Andy Warhol
Andy Warhol (nacido Andrew Warhola Jr.; 6 de agosto de 1928 - 22 de febrero de 1987) fue un artista visual, director de cine y productor estadounidense que fue un figura destacada en el movimiento de artes visuales conocido como arte pop. Sus obras exploran la relación entre la expresión artística, la publicidad y la cultura de las celebridades que floreció en la década de 1960 y abarcan una variedad de medios, que incluyen pintura, serigrafía, fotografía, cine y escultura. Algunas de sus obras más conocidas incluyen las serigrafías Campbell's Soup Cans (1962) y Marilyn Diptych (1962), las películas experimentales Empire (1964) y Chelsea Girls (1966), y los eventos multimedia conocidos como Exploding Plastic Inevitable (1966–67).
Nacido y criado en Pittsburgh, Warhol inicialmente siguió una exitosa carrera como ilustrador comercial. Después de exhibir su trabajo en varias galerías a fines de la década de 1950, comenzó a recibir reconocimiento como un artista influyente y controvertido. Su estudio de Nueva York, The Factory, se convirtió en un conocido lugar de reunión que reunió a distinguidos intelectuales, drag queens, dramaturgos, gente de la calle bohemia, celebridades de Hollywood y mecenas adinerados. Promovió una colección de personalidades conocidas como superestrellas de Warhol, y se le atribuye haber inspirado la expresión ampliamente utilizada '15 minutos de fama'. A fines de la década de 1960 dirigió y produjo la banda de rock experimental The Velvet Underground y fundó la revista Interview. Es autor de numerosos libros, incluidos La filosofía de Andy Warhol y Popism: The Warhol Sixties. Vivió abiertamente como un hombre gay antes del movimiento de liberación gay. En junio de 1968 estuvo a punto de ser asesinado por la feminista radical Valerie Solanas, quien le disparó dentro de su estudio. Después de una cirugía de vesícula biliar, Warhol murió de arritmia cardíaca en febrero de 1987 a la edad de 58 años en la ciudad de Nueva York.
Warhol ha sido objeto de numerosas exposiciones retrospectivas, libros y largometrajes y documentales. El Museo Andy Warhol en su ciudad natal de Pittsburgh, que alberga una extensa colección permanente de arte y archivos, es el museo más grande de los Estados Unidos dedicado a un solo artista. Warhol ha sido descrito como el "barómetro del mercado del arte". Muchas de sus creaciones son muy coleccionables y muy valiosas. Sus obras incluyen algunas de las pinturas más caras jamás vendidas. En 2013, una serigrafía de 1963 titulada Silver Car Crash (Double Disaster) se vendió por 105 millones de dólares. En 2022, Shot Sage Blue Marilyn (1964) se vendió por 195 millones de dólares, que es la obra de arte más cara vendida en una subasta por un artista estadounidense.
Biografía
Primeros años y comienzos (1928–1949)
Warhol nació el 6 de agosto de 1928 en Pittsburgh, Pensilvania. Fue el cuarto hijo de Ondrej Warhola (americanizado como Andrew Warhola Sr. 1889–1942) y Julia (née Zavacká, 1892–1972), cuyo primer hijo nació en su tierra natal de Austria-Hungría y murió antes de mudarse a los EE. UU.
Sus padres eran emigrantes Lemko de clase trabajadora de Mikó, Austria-Hungría (ahora llamada Miková, ubicada en el noreste actual de Eslovaquia). El padre de Warhol emigró a los Estados Unidos en 1914 y su madre se unió a él en 1921, tras la muerte de los abuelos de Warhol. El padre de Warhol trabajaba en una mina de carbón. La familia vivía en 55 Beelen Street y luego en 3252 Dawson Street en el vecindario Oakland de Pittsburgh. La familia era católica rutena y asistía a la iglesia católica bizantina de San Juan Crisóstomo. Andy Warhol tenía dos hermanos mayores: Pavol (Paul), el mayor, nació antes de que la familia emigrara; Ján nació en Pittsburgh. El hijo de Pavol, James Warhola, se convirtió en un exitoso ilustrador de libros infantiles.
En tercer grado, Warhol padecía la corea de Sydenham (también conocida como Danza de San Vito), la enfermedad del sistema nervioso que provoca movimientos involuntarios de las extremidades, que se cree que es una complicación de la escarlatina lo que causa manchas en la pigmentación de la piel. A veces, cuando estaba confinado en la cama, dibujaba, escuchaba la radio y coleccionaba fotos de estrellas de cine alrededor de su cama. Warhol describió más tarde este período como muy importante en el desarrollo de su personalidad, habilidades y preferencias. Cuando Warhol tenía 13 años, su padre murió en un accidente.
Cuando era adolescente, Warhol se graduó de Schenley High School en 1945 y también ganó un premio Scholastic Art and Writing. Después de graduarse de la escuela secundaria, sus intenciones eran estudiar educación artística en la Universidad de Pittsburgh con la esperanza de convertirse en profesor de arte, pero sus planes cambiaron y se matriculó en el Carnegie Institute of Technology, ahora Carnegie Mellon University en Pittsburgh, donde Estudió arte comercial. Durante su tiempo allí, Warhol se unió al Modern Dance Club y a la Beaux Arts Society del campus. También se desempeñó como director de arte de la revista de arte estudiantil, Cano, ilustrando una portada en 1948 y una ilustración interior de página completa en 1949. Se cree que estas son sus dos primeras obras de arte publicadas. Warhol obtuvo una licenciatura en Bellas Artes en diseño pictórico en 1949. Más tarde ese año, se mudó a la ciudad de Nueva York y comenzó una carrera en ilustración de revistas y publicidad.
Década de 1950
La carrera temprana de Warhol se dedicó al arte comercial y publicitario, donde su primer encargo había sido dibujar zapatos para la revista Glamour a fines de la década de 1940. En la década de 1950, Warhol trabajó como diseñador para el fabricante de calzado Israel Miller. Mientras trabajaba en la industria del calzado, Warhol desarrolló su "línea seca" técnica, aplicando tinta al papel y luego secando la tinta mientras aún estaba húmeda, lo que era similar a un proceso de grabado en la escala más rudimentaria. Su uso de papel de calco y tinta le permitió repetir la imagen básica y también crear infinitas variaciones sobre el tema. El fotógrafo estadounidense John Coplans recordó que
Nadie sacó zapatos como lo hizo Andy. De alguna manera dio a cada zapato un temperamento propio, una especie de sly, Toulouse-Lautrec tipo de sofisticación, pero la forma y el estilo llegaron a través con precisión y la hebilla siempre estaba en el lugar correcto. Los niños en el apartamento [que Andy compartió en Nueva York – nota de Coplans] notaron que los vampiros en los dibujos de zapatos de Andy seguían creciendo más y más, pero [Israel] Miller no le importaba. Miller los amaba.
En 1952, Warhol tuvo su primera exposición individual en la Hugo Gallery de Nueva York y, aunque esa muestra no fue bien recibida, en 1956 fue incluido en su primera exposición colectiva en el Museo de Arte Moderno de Nueva York. Warhol's 'caprichoso' dibujos a tinta de anuncios de zapatos figuraron en algunas de sus primeras exhibiciones en la Bodley Gallery de Nueva York en 1957.
Warhol utilizó habitualmente el recurso de calcar fotografías proyectadas con un epidiascopio. Utilizando grabados de Edward Wallowitch, su "primer novio," las fotografías sufrían una transformación sutil durante el trazo a menudo superficial de los contornos y la eclosión de las sombras de Warhol. Warhol usó la fotografía de Wallowitch Hombre joven fumando un cigarrillo (c. 1956), para un diseño de 1958 para la portada de un libro que envió a Simon and Schuster para la novela pulp de Walter Ross The Immortal, y luego usó otros para su serie de pinturas.
Con la rápida expansión de la industria discográfica, RCA Records contrató a Warhol, junto con otro artista independiente, Sid Maurer, para diseñar portadas de álbumes y materiales promocionales.
Década de 1960
Warhol fue uno de los primeros en adoptar el proceso de serigrafía como técnica para hacer pinturas. En 1962, Max Arthur Cohn le enseñó a Warhol técnicas de serigrafía en su negocio de artes gráficas en Manhattan. En su libro Popism: The Warhol Sixties, Warhol escribe: "Cuando haces algo exactamente mal, siempre aparece algo".
En mayo de 1962, Warhol apareció en un artículo en la revista Time con su pintura Big Campbell's Soup Can with Can Opener (Vegetable) (1962), que inició su motivo más sostenido, la lata de sopa Campbell. Esa pintura se convirtió en la primera de Warhol en mostrarse en un museo cuando se exhibió en el Wadsworth Atheneum en Hartford en julio de 1962. El 9 de julio de 1962, se inauguró la exposición de Warhol en la Ferus Gallery de Los Ángeles con Campbell's Soup Cans, marcando su debut en el arte pop en la Costa Oeste.
