Alfred Hitchcock

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Grabadora inglesa (1899-1980)

Sir Alfred Joseph Hitchcock KBE (13 de agosto de 1899 – 29 de abril de 1980) fue un cineasta inglés. Es ampliamente considerado como una de las figuras más influyentes en la historia del cine. En una carrera que abarcó seis décadas, dirigió más de 50 largometrajes, muchos de los cuales todavía son ampliamente vistos y estudiados en la actualidad. Conocido como el "Maestro del suspenso", se hizo tan conocido como cualquiera de sus actores gracias a sus numerosas entrevistas, sus cameos en la mayoría de sus películas y su conducción y producción de la antología televisiva Alfred Hitchcock presenta (1955-1965). Sus películas obtuvieron 46 nominaciones a los Premios de la Academia, incluidas seis victorias, aunque nunca ganó el premio a Mejor Director a pesar de las cinco nominaciones.

Hitchcock se formó inicialmente como empleado técnico y redactor antes de ingresar a la industria cinematográfica en 1919 como diseñador de tarjetas de título. Su debut como director fue la película muda británico-alemana The Pleasure Garden (1925). Su primera película de éxito, The Lodger: A Story of the London Fog (1927), ayudó a dar forma al género de suspenso, y Blackmail (1929) fue la primera película británica. 34;hablado". Sus thrillers The 39 Steps (1935) y The Lady Vanishes (1938) se encuentran entre las mejores películas británicas del siglo XX. Para 1939, tenía reconocimiento internacional y el productor David O. Selznick lo persuadió para que se mudara a Hollywood. Siguió una serie de películas de éxito, entre ellas Rebecca (1940), Corresponsal extranjero (1940), Sospecha (1941), La sombra de una duda (1943) y Notorio (1946). Rebecca ganó el Premio de la Academia a la Mejor Película, con Hitchcock nominado como Mejor Director; también fue nominado por Lifeboat (1944) y Spellbound (1945). Después de una breve pausa comercial, volvió a la forma con Strangers on a Train (1951) y Dial M for Murder (1954); luego pasó a dirigir cuatro películas a menudo clasificadas entre las mejores de todos los tiempos: Rear Window (1954), Vertigo (1958), North by Northwest i> (1959) y Psycho (1960), la primera y la última de ellas le valieron nominaciones a Mejor Director. The Birds (1963) y Marnie (1964) también tuvieron éxito financiero y son muy apreciadas por los historiadores del cine.

El "Hitchcockiano" El estilo incluye el uso de la edición y el movimiento de la cámara para imitar la mirada de una persona, convirtiendo así a los espectadores en mirones y encuadrando las tomas para maximizar la ansiedad y el miedo. El crítico de cine Robin Wood escribió que el significado de una película de Hitchcock “está ahí en el método, en la progresión de plano a plano”. Una película de Hitchcock es un organismo, con el todo implícito en cada detalle y cada detalle relacionado con el todo." Hitchcock hizo varias películas con algunas de las estrellas más importantes de Hollywood, incluidas cuatro con Cary Grant en las décadas de 1940 y 1950, tres con Ingrid Bergman en la segunda mitad de la década de 1940, cuatro con James Stewart durante una década a partir de 1948 y tres consecutivas. con Grace Kelly a mediados de la década de 1950. Hitchcock se convirtió en ciudadano estadounidense en 1955.

En 2012, el thriller psicológico Vértigo de Hitchcock, protagonizado por Stewart, desplazó a Orson Welles " Citizen Kane (1941) como la mejor película jamás realizada por el British Film Institute según su encuesta mundial de cientos de críticos de cine. A partir de 2021, nueve de sus películas han sido seleccionadas para su conservación en el Registro Nacional de Cine de los Estados Unidos, incluido su favorito personal, Shadow of a Doubt (1943). Recibió la beca BAFTA en 1971, el premio AFI Life Achievement Award en 1979 y fue nombrado caballero en diciembre de ese año, cuatro meses antes de su muerte el 29 de abril de 1980.

Biografía

Primeros años: 1899-1919

Primera infancia y educación

William Hitchcock, probablemente con su primer hijo, William, fuera de la tienda familiar de Londres, c. 1900; la señal sobre la tienda dice "W. Hitchcock". Los Hitchcocks usaron el pony para entregar comestibles.

Alfred Joseph Hitchcock nació el 13 de agosto de 1899 en el piso de arriba de la casa de sus padres. alquiló una verdulería en 517 High Road, Leytonstone, en las afueras de East London (entonces parte de Essex), la menor de los tres hijos de Emma Jane (née Whelan; 1863–1942) y William Edgar Hitchcock (1862–1914), con un hermano, William Daniel (1890–1943), y una hermana, Ellen Kathleen ("Nellie") (1892–1979). Sus padres eran ambos católicos romanos, con raíces parciales en Irlanda; Su padre era verdulero, como lo había sido su abuelo.

Había una gran familia extensa, incluido el tío John Hitchcock con su casa victoriana de cinco habitaciones en Campion Road, Putney, completa con sirvienta, cocinera, chofer y jardinero. Todos los veranos, su tío alquilaba una casa junto al mar para la familia en Cliftonville, Kent. Hitchcock dijo que primero adquirió conciencia de clase allí, notando las diferencias entre turistas y lugareños.

Hitchcock se describió a sí mismo como un niño bien educado (su padre lo llamaba su "corderito sin mancha") y dijo que no recordaba haber tenido nunca un compañero de juegos. Una de sus historias favoritas para los entrevistadores fue que su padre lo envió a la estación de policía local con una nota cuando tenía cinco años; el policía miró la nota y lo encerró en una celda por unos minutos, diciendo: "Esto es lo que hacemos con los niños traviesos". La experiencia lo dejó, dijo, con un miedo de por vida a los policías; en 1973 le dijo a Tom Snyder que estaba "muy asustado de cualquier cosa... que tuviera que ver con la ley". y ni siquiera conduciría un automóvil en caso de que recibiera una multa de estacionamiento.

Cuando tenía seis años, la familia se mudó a Limehouse y alquiló dos tiendas en 130 y 175 Salmon Lane, que dirigían como una tienda de pescado y papas fritas y pescaderías' respectivamente; vivían encima de los primeros. Hitchcock asistió a su primera escuela, Howrah House Convent en Poplar, a la que ingresó en 1907, a los 7 años. Según el biógrafo Patrick McGilligan, permaneció en Howrah House durante dos años como máximo. También asistió a una escuela de convento, la Wode Street School 'para las hijas de caballeros y niños pequeños', dirigida por las Fieles Compañeras de Jesús. Luego asistió a una escuela primaria cerca de su casa y por un corto tiempo fue interno en el Colegio Salesiano en Battersea.

Estación de gasolina en el sitio de 517 High Road, Leytonstone, donde nació Hitchcock; mural conmemorativo en nosotros. 527–533 (derecho)

La familia se mudó nuevamente cuando él tenía 11 años, esta vez a Stepney, y el 5 de octubre de 1910 Hitchcock fue enviado a St Ignatius College en Stamford Hill, Tottenham (incorporado al nuevo distrito londinense de Haringey), una escuela primaria jesuita con reputación de disciplina. Como castigo corporal, los sacerdotes usaban una herramienta/arma plana, dura y elástica hecha de gutapercha y conocida como 'ferula', que golpeaba toda la palma de la mano; el castigo siempre era al final del día, por lo que los niños tenían que sentarse a través de las clases anticipando el castigo si habían sido escritos para ello. Más tarde dijo que aquí es donde desarrolló su sentido del miedo. El registro escolar enumera su año de nacimiento como 1900 en lugar de 1899; El biógrafo Donald Spoto dice que lo inscribieron deliberadamente cuando tenía 10 años porque tenía un año de retraso en su educación.

Mientras que el biógrafo Gene Adair informa que Hitchcock era 'un alumno promedio, o ligeramente superior al promedio', Hitchcock dijo que 'generalmente estaba entre los cuatro o cinco en la parte superior de la clase' #34;; al finalizar su primer año se destacó su labor en latín, inglés, francés y educación religiosa. Le dijo a Peter Bogdanovich: "Los jesuitas me enseñaron organización, control y, hasta cierto punto, análisis".

Su materia favorita era la geografía, y se interesó por los mapas y los horarios de trenes, tranvías y autobuses; según John Russell Taylor, podía recitar todas las paradas del Orient Express. También tenía un interés particular en los tranvías de Londres. Una abrumadora mayoría de sus películas incluyen escenas de trenes o tranvías, en particular The Lady Vanishes, Strangers on a Train y Number Seventeen. Una claqueta muestra el número de la escena y el número de tomas, y Hitchcock a menudo tomaba los dos números en la claqueta y susurraba los nombres de las rutas del tranvía de Londres. Por ejemplo, si la claqueta mostrara la Escena 23; Toma 3; Hitchcock susurraría 'Woodford, Hampstead'. – Woodford es el término de la ruta 23 del tranvía y Hampstead el final de la ruta 3.

Henley's

Hitchcock les dijo a sus padres que quería ser ingeniero y el 25 de julio de 1913 dejó St Ignatius y se matriculó en clases nocturnas en la Escuela de Ingeniería y Navegación del Consejo del Condado de Londres en Poplar. En una entrevista del tamaño de un libro en 1962, le dijo a François Truffaut que había estudiado "mecánica, electricidad, acústica y navegación". Luego, el 12 de diciembre de 1914, su padre, que sufría de enfisema y enfermedad renal, murió a la edad de 52 años. Para mantenerse a sí mismo y a su madre (sus hermanos mayores se habían ido de casa para entonces), Hitchcock tomó un trabajo, por 15 chelines al día. semana (£77 en 2021), como empleado técnico en Henley Telegraph and Cable Company en Blomfield Street, cerca de London Wall. Continuó las clases nocturnas, esta vez de historia del arte, pintura, economía y ciencias políticas. Su hermano mayor dirigía las tiendas familiares, mientras que él y su madre seguían viviendo en Salmon Lane.

Hitchcock era demasiado joven para alistarse cuando comenzó la Primera Guerra Mundial en julio de 1914, y cuando alcanzó la edad requerida de 18 años en 1917, recibió una clasificación C3 (libre de enfermedades orgánicas graves, capaz de soportar condiciones de servicio en guarniciones a domicilio... sólo apto para trabajos sedentarios"). Se unió a un regimiento de cadetes de los Ingenieros Reales y participó en sesiones informativas teóricas, simulacros de fin de semana y ejercicios. John Russell Taylor escribió que, en una sesión de ejercicios prácticos en Hyde Park, se le pidió a Hitchcock que usara polainas. Nunca pudo dominar envolverlos alrededor de sus piernas, y repetidamente cayeron alrededor de sus tobillos.

