la revista Empire.. También ocupa el puesto número 2 en Rotten Tomatoes' 25 mejores comedias románticas, solo superada por The Philadelphia Story. En 2012, la película fue catalogada como la 127ª mejor película de todos los tiempos por Sight & Críticos de sonido encuesta. La película también fue nombrada la 132ª mejor película por Sight & Directores de sonido encuesta. En octubre de 2013, la película fue votada por los lectores de Guardian como la segunda mejor película dirigida por Woody Allen. En noviembre de 2015, la película fue nombrada el guión más divertido por el Writers Guild of America en su lista de 101 Guiones más divertidos.

Reconocimiento del American Film Institute

La película está reconocida por el American Film Institute en estas listas:

• 1998: 100 años de AFI...100 películas – #31
• 2000: 100 años de AFI...100 risas – #4
• 2002: 100 años de AFI...100 Pasiones – #11
• 2004: AFI's 100 Years...100 Songs:
  • "Pareces como los viejos tiempos" – #90
• 2005: 100 años de AFI...100 Citas de cine:
  • Annie Hall: "La-dee-da, la-dee-da". - #55
  • Alvy Singer "No quiero mudarme a una ciudad donde la única ventaja cultural es poder hacer un giro a la derecha en una luz roja". - Nominado.
  • Alvy Singer "No llames a la masturbación. Es sexo con alguien que amo." - Nominado.
• 2007: AFI's 100 Years...100 Movies (10th Anniversary Edition) – #35
• 2008: 10 Top 10 de AFI:
  • #2 Romantic Comedy Film

1992 – Registro Nacional de Cine.

En 2006, la revista Premiere clasificó a Keaton en Annie Hall en el puesto 60 de su lista de las '100 mejores actuaciones de todos los tiempos' y señaló:

Es difícil jugar al ditzy... El genio de Annie es que, a pesar de su espalda, conducción horrible y tics nervioso, también es una mujer complicada e inteligente. Keaton exhibe brillantemente esta dicotomía de su personaje, especialmente cuando se lanza en una primera cita con Alvy (Woody Allen), mientras que el subtítulo lee, "Él probablemente piensa que soy yoyo". ¿Yo-yo? Apenas.

Legado e influencia

El estilo de vestido de Diane Keaton como Annie Hall; una influencia en el mundo de la moda durante la década de 1970

Aunque la película recibió elogios de la crítica y varios premios, el propio Allen se sintió decepcionado y dijo en una entrevista: "Cuando Annie Hall comenzó, se suponía que esa película no iba a ser con lo que terminé. Se suponía que la película era lo que sucede en la mente de un chico... Nadie entendió nada de lo que pasó. La relación entre Diane Keaton y yo era lo único que importaba a todos. Eso no era lo que me importaba... Al final, tuve que reducir la película a solo yo y Diane Keaton, y esa relación, así que estaba bastante decepcionado con esa película. Allen se ha negado repetidamente a hacer una secuela, y en una entrevista de 1992 declaró que "las secuelas se han convertido en algo molesto". No creo que Francis Coppola debería haber hecho El padrino III porque El padrino II estuvo genial. Cuando hacen una secuela, es solo una sed de más dinero, así que no me gusta mucho esa idea.

Diane Keaton ha declarado que Annie Hall era su papel favorito y que la película significaba todo para ella. Cuando se le preguntó si estar más asociada con el papel le preocupaba como actriz, respondió: "Annie Hall no me obsesiona". Estoy feliz de ser Annie Hall. Si alguien quiere verme de esa manera, por mí está bien. La diseñadora de vestuario Ruth Morley, en colaboración con Keaton, creó un look que influyó en el mundo de la moda a finales de los años 70, y las mujeres adoptaron el estilo: capas de chaquetas varoniles de gran tamaño sobre chalecos, pantalones ondulados o faldas largas, un estilo masculino.;s corbata y botas. A menudo se hacía referencia al look como el "Annie Hall look". Algunas fuentes sugieren que la propia Keaton fue la principal responsable de la apariencia, y Ralph Lauren a menudo se ha atribuido el mérito, pero solo se compró una chaqueta y una corbata de Ralph Lauren para usar en la película. Allen recordó que el estilo de vestir de Lauren y Keaton casi no aparece en la película. "Ella entró," recordó en 1992, 'y la señora del vestuario en Annie Hall dijo: 'Dígale que no se ponga eso. Ella no puede usar eso. Es tan loco. Y yo dije: 'Déjala'. Ella es un genio. Dejémosla en paz, que se ponga lo que quiera.'"

El guión de la película encabezó la lista de los 101 guiones más divertidos de la historia del Writers Guild of America, superando a Some Like it Hot (1959), Groundhog Day (1993), ¡Avión! (1980) y Tootsie (1982). James Bernardoni afirma que la película es "uno de los pocos dramas de comedia romántica de la era del Nuevo Hollywood y uno que ha tomado su lugar con razón entre los clásicos de ese género revertido", comparando la meditación seriocómica sobre la pareja relación con Adam's Rib (1949) de George Cukor, protagonizada por Katharine Hepburn y Spencer Tracy. Desde su estreno, otras comedias románticas han inspirado comparaciones. Cuando Harry encontró a Sally... (1989), Chasing Amy (1997), Burning Annie (2007), 500 Days of Summer (2009) y la película de Allen de 2003, Anything Else, se encuentran entre ellas, mientras que el director de cine Rian Johnson dijo en una entrevista para el libro, The Film That Changed My Life, que Annie Hall lo inspiró a convertirse en director de cine. Karen Gillan dijo que vio a Annie Hall como parte de su investigación para su papel principal en Not Another Happy Ending. En 2018, Matt Starr y Ellie Sachs lanzaron una nueva versión de un cortometraje protagonizado por personas mayores.

Nota