En noviembre de 1962, Warhol realizó una exposición en la Stable Gallery de Eleanor Ward en Nueva York. La exposición incluía las obras Gold Marilyn, ocho de las clásicas "Marilyn" serie también llamada "Flavor Marilyns", Díptico de Marilyn, 100 latas de sopa, 100 botellas de Coca-Cola, y billetes de 100 dólares. Gold Marilyn, fue comprada por el arquitecto Philip Johnson y donada al Museo de Arte Moderno. En la exhibición, Warhol conoció al poeta John Giorno, quien protagonizaría la primera película de Warhol, Sleep (1964).
En diciembre de 1962, el Museo de Arte Moderno de la ciudad de Nueva York organizó un simposio sobre arte pop, durante el cual artistas como Warhol fueron atacados por "capitular" al consumismo. Los críticos quedaron consternados por la abierta aceptación de la cultura de mercado por parte de Warhol, que marcó la pauta para su recepción.
A principios de 1963, Warhol alquiló su primer estudio, una antigua estación de bomberos en 159 East 87th Street. En este estudio creó su serie Elvis, que incluía Eight Elvises (1963) y Triple Elvis (1963). Estos retratos, junto con una serie de retratos de Elizabeth Taylor, se mostraron en su segunda exposición en la Galería Ferus de Los Ángeles. Más tarde ese año, Warhol trasladó su estudio a East 47th Street, que se convertiría en The Factory. The Factory se convirtió en un lugar de reunión popular para una amplia gama de artistas, escritores, músicos y celebridades clandestinas.
Warhol tuvo su segunda exposición en Stable Gallery en la primavera de 1964, que presentaba esculturas de cajas comerciales apiladas y esparcidas por todo el espacio para parecerse a un almacén. Para la exposición, Warhol encargó cajas de madera personalizadas y gráficos serigrafiados en ellas. Las esculturas: Brillo Box, Del Monte Peach Box, Heinz Tomato Ketchup Box, Kellogg's Cornflakes Box, Caja de jugo de tomate Campbell's y Caja de jugo de manzana Mott's, que se venden entre $200 y $400, según el tamaño de la caja.
Un evento fundamental fue la exhibición The American Supermarket en la galería del Upper East Side de Paul Bianchini en el otoño de 1964. La exhibición se presentó como un ambiente típico de un pequeño supermercado, excepto que todo en fue creado por destacados artistas pop de la época, entre ellos el escultor Claes Oldenburg, Mary Inman y Bob Watts. Warhol diseñó una bolsa de compras de papel de $ 12: blanco liso con una lata roja de sopa Campbell. Su pintura de una lata de sopa Campbell's costó $1,500 mientras que cada lata autografiada se vendió por 3 a $18, $6.50 cada una. La exhibición fue uno de los primeros eventos masivos que enfrentó directamente al público en general tanto con el arte pop como con la pregunta perenne de qué es el arte.
Como ilustrador publicitario en la década de 1950, Warhol utilizó asistentes para aumentar su productividad. La colaboración seguiría siendo un aspecto definitorio (y controvertido) de sus métodos de trabajo a lo largo de su carrera; esto fue particularmente cierto en la década de 1960. Uno de los colaboradores más importantes durante este período fue Gerard Malanga. Malanga ayudó al artista con la producción de serigrafías, películas, esculturas y otras obras en 'The Factory', el estudio de Warhol revestido con papel de aluminio y pintura plateada en la calle 47 (posteriormente trasladado a Broadway). Otros miembros de Warhol's Factory incluyeron a Freddie Herko, Ondine, Ronald Tavel, Mary Woronov, Billy Name y Brigid Berlin (de quien aparentemente tuvo la idea de grabar sus conversaciones telefónicas).
Durante la década de 1960, Warhol también formó un séquito de bohemios y excéntricos de la contracultura a quienes otorgó la designación de 'superestrellas', incluidos Nico, Joe Dallesandro, Edie Sedgwick, Viva, Ultra Violet, Holly Woodlawn, Jackie Curtis y Candy Darling. Todas estas personas participaron en las películas Factory, y algunas, como Berlin, siguieron siendo amigos de Warhol hasta su muerte. Figuras importantes del mundo del arte y el cine clandestino de Nueva York, como el escritor John Giorno y el cineasta Jack Smith, también aparecen en las películas de Warhol (muchas de ellas estrenadas en el New Andy Warhol Garrick Theatre y el 55th Street Playhouse) de la década de 1960, revelando a Warhol y #39;s conexiones a una amplia gama de escenas artísticas durante este tiempo. Menos conocido fue su apoyo y colaboración con varios adolescentes durante esta época, que alcanzarían prominencia más adelante en la vida, incluidos el escritor David Dalton, el fotógrafo Stephen Shore y la artista Bibbe Hansen (madre del músico pop Beck).
Intento de asesinato en 1968
El 3 de junio de 1968, la escritora feminista radical Valerie Solanas le disparó a Warhol y a Mario Amaya, crítico de arte y curador, en el estudio de Warhol, The Factory. Antes del tiroteo, Solanas había sido una figura marginal en la escena Factory. Fue autora en 1967 del Manifiesto SCUM, un tratado feminista separatista que abogaba por la eliminación de los hombres; y apareció en la película de Warhol de 1968 I, a Man. Anteriormente, el día del ataque, Solanas había sido rechazada de Factory después de pedir la devolución de un guión que le había dado a Warhol. Al parecer, el guión se había extraviado.
Amaya solo recibió heridas leves y fue dada de alta del hospital ese mismo día. Warhol resultó gravemente herido por el ataque y apenas sobrevivió. Tuvo efectos físicos por el resto de su vida, incluido el uso de un corsé quirúrgico. El tiroteo tuvo un efecto profundo en la vida y el arte de Warhol.
Solanas fue arrestada al día siguiente del asalto, luego de entregarse a la policía. A modo de explicación, dijo que Warhol "tenía demasiado control sobre mi vida". Posteriormente fue diagnosticada con esquizofrenia paranoide y finalmente sentenciada a tres años bajo el control del Departamento de Correcciones. Después del tiroteo, la escena de Factory aumentó considerablemente su seguridad y, para muchos, la "Factory 60s" terminado ("Las superestrellas de los viejos tiempos de Factory no venían mucho a la nueva Factory").
Warhol dijo lo siguiente sobre el ataque:
Antes de que me dispararan, siempre pensé que estaba más de la mitad que todo... Siempre sospeché que estaba viendo la televisión en vez de vivir la vida. La gente a veces dice que la forma en que suceden las cosas en las películas es irreal, pero en realidad es la forma en que las cosas suceden en la vida que es irreal. Las películas hacen que las emociones se vean tan fuertes y reales, mientras que cuando las cosas realmente te suceden, es como ver la televisión, no sientes nada. Justo cuando me dispararon y desde entonces, sabía que estaba viendo televisión. Los canales cambian, pero todo es televisión.
En 1969, Warhol y el periodista británico John Wilcock fundaron la revista Interview.
Década de 1970
Warhol tuvo una exposición retrospectiva en el Museo Whitney de Arte Americano en 1971. Su famoso retrato del líder comunista chino Mao Zedong fue creado en 1973. En 1975, publicó La filosofía de Andy Warhol (1975). Una idea expresada en el libro: "Ganar dinero es arte, trabajar es arte y los buenos negocios son el mejor arte".
En comparación con el éxito y el escándalo del trabajo de Warhol en la década de 1960, la década de 1970 fue mucho más tranquila, ya que se volvió más emprendedor. Socializó en varios locales nocturnos de la ciudad de Nueva York, incluido Max's Kansas City y, más tarde en la década de 1970, Studio 54. En general, se lo consideraba un observador tranquilo, tímido y meticuloso. El crítico de arte Robert Hughes lo llamó "el topo blanco de Union Square". En 1977, el coleccionista de arte Richard Weisman encargó a Warhol que creara Athletes, diez retratos de los principales atletas del momento.
Según Bob Colacello, Warhol dedicó gran parte de su tiempo a reunir nuevos y ricos mecenas para encargos de retratos, incluido el sha de Irán Mohammad Reza Pahlavi, su esposa, la emperatriz Farah Pahlavi, su hermana, la princesa Ashraf Pahlavi, Mick Jagger, Liza Minnelli, John Lennon, Diana Ross y Brigitte Bardot. En 1979, a los críticos no les gustaron sus exhibiciones de retratos de personalidades y celebridades de la década de 1970, llamándolos superficiales, fáciles y comerciales, sin profundidad ni indicación de la importancia de los sujetos. En 1979, Warhol y su viejo amigo Stuart Pivar fundaron la Academia de Arte de Nueva York.
Década de 1980
Warhol tuvo un resurgimiento del éxito crítico y financiero en la década de 1980, en parte debido a su afiliación y amistad con una serie de prolíficos artistas jóvenes, que dominaban el "mercado alcista" del arte de Nueva York de la década de 1980: Jean-Michel Basquiat, Julian Schnabel, David Salle y otros llamados neoexpresionistas, así como miembros del movimiento Transavantgarde en Europa, incluidos Francesco Clemente y Enzo Cucchi. Warhol también ganó credibilidad en las calles y el artista de graffiti Fab Five Freddy rindió homenaje a Warhol pintando un tren completo con latas de sopa Campbell.