Después de la guerra, Hitchcock se interesó por la escritura creativa. En junio de 1919, se convirtió en editor fundador y director comercial de la publicación interna de Henley, The Henley Telegraph (seis peniques el ejemplar), a la que envió varios cuentos. Henley's lo ascendió al departamento de publicidad, donde escribió textos y dibujó gráficos para anuncios de cable eléctrico. Disfrutaba del trabajo y se quedaba hasta tarde en la oficina para examinar las pruebas; le dijo a Truffaut que este era su "primer paso hacia el cine". Le gustaba ver películas, especialmente cine americano, y desde los 16 años leía los periódicos comerciales; vio a Charlie Chaplin, D. W. Griffith y Buster Keaton, y le gustó especialmente Der müde Tod (1921) de Fritz Lang.

Carrera de entreguerras: 1919-1939

Jugadores famosos-Lasky

An early 1920s image of Hitchcock while directing his film titled Number 13
Hitchcock (derecha) durante la fabricación de Número 13 en Londres

Mientras aún estaba en Henley's, leyó en un periódico comercial que Famous Players-Lasky, el brazo de producción de Paramount Pictures, estaba abriendo un estudio en Londres. Estaban planeando filmar The Sorrows of Satan de Marie Corelli, por lo que produjo algunos dibujos para las tarjetas de título y envió su trabajo al estudio. Lo contrataron y en 1919 comenzó a trabajar para Islington Studios en Poole Street, Hoxton, como diseñador de tarjetas de título.

Donald Spoto escribió que la mayoría del personal eran estadounidenses con estrictas especificaciones de trabajo, pero animaba a los trabajadores ingleses a intentar cualquier cosa, lo que significó que Hitchcock ganó experiencia como coguionista, director de arte y director de producción en menos 18 películas mudas. The Times escribió en febrero de 1922 sobre el "departamento especial de títulos de arte del estudio bajo la supervisión del Sr. A. J. Hitchcock". Su obra incluye Número 13 (1922), también conocida como Mrs. Peabody; se canceló por problemas financieros —las pocas escenas terminadas se perdieron— y Always Tell Your Wife (1923), que él y Seymour Hicks terminaron juntos cuando Hicks estaba a punto de dar arriba en eso Hicks escribió más tarde sobre la ayuda de 'un joven gordo que estaba a cargo de la sala de propiedades... [n]otro más que Alfred Hitchcock'.

Gainsborough Fotografías y obra en Alemania

Escultura Hitchcock en el sitio de Gainsborough Pictures, Poole Street, Hoxton, al norte de Londres

Cuando Paramount se retiró de Londres en 1922, Hitchcock fue contratado como asistente de dirección por una nueva empresa dirigida en el mismo lugar por Michael Balcon, más tarde conocido como Gainsborough Pictures. Hitchcock trabajó en De mujer a mujer (1923) con el director Graham Cutts, diseñando la escenografía, escribiendo el guión y produciendo. Él dijo: "Fue la primera película que realmente tuve en mis manos". La editora y "guionista" en Woman to Woman estaba Alma Reville, su futura esposa. También trabajó como asistente de Cutts en The White Shadow (1924), The Passionate Adventure (1924), The Blackguard (1925), y La caída de la mojigata (1925). The Blackguard se produjo en los estudios Babelsberg en Potsdam, donde Hitchcock observó parte de la realización de The Last Laugh (1924) de F. W. Murnau. Quedó impresionado con el trabajo de Murnau y luego usó muchas de sus técnicas para el diseño de escenarios en sus propias producciones.

En el verano de 1925, Balcon le pidió a Hitchcock que dirigiera The Pleasure Garden (1925), protagonizada por Virginia Valli, una coproducción de Gainsborough y la firma alemana Emelka en el estudio Geiselgasteig cerca de Munich. Reville, por entonces prometida de Hitchcock, era ayudante de dirección y montaje. Aunque la película fue un fracaso comercial, a Balcon le gustó el trabajo de Hitchcock; un titular del Daily Express lo llamó el "Hombre joven con una mente maestra". La producción de The Pleasure Garden encontró obstáculos de los que Hitchcock aprendería más tarde: al llegar a Brenner Pass, no pudo declarar su stock de películas en la aduana y fue confiscado; una actriz no pudo entrar al agua para una escena porque tenía la regla; los excesos presupuestarios significaron que tuvo que pedir dinero prestado a los actores. Hitchcock también necesitaba un traductor para dar instrucciones al elenco y al equipo.

En Alemania, Hitchcock observó los matices del cine y la cinematografía alemanes que tuvieron una gran influencia en él. Cuando no estaba trabajando, visitaba las galerías de arte, los conciertos y los museos de Berlín. También se reuniría con actores, escritores y productores para establecer conexiones. Balcon le pidió que dirigiera una segunda película en Munich, The Mountain Eagle (1926), basada en una historia original titulada Fear o' Dios. La película está perdida, y Hitchcock la llamó "una película muy mala". Un año después, Hitchcock escribió y dirigió The Ring; aunque el guión se acreditó únicamente a su nombre, Elliot Stannard lo ayudó con la escritura. The Ring obtuvo críticas positivas; el crítico de la revista Bioscope la llamó "la película británica más magnífica jamás realizada".

Cuando regresó a Inglaterra, Hitchcock fue uno de los primeros miembros de la London Film Society, recién formada en 1925. A través de la Sociedad, quedó fascinado por el trabajo de los cineastas soviéticos: Dziga Vertov, Lev Kuleshov, Sergei Eisenstein, y Vsévolod Pudovkin. También socializaba con sus compañeros cineastas ingleses Ivor Montagu y Adrian Brunel, y Walter C. Mycroft.

Hitchcock se estableció como director de renombre con su primer thriller, The Lodger: A Story of the London Fog (1927). La película trata sobre la caza de un asesino en serie al estilo de Jack el Destripador que, vestido con una capa negra y portando un bolso negro, está asesinando a jóvenes rubias en Londres, y solo los martes. Una casera sospecha que su inquilino es el asesino, pero resulta ser inocente. Para transmitir la impresión de que se escuchaban pasos en un piso superior, Hitchcock hizo construir un piso de vidrio para que el espectador pudiera ver al inquilino paseando arriba y abajo en su habitación por encima de la casera. Hitchcock había querido que el protagonista fuera culpable, o que la película al menos terminara de forma ambigua, pero la estrella era Ivor Novello, un ídolo de matinée, y el "star system" significaba que Novello no podía ser el villano. Hitchcock le dijo a Truffaut: "Tienes que deletrearlo claramente en letras grandes: 'Es inocente'". (Tuvo el mismo problema años más tarde con Cary Grant en Suspicion (1941).) Lanzado en enero de 1927, The Lodger fue un éxito comercial y de crítica en el Reino Unido. Tras su lanzamiento, la revista especializada Bioscope escribió: "Es posible que esta película sea la mejor producción británica jamás realizada". Hitchcock le dijo a Truffaut que la película fue la primera en estar influenciada por el expresionismo alemán: "En verdad, casi se podría decir que The Lodger fue mi primera película". Hizo su primer cameo en la película, sentado en una sala de redacción.

Matrimonio

Los Hitchcocks en su día de boda, Brompton Oratory, 2 de diciembre de 1926

El 2 de diciembre de 1926, Hitchcock se casó con la guionista inglesa Alma Reville en el Oratorio de Brompton en South Kensington. La pareja pasó su luna de miel en París, el lago de Como y St. Moritz, antes de regresar a Londres para vivir en un departamento alquilado en los dos pisos superiores de 153 Cromwell Road, Kensington. Reville, que nació pocas horas después de Hitchcock, se convirtió del protestantismo al catolicismo, aparentemente ante la insistencia de la madre de Hitchcock; fue bautizada el 31 de mayo de 1927 y confirmada en la catedral de Westminster por el cardenal Francis Bourne el 5 de junio.

En 1928, cuando se enteraron de que Reville estaba embarazada, los Hitchcock compraron 'Winter's Grace', una casa de campo Tudor ubicada en 11 acres en Stroud Lane, Shamley Green, Surrey, por 2500 £.. Su hija y única hija, Patricia Alma Hitchcock, nació el 7 de julio de ese año. Patricia murió el 9 de agosto de 2021 a los 93 años.

Reville se convirtió en el colaborador más cercano de su esposo; Charles Champlin escribió en 1982: "El toque de Hitchcock tenía cuatro manos, y dos eran de Alma". Cuando Hitchcock aceptó el premio AFI Life Achievement Award en 1979, dijo que quería mencionar a "cuatro personas que me han brindado el mayor afecto, aprecio y aliento, y una colaboración constante. La primera de las cuatro es montadora de cine, la segunda es guionista, la tercera es la madre de mi hija, Pat, y la cuarta es la mejor cocinera que jamás ha hecho milagros en una cocina doméstica. Y sus nombres son Alma Reville." Reville escribió o coescribió muchas de las películas de Hitchcock, incluidas Shadow of a Doubt, Suspicion y The 39 Steps.

Primeras películas sonoras

An advertisement for the film Blackmail Surrounding text describes the film as "A Romance of Scotland Yard" and "The Powerful Talking Picture"
Anuncio para Blackmail (1929)

Hitchcock comenzó a trabajar en su décima película, Chantaje (1929), cuando su productora, British International Pictures (BIP), convirtió sus estudios de Elstree en sonido. La película fue el primer "talkie" británico; esto siguió al rápido desarrollo de las películas sonoras en los Estados Unidos, desde el uso de breves segmentos sonoros en The Jazz Singer (1927) hasta el primer largometraje sonoro completo Lights of New York (1928). Chantaje inició la tradición de Hitchcock de usar lugares famosos como telón de fondo para las secuencias de suspenso, con el clímax en la cúpula del Museo Británico. También presenta uno de sus cameos más largos, que lo muestra siendo molestado por un niño pequeño mientras lee un libro en el metro de Londres. En la serie de PBS The Men Who Made The Movies, Hitchcock explicó cómo usó las primeras grabaciones de sonido como un elemento especial de la película, enfatizando la palabra "cuchillo" en una conversación con la mujer sospechosa de asesinato. Durante este período, Hitchcock dirigió segmentos para una revista BIP, Elstree Calling (1930), y dirigió un cortometraje, An Elastic Affair (1930), con dos Ganadores de becas de Film Weekly. An Elastic Affair es una de las películas perdidas.

