Anne Truitt

Anne Truitt (16 de marzo de 1921 – 23 de diciembre de 2004), nacida Anne Dean, fue una escultora estadounidense de mediados del siglo XX.

Se hizo bien conocida a finales de la década de 1960 por sus esculturas minimalistas a gran escala, especialmente después de importantes espectáculos individuales en André Emmerich Gallery en 1963 y el Museo Judío (Manhattan) en 1966. A diferencia de sus contemporáneos, hizo sus propias esculturas a mano, esquivando procesos industriales. Dibujo de imágenes de su pasado, su trabajo también se ocupa del trazo visual de la memoria y la nostalgia. Esto es ejemplar por una serie de esculturas tempranas que se parecen a segmentos monumentales de reja blanca.

Vida temprana y educación

Truitt creció en Easton, en la costa este de Maryland, y pasó su adolescencia en Asheville, Carolina del Norte. Se graduó en Psicología en el Bryn Mawr College en 1943. Rechazó una oferta para realizar un doctorado. en el departamento de psicología de la Universidad de Yale y trabajó brevemente como enfermera en una sala psiquiátrica del Hospital General de Massachusetts, Boston. Dejó el campo de la psicología a mediados de la década de 1940, primero escribiendo ficción y luego inscribiéndose en cursos ofrecidos por el Instituto de Arte Contemporáneo de Washington, D.C. Se casó con el periodista James Truitt en 1947, aunque se divorciaron en 1971. Se decía que James solía burlarse de las esculturas de columnas de Ana al referirse a las obras como "cabinas telefónicas".

Trabajo

Después de abandonar el campo de la psicología clínica a mediados de la década de 1940, Truitt comenzó a hacer esculturas figurativas, pero se volvió hacia formas geométricas reducidas después de visitar el Museo Guggenheim con su amiga Mary Pinchot Meyer para ver la exposición de H.H. Arnason. 34;Expresionistas e imaginistas abstractos estadounidenses" en noviembre de 1961. Truitt recuerda que "pasó todo ese día mirando arte... Vi los lienzos negros de Ad Reinhardt, los negros y los azules". Luego bajé la rampa, doblé la esquina y... vi las pinturas de Barnett Newman. Los miré y desde ese momento estaba libre en casa. Nunca me había dado cuenta de que se podía hacer eso en el arte. Tener suficiente espacio. Suficiente color." Truitt se inspiró especialmente en el "universo de la pintura azul" y la sutil modulación y matices de color en Onement VI de Newman. La singularidad de los expresionistas abstractos que observó en las obras de Barnett Newman y Ad Reinhardt impactó a Truitt y provocó un punto de inflexión en su obra.

La primera escultura de madera de Truitt, titulada Primera (1961), se asemeja a una valla. Consta de tres tableros verticales blancos que terminan en un punto, los piquetes, que están apuntalados por detrás por un poste blanco y dos rieles. Los piquetes, los postes y los rieles están unidos y conectados visualmente a una base blanca. Las formas contienen recuerdos de su pasado y de la geografía de su infancia, más bien un reflejo de un "resultado directo de una percepción empírica". Primero, un recuerdo permeable de la idea de una valla, de todas las vallas que Truitt ha visto, en lugar de una valla modelada a partir de una imagen específica. Durante un período que pasó en Japón con su marido, que en ese momento era el jefe de la oficina japonesa de Newsweek, creó esculturas de aluminio de 1964 a 1967. Antes de su primera retrospectiva en Nueva York decidió que no como las obras y las destruyó.

Las esculturas que la hicieron importante para el desarrollo del minimalismo eran estructuras agresivamente simples y pintadas, a menudo grandes. Fabricadas en madera y pintadas con capas monocromáticas de acrílico, a menudo parecen columnas o pilares elegantes y rectangulares. Truitt produce dibujos a escala de sus estructuras que luego son realizados por un ebanista. Las estructuras se pesan hasta el suelo y, a menudo, son huecas, lo que permite que la madera respire con los cambios de temperatura. Aplica yeso para imprimar la madera y luego hasta 40 capas de pintura acrílica, alternando pinceladas entre direcciones horizontales y verticales y lijando entre capas. La artista buscó eliminar cualquier rastro de su pincel, lijando cada capa de pintura entre aplicaciones y creando planos de color perfectamente acabados. Las capas de pintura crean una superficie con una profundidad tangible. Además, la superficie palpable de la pintura transmite el siempre presente sentido de geografía de Truitt en los trazos de pintura verticales y horizontales alternos, que reflejan la latitud y longitud de un entorno. Su proceso combinó "la inmediatez de la intuición, la eliminación de la prefabricación y la intimidad del laborioso trabajo manual". Las plataformas empotradas debajo de sus esculturas las elevaban lo suficiente del suelo para que parecieran flotar sobre una delgada línea de sombra. La frontera entre escultura y suelo, entre gravedad y verticalidad, se volvió ilusoria. Esta ambivalencia formal se refleja en su insistencia en que el color mismo, por ejemplo, contenía una vibración psicológica que, cuando se purifica, como ocurre en una obra de arte, aísla el evento al que se refiere como una cosa en lugar de un sentimiento. El evento se convierte en una obra de arte, una sensación visual entregada por el color. La serie de pinturas Arundel, iniciada en 1973, presenta líneas de grafito apenas visibles y acumulaciones de pintura blanca sobre superficies blancas. En Ice Blink (1989), de color natilla, una pequeña franja de rojo en la parte inferior de la pintura es suficiente para establecer la profundidad de la perspectiva, al igual que una sola barra de color púrpura en la parte inferior de la pintura, que de otro modo sería Memoria celeste (1981). Iniciados alrededor de 2001, los Piths, lienzos con bordes deliberadamente deshilachados y cubiertos de gruesas pinceladas de pintura negra, indican el interés de Truitt por las formas que desdibujan las líneas entre dos y tres dimensiones.