Warhol también fue criticado por convertirse simplemente en un "artista comercial". Los críticos criticaron su exposición de 1980 Diez retratos de judíos del siglo XX en el Museo Judío de Manhattan, que Warhol, que no estaba interesado en el judaísmo ni en los judíos, había descrito en su diario como "Ellos". 39;vamos a vender." En retrospectiva, sin embargo, algunos críticos han llegado a ver la superficialidad y comercialidad de Warhol como 'el espejo más brillante de nuestro tiempo'. afirmando que "Warhol había captado algo irresistible sobre el espíritu de la época de la cultura estadounidense en la década de 1970".
Warhol también apreciaba el intenso glamour de Hollywood. Una vez dijo: 'Me encanta Los Ángeles. Amo Hollywood. Son tan hermosos. Todo es plástico, pero me encanta el plástico. Quiero ser de plástico." Warhol caminó ocasionalmente por las pasarelas de moda e hizo patrocinios de productos, representados por Zoli Agency y más tarde por Ford Models.
Antes de los Juegos Olímpicos de Invierno de Sarajevo de 1984, se asoció con otros 15 artistas, incluidos David Hockney y Cy Twombly, y contribuyó con una impresión Speed Skater a la colección Art and Sport. El patinador de velocidad se utilizó para el cartel oficial de los Juegos Olímpicos de Invierno de Sarajevo.
En 1984, Vanity Fair encargó a Warhol que produjera un retrato de Prince para acompañar un artículo que celebraba el éxito de Purple Rain y la película que la acompañaba. Haciendo referencia a los muchos retratos de celebridades producidos por Warhol a lo largo de su carrera, Orange Prince (1984) se creó utilizando una composición similar a la de Marilyn "Flavors" serie de 1962, entre algunos de los primeros retratos de celebridades de Warhol. Prince está representado en una paleta de colores pop comúnmente utilizada por Warhol, en naranja brillante con reflejos de verde brillante y azul. Los rasgos faciales y el cabello están serigrafiados en negro sobre fondo naranja.
En septiembre de 1985, la exposición conjunta de Warhol y Basquiat, Paintings, se abrió con críticas negativas en la Galería Tony Shafrazi. Ese mes, a pesar de las aprensiones de Warhol, su serie de serigrafías Reigning Queens se mostró en la Galería Leo Castelli. En los Diarios de Andy Warhol, Warhol escribió: "Se suponía que eran solo para Europa; aquí a nadie le importa la realeza y será otra mala crítica".
En enero de 1987, Warhol viajó a Milán para la inauguración de su última exposición, La última cena, en el Palazzo delle Stelline. Al mes siguiente, Warhol y el músico de jazz Miles Davis modelaron para el desfile de modas de Koshin Satoh en el Tunnel de la ciudad de Nueva York el 17 de febrero de 1987.
Muerte
Warhol murió en Manhattan a las 6:32 a. m. del 22 de febrero de 1987, a los 58 años. Según informes noticiosos, se había estado recuperando bien de una cirugía de vesícula biliar en el Hospital de Nueva York antes de morir mientras dormía por una publicación repentina. -Latido cardiaco irregular operativo. Antes de su diagnóstico y operación, Warhol retrasó la revisión de sus problemas recurrentes de vesícula biliar, ya que tenía miedo de ingresar a los hospitales y ver a los médicos. Su familia demandó al hospital por atención inadecuada, alegando que la arritmia fue causada por la atención inadecuada y la intoxicación por agua. El caso de negligencia se resolvió rápidamente fuera de los tribunales; La familia de Warhol recibió una suma de dinero no revelada.
Poco antes de la muerte de Warhol, los médicos esperaban que Warhol sobreviviera a la cirugía, aunque una reevaluación del caso unos treinta años después de su muerte mostró muchos indicios de que la cirugía de Warhol era, de hecho, más riesgosa que la original. pensamiento. Se informó ampliamente en ese momento que Warhol había muerto de una "rutina" cirugía, aunque al considerar factores como su edad, antecedentes familiares de problemas de vesícula biliar, su herida de bala previa y su estado médico en las semanas previas al procedimiento, el riesgo potencial de muerte después de la cirugía parecía haber sido significativo.
Los hermanos de Warhol llevaron su cuerpo a Pittsburgh, donde se llevó a cabo un velorio con ataúd abierto en la funeraria Thomas P. Kunsak. El ataúd de bronce macizo tenía rieles chapados en oro y tapicería blanca. Warhol vestía un traje de cachemir negro, una corbata de cachemir, una peluca de platino y gafas de sol. Estaba tendido sosteniendo un pequeño libro de oraciones y una rosa roja. La liturgia fúnebre se llevó a cabo en la Iglesia Católica Bizantina del Espíritu Santo en el lado norte de Pittsburgh el 27 de febrero de 1987. Monseñor Peter Tay pronunció el elogio. Yoko Ono y John Richardson fueron los oradores. El ataúd estaba cubierto de rosas blancas y espárragos. Después de la liturgia, el ataúd fue llevado al cementerio católico bizantino St. John the Baptist en Bethel Park, un suburbio al sur de Pittsburgh, donde Warhol fue enterrado cerca de sus padres. El sacerdote dijo una breve oración junto a la tumba y roció agua bendita sobre el ataúd. Antes de que bajaran el ataúd, la amiga cercana de Warhol y editora asociada de Interview, Paige Powell, dejó caer una copia de la revista y una botella de Beautiful Eau de Parfum de Estée Lauder en la tumba. Se llevó a cabo un servicio conmemorativo en Manhattan para Warhol en la Catedral de San Patricio el 1 de abril de 1987.
Obras de arte
Pinturas
A principios de la década de 1960, el arte pop era una forma experimental que varios artistas estaban adoptando de forma independiente; algunos de estos pioneros, como Roy Lichtenstein, se convertirían más tarde en sinónimos del movimiento. Warhol, quien se haría famoso como el 'Papa del Pop', recurrió a este nuevo estilo, donde los temas populares podían ser parte de la paleta del artista. Sus primeras pinturas muestran imágenes extraídas de caricaturas y anuncios, pintadas a mano con gotas de pintura. Esas gotas emulaban el estilo de exitosos expresionistas abstractos como Willem de Kooning.
A partir de estos inicios, desarrolló su estilo y temas posteriores. En lugar de trabajar en un tema característico, como empezó a hacer, trabajó cada vez más en un estilo característico, eliminando poco a poco lo hecho a mano del proceso artístico. Warhol utilizó con frecuencia la serigrafía; sus dibujos posteriores fueron trazados a partir de proyecciones de diapositivas. En el apogeo de su fama como pintor, Warhol tuvo varios asistentes que produjeron sus múltiplos de serigrafía, siguiendo sus instrucciones para hacer diferentes versiones y variaciones.
Las primeras pinturas de arte pop de Warhol se exhibieron en abril de 1961 y sirvieron como telón de fondo para el escaparate de los grandes almacenes Bonwit Teller de Nueva York. Este fue el mismo escenario que sus contemporáneos del arte pop Jasper Johns, James Rosenquist y Robert Rauschenberg también habían honrado una vez. Fue a la galerista Muriel Latow a quien se le ocurrieron las ideas tanto para las latas de sopa como para las pinturas del dólar de Warhol. El 23 de noviembre de 1961, Warhol le escribió a Latow un cheque por $50 que, según la biografía de Warhol de 2009, Pop, The Genius of Warhol, era el pago por haber tenido la idea de las latas de sopa como tema. Materia. Para su primera gran exposición, Warhol pintó sus famosas latas de sopa Campbell, que afirmó haber almorzado durante la mayor parte de su vida.
Fue durante la década de 1960 que Warhol comenzó a pintar objetos estadounidenses icónicos como billetes de dólar, nubes en forma de hongo, sillas eléctricas, latas de sopa Campbell, botellas de Coca-Cola, celebridades como Marilyn Monroe, Elvis Presley y Elizabeth. Taylor, así como titulares de periódicos o fotografías de perros policía atacando a manifestantes afroamericanos durante la campaña de Birmingham en el movimiento por los derechos civiles. Su trabajo se hizo popular y controvertido. Warhol dijo lo siguiente sobre Coca-Cola:
Lo genial de este país es que Estados Unidos comenzó la tradición donde los consumidores más ricos compran esencialmente las mismas cosas que los más pobres. Puedes estar viendo TV y ver Coca-Cola, y sabes que el Presidente bebe Coca-Cola, Liz Taylor bebe Coca-Cola, y sólo piensa, puedes beber Coca-Cola también. Una Coca es una Coca Cola y ninguna cantidad de dinero puede conseguir una Coca mejor que la que el bum en la esquina está bebiendo. Todas las Coca-Colas son iguales y todas las Coca-Cola son buenas. Liz Taylor lo sabe, el presidente lo sabe, el vagabundo lo sabe, y lo sabes.