En 1933, Hitchcock firmó un contrato de varias películas con Gaumont-British, y una vez más trabajó para Michael Balcon. Su primera película para la compañía, El hombre que sabía demasiado (1934), fue un éxito; su segundo, The 39 Steps (1935), fue aclamado en el Reino Unido y le valió el reconocimiento en los Estados Unidos. También estableció la 'rubia de Hitchcock' inglesa por excelencia. (Madeleine Carroll) como modelo para su sucesión de protagonistas femeninas elegantes y frías como el hielo. El guionista Robert Towne comentó: "No es una gran exageración decir que todo el entretenimiento escapista contemporáneo comienza con Los 39 escalones". Esta película fue una de las primeras en presentar el "MacGuffin" dispositivo de trama, término acuñado por el guionista inglés Angus MacPhail. El MacGuffin es un elemento u objetivo que persigue el protagonista, uno que de otro modo no tiene valor narrativo; en Los 39 pasos, el MacGuffin es un conjunto robado de planos de diseño.

Alma Reville, Joan Harrison, Hitchcock y Patricia Hitchcock, 24 de agosto de 1937

Hitchcock estrenó dos thrillers de espías en 1936. Sabotage se basó libremente en la novela de Joseph Conrad, The Secret Agent (1907), sobre una mujer que descubre que su esposo es un terrorista y agente secreto, basado en dos historias de Ashenden: Or the British Agent (1928) de W. Somerset Maugham.

En ese momento, Hitchcock también se hizo famoso por sus bromas contra el elenco y el equipo. Estos chistes iban desde simples e inocentes hasta locos y maníacos. Por ejemplo, organizó una cena en la que tiñó toda la comida de azul porque afirmó que no había suficientes alimentos azules. También hizo que le llevaran un caballo al camerino de su amigo, el actor Gerald du Maurier.

Hitchcock siguió con Young and Innocent en 1937, un thriller criminal basado en la novela de 1936 A Shilling for Candles de Josephine Tey. Protagonizada por Nova Pilbeam y Derrick De Marney, la película fue relativamente agradable de hacer para el elenco y el equipo. Para cumplir con los propósitos de distribución en Estados Unidos, se redujo el tiempo de ejecución de la película y esto incluyó la eliminación de una de las escenas favoritas de Hitchcock: una fiesta de té para niños que se vuelve amenazante para los protagonistas.

El siguiente gran éxito de Hitchcock fue The Lady Vanishes (1938), "una de las mejores películas de trenes de la era dorada del género", según a Philip French, en la que Miss Froy (May Whitty), una espía británica que se hace pasar por institutriz, desaparece en un viaje en tren por el ficticio país europeo de Bandrika. La película vio a Hitchcock recibir el Premio del Círculo de Críticos de Cine de Nueva York de 1938 al Mejor Director. Benjamin Crisler del New York Times escribió en junio de 1938: "Los británicos tienen tres únicas y valiosas instituciones que nosotros en Estados Unidos no tenemos: la Carta Magna, el Tower Bridge y Alfred Hitchcock, el mayor director de melodramas cinematográficos del mundo." La película se basó en la novela The Wheel Spins (1936) escrita por Ethel Lina White.

Para 1938, Hitchcock era consciente de que había alcanzado su apogeo en Gran Bretaña. Había recibido numerosas ofertas de productores en los Estados Unidos, pero las rechazó todas porque no le gustaban las obligaciones contractuales o pensaba que los proyectos eran repelentes. Sin embargo, el productor David O. Selznick le ofreció una propuesta concreta para hacer una película basada en el hundimiento del RMS Titanic, que finalmente se archivó, pero Selznick persuadió a Hitchcock para que viniera a Hollywood. En julio de 1938, Hitchcock voló a Nueva York y descubrió que ya era una celebridad; apareció en revistas y concedió entrevistas a estaciones de radio. En Hollywood, Hitchcock conoció a Selznick por primera vez. Selznick le ofreció un contrato de cuatro películas, aproximadamente $40,000 por cada imagen (equivalente a $770,000 en 2021).

Primeros años de Hollywood: 1939–1945

Contrato Selznick

Selznick firmó con Hitchcock un contrato de siete años a partir de abril de 1939 y los Hitchcock se mudaron a Hollywood. Los Hitchcock vivían en un apartamento espacioso en Wilshire Boulevard y poco a poco se fueron aclimatando al área de Los Ángeles. Él y su esposa Alma mantuvieron un perfil bajo y no estaban interesados en asistir a fiestas o ser celebridades. Hitchcock descubrió su gusto por la buena comida en West Hollywood, pero siguió con su forma de vida desde Inglaterra. Quedó impresionado con la cultura cinematográfica de Hollywood, los presupuestos expansivos y la eficiencia, en comparación con los límites a los que se había enfrentado a menudo en Gran Bretaña. En junio de ese año, la revista Life lo llamó el "mayor maestro del melodrama en la historia de la pantalla".

Aunque Hitchcock y Selznick se respetaban mutuamente, sus arreglos laborales a veces eran difíciles. Selznick sufría constantes problemas financieros y Hitchcock a menudo no estaba contento con el control creativo y la interferencia de Selznick en sus películas. Selznick también estaba disgustado con el método de Hitchcock de filmar exactamente lo que estaba en el guión, y nada más, lo que significaba que la película no podía ser cortada y rehecha de manera diferente en un momento posterior. Además de quejarse del 'maldito rompecabezas' de Hitchcock, sus personalidades no coincidían: Hitchcock era reservado mientras que Selznick era extravagante. Eventualmente, Selznick generosamente prestó a Hitchcock a los estudios cinematográficos más grandes. Selznick hizo solo unas pocas películas cada año, al igual que el productor independiente Samuel Goldwyn, por lo que no siempre tenía proyectos para que los dirigiera Hitchcock. Goldwyn también había negociado con Hitchcock un posible contrato, solo para ser superado por Selznick. En una entrevista posterior, Hitchcock dijo: "[Selznick] fue el Gran Productor".... El productor era el rey. Lo más halagador que el Sr. Selznick dijo sobre mí, y muestra la cantidad de control, dijo que yo era el 'único director'. él 'confiaría con una película'."

Trailer para Rebecca (1940)

Hitchcock se acercó al cine estadounidense con cautela; su primera película estadounidense se desarrolla en Inglaterra en la que la "americanidad" de los personajes fue incidental: Rebecca (1940) estaba ambientada en una versión de Hollywood del Cornwall de Inglaterra y basada en una novela de la novelista inglesa Daphne du Maurier. Selznick insistió en una adaptación fiel del libro y no estuvo de acuerdo con Hitchcock en el uso del humor. La película, protagonizada por Laurence Olivier y Joan Fontaine, trata sobre una joven ingenua sin nombre que se casa con un aristócrata viudo. Ella vive en su gran casa de campo inglesa y lucha con la persistente reputación de su elegante y mundana primera esposa, Rebecca, quien murió en circunstancias misteriosas. La película ganó el premio a la Mejor Película en la 13ª edición de los Premios de la Academia; la estatuilla fue entregada al productor Selznick. Hitchcock recibió su primera nominación a Mejor Director, la primera de cinco nominaciones de este tipo.

La segunda película estadounidense de Hitchcock fue el thriller Corresponsal extranjero (1940), ambientado en Europa, basado en el libro Personal History de Vincent Sheean (1935) y producido por Walter Wanger. Fue nominada a Mejor Película ese año. Hitchcock se sentía incómodo viviendo y trabajando en Hollywood mientras Gran Bretaña estaba en guerra; su preocupación resultó en una película que apoyaba abiertamente el esfuerzo de guerra británico. Filmado en 1939, se inspiró en los acontecimientos que cambiaban rápidamente en Europa, tal como lo cubre un reportero de un periódico estadounidense interpretado por Joel McCrea. Al mezclar imágenes de escenas europeas con escenas filmadas en un backlot de Hollywood, la película evitó las referencias directas al nazismo, la Alemania nazi y los alemanes, para cumplir con el Código de producción de películas en ese momento.

Primeros años de la guerra

En septiembre de 1940, los Hitchcock compraron Cornwall Ranch, de 200 acres (0,81 km2), cerca de Scotts Valley, California, en las montañas de Santa Cruz. Su residencia principal fue una casa de estilo inglés en Bel Air, comprada en 1942. Las películas de Hitchcock fueron diversas durante este período, desde la comedia romántica Mr. &amperio; Mrs. Smith (1941) al sombrío film noir Shadow of a Doubt (1943).

Cary Grant y Joan Fontaine en un tiro publicitario Suspicion (1941)

Suspicion (1941) marcó la primera película de Hitchcock como productor y director. Está ambientado en Inglaterra; Hitchcock usó la costa norte de Santa Cruz para la secuencia de la costa inglesa. La película es la primera de cuatro en las que Hitchcock eligió a Cary Grant, y es una de las raras ocasiones en que Grant interpreta a un personaje siniestro. Grant interpreta a Johnnie Aysgarth, un estafador inglés cuyas acciones generan sospechas y ansiedad en su tímida y joven esposa inglesa, Lina McLaidlaw (Joan Fontaine). En una escena, Hitchcock coloca una luz dentro de un vaso de leche, quizás envenenado, que Grant le lleva a su esposa; la luz asegura que la atención de la audiencia esté en el cristal. El personaje de Grant es en realidad un asesino, como está escrito en el libro Before the Fact de Francis Iles, pero el estudio sintió que la imagen de Grant se vería empañada por eso. Hitchcock, por tanto, se conformó con un final ambiguo, aunque hubiera preferido terminar con el asesinato de la esposa. Fontaine ganó el premio a la Mejor Actriz por su actuación.

Saboteur (1942) es la primera de dos películas que Hitchcock realizó para Universal Studios durante la década. Universal obligó a Hitchcock a utilizar al jugador contratado por Universal, Robert Cummings, y Priscilla Lane, una profesional independiente que firmó un contrato de una película con el estudio, ambos conocidos por su trabajo en comedias y dramas ligeros. La historia describe un enfrentamiento entre un saboteador sospechoso (Cummings) y un saboteador real (Norman Lloyd) en lo alto de la Estatua de la Libertad. Hitchcock realizó un recorrido de tres días por la ciudad de Nueva York para buscar Saboteur's locaciones de filmacion. También dirigió Have You Heard? (1942), una dramatización fotográfica para la revista Life sobre los peligros de los rumores durante la guerra. En 1943, escribió una historia de misterio para la revista Look, "El asesinato de Monty Woolley", una secuencia de fotografías con subtítulos que invitaban al lector a encontrar pistas sobre la muerte del asesino. identidad; Hitchcock eligió a los artistas como ellos mismos, como Woolley, Doris Merrick y el maquillador Guy Pearce.