En su primera exposición en la galería de André Emmerich, Truitt exhibió seis obras de estructuras de álamo pintadas a mano, incluidas Ship-Lap, Catawba, Tribute, Platte y Hardcastle. André Emmerich se convertiría en su comerciante de toda la vida. Truitt conoció a Emmerich a través de Kenneth Noland, a quien Emmerich también representaba. En los relatos de su primera exposición individual, se pueden ver los matices chovinistas que estaban presentes en el mundo del arte neoyorquino de los años sesenta. Greenberg, Rubin y Noland eligieron el trabajo de Truitt para exhibir y organizaron la ubicación de la muestra sin ninguna aportación de la propia Truitt. A menudo se referían a ella como la “gentil esposa de James Truitt” y Emmerich animó a Truitt a dejar su nombre para ocultar su género, con la esperanza de que esto ayudara a la recepción de la exposición. Después de su primera exposición individual, Greenberg declaró en su ensayo "Recienteidad de la escultura" (1967) que el trabajo de Truitt "anticipó" arte minimalista. La declaración de Greenberg es sensacionalista, ya que Judd, Robert Morris y Dan Flavin habían mostrado su trabajo antes que el de ella.

Los dibujos de Truitt no suelen recordarse al considerar su obra. Durante gran parte de la década de 1950, Truitt trabajó con lápiz, acrílico y tinta para crear no sólo estudios para esculturas posteriores, sino también dibujos que existían de forma independiente como obras de arte. Truitt también es conocida por los tres libros que escribió, Daybook, Turn y Prospect, todos ellos revistas. En Prospect, su tercer volumen de reflexiones, Truitt se propuso reconsiderar "toda su experiencia como artista", y también como hija, madre, abuela, maestra y buscadora de toda la vida. Durante muchos años estuvo asociada con la Universidad de Maryland, College Park, donde fue profesora, y con los artistas. colonia Yaddo, donde se desempeñó como presidenta interina.

Truitt murió el 23 de diciembre de 2004, en el Sibley Memorial Hospital en Washington, D.C., por complicaciones posteriores a una cirugía abdominal. Le sobrevivieron tres hijos y ocho nietos, entre ellos el escritor Charles Finch. Su hija Mary Truitt Hill estuvo casada con el crítico de arte Charlie Finch (1953/1954-2022) y son a su vez padres del mencionado Charles.

Legado

Fielding, H. (2011) Múltiples percepciones en movimiento de lo real: Arendt, Merleau-Ponty y Truitt (páginas 518–534) Este artículo explora las ideas éticas proporcionadas por las esculturas minimalistas de Anne Truitt, vistas a través de las lentes fenomenológicas de las investigaciones de Hannah Arendt sobre la co-constitución de la realidad y las investigaciones de Maurice Merleau-Ponty sobre la percepción. . Las obras de arte en su presencia material pueden plantear nuevas formas de relacionarse y percibir. Las obras de Truitt logran esta tarea al revelar el movimiento interactivo de nuestras relaciones encarnadas y cómo los objetos materiales pueden ayudar a fundamentar nuestra realidad y, por tanto, la potencialidad humana. Merleau-Ponty muestra cómo nuestros cuerpos prerreflectantes permiten que coexistan percepciones incomposibles. Sin embargo, esta misma capacidad de los cuerpos para reunir múltiples percepciones también se presta a la ilusión de que vemos desde una sola perspectiva. Si una perspectiva ética se cosifica en una sola posición, entonces se separa de la realidad y, de hecho, se pierde el potencial ético. Al mismo tiempo, entendido fenomenológicamente, el mundo real no existe en términos de materia estática, sino que es una red de relaciones y significados contextuales. Una ética que no toma en cuenta las relaciones encarnadas –que permite sólo una perspectiva– finalmente pierde su capacidad de flexibilidad y de ser parte de una realidad común y compartida.