En 1962, Warhol creó su famosa serie Marilyn. Las Flavour Marilyns se seleccionaron de un grupo de catorce lienzos de la subserie, cada uno de los cuales mide 20" x 16". Algunos de los lienzos recibieron el nombre de varios sabores de dulces Life Savers, incluidos Cherry Marilyn, Lemon Marilyn y Licorice Marilyn. Los demás se identifican por sus colores de fondo.
Warhol produjo tanto obras cómicas como serias; su tema podría ser una lata de sopa o una silla eléctrica. Warhol usó las mismas técnicas (serigrafías, reproducciones en serie y, a menudo, pintadas con colores brillantes), ya sea que pintara celebridades, objetos cotidianos o imágenes de suicidios, accidentes automovilísticos y desastres, como en 1962–63 Muerte y desastre serie.
En 1979, Warhol recibió el encargo de pintar una versión de carreras del BMW M1 Grupo 4 para la cuarta entrega del proyecto BMW Art Car. Inicialmente se le pidió que pintara un BMW 320i en 1978, pero se cambió el modelo de automóvil y no calificó para la carrera de ese año. Warhol fue el primer artista en pintar él mismo directamente sobre el automóvil en lugar de dejar que los técnicos transfirieran un diseño a escala al automóvil. Según se informa, le tomó solo 23 minutos pintar todo el automóvil. Los pilotos de carreras Hervé Poulain, Manfred Winkelhock y Marcel Mignot condujeron el coche en las 24 Horas de Le Mans de 1979.
Parte del trabajo de Warhol, así como su propia personalidad, se ha descrito como Keatonesco. Warhol ha sido descrito como un tonto ante los medios. A veces se negaba a explicar su trabajo. Ha sugerido que todo lo que uno necesita saber sobre su trabajo está "ya allí 'en la superficie'&# 34;.
Sus manchas de tinta de Rorschach pretenden ser comentarios pop sobre el arte y lo que podría ser el arte. Destacan también en este contexto su papel pintado de vaca (literalmente, papel pintado con motivo de vaca) y sus pinturas de oxidación (lienzos preparados con pintura de cobre que luego se oxidaba con orina). Igualmente digno de mención es la forma en que estas obras, y sus medios de producción, reflejaron la atmósfera en la 'Fábrica' de Andy's en Nueva York. El biógrafo Bob Colacello brinda algunos detalles sobre las 'pinturas de orina' de Andy:
Víctor... era el cabrón fantasma de Andy en las oxidaciones. Vendría a la Fábrica a orinar sobre lienzos que ya habían sido preparados con pintura basada en cobre por Andy o Ronnie Cutrone, un segundo orinador fantasma muy apreciado por Andy, quien dijo que la vitamina B que Ronnie tomó hizo un color más bonito cuando el ácido en la orina convirtió el verde de cobre. Lo hice. ¿Andy alguna vez usa su propia orina? Mi diario muestra que cuando comenzó la serie, en diciembre de 1977, lo hizo, y había muchos otros: chicos que habían venido a comer y beber demasiado vino, y encontrarlo divertido o incluso halagador para ser pedido para ayudar Andy 'paint'. Andy siempre tuvo un poco más de recompensa en su caminata mientras los llevó a su estudio.
El retrato de Warhol de 1982 de Basquiat, Jean-Michel Basquiat, es una serigrafía sobre una pintura de orina de cobre oxidado. Después de muchos años de serigrafía, oxidación, fotografía, etc., Warhol volvió a pintar pincel en mano. En 1983, Warhol comenzó a colaborar con Basquiat y Clemente. Warhol y Basquiat crearon una serie de más de 50 grandes obras colaborativas entre 1984 y 1985. A pesar de las críticas cuando se mostraron por primera vez, Warhol llamó a algunas de ellas "obras maestras". y fueron influyentes para su trabajo posterior.
En 1984, el coleccionista y galerista Alexander Iolas encargó a Warhol que produjera una obra basada en La última cena de Leonardo da Vinci para una exposición en el antiguo refectorio del Palazzo delle Stelline en Milán, frente a Santa Maria delle Grazie donde se puede ver el mural de Leonardo da Vinci. Warhol superó las exigencias del encargo y produjo cerca de 100 variaciones sobre el tema, en su mayoría serigrafías y pinturas, y entre ellas una escultura en colaboración con Basquiat, los Diez sacos de boxeo (Última cena). La exposición de Milán que se inauguró en enero de 1987 con un conjunto de 22 serigrafías, fue la última exposición tanto del artista como del galerista. La serie de La última cena fue vista por algunos como "podría decirse que es la más grande" pero por otros como "delicado, religioso" y "sin espíritu". Es la serie más grande de obras de temática religiosa de cualquier artista estadounidense.
El artista Maurizio Cattelan describe que es difícil separar los encuentros cotidianos del arte de Andy Warhol: "Eso es probablemente lo mejor de Warhol: la forma en que penetró y resumió nuestro mundo, hasta el punto que distinguir entre él y nuestra vida cotidiana es básicamente imposible, y en cualquier caso inútil." Warhol fue una inspiración para la revista de Cattelan y las recopilaciones de fotografías, como Permanent Food, Charley y Toilet Paper.
En el período inmediatamente anterior a su muerte, Warhol estaba trabajando en Cars, una serie de pinturas para Mercedes-Benz.
Mercado del arte
El valor de la obra de Andy Warhol ha tenido una trayectoria ascendente sin fin desde su muerte en 1987. En 2014, sus obras acumularon 569 millones de dólares en subastas, lo que representó más de una sexta parte del mercado mundial del arte. Sin embargo, ha habido algunas caídas. Según el marchante de arte Dominique Lévy, "El comercio de Warhol mueve algo así como un sube y baja cuesta arriba: sube y baja, pero cada nuevo alto y bajo está por encima del anterior". Ella atribuye esto a la afluencia constante de nuevos coleccionistas intrigados por Warhol. "En diferentes momentos, diferentes grupos de coleccionistas ingresaron al mercado de Warhol, y eso resultó en picos en la demanda, luego satisfacción y una desaceleración," antes de que el proceso se repita en otro grupo demográfico o en la siguiente generación.
En 1998, Orange Marilyn (1964), una representación de Marilyn Monroe, se vendió por 17,3 millones de dólares, lo que en ese momento estableció un nuevo récord como el precio más alto pagado por una obra de arte de Warhol. En 2007, una de las pinturas de Warhol de 1963 de Elizabeth Taylor, Liz (Colored Liz), que era propiedad del actor Hugh Grant, se vendió por 23,7 millones de dólares en Christie's.
En 2007, Stefan Edlis y Gael Neeson vendieron Turquoise Marilyn (1964) de Warhol al financiero Steven A. Cohen por 80 millones de dólares. En mayo de 2007, Green Car Crash (1963) se vendió por 71,1 millones de dólares y Lemon Marilyn (1962) se vendió por 28 millones de dólares en Christie's de arte contemporáneo y de posguerra. subasta. En 2007, Lata de sopa grande Campbell (1964) se vendió en una subasta de Sotheby's a un coleccionista sudamericano por 7,4 millones. En noviembre de 2009, 200 billetes de un dólar (1962) en Sotheby's por 43,8 millones de dólares.
En 2008, Annibale Berlingieri vendió Eight Elvises (1963) por 100 millones de dólares a un comprador privado. La obra muestra a Elvis Presley en una pose de pistolero. Se exhibió por primera vez en 1963 en la Galería Ferus de Los Ángeles. Warhol realizó 22 versiones de los retratos de Elvis, 11 de las cuales se conservan en museos. En mayo de 2012, Double Elvis (Ferus Type) se vendió en una subasta en Sotheby's por 37 millones de dólares. En noviembre de 2014, Triple Elvis (tipo Ferus) se vendió por 81,9 millones de dólares en Christie's.
En mayo de 2010, un autorretrato morado de Warhol de 1986 que era propiedad del diseñador de moda Tom Ford se vendió por 32,6 millones de dólares en Sotheby's. En noviembre de 2010, Men in Her Life (1962), basada en Elizabeth Taylor, se vendió por 63,4 millones de dólares en Phillips de Pury y Coca-Cola (4) (1962) se vendió por 35,3 millones de dólares en Sotheby'.;s. En mayo de 2011, el primer autorretrato de Warhol de 1963 a 1964 se vendió por 38,4 millones de dólares y un autorretrato rojo de 1986 se vendió por 27,5 millones de dólares en Christie's. En mayo de 2011, Liz #5 (Early Coloured Liz) se vendió por 26,9 millones de dólares en Phillips.