Sombra de una duda (1943) trailer with Joseph Cotten and Teresa Wright

De vuelta en Inglaterra, la madre de Hitchcock, Emma, estaba gravemente enferma; murió el 26 de septiembre de 1942 a los 79 años. Hitchcock nunca habló públicamente de su madre, pero su asistente dijo que la admiraba. Cuatro meses después, el 4 de enero de 1943, su hermano William murió de una sobredosis a los 52 años. Hitchcock no era muy cercano a William, pero su muerte hizo que Hitchcock tomara conciencia de sus propios hábitos de comida y bebida. Tenía sobrepeso y padecía dolores de espalda. Su resolución de Año Nuevo en 1943 fue tomar en serio su dieta con la ayuda de un médico. En enero de ese año, se estrenó Shadow of a Doubt, que Hitchcock tenía buenos recuerdos de haber hecho. En la película, Charlotte "Charlie" Newton (Teresa Wright) sospecha que su amado tío Charlie Oakley (Joseph Cotten) es un asesino en serie. Hitchcock filmó extensamente en locaciones, esta vez en la ciudad de Santa Rosa, en el norte de California.

En 20th Century Fox, Hitchcock se acercó a John Steinbeck con una idea para una película que registraba las experiencias de los supervivientes de un ataque submarino alemán. Steinbeck comenzó a trabajar en el guión de lo que se convertiría en Lifeboat (1944). Sin embargo, Steinbeck no estaba contento con la película y pidió que se eliminara su nombre de los créditos, pero fue en vano. La idea fue reescrita como una historia corta por Harry Sylvester y publicada en Collier's en 1943. Las secuencias de acción fueron filmadas en un pequeño bote en el tanque de agua del estudio. El lugar planteó problemas para el cameo tradicional de Hitchcock; se resolvió haciendo aparecer la imagen de Hitchcock en un periódico que William Bendix está leyendo en el barco, mostrando al director en un anuncio del antes y el después de 'Reduco-Obesity Slayer'. Le dijo a Truffaut en 1962:

En ese momento, yo estaba en una dieta vigorosa, trabajando dolorosamente mi camino de trescientos a doscientos libras. Así que decidí inmortalizar mi pérdida y conseguir mi parte posando para imágenes "antes" y "después".... Estaba literalmente sumergido por cartas de gente gorda que quería saber dónde y cómo podían conseguir Reduco.

La cena típica de Hitchcock antes de perder peso había sido un pollo asado, jamón cocido, patatas, pan, verduras, condimentos, ensalada, postre, una botella de vino y un poco de brandy. Para perder peso, su dieta consistía en café solo para el desayuno y el almuerzo, y bistec y ensalada para la cena, pero era difícil de mantener; Donald Spoto escribió que su peso fluctuó considerablemente durante los siguientes 40 años. A fines de 1943, a pesar de la pérdida de peso, la Occidental Insurance Company de Los Ángeles rechazó su solicitud de seguro de vida.

Películas de no ficción de tiempos de guerra

Sentí la necesidad de hacer una pequeña contribución al esfuerzo de guerra, y yo era sobrepeso y sobre-edad para el servicio militar. Sabía que si no hacía nada, me arrepentiría por el resto de mi vida.

— Alfred Hitchcock (1967)

Hitchcock regresó al Reino Unido para una visita prolongada a fines de 1943 y principios de 1944. Mientras estuvo allí, realizó dos cortometrajes de propaganda, Bon Voyage (1944) y Aventure Malgache. (1944), para el Ministerio de Información. En junio y julio de 1945, Hitchcock se desempeñó como "asesor de tratamiento" en un documental del Holocausto que utilizó imágenes de las Fuerzas Aliadas de la liberación de los campos de concentración nazis. La película fue montada en Londres y producida por Sidney Bernstein del Ministerio de Información, quien incorporó a Hitchcock (un amigo suyo). Originalmente estaba destinado a ser transmitido a los alemanes, pero el gobierno británico lo consideró demasiado traumático para mostrarlo a una población conmocionada de la posguerra. En cambio, se transfirió en 1952 de las bóvedas de películas de la Oficina de Guerra Británica al Imperial War Museum de Londres y permaneció inédita hasta 1985, cuando se transmitió una versión editada como un episodio de PBS Frontline, bajo el título que le había dado el Museo Imperial de la Guerra: Memoria de los Campos. La versión completa de la película, Encuesta fáctica sobre los campos de concentración alemanes, fue restaurada en 2014 por académicos del Museo Imperial de la Guerra.

Años de Hollywood de posguerra: 1945-1953

Películas posteriores de Selznick

Gregory Peck e Ingrid Bergman Flete (1945)

Hitchcock volvió a trabajar para David Selznick cuando dirigió Spellbound (1945), que explora el psicoanálisis y presenta una secuencia de sueños diseñada por Salvador Dalí. La secuencia del sueño tal como aparece en la película es diez minutos más corta de lo previsto originalmente; Selznick lo editó para que "play" más eficazmente. Gregory Peck interpreta al amnésico Dr. Anthony Edwardes bajo el tratamiento de la analista Dra. Peterson (Ingrid Bergman), quien se enamora de él mientras intenta desbloquear su pasado reprimido. Se lograron dos tomas de punto de vista construyendo una gran mano de madera (que parecería pertenecer al personaje cuyo punto de vista tomó la cámara) y accesorios de gran tamaño para sostenerla: un vaso de leche del tamaño de un cubo y una gran pistola de madera. Para mayor novedad e impacto, el clímax del disparo se pintó a mano en rojo en algunas copias de la película en blanco y negro. La partitura musical original de Miklós Rózsa hace uso del theremin, y parte de ella fue posteriormente adaptada por el compositor al Concierto para piano op. de Rozsa. 31 (1967) para piano y orquesta.

La película de espías Notorious le siguió en 1946. Hitchcock le dijo a François Truffaut que Selznick vendió el guión de él, Ingrid Bergman, Cary Grant y Ben Hecht a RKO Radio Pictures como & #34;paquete" por $ 500,000 (equivalente a $ 6,9 millones en 2021) debido a los sobrecostos en Duel in the Sun de Selznick (1946). Notorious está protagonizada por Bergman y Grant, ambos colaboradores de Hitchcock, y presenta una trama sobre los nazis, el uranio y América del Sur. Su uso profético de uranio como dispositivo de trama lo llevó a ser puesto brevemente bajo vigilancia por parte de la Oficina Federal de Investigaciones. Según Patrick McGilligan, alrededor de marzo de 1945, Hitchcock y Hecht consultaron a Robert Millikan del Instituto de Tecnología de California sobre el desarrollo de una bomba de uranio. Selznick se quejó de que la noción era "ciencia ficción", solo para ser confrontado por la noticia de la detonación de dos bombas atómicas en Hiroshima y Nagasaki en Japón en agosto de 1945.

Imágenes transatlánticas

A typical scene from Rope showing James Stewart
Un tiro típico de Rope (1948) con James Stewart girando la espalda a la cámara fija

Hitchcock formó una productora independiente, Transatlantic Pictures, con su amigo Sidney Bernstein. Hizo dos películas con Transatlantic, una de las cuales fue su primera película en color. Con Rope (1948), Hitchcock experimentó con organizar el suspenso en un entorno confinado, como lo había hecho antes con Lifeboat. La película aparece como un número muy limitado de tomas continuas, pero en realidad se filmó en 10 que van desde 4-12 a 10 minutos cada uno; una película de 10 minutos era lo máximo que podía contener una revista de cine de cámara en ese momento. Algunas transiciones entre carretes se ocultaron haciendo que un objeto oscuro llenara toda la pantalla por un momento. Hitchcock usó esos puntos para ocultar el corte y comenzó la siguiente toma con la cámara en el mismo lugar. La película presenta a James Stewart en el papel principal y fue la primera de cuatro películas que Stewart hizo con Hitchcock. Se inspiró en el caso Leopold y Loeb de la década de 1920. La respuesta crítica en ese momento fue mixta.

Under Capricorn (1949), ambientada en la Australia del siglo XIX, también utiliza la técnica efímera de tomas largas, pero de forma más limitada. Volvió a utilizar Technicolor en esta producción y luego volvió al blanco y negro durante varios años. Transatlantic Pictures quedó inactiva después de las dos últimas películas. Hitchcock filmó Stage Fright (1950) en Elstree Studios en Inglaterra, donde había trabajado muchos años antes durante su contrato con British International Pictures. Él emparejó uno de Warner Bros.' estrellas más populares, Jane Wyman, con la actriz alemana expatriada Marlene Dietrich y utilizó varios actores británicos prominentes, incluidos Michael Wilding, Richard Todd y Alastair Sim. Esta fue la primera producción adecuada de Hitchcock para Warner Bros., que había distribuido Rope y Under Capricorn, porque Transatlantic Pictures estaba experimentando dificultades financieras.

Su thriller Extraños en un tren (1951) se basó en la novela homónima de Patricia Highsmith. Hitchcock combinó muchos elementos de sus películas anteriores. Se acercó a Dashiell Hammett para escribir el diálogo, pero Raymond Chandler se hizo cargo y luego dejó los desacuerdos con el director. En la película, dos hombres se encuentran casualmente, uno de los cuales especula sobre un método infalible para asesinar; él sugiere que dos personas, cada una deseando acabar con alguien, deben ejecutar cada una el asesinato del otro. El papel de Farley Granger fue el de la víctima inocente del plan, mientras que Robert Walker, anteriormente conocido por 'boy-next-door' papeles, jugó el villano. I Confess (1953) se desarrolla en Quebec con Montgomery Clift como sacerdote católico.

Años pico: 1954-1964

Marque M para asesinato y ventana trasera

Still image from the film Read Window featuring Stewart and Kelly
James Stewart y Grace Kelly en Ventana trasera (1954)
A

I Confess le siguieron tres películas en color protagonizadas por Grace Kelly: Dial M for Murder (1954), Rear Window (1954), y Atrapar a un ladrón (1955). En Dial M for Murder, Ray Milland interpreta al villano que intenta asesinar a su esposa infiel (Kelly) por su dinero. Ella mata al asesino a sueldo en defensa propia, por lo que Milland manipula la evidencia para que parezca un asesinato. Su amante, Mark Halliday (Robert Cummings), y el inspector de policía Hubbard (John Williams) la salvan de la ejecución. Hitchcock experimentó con cinematografía en 3D para Dial M for Murder.