Exposiciones

La primera exposición individual de Truitt fue en la galería André Emmerich de Nueva York, en febrero de 1963, y en muchos sentidos su obra también se aferra a lo que estaba surgiendo allí. Su trabajo se incluyó en la exposición de 1964, "Negro, blanco y gris", en el Wadsworth Atheneum en Hartford, Connecticut, posiblemente la primera exposición de obra minimalista. Fue una de las tres únicas mujeres incluidas en la influyente exposición de 1966, Primary Structures en el Museo Judío de Nueva York. Desde entonces, su obra ha sido objeto de exposiciones individuales en el Whitney Museum of American Art, Nueva York (1973); la Galería de Arte Corcoran, Washington, D.C. (1974); y el Museo de Arte de Baltimore (1974, 1992). En 2009, el Museo y Jardín de Esculturas Hirshhorn de Washington, D.C., organizó una aclamada retrospectiva de su obra, que incluía 49 esculturas y 35 pinturas y dibujos. "En la Torre: Anne Truitt" Estuvo expuesto en la Galería Nacional de Arte del 19 de noviembre de 2017 al 1 de abril de 2018.

Obras en colecciones

Arizona

• Treat de verano, 1968, Museo de Arte de la Universidad de Arizona, Tucson

District of Columbia

• Sigue., 1962, Smithsonian American Art Museum, Washington
• Insurrección, 1962, Corcoran Gallery of Art, Washington; adquirido en 2014 por la National Gallery of Art
• Flor, 1969, Corcoran Gallery of Art, Washington; adquirido en 2015 por la National Gallery of Art
• Arundel XI, 1971, National Gallery of Art, Washington
• Summer Dryad, 1971, National Museum of Women in the Arts, Washington
• Mid-Day, 1972, National Gallery of Art, Washington
• Spume, 1972, National Gallery of Art, Washington
• 13 de octubre de 1973, 1973, Hirschhorn Museum and Sculpture Garden, Washington
• Sand Morning, 1973, National Gallery of Art, Washington
• 17o verano, 1974, Smithsonian American Art Museum, Washington
• Noche Naiad, 1977, Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, Washington
• Parva XII, 1977, National Gallery of Art, Washington
• Summer Remembered, 1981, National Gallery of Art
• Tribunal de hermanamiento II, 2002, National Gallery of Art

Maryland

• Ship-Lap, 1962, Baltimore Museum of Art, Baltimore
• Watauga, 1962, Baltimore Museum of Art, Baltimore
• El ojo de la ballena, 1969, Baltimore Museum of Art, Baltimore
• Tres., 1962, Baltimore Museum of Art, Baltimore
• Una pared para los albaricoques, 1968, Baltimore Museum of Art, Baltimore
• Meadow Child, 1969, Baltimore Museum of Art, Baltimore
• Odeskalki, 1963/82, Baltimore Museum of Art, Baltimore
• Parva IV, 1974, Baltimore Museum of Art, Baltimore
• Lea, 1962, Baltimore Museum of Art, Baltimore
• Carson, 1963, Baltimore Museum of Art, Baltimore
• Moon Lily, 1988, Museo de Arte de la Academia, Easton
• Verano 88 No. 25, 1988, Museo de Arte de la Academia, Easton
• Hesperides, 1989, Museo de Arte de la Academia, Easton
• Verano 96 No 26. 1996, Academy Art Museum, Easton

Míchigan

• 2 de febrero de 78, 1978, Museo de Arte de la Universidad de Michigan, Ann Arbor
• Sandcastle, 1984, Museo de Arte de la Universidad de Michigan, Ann Arbor

Minesota

• Australian Spring, 1972, Walker Art Center, Minneapolis

Misuri

• Elección de la mañana, 1968, St. Louis Art Museum, St. Louis
• Prima, 1978, Mildred Lane Kemper Art Museum, St. Louis

Nebraska

• Todavía, 1999, Sheldon Memorial Art Gallery, University of Nebraska, Lincoln

Nueva York

• Sentinel, 1978, Albright-Knox Art Gallery, Buffalo
• Carolina Noon, Michael C. Rockefeller Arts Center, Nueva York
• Catawba, 1962, Museo de Arte Moderno, Nueva York
• Twining Court I, 2001, Museo de Arte Moderno, Nueva York
• Untitled, 1962, Museo de Arte Moderno, Nueva York
• Desert Reach, 1971, Whitney Museum of American Art, Nueva York

Carolina del Norte

• Night Wing, 1972–78, Mint Museum, Charlotte
• Stone South No. 36, 1975, North Carolina Museum of Art, Raleigh

Virginia

• Signal, 1978, Banco Federal de Reserva de Richmond, Richmond

Wisconsin

• Summer Sentinel, 1963–72, Milwaukee Art Museum, Milwaukee