En noviembre de 2013, el díptico de 1963 de Warhol, Silver Car Crash (Double Disaster), rara vez visto, se vendió en Sotheby's por 105,4 millones de dólares, un nuevo récord para el artista. En noviembre de 2013, Coca-Cola (3) (1962) se vendió por 57,3 millones de dólares en Christie's. En mayo de 2014, White Marilyn (1962) se vendió por 41 millones de dólares en Christie's. En noviembre de 2014, Four Marlons (1964), que representa a Marlon Brando, se vendió por 69,6 millones de dólares en Christie's. En mayo de 2015, Silver Liz (díptico), pintado en 1963, se vendió por $28 millones y Colored Mona Lisa (1963) se vendió por $56,2 millones en Christie's. En mayo de 2017, la pintura de Warhol de 1962 Gran lata de sopa Campbell con abrelatas (vegetales) se vendió por 27,5 millones de dólares en Christie's. En 2017, el multimillonario administrador de fondos de cobertura Ken Griffin compró Orange Marilyn de forma privada por alrededor de $200 millones. En marzo de 2022, Silver Liz (Tipo Ferus) se vendió por 2300 millones de yenes (18,9 millones de dólares) en Shinwa Auction, que estableció un nuevo récord para la oferta más alta jamás realizada en una subasta en Japón. En mayo de 2022, Shot Sage Blue Marilyn (1964) se vendió por 195 millones de dólares en Christie's, convirtiéndose en la obra de arte estadounidense más cara vendida en una subasta.
Coleccionistas
Entre los primeros coleccionistas y seguidores influyentes de Warhol se encontraban Emily y Burton Tremaine. Entre las más de 15 obras de arte compradas, Marilyn Diptych (ahora en Tate Modern, Londres) y A boy for Meg (ahora en la National Gallery of Art en Washington, DC), fueron comprados directamente en el estudio de Warhol en 1962. Una Navidad, Warhol dejó una pequeña Cabeza de Marilyn Monroe junto a la puerta de Tremaine en su apartamento de Nueva York en agradecimiento por su apoyo. y aliento
Explotando plástico inevitable' (mostrar) - el terciopelo subterráneo & Nico, 1966, cartel
El vestido de sopa, 1967, vestido de papel impreso en pantalla basado en Warhol's Campbell's Soup Cans
Retrato de Mao Zedong, 1972, pintura sintética de polímero y tinta de seda sobre lienzo
Una foto de Warhol y Farah Pahlavi, 1977, con obras de Warhol en las paredes del museo de Teherán
BMW Group - 4 M1, 1979, coche pintado
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Obras
Filmografía
Warhol asistió al estreno en 1962 de la composición estática de La Monte Young llamada Trio for Strings y posteriormente creó su famosa serie de películas estáticas. El cineasta Jonas Mekas, que acompañó a Warhol al estreno de Trio, afirma que las películas estáticas de Warhol se inspiraron directamente en la actuación. Entre 1963 y 1968, realizó más de 60 películas, además de unas 500 "pruebas de pantalla" retratos de los visitantes de la fábrica. Una de sus películas más famosas, Sleep, sigue al poeta John Giorno durmiendo durante seis horas. La película de 35 minutos Blow Job es una toma continua del rostro de DeVeren Bookwalter supuestamente recibiendo sexo oral del cineasta Willard Maas, aunque la cámara nunca se inclina hacia abajo para ver esto. Otro, Empire (1964), consta de ocho horas de metraje del Empire State Building en la ciudad de Nueva York al anochecer. La película Eat consiste en un hombre que come una seta durante 45 minutos.
Batman Dracula es una película de 1964 que fue producida y dirigida por Warhol, sin el permiso de DC Comics. Se proyectó solo en sus exhibiciones de arte. Fanático de la serie Batman, la película de Warhol fue un "homenaje" a la serie, y se considera la primera aparición de un Batman descaradamente cursi. Hasta hace poco se pensó que la película se había perdido, hasta que se mostraron escenas de la imagen con cierta extensión en el documental de 2006 Jack Smith and the Destruction of Atlantis.
La película Vinyl de Warhol de 1965 es una adaptación de la obra de Anthony Burgess; novela distópica popular La naranja mecánica. Otros registran encuentros improvisados entre habituales de Factory como Brigid Berlin, Viva, Edie Sedgwick, Candy Darling, Holly Woodlawn, Ondine, Nico y Jackie Curtis. El artista underground Jack Smith aparece en la película Camp.
Su película más popular y con mayor éxito de crítica fue Chelsea Girls (1966). La película fue muy innovadora porque consistía en la proyección simultánea de dos películas de 16 mm, con dos historias diferentes que se mostraban en tándem. Desde la cabina de proyección, se elevaría el sonido de una película para dilucidar esa "historia" mientras se bajaba por el otro. La multiplicación de imágenes evocó las obras seminales de serigrafía de Warhol de principios de la década de 1960.
Warhol era fanático del cineasta Radley Metzger's y comentó que la película de Metzger, The Lickerish Quartet, fue "una obra maestra escandalosamente pervertida". Blue Movie, una película en la que la superestrella de Warhol, Viva, hace el amor en la cama con Louis Waldon, otra superestrella de Warhol, fue la última película de Warhol como director. La película, una película seminal en la Edad de Oro de la pornografía, fue, en ese momento, controvertida por su enfoque franco de un encuentro sexual. Blue Movie se proyectó públicamente en la ciudad de Nueva York en 2005, por primera vez en más de 30 años.
Después del tiroteo de 1968, un solitario Warhol renunció a su participación personal en la realización de películas. Su acólito y asistente de dirección, Paul Morrissey, se hizo cargo de las tareas de realización cinematográfica para el colectivo Factory, dirigiendo el cine con la marca de Warhol hacia una tarifa de explotación de películas B más convencional, basada en la narrativa con Flesh, basura y calor. Todas estas películas, incluidas las últimas Drácula de Andy Warhol y Frankenstein de Andy Warhol, fueron mucho más convencionales que cualquier cosa que Warhol haya intentado como director.. Estos últimos "Warhol" Las películas protagonizadas por Joe Dallesandro, más una estrella de Morrissey que una verdadera superestrella de Warhol.
A principios de la década de 1970, la mayoría de las películas dirigidas por Warhol fueron retiradas de circulación por Warhol y las personas a su alrededor que dirigían su negocio. Después de la muerte de Warhol, las películas fueron restauradas lentamente por el Museo Whitney y ocasionalmente se proyectan en museos y festivales de cine. Pocas de las películas dirigidas por Warhol están disponibles en video o DVD.
Música
A mediados de la década de 1960, Warhol adoptó a la banda The Velvet Underground, convirtiéndola en un elemento crucial de la exhibición artística multimedia Exploding Plastic Inevitable. Warhol, con Paul Morrissey, actuó como mánager de la banda y les presentó a Nico (quien tocaría con la banda a pedido de Warhol). Mientras manejaba The Velvet Underground, Andy los vestía de negro para actuar frente a las películas que también estaba presentando. En 1966, "produjo" su primer álbum The Velvet Underground & Nico, además de proporcionar la carátula del álbum. Su participación real en la producción del álbum equivalía simplemente a pagar el tiempo de estudio. Después del primer álbum de la banda, Warhol y el líder de la banda, Lou Reed, comenzaron a estar más en desacuerdo sobre la dirección que debería tomar la banda, y su amistad artística terminó. En 1989, después de la muerte de Warhol, Reed y John Cale se reunieron por primera vez desde 1972 para escribir, interpretar, grabar y lanzar el álbum conceptual Songs for Drella, un tributo a Warhol.. En octubre de 2019, una cinta de audio de música públicamente desconocida de Reed, basada en Warhols' Se informó que el libro de 1975, "La filosofía de Andy Warhol: de A a B y viceversa", fue descubierto en un archivo en el Museo Andy Warhol en Pittsburgh.
Warhol diseñó muchas portadas de álbumes para varios artistas, comenzando con la portada fotográfica del álbum debut de John Wallowitch, This Is John Wallowitch!!! (1964). Diseñó la portada de The Rolling Stones' álbumes Sticky Fingers (1971) y Love You Live (1977), y los álbumes de John Cale The Academy in Peril (1972) y Honi Soit en 1981. Uno de los últimos trabajos de Warhol fue un retrato de Aretha Franklin para la portada de su álbum de oro de 1986 Aretha.
Warhol codirigió el video musical "Hello Again" por los Cars, y apareció en el video como cantinero.
Libros e impresos
A principios de la década de 1950, Warhol produjo varios portafolios sin encuadernar de su trabajo.
El primero de varios libros autoeditados encuadernados de Warhol fue 25 Cats Name Sam and One Blue Pussy, impreso en 1954 por Seymour Berlin en papel con marca de agua de la marca Arches utilizando su técnica de línea seca para las litografías.. La edición original se limitó a 190 copias numeradas y coloreadas a mano, utilizando los lavados de tinta del Dr. Martin. La mayoría de estos fueron entregados por Warhol como obsequios a clientes y amigos. Copia No. 4, inscrito "Jerry" en la portada y entregado a Geraldine Stutz, se usó para una impresión facsímil en 1987, y el original fue subastado en mayo de 2006 por US $ 35,000 por Doyle New York.
Otros libros autoeditados de Warhol incluyen:
- Un libro de oro
- Raspberries silvestres
- Santos gatos
El libro de Warhol A La Recherche du Shoe Perdu (1955) marcó su "transición de artista comercial a artista de galería". (El título es un juego de palabras de Warhol sobre el título de À la recherche du temps perdu del autor francés Marcel Proust).
Después de ganar fama, Warhol "escribió" varios libros que se publicaron comercialmente:
- a, A Novel (1968, ISBN 978-0-8021-3553-7) es una transcripción literal, que contiene errores de ortografía y ruido de fondo escrito fonéticamente, de grabaciones de audio de Ondine y varios de los amigos de Andy Warhol colgando en la fábrica, hablando, saliendo.