Hitchcock se mudó a Paramount Pictures y filmó Rear Window (1954), protagonizada por James Stewart y Grace Kelly, además de Thelma Ritter y Raymond Burr. El personaje de Stewart es un fotógrafo llamado Jeff (basado en Robert Capa) que debe usar temporalmente una silla de ruedas. Por aburrimiento, comienza a observar a sus vecinos al otro lado del patio y luego se convence de que uno de ellos (Raymond Burr) ha asesinado a su esposa. Jeff finalmente logra convencer a su amigo policía (Wendell Corey) y a su novia (Kelly). Al igual que con Lifeboat y Rope, los personajes principales se representan en espacios reducidos o estrechos, en este caso, el estudio de Stewart. Hitchcock usa primeros planos del rostro de Stewart para mostrar las reacciones de su personaje, 'desde el voyerismo cómico dirigido a sus vecinos hasta su terror impotente al ver a Kelly y Burr en el apartamento del villano'. #34;.

Presenta Alfred Hitchcock

Pat Hitchcock con su hija Terry y su esposo Joseph O'Connell, Alma Reville, Mary Alma O'Connell, Alfred Hitchcock (en horario desde la parte superior izquierda), c. 1955-1956

De 1955 a 1965, Hitchcock fue el presentador de la serie de televisión Alfred Hitchcock Presents. Con su entrega graciosa, humor negro e imagen icónica, la serie convirtió a Hitchcock en una celebridad. La secuencia del título del programa mostraba una caricatura minimalista de su perfil (él mismo la dibujó; se compone de solo nueve trazos), que luego llenó su silueta real. El tema principal de la serie fue Marcha fúnebre de una marioneta del compositor francés Charles Gounod (1818–1893).

Sus presentaciones siempre incluían algún tipo de humor irónico, como la descripción de una ejecución reciente de varias personas que se vio obstaculizada por tener solo una silla eléctrica, mientras que dos se muestran con un cartel "Dos sillas, ¡no hay que esperar!" #34; Dirigió 18 episodios de la serie, que se emitió entre 1955 y 1965. Se convirtió en La hora de Alfred Hitchcock en 1962, y NBC transmitió el episodio final el 10 de mayo de 1965. En la década de 1980, una nueva versión de Alfred Hitchcock Presents fue producido para televisión, haciendo uso de las introducciones originales de Hitchcock en una forma coloreada.

El éxito de Hitchcock en la televisión dio lugar a una serie de colecciones de cuentos a su nombre; estos incluyeron Antología de Alfred Hitchcock, Historias que no me dejaron hacer en la televisión y Cuentos que mi madre nunca me contó. En 1956, HSD Publications también obtuvo la licencia del nombre del director para crear Alfred Hitchcock's Mystery Magazine, un resumen mensual especializado en novela policíaca y policíaca. La serie de televisión de Hitchcock eran muy rentables y sus versiones de libros en idiomas extranjeros generaban ingresos de hasta $ 100,000 al año (equivalente a $ 920,000 en 2021).

De atrapar a un ladrón a vértigo

En 1955, Hitchcock se convirtió en ciudadano estadounidense. En el mismo año, se estrenó su tercera película de Grace Kelly, To Catch a Thief; está ambientado en la Riviera francesa y está protagonizado por Kelly y Cary Grant. Grant interpreta al ladrón retirado John Robie, quien se convierte en el principal sospechoso de una serie de robos en la Riviera. Una heredera estadounidense en busca de emociones, interpretada por Kelly, adivina su verdadera identidad y trata de seducirlo. "A pesar de la evidente disparidad de edades entre Grant y Kelly y de una trama ligera, el ingenioso guión (cargado de doble sentido) y la bondadosa actuación demostraron ser un éxito comercial". Fue la última película de Hitchcock con Kelly; se casó con el príncipe Rainiero de Mónaco en 1956 y después terminó su carrera cinematográfica. Hitchcock luego rehizo su propia película de 1934 El hombre que sabía demasiado en 1956. Esta vez, la película fue protagonizada por James Stewart y Doris Day, quienes cantaron el tema musical "Que Sera, Sera&#34.;, que ganó el Premio de la Academia a la Mejor Canción Original y se convirtió en un gran éxito. Interpretan a una pareja cuyo hijo es secuestrado para evitar que interfieran en un asesinato. Como en la película de 1934, el clímax tiene lugar en el Royal Albert Hall.

The Wrong Man (1956), la última película de Hitchcock para Warner Bros., es una producción discreta en blanco y negro basada en un caso real de identidad equivocada. informó en la revista Life en 1953. Esta fue la única película de Hitchcock protagonizada por Henry Fonda, interpretando a un músico de Stork Club confundido con un ladrón de licorería, que es arrestado y juzgado por robo mientras su esposa (Vera Miles) colapsa emocionalmente bajo la tensión. Hitchcock le dijo a Truffaut que su miedo de toda la vida a la policía lo atrajo hacia el tema y estaba presente en muchas escenas.

Still image from the film Vertigo
Kim Novak por el puente Golden Gate Vertigo (1958)

Mientras dirigía episodios para Alfred Hitchcock Presents durante el verano de 1957, Hitchcock ingresó en el hospital por una hernia y cálculos biliares, y tuvieron que extirparle la vesícula biliar. Luego de una cirugía exitosa, inmediatamente volvió al trabajo para prepararse para su próximo proyecto. Vértigo (1958) nuevamente protagonizada por James Stewart, con Kim Novak y Barbara Bel Geddes. Quería que Vera Miles interpretara el papel principal, pero estaba embarazada. Le dijo a Oriana Fallaci: 'Le estaba ofreciendo un gran papel, la oportunidad de convertirse en una hermosa rubia sofisticada, una verdadera actriz'. Habríamos gastado un montón de dólares en eso, y ella tiene el mal gusto de quedarse embarazada. Odio a las mujeres embarazadas, porque luego tienen hijos."

En Vértigo, Stewart interpreta a Scottie, un ex investigador de policía que sufre de acrofobia, que se obsesiona con una mujer a la que ha sido contratado para seguir (Novak). La obsesión de Scottie desemboca en tragedia, y esta vez Hitchcock no optó por un final feliz. Algunos críticos, incluidos Donald Spoto y Roger Ebert, están de acuerdo en que Vértigo es la película más personal y reveladora del director, que trata sobre las obsesiones de un hombre al estilo de Pigmalión. que moldea a una mujer en la persona que él desea. Vértigo explora con mayor franqueza y amplitud su interés por la relación entre sexo y muerte, que cualquier otra obra de su filmografía.

Vértigo contiene una técnica de cámara desarrollada por Irmin Roberts, comúnmente conocida como dolly zoom, que ha sido copiada por muchos cineastas. La película se estrenó en el Festival Internacional de Cine de San Sebastián y Hitchcock ganó el premio Silver Seashell. Vertigo se considera un clásico, pero atrajo críticas mixtas y malos ingresos de taquilla en ese momento; el crítico de la revista Variety opinó que la película era "demasiado lenta y demasiado larga". Bosley Crowther del New York Times pensó que era "diabólicamente inverosímil", pero elogió las actuaciones del elenco y la dirección de Hitchcock. La imagen también fue la última colaboración entre Stewart y Hitchcock. En el 2002 Sight & Encuestas de Sound, se ubicó justo detrás de Citizen Kane (1941); diez años después, en la misma revista, la crítica la eligió como la mejor película jamás realizada.

Norte por Noroeste y Psico

Después de Vértigo, el resto de 1958 fue un año difícil para Hitchcock. Durante la preproducción de North by Northwest (1959), que fue un "lento" y "agonizante" proceso, su esposa Alma fue diagnosticada con cáncer. Mientras estuvo en el hospital, Hitchcock se mantuvo ocupado con su trabajo televisivo y la visitaba todos los días. Alma fue operada y se recuperó por completo, pero hizo que Hitchcock imaginara, por primera vez, la vida sin ella.

Photo of Alfred Hitchcock & Janet Leigh from the 1960 film Psycho
Hitchcock rodando la escena de la ducha Psycho (1960)

Hitchcock siguió con tres películas más exitosas, que también están reconocidas como una de sus mejores: North by Northwest, Psycho (1960) y The Birds (1963). En North by Northwest, Cary Grant interpreta a Roger Thornhill, un ejecutivo de publicidad de Madison Avenue que es confundido con un agente secreto del gobierno. Es perseguido por los Estados Unidos por agentes enemigos, incluida Eve Kendall (Eva Marie Saint). Al principio, Thornhill cree que Kendall lo está ayudando, pero luego se da cuenta de que es una agente enemiga; más tarde se entera de que ella está trabajando encubierta para la CIA. Durante su presentación inicial de dos semanas en el Radio City Music Hall, la película recaudó $ 404,056 (equivalente a $ 3,8 millones en 2021), estableciendo un récord bruto no festivo para ese teatro. La revista Time calificó la película como "elaborada con suavidad y completamente entretenida".

Psicosis (1960) es posiblemente la película más conocida de Hitchcock. Basada en la novela Psycho de Robert Bloch de 1959, que se inspiró en el caso de Ed Gein, la película se produjo con un presupuesto ajustado de 800.000 dólares (equivalente a 7,3 millones de dólares en 2021) y se rodó en en blanco y negro en un juego de repuesto con miembros del equipo de Alfred Hitchcock Presents. La violencia sin precedentes de la escena de la ducha, la muerte prematura de la heroína y las vidas inocentes extinguidas por un asesino perturbado se convirtieron en el sello distintivo de un nuevo género cinematográfico de terror. La película demostró ser popular entre el público, con filas que se extendían fuera de los cines mientras los espectadores esperaban la siguiente proyección. Rompió récords de taquilla en el Reino Unido, Francia, América del Sur, Estados Unidos y Canadá, y fue un éxito moderado en Australia durante un breve período.