- La filosofía de Andy Warhol (De A a B & Back Again) (1975, ISBN 978-0-15-671720-5), según la introducción de Pat Hackett a Los diarios de Andy Warhol, Pat Hackett hizo las transcripciones y el texto para el libro basado en conversaciones telefónicas diarias, a veces (cuando Warhol viajaba) usando casetes de audio que Andy Warhol le dio. Dichos cassettes contenían conversaciones con Brigid Berlin (también conocido como Brigid Polk) y el ex Entrevista Bob Colacello, editor de revistas.
- Popism: The Warhol Sixties (1980, ISBN 978-0-15-672960-4), autor de Warhol y Pat Hackett, es una visión retrospectiva de la década de 1960 y el papel del arte pop.
- Los diarios de Andy Warhol (1989, ISBN 978-0-446-39138-2), editado por Pat Hackett, es un diario dictado por Warhol a Hackett en conversaciones telefónicas diarias. Warhol inició el diario para hacer un seguimiento de sus gastos después de ser auditado, aunque pronto se desarrolló para incluir sus observaciones personales y culturales.
Warhol creó la revista de moda Interview que aún se publica. Se cree que el guión del título descabellado en la portada es su propia letra o la de su madre, Julia Warhola, quien a menudo hacía trabajos de texto para sus primeras piezas comerciales.
Otros medios
Aunque Andy Warhol es más conocido por sus pinturas y películas, es autor de obras en muchos medios diferentes.
- Dibujo: Warhol comenzó su carrera como ilustrador comercial, produciendo dibujos en estilo "blotted-ink" para anuncios y artículos de revista. Lo más conocido de estos primeros trabajos son sus dibujos de zapatos. Algunos de sus dibujos personales fueron autopublicados en pequeños folletos, como Yum, Yum, Yum (sobre la comida), Ho, Ho, Ho (sobre Navidad) y Zapatos, zapatos, zapatos. Su libro más aclamado artísticamente de dibujos es probablemente Un libro de oro, compilado de dibujos sensibles de hombres jóvenes. Un libro de oro se llama así por la hoja de oro que decora sus páginas. En abril de 2012 se encontró un boceto de la cantante de 1930 Rudy Vallee que había sido dibujado por Andy Warhol en una venta de garaje de Las Vegas. Se dijo que la imagen había sido dibujada cuando Andy tenía nueve o diez años. Varias autoridades han desafiado la autenticidad de la imagen.
- Escultura: La escultura más famosa de Warhol es probablemente su Brillo Boxes, tinta de seda en réplicas de madera de las cajas de cartón grandes y de marca utilizadas para mantener 24 paquetes de almohadillas de jabón Brillo. El diseño original de Brillo fue del artista comercial James Harvey. La escultura de Warhol fue parte de una serie de obras de "cartón de cereza" que también incluyeron casos de ketchup de Heinz y jugo de tomate de Campbell. Otras obras famosas incluyen Nubes de plata—ellio lleno, mila de plata, globos en forma de almohada. A Silver Cloud fue incluido en la exposición itinerante Air Art (1968-1969) curado por Willoughby Sharp. Clouds también fue adaptado por Warhol para coreógrafo de vanguardia Merce Cunningham RainForest (1968).
- Audio: En un momento Warhol llevaba una grabadora portátil con él dondequiera que iba, grabando todo lo que todos decían e hicieron. Se refirió a este dispositivo como su "esposa". Algunas de estas cintas fueron la base de su obra literaria. Otro audio de Warhol fue su Escultura invisible, una presentación en la que se apagarían las alarmas del ladrón al entrar en la habitación. La cooperación de Warhol con los músicos de The Velvet Underground fue impulsada por un deseo expresado de convertirse en un productor de música.
- Tiempo Capsules: En 1973, Warhol comenzó a salvar la efímera de su vida cotidiana —correspondencia, periódicos, souvenirs, objetos infantiles, incluso boletos de avión usados y comida— que se selló en cajas de cartón planas dobladas Time Capsules. En el momento de su muerte, la colección creció a incluir 600, de fecha individual "capsules". Las cajas están ahora alojadas en el Museo Andy Warhol.
- Televisión: Andy Warhol soñó con una televisión especial sobre un tema favorito de su – Nada – que él llamaría Nada especial. Más tarde en su carrera creó dos programas de televisión por cable, Andy Warhol's TV en 1982 y Quince minutos de Andy Warhol (basado en su famosa cita de "Quince minutos de fama") para MTV en 1986. Además de sus propios espectáculos hizo regularmente apariciones de invitados en otros programas, incluyendo El barco del amor donde una esposa de Midwestern (Marion Ross) teme a Andy Warhol revelará a su marido (Tom Bosley, que se quedó mirando a Ross en sitcom Feliz DíasSu pasado secreto como una superestrella Warhol llamada Marina del Rey. Warhol también produjo un anuncio de TV para los restaurantes de Schrafft en la ciudad de Nueva York, para un postre de helado apropiadamente titulado "Underground Sundae".
- Moda: Warhol es citado por haber dicho: "Prefiero comprar un vestido y ponerlo en la pared, que poner un cuadro, ¿verdad?" Una de sus superestrellas más conocidas, Edie Sedgwick, aspirada a ser diseñador de moda, y su buen amigo Halston era famoso. El trabajo de Warhol en la moda incluye vestidos de seda, un sub-cuidado corto como modelo de pasarela y libros de moda, así como pinturas con moda (shoes) como tema. El propio Warhol ha sido descrito como un moderno dandy, cuya autoridad "resistía más en presencia que en palabras".
- Performance Art: Warhol y sus amigos organizaron eventos multimedia teatrales en fiestas y lugares públicos, combinando música, película, proyecciones de diapositivas e incluso Gerard Malanga en un traje S plagaM que arrancó un látigo. La Explotación de plástico Inevitable en 1966 fue la culminación de esta área de su trabajo.
- Teatro: La obra de Warhol Andy Warhol's Pork inaugurado el 5 de mayo de 1971, en el teatro LaMama de Nueva York para una carrera de dos semanas y llevado al Roundhouse de Londres para una carrera más larga en agosto de 1971. Pork se basó en conversaciones grabadas entre Brigid Berlin y Andy durante las cuales Brigid jugaría para Andy cintas que había hecho de conversaciones telefónicas entre ella y su madre, socialite Honey Berlin. La obra contó con el condado de Jayne como "Vulva" y Cherry Vanilla como "Amanda Pork". En 1974, Andy Warhol también produjo el escenario musical Hombre en la Luna, que fue escrito por Juan Phillips de las Mamas y los Papas.
- Fotografía: Para producir sus pantallas de seda, Warhol hizo fotografías o las hizo sus amigos y asistentes. Estas imágenes fueron tomadas principalmente con un modelo específico de cámara Polaroid, The Big Shot, que Polaroid mantuvo en producción especialmente para Warhol. Este enfoque fotográfico de la pintura y su método de toma de fotos ha tenido un gran efecto en la fotografía artística. Warhol fue un fotógrafo exitoso, y tomó un enorme número de fotografías de visitantes de Fábrica, amigos, adquiridos por la Universidad de Stanford.
- Música: En 1963, Warhol fundó The Druds, una banda de música de sonido vanguardista de corta duración que contó con miembros destacados de la comunidad de arte protoconceptual de Nueva York y arte minimalista.
- Computadora: Warhol utilizó ordenadores Amiga para generar arte digital, incluyendo Tú eres el único, que ayudó a diseñar y construir con Amiga, Inc. También mostró la diferencia entre el relleno lento y el relleno rápido en la televisión en vivo con Debbie Harry como modelo.
Vida privada
Sexualidad
Warhol era homosexual. En 1980, le dijo a un entrevistador que todavía era virgen. El biógrafo Bob Colacello, que estuvo presente en la entrevista, pensó que probablemente era cierto y que el poco sexo que tenía probablemente era "una mezcla de voyerismo y masturbación", para usar la palabra [de Andy] resumen ". La afirmación de la virginidad de Warhol parecería estar en contradicción con su tratamiento hospitalario en 1960 por condilomas, una enfermedad de transmisión sexual. También ha sido contradicho por sus amantes, incluida la musa de Warhol, BillyBoy, quien ha dicho que tenían sexo hasta el orgasmo: "Cuando no estaba siendo Andy Warhol y cuando estabas a solas con él, era increíblemente generoso". y muy amable persona. Lo que me sedujo fue el Andy Warhol que vi solo. De hecho, cuando estaba con él en público, me ponía nervioso... Yo decía: 'Eres simplemente odioso, no puedo soportarte'. 39;" Billy Name también negó que Warhol fuera solo un mirón y dijo: "Él era la esencia de la sexualidad". Lo impregnaba todo. Andy lo exudaba, junto con su gran creatividad artística... Trajo alegría a todo el mundo del arte en Nueva York." "Pero su personalidad era tan vulnerable que se convirtió en una defensa para poner el frente en blanco." Los amantes de Warhol incluyeron a John Giorno, Billy Name, Charles Lisanby y Jon Gould. Su novio durante 12 años fue Jed Johnson, a quien conoció en 1968, y quien luego alcanzó la fama como diseñador de interiores.