Psicosis fue la obra más rentable de la carrera de Hitchcock y ganó personalmente más de 15 millones de dólares (equivalente a 140 millones de dólares en 2021). Posteriormente, cambió sus derechos sobre Psicosis y su antología televisiva por 150.000 acciones de MCA, lo que lo convirtió en el tercer mayor accionista y su propio jefe en Universal, al menos en teoría, aunque eso no detuvo la interferencia de los estudios. Después de la primera película, Psycho se convirtió en una franquicia de terror estadounidense: Psycho II, Psycho III, Bates Motel, Psycho IV: The Beginning, y una nueva versión en color de 1998 del original.

Entrevista a Truffaut

El 13 de agosto de 1962, el cumpleaños número 63 de Hitchcock, el director francés François Truffaut comenzó una entrevista de 50 horas de Hitchcock, filmada durante ocho días en Universal Studios, durante la cual Hitchcock accedió a responder 500 preguntas. Fueron necesarios cuatro años para transcribir las cintas y organizar las imágenes; se publicó como libro en 1967, al que Truffaut apodó el "Hitchbook". Las cintas de audio se usaron como base para un documental en 2015. Truffaut buscó la entrevista porque tenía claro que Hitchcock no era simplemente el artista del mercado de masas que los medios estadounidenses hacían que él fuera. Era obvio a partir de sus películas, escribió Truffaut, que Hitchcock había "pensado más en el potencial de su arte que cualquiera de sus colegas". Comparó la entrevista con 'Edipo'. consulta del oráculo".

Los pájaros

Trailer para Los pájaros (1963), en la que Hitchcock discute el tratamiento de la humanidad de "nuestros amigos emplumados"

El estudioso del cine Peter William Evans escribió que The Birds (1963) y Marnie (1964) se consideran "obras maestras indiscutibles". Hitchcock tenía la intención de filmar primero a Marnie, y en marzo de 1962 se anunció que Grace Kelly, princesa Grace de Mónaco desde 1956, saldría de su retiro para protagonizarla. Cuando Kelly le pidió a Hitchcock que pospusiera Marnie hasta 1963 o 1964, reclutó a Evan Hunter, autor de The Blackboard Jungle (1954), para desarrollar un guión basado en Daphne du Maurier. cuento, "Los pájaros" (1952), que Hitchcock había vuelto a publicar en su Mis favoritos en suspenso (1959). Contrató a Tippi Hedren para interpretar el papel principal. Fue su primer papel; había sido modelo en Nueva York cuando Hitchcock la vio, en octubre de 1961, en un anuncio de televisión de la NBC para Sego, una bebida dietética: 'Fiché con ella porque es una belleza clásica'. Las películas ya no las tienen. Grace Kelly fue la última." Insistió, sin dar explicaciones, en que su nombre de pila se escribiera entre comillas simples: 'Tippi'.

En Los pájaros, Melanie Daniels, una joven de la alta sociedad, conoce al abogado Mitch Brenner (Rod Taylor) en una tienda de pájaros; Jessica Tandy interpreta a su madre posesiva. Hedren lo visita en Bodega Bay (donde se filmó The Birds) y le lleva un par de tortolitos como regalo. De repente, oleadas de pájaros comienzan a reunirse, observar y atacar. La pregunta: "¿Qué quieren los pájaros?" queda sin respuesta. Hitchcock hizo la película con equipo de Revue Studio, que hizo Alfred Hitchcock Presents. Dijo que era su película técnicamente más desafiante, usando una combinación de pájaros entrenados y mecánicos contra un telón de fondo de pájaros salvajes. Cada toma fue esbozada de antemano.

Una película para televisión de HBO/BBC, The Girl (2012), describió las experiencias de Hedren en el set; dijo que Hitchcock se obsesionó con ella y la acosó sexualmente. Según los informes, la aisló del resto de la tripulación, hizo que la siguieran, le susurró obscenidades, analizó su letra y construyó una rampa desde su oficina privada directamente hasta su remolque. Diane Baker, su coprotagonista en Marnie, dijo: "[N]ada podría haber sido más horrible para mí que llegar al set de filmación y ver que la trataban de la forma en que era." Mientras filmaba la escena del ataque en el ático, que tardó una semana en filmarse, la colocaron en una habitación enjaulada mientras dos hombres con guantes protectores hasta los codos le arrojaban pájaros vivos. Hacia el final de la semana, para detener a los pájaros' Alejándose de ella demasiado pronto, una pata de cada pájaro estaba unida con hilo de nailon a bandas elásticas cosidas dentro de su ropa. Se derrumbó después de que un pájaro le cortara el párpado inferior y la filmación se detuvo por orden del médico.

Marie

Trailer para Marnie (1964)

En junio de 1962, Grace Kelly anunció que había decidido no aparecer en Marnie (1964). Hedren había firmado un contrato exclusivo de siete años y 500 dólares a la semana con Hitchcock en octubre de 1961, y decidió elegirla para el papel principal junto a Sean Connery. En 2016, al describir la actuación de Hedren como "una de las mejores en la historia del cine", Richard Brody llamó a la película una "historia de violencia sexual". infligido al personaje interpretado por Hedren: "La película es, para decirlo simplemente, enferma, y lo es porque Hitchcock estaba enfermo. Padeció toda su vida por el deseo sexual furioso, padeció la falta de su gratificación, padeció la incapacidad de transformar la fantasía en realidad, y luego siguió adelante y lo hizo virtualmente, a través de su arte." Una reseña cinematográfica del New York Times de 1964 la calificó como la "película más decepcionante en años" de Hitchcock, citando la falta de experiencia de Hedren y Connery, un guión amateur y ";telones de fondo de cartón notoriamente falsos".

En la película, Marnie Edgar (Hedren) le roba $10,000 a su empleador y se da a la fuga. Ella solicita un trabajo en la compañía de Mark Rutland (Connery) en Filadelfia y también roba allí. Anteriormente, se la muestra teniendo un ataque de pánico durante una tormenta eléctrica y temiendo el color rojo. Mark la rastrea y la chantajea para que se case con él. Ella explica que no quiere que la toquen, pero durante la 'luna de miel', Mark la viola. Marnie y Mark descubren que la madre de Marnie había sido prostituta cuando Marnie era una niña y que, mientras la madre peleaba con un cliente durante una tormenta eléctrica (la madre creía que el cliente había tratado de abusar sexualmente de Marnie), Marnie la había matado. el cliente para salvar a su madre. Curada de sus miedos al recordar lo sucedido, decide quedarse con Mark.

Los Hitchcocks con la Primera Dama Pat Nixon y la primera hija Julie Nixon Eisenhower en 1969

Hitchcock le dijo al director de fotografía Robert Burks que la cámara tenía que colocarse lo más cerca posible de Hedren cuando filmaba su rostro. Evan Hunter, el guionista de The Birds que también estaba escribiendo Marnie, le explicó a Hitchcock que, si Mark amaba a Marnie, la consolaría, no la violaría. Según los informes, Hitchcock respondió: "Evan, cuando se la meta, ¡quiero esa cámara justo en su cara!". Cuando Hunter presentó dos versiones del guión, una sin la escena de la violación, Hitchcock lo reemplazó por Jay Presson Allen.

Años posteriores: 1966–1980

Películas finales

La mala salud redujo la producción de Hitchcock durante las últimas dos décadas de su vida. El biógrafo Stephen Rebello afirmó que Universal le impuso dos películas, Torn Curtain (1966) y Topaz (1969), la última de las cuales está basada en una novela de Leon Uris, ambientada en parte En Cuba. Ambos eran thrillers de espías con temas relacionados con la Guerra Fría. Torn Curtain, con Paul Newman y Julie Andrews, precipitó el amargo final de la colaboración de 12 años entre Hitchcock y el compositor Bernard Herrmann. Hitchcock no estaba contento con la partitura de Herrmann y lo reemplazó con John Addison, Jay Livingston y Ray Evans. Tras su lanzamiento, Torn Curtain fue una decepción de taquilla, y Topaz no fue del agrado de los críticos ni del estudio.

Image of Hitchcock seated during the filming of Family Plot
Hitchcock en el trabajo en Family Plot, San Francisco, verano 1975

Hitchcock regresó a Gran Bretaña para realizar su penúltima película, Frenzy (1972), basada en la novela Goodbye Piccadilly, Farewell Leicester Square (1966). Después de dos películas de espionaje, la trama marcó un regreso al género de suspenso y asesinatos. Richard Blaney (Jon Finch), un barman volátil con un historial de ira explosiva, se convierte en el principal sospechoso en la investigación de los 'asesinatos de la corbata', que en realidad son cometidos por su amigo Bob Rusk (Barry Foster). Esta vez, Hitchcock convierte a la víctima y al villano en parientes, en lugar de opuestos como en Extraños en un tren.

En Frenzy, Hitchcock permitió la desnudez por primera vez. Dos escenas muestran mujeres desnudas, una de las cuales está siendo violada y estrangulada; Donald Spoto llamó a este último "uno de los ejemplos más repelentes de un asesinato detallado en la historia del cine". Ambos actores, Barbara Leigh-Hunt y Anna Massey, se negaron a hacer las escenas, por lo que se utilizaron modelos en su lugar. Los biógrafos han notado que Hitchcock siempre había empujado los límites de la censura cinematográfica, a menudo logrando engañar a Joseph Breen, el jefe del Código de Producción de Películas. Hitchcock agregaría toques sutiles de irregularidades prohibidas por la censura hasta mediados de la década de 1960. Sin embargo, Patrick McGilligan escribió que Breen y otros a menudo se daban cuenta de que Hitchcock estaba insertando dicho material y en realidad estaban divertidos, además de alarmados por las 'inferencias ineludibles' de Hitchcock.

Trama familiar (1976) fue la última película de Hitchcock. Relata las escapadas de "Madam" Blanche Tyler, interpretada por Barbara Harris, una espiritista fraudulenta, y su amante, el taxista Bruce Dern, se ganan la vida con sus poderes falsos. Si bien Family Plot se basó en la novela de Victor Canning The Rainbird Pattern (1972), el tono de la novela es más siniestro. El guionista Ernest Lehman escribió originalmente la película, bajo el título provisional Deception, con un tono oscuro, pero Hitchcock lo empujó a un tono más claro y cómico, donde tomó el nombre Deceit., y finalmente, Parcela Familiar.

Caballería y muerte

c. 1972 por Jack Mitchell

Hacia el final de su vida, Hitchcock estaba trabajando en el guión de un thriller de espías, The Short Night, en colaboración con James Costigan, Ernest Lehman y David Freeman. A pesar del trabajo preliminar, nunca se filmó. La salud de Hitchcock empeoraba y estaba preocupado por su esposa, que había sufrido un derrame cerebral. El guión finalmente se publicó en el libro de Freeman The Last Days of Alfred Hitchcock (1999).

Habiendo rechazado un CBE en 1962, Hitchcock fue nombrado Caballero Comandante de la Excelentísima Orden del Imperio Británico (KBE) en los Honores de Año Nuevo de 1980. Estaba demasiado enfermo para viajar a Londres (tenía un marcapasos y le estaban dando inyecciones de cortisona para su artritis), por lo que el 3 de enero de 1980 el cónsul general británico le entregó los documentos en Universal Studios. Cuando un reportero le preguntó después de la ceremonia por qué la Reina había tardado tanto, Hitchcock bromeó: "Supongo que fue una cuestión de descuido". Cary Grant, Janet Leigh y otros asistieron a un almuerzo posterior.

Su última aparición pública fue el 16 de marzo de 1980, cuando presentó al ganador del premio del American Film Institute del próximo año. Murió de insuficiencia renal al mes siguiente, el 29 de abril, en su casa de Bel Air. Donald Spoto, uno de los biógrafos de Hitchcock, escribió que Hitchcock se había negado a ver a un sacerdote, pero según el sacerdote jesuita Mark Henninger, él y otro sacerdote, Tom Sullivan, celebraron misa en la casa del cineasta y Sullivan escuchó su confesión. A Hitchcock le sobrevivieron su esposa y su hija. Su funeral se llevó a cabo en la Iglesia Católica Good Shepherd en Beverly Hills el 30 de abril, luego de lo cual su cuerpo fue incinerado. Sus restos fueron esparcidos por el Océano Pacífico el 10 de mayo de 1980.

Hacer cine

Estilo y temas

Still from The Lady Vanishes depicting Hitchcock
La aparición de Hitchcock en cameo La Señora desaparece (1938)

La carrera de producción cinematográfica de Hitchcock evolucionó de películas mudas a pequeña escala a películas sonoras económicamente significativas. Hitchcock comentó que fue influenciado por los primeros cineastas George Méliès, D.W. Griffith y Alice Guy-Blaché. Sus películas mudas entre 1925 y 1929 fueron de género policial y de suspenso, pero también incluyeron melodramas y comedias. Si bien la narración visual fue pertinente durante la era del cine mudo, incluso después de la llegada del sonido, Hitchcock todavía dependía de las imágenes en el cine; se refirió a este énfasis en la narración visual como "cine puro". En Gran Bretaña, perfeccionó su oficio de modo que cuando se mudó a Hollywood, el director había perfeccionado su estilo y técnicas de cámara. Hitchcock dijo más tarde que su obra británica fue la 'sensación del cine', mientras que la etapa estadounidense fue cuando sus 'ideas fueron fertilizadas'. El académico Robin Wood escribe que las dos primeras películas del director, The Pleasure Garden y The Mountain Eagle, fueron influenciadas por el expresionismo alemán. Posteriormente, descubrió el cine soviético y las teorías del montaje de Sergei Eisenstein y Vsevolod Pudovkin. The Lodger de 1926 se inspiró tanto en la estética alemana como en la soviética, estilos que solidificaron el resto de su carrera. Aunque el trabajo de Hitchcock en la década de 1920 tuvo cierto éxito, varios críticos británicos criticaron las películas de Hitchcock por ser poco originales y engreídas. Raymond Durgnat opinó que las películas de Hitchcock se construyeron con cuidado e inteligencia, pero pensó que pueden ser superficiales y rara vez presentan una "visión coherente del mundo".

Con el título de 'Maestro del suspenso', el director experimentó con formas de generar tensión en su trabajo. Él dijo: 'Mi trabajo de suspenso surge de crear pesadillas para la audiencia. Y yo juego con una audiencia. Los hago jadear y sorprenderlos y escandalizarlos. Cuando tienes una pesadilla, es terriblemente vívida si estás soñando que te llevan a la silla eléctrica. Entonces eres tan feliz como puedes ser cuando te despiertas porque estás aliviado." Durante el rodaje de North by Northwest, Hitchcock explicó sus razones para recrear el decorado del Monte Rushmore: "El público responde en proporción a lo realista que lo haces. Una de las razones dramáticas de este tipo de fotografía es lograr que se vea tan natural que la audiencia se involucre y crea, por el momento, lo que está pasando allá arriba en la pantalla." En una entrevista de 1963 con la periodista italiana Oriana Fallaci, se le preguntó a Hitchcock cómo, a pesar de parecer un hombre agradable e inocuo, parecía disfrutar haciendo películas de suspenso y crímenes terroríficos. Él respondió:

Soy inglés. Los ingleses usan mucha imaginación con sus crímenes. No me gusta nada tanto como imaginar un crimen. Cuando estoy escribiendo una historia y vengo a un crimen, creo felizmente: ¿no sería bueno que muera así? Y entonces, aún más feliz, creo: en este punto la gente empezará a gritar. Debe ser porque pasé tres años estudiando con los jesuitas. Solían aterrorizarme hasta la muerte, con todo, y ahora estoy recibiendo mi propia espalda aterrando a otras personas.

Las películas de Hitchcock, desde la era muda hasta la sonora, contenían una serie de temas recurrentes por los que es famoso. Sus películas exploraron al público como voyeur, especialmente en Rear Window, Marnie y Psycho. Entendió que los seres humanos disfrutan de las actividades voyeurísticas e hizo participar a la audiencia a través de las acciones del personaje. De sus cincuenta y tres películas, once giraban en torno a historias de identidad equivocada, donde un protagonista inocente es acusado de un delito y perseguido por la policía. En la mayoría de los casos, es una persona común y corriente la que se encuentra en una situación peligrosa. Hitchcock le dijo a Truffaut: "Eso es porque el tema del hombre inocente que es acusado, creo, proporciona a la audiencia una mayor sensación de peligro". Es más fácil que se identifiquen con él que con un culpable prófugo." Uno de sus temas constantes fue la lucha de una personalidad dividida entre "orden y caos"; conocida como la noción de "doble", que es una comparación o contraste entre dos personajes u objetos: el doble representa un lado oscuro o malvado.

Según Robin Wood, Hitchcock tenía sentimientos encontrados hacia la homosexualidad a pesar de haber trabajado con actores homosexuales en su carrera. Donald Spoto sugiere que la niñez sexualmente represiva de Hitchcock pudo haber contribuido a su exploración de la desviación. Durante la década de 1950, el Código de producción cinematográfica prohibía las referencias directas a la homosexualidad, pero el director era conocido por sus sutiles referencias y por superar los límites de la censura. Además, Shadow of a Doubt tiene un doble tema de incesto a lo largo de la historia, expresado implícitamente a través de imágenes. La autora Jane Sloan argumenta que Hitchcock se sintió atraído tanto por la expresión sexual convencional como por la no convencional en su trabajo, y que el tema del matrimonio generalmente se presentaba de una manera "sombría y escéptica" manera. Tampoco fue hasta después de la muerte de su madre en 1942, que Hitchcock retrató a las figuras maternas como "notorias madres-monstruo". El telón de fondo del espionaje y los asesinatos cometidos por personajes con tendencias psicópatas también fueron temas comunes. En la representación de villanos y asesinos de Hitchcock, por lo general eran encantadores y amigables, lo que obligaba a los espectadores a identificarse con ellos. La estricta infancia y la educación jesuita del director pueden haberlo llevado a desconfiar de figuras autoritarias como policías y políticos; un tema que ha explorado. Además, usó el "MacGuffin": el uso de un objeto, persona o evento para mantener la trama en movimiento, incluso si no era esencial para la historia. Algunos ejemplos incluyen el microfilme en North by Northwest y los $40,000 robados en Psycho.

Hitchcock aparece brevemente en la mayoría de sus propias películas. Por ejemplo, se le ve luchando para subir un contrabajo a un tren (Extraños en un tren), sacando perros de una tienda de mascotas (Los pájaros), arreglando un el reloj del vecino (Rear Window), como una sombra (Family Plot), sentado en una mesa en una fotografía (Dial M for Murder) y andar en autobús (Norte por Noroeste, Atrapar a un ladrón).

Representación de la mujer

La representación de Hitchcock de la mujer ha sido objeto de mucho debate académico. Bidisha escribió en The Guardian en 2010: "Está el vampiro, el vagabundo, el soplón, la bruja, el furtivo, el traidor y, lo mejor de todo, el mami demonio. No te preocupes, todos serán castigados al final." En un ensayo ampliamente citado de 1975, Laura Mulvey introdujo la idea de la mirada masculina; la visión del espectador en las películas de Hitchcock, argumentó, es la del protagonista masculino heterosexual. “Los personajes femeninos de sus películas reflejaban las mismas cualidades una y otra vez”, escribió Roger Ebert en 1996: “Eran rubias. Eran helados y remotos. Fueron encarcelados en trajes que sutilmente combinaban la moda con el fetichismo. Hipnotizaron a los hombres, que a menudo tenían discapacidades físicas o psicológicas. Tarde o temprano, todas las mujeres de Hitchcock fueron humilladas."

Kim Novak y James Stewart en Vertigo (1958)

Las víctimas de The Lodger son todas rubias. En Los 39 escalones, Madeleine Carroll es esposada. Ingrid Bergman, a quien Hitchcock dirigió tres veces (Spellbound, Notorious y Under Capricorn), es rubia oscura. En Rear Window, Lisa (Grace Kelly) arriesga su vida al irrumpir en el apartamento de Lars Thorwald. En Para atrapar a un ladrón, Francie (también Kelly) se ofrece a ayudar a un hombre que cree que es un ladrón. En Vertigo y North by Northwest respectivamente, Kim Novak y Eva Marie Saint interpretan a las heroínas rubias. En Psicosis, el personaje de Janet Leigh roba $40,000 y es asesinado por Norman Bates, un psicópata solitario. Tippi Hedren, una rubia, parece ser el foco de los ataques en Los pájaros. En Marnie, el personaje principal, nuevamente interpretado por Hedren, es un ladrón. En Topaz, las actrices francesas Dany Robin como la esposa de Stafford y Claude Jade como la hija de Stafford son heroínas rubias, la amante fue interpretada por la morena Karin Dor. La última heroína rubia de Hitchcock fue Barbara Harris como una falsa psíquica convertida en detective aficionada en Family Plot (1976), su última película. En la misma película, la contrabandista de diamantes interpretada por Karen Black usa una larga peluca rubia en varias escenas.