El hecho de que la homosexualidad de Warhol influyó en su trabajo y dio forma a su relación con el mundo del arte es un tema importante de investigación sobre el artista y es un tema que el propio Warhol abordó en entrevistas, conversaciones con sus contemporáneos y en sus publicaciones (por ejemplo, Popism: The Warhol 1960s). A lo largo de su carrera, Warhol produjo fotografías eróticas y dibujos de desnudos masculinos. Muchas de sus obras más famosas (retratos de Liza Minnelli, Judy Garland y Elizabeth Taylor y películas como Blow Job, My Hustler y Lonesome Cowboys) extraer de la cultura clandestina gay o explorar abiertamente la complejidad de la sexualidad y el deseo. Como ha sido abordado por una variedad de académicos, muchas de sus películas se estrenaron en cines de pornografía gay, incluido el New Andy Warhol Garrick Theatre y 55th Street Playhouse, a fines de la década de 1960.
Las primeras obras que Warhol envió a una galería de bellas artes, dibujos homoeróticos de desnudos masculinos, fueron rechazadas por ser demasiado abiertamente homosexuales. En Popismo, además, el artista recuerda una conversación con el cineasta Emile de Antonio sobre la dificultad que tenía Warhol para ser aceptado socialmente por los entonces más famosos (pero encerrados) artistas homosexuales Jasper Johns y Robert Rauschenberg. De Antonio explicó que Warhol era 'demasiado elegante y eso les molesta'. En respuesta a esto, Warhol escribe: "No había nada que pudiera decir a eso". Todo era muy cierto. Así que decidí que simplemente no me iba a importar, porque esas eran todas las cosas que no quería cambiar de todos modos, que no creía que "debería" cambiar. quiero cambiar... Otras personas podrían cambiar sus actitudes pero yo no". Al explorar la biografía de Warhol, muchos recurren a este período (finales de la década de 1950 y principios de la de 1960) como un momento clave en el desarrollo de su personalidad. Algunos han sugerido que su frecuente negativa a comentar sobre su trabajo, a hablar de sí mismo (confinándose en las entrevistas a respuestas como 'Um, no' y 'Um, sí', y a menudo permitiendo otros que hablen por él), e incluso la evolución de su estilo pop, se remonta a los años en que Warhol fue rechazado por primera vez por los círculos internos del mundo del arte de Nueva York.
Religión
Warhol era un católico ruteno practicante. Regularmente se ofreció como voluntario en refugios para personas sin hogar en la ciudad de Nueva York, particularmente durante las épocas más ocupadas del año, y se describió a sí mismo como una persona religiosa. Muchas de las obras posteriores de Warhol mostraban temas religiosos, incluidas dos series, Details of Renaissance Paintings (1984) y The Last Supper (1986). Además, se encontró póstumamente en su patrimonio un conjunto de obras de temática religiosa.
Warhol asistía regularmente a la liturgia, y el sacerdote de la iglesia de Warhol, San Vicente Ferrer, dijo que el artista iba allí casi a diario, aunque no se le vio comulgar o confesarse y sentarse o arrodillarse en los bancos. en la parte trasera. El sacerdote pensó que tenía miedo de ser reconocido; Warhol dijo que estaba cohibido por ser visto en una iglesia de rito romano santiguándose 'a la manera ortodoxa'. (de derecha a izquierda en lugar de al revés). Su arte está notablemente influido por la tradición cristiana oriental, tan evidente en sus lugares de culto. El hermano de Warhol ha descrito al artista como "realmente religioso, pero no quería que la gente lo supiera porque [era] privado". A pesar de la naturaleza privada de su fe, en el elogio de Warhol, John Richardson la describió como devota: "Hasta donde yo sé, fue responsable de al menos una conversión". Se enorgullecía considerablemente de financiar los estudios de su sobrino para el sacerdocio.
Colecciones
Warhol era un ávido coleccionista. Sus amigos se refirieron a sus numerosas colecciones, que llenaron no solo su casa de cuatro pisos, sino también una unidad de almacenamiento cercana, como 'Andy's Stuff'. La verdadera extensión de sus colecciones no se descubrió hasta después de su muerte, cuando el Museo Andy Warhol de Pittsburgh recibió 641 cajas de sus "cosas".
Las colecciones de Warhol incluían un letrero de recuerdo de Coca-Cola y pinturas del siglo XIX junto con menús de aviones, facturas impagas, masa de pizza, novelas pulp pornográficas, periódicos, estampillas, folletos de supermercados y tarros de galletas, entre otras excentricidades.. También incluía importantes obras de arte, como Miss Bentham de George Bellows. Una de sus principales colecciones fueron sus pelucas. Warhol era dueño de más de 40 y se sentía muy protector con sus postizos, que eran cosidos por un fabricante de pelucas de Nueva York con cabello importado de Italia. En 1985, una niña le arrebató la peluca a Warhol. Más tarde se descubrió en la entrada del diario de Warhol de ese día que escribió: "No sé qué me impidió empujarla por el balcón".
En 1960, había comprado un dibujo de una bombilla de Jasper Johns. Otro elemento encontrado en las cajas de Warhol en el museo de Pittsburgh fue un pie humano momificado del Antiguo Egipto. El curador de antropología del Museo Carnegie de Historia Natural consideró que lo más probable es que Warhol lo encontrara en un mercado de pulgas.
Warhol coleccionó muchos libros, con más de 1200 títulos en su colección. De estos, 139 títulos han sido identificados públicamente a través de un catálogo de subastas de Sotheby's de 1988, The Andy Warhol Collection y se pueden ver en línea. Su colección de libros refleja su gusto e intereses eclécticos e incluye libros escritos por y sobre algunos de sus conocidos y amigos. Algunos de los títulos de su colección incluyen The Two Mrs. Grenvilles: A Novel de Dominick Dunne, Artists in Uniform de Max Eastman, Andrews' Enfermedades de la piel: dermatología clínica de George Clinton Andrews, D.V. de Diana Vreeland, Sangre de un poeta de Jean Cocteau, Acuarelas de Francesco Clemente, Little World, Hello! de Jimmy Savo, Hidden Faces de Salvador Dalí, y The Dinah Shore Cookbook.
Legado
En 2002, el Servicio Postal de EE. UU. emitió una estampilla de 18 centavos en conmemoración de Warhol. Diseñado por Richard Sheaff de Scottsdale, Arizona, el sello fue presentado en una ceremonia en el Museo Andy Warhol y presenta la pintura de Warhol 'Autorretrato, 1964'. En marzo de 2011, se reveló una estatua cromada de Andy Warhol y su cámara Polaroid en Union Square en la ciudad de Nueva York.
Un cráter en Mercurio recibió su nombre de Warhol en 2012.
En 2013, para honrar el 85.º aniversario del nacimiento de Warhol, el Museo Andy Warhol y EarthCam lanzaron un proyecto colaborativo titulado Figment, una transmisión en vivo de la tumba de Warhol.
Fundación Warhol
El testamento de Warhol dictaba que todo su patrimonio, con la excepción de unos pocos legados modestos a miembros de la familia, se destinaría a crear una fundación dedicada al 'avance de las artes visuales'. Warhol tenía tantas posesiones que Sotheby's tardó nueve días en subastar su propiedad después de su muerte; la subasta recaudó más de 20 millones de dólares.
En 1987, de acuerdo con el testamento de Warhol, se inició la Fundación Andy Warhol para las Artes Visuales. La fundación funciona como patrimonio de Andy Warhol, pero también tiene la misión de "fomentar la expresión artística innovadora y el proceso creativo" y está "enfocado principalmente en apoyar el trabajo de naturaleza desafiante y, a menudo, experimental".
La Artists Rights Society es el representante de los derechos de autor de la Fundación Andy Warhol para las Artes Visuales en EE. UU. para todas las obras de Warhol, con la excepción de los fotogramas de las películas de Warhol. El representante estadounidense de los derechos de autor de los fotogramas de las películas de Warhol es el Museo Warhol de Pittsburgh. Además, la Fundación Andy Warhol para las Artes Visuales tiene acuerdos vigentes para su archivo de imágenes. Todas las imágenes digitales de Warhol son gestionadas exclusivamente por Corbis, mientras que todas las imágenes en transparencia de Warhol son gestionadas por Art Resource.
La Fundación Andy Warhol publicó su Informe anual del vigésimo aniversario en tres volúmenes en 2007: vol. yo, 1987-2007; vol. II, Subvenciones & Exposiciones; y vol. III, Programa Legado.
La Fundación está en proceso de compilar su catálogo razonado de pinturas y esculturas en volúmenes que cubren bloques de años de la carrera del artista. Los volúmenes IV y V se publicaron en 2019. Los volúmenes posteriores aún están en proceso de compilación.
La Fundación sigue siendo una de las mayores organizaciones que otorgan subvenciones para las artes visuales en los EE. UU.
Muchas de las obras y posesiones de Warhol se exhiben en el Museo Andy Warhol de Pittsburgh. La fundación donó más de 3.000 obras de arte al museo.
Revelación en Brooklyn
Del 19 de noviembre de 2021 al 19 de junio de 2022, el Museo de Brooklyn exhibirá la exposición Andy Warhol: Revelation. Revelación examina temas como la vida y la muerte, el poder y el deseo, el papel y la representación de la mujer, las imágenes del Renacimiento, las tradiciones y rituales familiares y de inmigrantes, las representaciones y duplicaciones de Cristo, y el cuerpo católico y el deseo queer.. Entre los más de cien objetos a la vista se encuentran materiales de fuentes raras y elementos recién descubiertos que brindan una mirada fresca e íntima al proceso creativo de Warhol, así como las principales pinturas de su épica serie Last Supper (1986), el experimento película The Chelsea Girls (1966), una película inacabada que representa la puesta de sol encargada por la familia de Menil y financiada por la Iglesia Católica Romana, y dibujos creados por la madre de Warhol, Julia Warhola, cuando vivía con su hijo en Nueva York.
En la cultura pop
Warhol fundó la revista Interview, un escenario para celebridades a las que "respaldó" y un negocio atendido por sus amigos. Colaboró con otros en todos sus libros (algunos de los cuales fueron escritos con Pat Hackett). Incluso se podría decir que produjo personas (como en Warholian 'Superstar' y Warholian portrait). Warhol respaldó productos, apareció en comerciales e hizo frecuentes apariciones como invitado de celebridades en programas de televisión y películas (apareció en todo, desde Love Boat a Saturday Night Live y Richard Pryor película Dynamite Chicken).
En este sentido, Warhol era fanático de "Art Business" y "Business Art"; de hecho, escribió sobre su interés en pensar en el arte como un negocio en La filosofía de Andy Warhol de A a B y viceversa.
Películas
Warhol apareció como él mismo en la película Cocaine Cowboys (1979) y en la película Tootsie (1982).
Después de su muerte, Warhol fue interpretado por Crispin Glover en la película de Oliver Stone The Doors (1991), por Jared Harris en la película de Mary Harron I Shot Andy Warhol (1996), y por David Bowie en la película Basquiat de Julian Schnabel (1996). Bowie recordó cómo conocer a Warhol en la vida real lo ayudó en el papel y relató sus primeros encuentros con él:
Lo conocí un par de veces, pero rara vez compartimos más que latitudes. La primera vez que nos vimos un silencio incómodo cayó hasta que remarcaba mis zapatos amarillos brillantes y comenzó a hablar con entusiasmo. Quería ser muy superficial. Y aparentemente sin emociones, indiferente, como un pez muerto. Lou Reed lo describió más profundamente cuando una vez me dijo que deberían traer una muñeca de Andy en el mercado: una muñeca que acabas y no hace nada. Pero logré observarlo bien, y eso fue una mano de ayuda para la película [Basquiat...] Tomamos prestado su ropa del museo en Pittsburgh, y estaban intactos, sin lavar. Incluso los bolsillos no estaban vaciados: contenían panqueques, blancos, pálidos mortalmente fond de teint que Andy siempre se metió en su cara, un cheque rasgado en pedazos, la dirección de alguien, un montón de píldoras homeopáticas y una peluca. Andy siempre llevaba esas pelucas de plata, pero nunca admitió que eran pelucas. Uno de sus peluqueros me ha dicho últimamente que tenía sus pelucas cortadas regularmente, como si fuera pelo real. Cuando la peluca fue recortada, se puso en otro mes próximo como si su cabello hubiera crecido.
Warhol aparece como un personaje en la ópera Jackie O de Michael Daugherty (1997). El actor Mark Bringleson hace un breve cameo como Warhol en Austin Powers: International Man of Mystery (1997). Muchas películas del cineasta de vanguardia Jonas Mekas han capturado los momentos de la vida de Warhol. Sean Gregory Sullivan interpretó a Warhol en la película 54 (1998). Guy Pearce interpretó a Warhol en la película Factory Girl (2007) sobre la vida de Edie Sedgwick. El actor Greg Travis interpreta a Warhol en una breve escena de la película Watchmen (2009).
En la película Highway to Hell, un grupo de Andy Warhol forma parte de la Good Intentions Paving Company, donde las almas con buenas intenciones se convierten en pavimento. En la película Men in Black 3 (2012), Andy Warhol resulta ser en realidad el Agente W encubierto del MIB (interpretado por Bill Hader). Warhol organiza una fiesta en The Factory en 1969, donde los agentes MIB K y J (J del futuro) lo buscan. El agente W está desesperado por poner fin a su trabajo encubierto ("¡Estoy tan sin ideas que estoy pintando latas de sopa y plátanos, por el amor de Dios!", "Tienes que fingir mi muerte, ¿de acuerdo? Ya no puedo escuchar música de sitar." y "no puedo distinguir a las mujeres de los hombres.").
Andy Warhol (interpretado por Tom Meeten) es uno de los personajes principales del programa de televisión británico de 2012 La comedia de lujo de Noel Fielding. El personaje es retratado con gestos de robot. En la película de 2017 The Billionaire Boys Club, Cary Elwes interpreta a Warhol en una película basada en la historia real de Ron Levin (interpretado por Kevin Spacey), un amigo de Warhol que fue asesinado en 1986. En septiembre de 2016, se anunció que Jared Leto interpretaría al personaje principal en Warhol, una próxima película dramática biográfica estadounidense producida por Michael De Luca y escrita por Terence Winter, basada en el libro Warhol.: La biografía de Victor Bockris.
Documentales
- Absolut Warhola (2001) fue producida por el director polaco Stanislaw Mucha, con la familia de los padres de Warhol y la ciudad natal en Eslovaquia.
- Andy Warhol: Una película documental (2006) es una película reverencial de cuatro horas de Ric Burns que ganó un premio Peabody en 2006.
- Andy Warhol: Doble denegación (2006) es una película de 52 minutos de Ian Yentob sobre las dificultades que autentifican el trabajo de Warhol.
- Andy Warhol's People Factory (2008), un documental de televisión de tres partes dirigido por Catherine Shorr, presenta entrevistas con varios de los asociados de Warhol.
- Los diarios de Andy Warhol (2022), una colección de seis partes, dirigida por Andrew Rossi, fue liberada en Netflix que narraba la vida de Warhol desde el punto de vista de sus diarios.
Televisión
Warhol apareció como un personaje recurrente en la serie de televisión Vinyl, interpretado por John Cameron Mitchell. Warhol fue interpretado por Evan Peters en el episodio 'Valerie Solanas Died for Your Sins: Scumbag' de American Horror Story: Cult. El episodio describe el intento de asesinato de Warhol por parte de Valerie Solanas (Lena Dunham).
A principios de 1969, Braniff International le encargó a Andy Warhol que apareciera en dos comerciales de televisión para promocionar la línea aérea de lujo 'When You Got It - Flaunt It'. Campaña. La campaña fue creada por la agencia de publicidad Lois Holland Calloway, que fue dirigida por George Lois, creador de una famosa serie de portadas de la revista Esquire. La primera serie comercial involucró a personas poco probables que compartían el hecho de que ambos volaron con Braniff Airways. Warhol fue emparejado con la leyenda del boxeo Sonny Liston. El extraño comercial funcionó al igual que los otros que presentaban a compañeros de viaje poco probables, como el pintor Salvador Dalí y la leyenda del béisbol Whitey Ford.
Se crearon dos comerciales adicionales para Braniff en los que aparecían personas famosas que entraban en un jet de Braniff y eran recibidos por una anfitriona de Braniff mientras defendían su gusto por volar en Braniff. Warhol también apareció en el primero de estos comerciales que también fueron producidos por Lois y se lanzaron en el verano de 1969. Lois ha declarado incorrectamente que Braniff le encargó en 1967 que lo representara durante ese año, pero en ese momento Publicidad de Madison Avenue La decana Mary Wells Lawrence, que estaba casada con el presidente y presidente de Braniff, Harding Lawrence, representaba a la aerolínea con sede en Dallas en ese momento. Lois sucedió a Wells Rich Greene Agency el 1 de diciembre de 1968. Los derechos de las películas de Warhol para Braniff y sus contratos firmados pertenecen a un fideicomiso privado y son administrados por Braniff Airways Foundation en Dallas, Texas.
Música
Warhol influyó fuertemente en la banda new wave/punk rock Devo, así como en David Bowie. Bowie grabó una canción llamada "Andy Warhol" por su álbum de 1971 Hunky Dory. Lou Reed escribió la canción "Andy's Chest", sobre Valerie Solanas, la mujer que le disparó a Warhol, en 1968. La grabó con Velvet Underground, y esta versión fue lanzada en VU en 1985. La banda Triumph también escribió una canción sobre Andy Warhol, "Stranger In A Strange Land" de su álbum de 1984 Thunder Seven.
Libros
En 2020 se publicó una biografía de Andy Warhol escrita por el crítico de arte Blake Gopnik con el título Warhol.
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