Sus películas a menudo presentan personajes que luchan en sus relaciones con sus madres, como Norman Bates en Psicosis. En North by Northwest, Roger Thornhill (Cary Grant) es un hombre inocente ridiculizado por su madre por insistir en que hombres oscuros y asesinos lo persiguen. En Los pájaros, el personaje de Rod Taylor, un hombre inocente, encuentra su mundo bajo el ataque de pájaros feroces y lucha por liberarse de una madre aferrada (Jessica Tandy). El asesino en Frenzy odia a las mujeres pero idolatra a su madre. El villano Bruno en Extraños en un tren odia a su padre, pero tiene una relación increíblemente cercana con su madre (interpretada por Marion Lorne). Sebastian (Claude Rains) en Notorious tiene una relación claramente conflictiva con su madre, quien sospecha (con razón) de su nueva novia, Alicia Huberman (Ingrid Bergman).

Relación con los actores

Le dije que mi idea de un buen actor o buena actriz es alguien que no puede hacer nada muy bien.... Dije: "Es una de las cosas que tienes que aprender a tener autoridad". Fuera de la autoridad viene el control y fuera de control usted consigue el rango... Si actúas poco, actuarás mucho en una escena dada. Sabes exactamente a dónde vas. Y estas fueron las primeras cosas que tenía que saber. La emoción viene más tarde y el control de la voz viene más tarde. Pero, dentro de sí misma, tenía que aprender autoridad primero y sobre todo porque de la autoridad llega el momento.

— Alfred Hitchcock (1967)

Hitchcock se hizo conocido por haber dicho que "los actores deben ser tratados como ganado". Durante el rodaje de Mr. &amperio; Mrs. Smith (1941), Carole Lombard trajo tres vacas al plató con las etiquetas con los nombres de Lombard, Robert Montgomery y Gene Raymond, las estrellas de la película, para sorprenderlo. En un episodio de The Dick Cavett Show, transmitido originalmente el 8 de junio de 1972, Dick Cavett declaró como un hecho que Hitchcock alguna vez había llamado ganado a los actores. Hitchcock respondió diciendo que, en un momento, lo habían acusado de llamar ganado a los actores. “Dije que nunca diría algo tan insensible y grosero sobre los actores. Lo que probablemente dije fue que todos los actores deben ser tratados como ganado... De una manera amable, por supuesto." Luego describió la broma de Carole Lombard, con una sonrisa.

Hitchcock creía que los actores debían concentrarse en sus actuaciones y dejar el trabajo del guión y los personajes a los directores y guionistas. Le dijo a Bryan Forbes en 1967: "Recuerdo haber discutido con un actor de método cómo le enseñaron y así sucesivamente". Él dijo: 'Nos enseñan a usar la improvisación. Se nos da una idea y luego nos sueltan para que la desarrollemos de la forma que queramos.' Dije: 'Eso no es actuar'. Eso es escribir.'"

Recordando sus experiencias en Lifeboat para Charles Chandler, autor de It's Only a Movie: Alfred Hitchcock A Personal Biography, Walter Slezak dijo que Hitchcock &# 34;sabía más sobre cómo ayudar a un actor que cualquier director con el que haya trabajado", y Hume Cronyn descartó la idea de que Hitchcock no se preocupaba por sus actores como "completamente falaz", describiendo extensamente la proceso de ensayo y rodaje de Lifeboat.

Los críticos observaron que, a pesar de su reputación como un hombre al que no le gustaban los actores, los actores que trabajaban con él solían ofrecer actuaciones brillantes. Usó los mismos actores en muchas de sus películas; Cary Grant y James Stewart trabajaron con Hitchcock cuatro veces, e Ingrid Bergman y Grace Kelly tres. James Mason dijo que Hitchcock consideraba a los actores como 'accesorios animados'. Para Hitchcock, los actores formaban parte del escenario de la película. Le dijo a François Truffaut: "El principal requisito para un actor es la capacidad de no hacer nada bien, lo cual no es tan fácil como parece". Debe estar dispuesto a que el director y la cámara lo utilicen y lo integren por completo en la imagen. Debe permitir que la cámara determine el énfasis adecuado y los toques de luz dramáticos más efectivos."

Redacción, guiones gráficos y producción

Hitchcock planeó sus guiones en detalle con sus escritores. En Writing with Hitchcock (2001), Steven DeRosa señaló que Hitchcock los supervisó en cada borrador y les pidió que contaran la historia visualmente. Hitchcock le dijo a Roger Ebert en 1969:

Una vez que termine el guión, no haría la película. Toda la diversión ha terminado. Tengo una mente muy visual. Visualizo una foto hasta los cortes finales. Escribo todo esto en el mayor detalle del guión, y luego no miro el guión mientras estoy filmando. Lo sé de corazón, así como un director de orquesta no necesita mirar la puntuación. Es melancolía disparar una foto. Cuando terminas el guión, la película es perfecta. Pero al dispararlo pierdes quizás el 40% de tu concepción original.

Las películas de Hitchcock tenían un guión gráfico extenso hasta el más mínimo detalle. Se informó que ni siquiera se molestó en mirar a través del visor, ya que no necesitaba hacerlo, aunque en las fotos publicitarias se le mostró haciéndolo. También usó esto como una excusa para nunca tener que cambiar sus películas desde su visión inicial. Si un estudio le pedía que cambiara una película, afirmaba que ya estaba rodada de una sola manera y que no había tomas alternativas a considerar.

Image of Hitchcock pictured under Mount Rushmore during the filming of North by Northwest
Hitchcock en Mount Rushmore filmando North by Northwest (1959)

Esta visión de Hitchcock como un director que confiaba más en la preproducción que en la propia producción ha sido cuestionada por Bill Krohn, el corresponsal estadounidense de la revista de cine francesa Cahiers du Cinéma, en su libro Hitchcock en el trabajo. Después de investigar las revisiones del guión, las notas para otro personal de producción escritas por o para Hitchcock y otro material de producción, Krohn observó que el trabajo de Hitchcock a menudo se desviaba de cómo se escribió el guión o cómo se concibió originalmente la película. Señaló que el mito de los guiones gráficos en relación con Hitchcock, a menudo regurgitado por generaciones de comentaristas de sus películas, fue perpetuado en gran medida por el propio Hitchcock o el brazo publicitario de los estudios. Por ejemplo, la célebre secuencia de fumigación de cultivos de North by Northwest no se guionó en absoluto. Después de que se filmó la escena, el departamento de publicidad le pidió a Hitchcock que hiciera guiones gráficos para promocionar la película, y Hitchcock, a su vez, contrató a un artista para igualar las escenas en detalle.

Incluso cuando se hicieron guiones gráficos, las escenas que se filmaron diferían significativamente de ellos. El análisis de Krohn de la producción de clásicos de Hitchcock como Notorious revela que Hitchcock fue lo suficientemente flexible como para cambiar la concepción de una película durante su producción. Otro ejemplo que Krohn señala es la nueva versión estadounidense de El hombre que sabía demasiado, cuyo calendario de rodaje comenzó sin un guión terminado y además se excedió, algo que, como señala Krohn, no era un hecho poco común en muchas de las películas de Hitchcock, incluidas Strangers on a Train y Topaz. Si bien Hitchcock hizo una gran cantidad de preparación para todas sus películas, era plenamente consciente de que el proceso real de realización de películas a menudo se desviaba de los planes mejor trazados y era flexible para adaptarse a los cambios y necesidades de producción, ya que sus películas no eran libre de las molestias normales a las que se enfrenta y de las rutinas comunes utilizadas durante muchas otras producciones cinematográficas.

Entrevista de Hitchcock, c. 1966

El trabajo de Krohn también arroja luz sobre la práctica de Hitchcock de filmar generalmente en orden cronológico, lo que, según él, hizo que muchas películas se salieran del presupuesto y del cronograma y, lo que es más importante, difería del procedimiento operativo estándar de Hollywood. en la era del sistema de estudio. Igualmente importante es la tendencia de Hitchcock a filmar tomas alternativas de las escenas. Esto difería de la cobertura en que las películas no se filmaban necesariamente desde diferentes ángulos para dar al editor opciones para dar forma a la película como quisiera (a menudo bajo la égida del productor). Más bien representaban la tendencia de Hitchcock a darse opciones en la sala de edición, donde brindaba consejos a sus editores después de ver una versión preliminar de la obra.

Según Krohn, esta y una gran cantidad de información revelada a través de su investigación de los documentos personales de Hitchcock, revisiones de guiones y similares, refutan la noción de Hitchcock como un director que siempre tuvo el control de sus películas. cuya visión de sus películas no cambió durante la producción, que según Krohn sigue siendo el mito central de larga data de Alfred Hitchcock. Tanto su meticulosidad como su atención al detalle también encontraron su camino en cada cartel de sus películas. Hitchcock prefería trabajar con los mejores talentos de su época, diseñadores de carteles de cine como Bill Gold y Saul Bass, que producían carteles que representaban con precisión sus películas.

Legado

Premios y distinciones

Una de las estrellas de Hitchcock en el Paseo de la Fama de Hollywood

Hitchcock fue incluido en el Paseo de la Fama de Hollywood el 8 de febrero de 1960 con dos estrellas: una para televisión y otra para sus películas. En 1978, John Russell Taylor lo describió como "la persona más universalmente reconocible del mundo" y "un inglés sencillo de clase media que resultó ser un genio artístico". En 2002, MovieMaker lo nombró el director más influyente de todos los tiempos, y en 2007 The Daily Telegraph los críticos' encuesta lo clasificó como el director más grande de Gran Bretaña. David Gritten, el crítico de cine del periódico, escribió: "Sin duda, el mejor cineasta que surgió de estas islas, Hitchcock hizo más que cualquier otro director para dar forma al cine moderno, que sería completamente diferente sin él". Su talento era para la narrativa, ocultando cruelmente información crucial (de sus personajes y de nosotros) e involucrando las emociones de la audiencia como nadie más." En 1992, Sight & Sonido Críticos' Una encuesta ubicó a Hitchcock en el cuarto lugar de su lista de "Top 10 Directors" de todos los tiempos. En 2002, Hitchcock ocupó el segundo lugar en la clasificación de los críticos. encuesta de los diez primeros y quinto en la encuesta de directores top ten en la lista de Los mejores directores de todos los tiempos compilada por Sight & Revista de sonido. Hitchcock fue votado como el "mejor director del siglo XX" en una encuesta realizada por la revista de cine japonesa kinema Junpo. En 1996, Entertainment Weekly clasificó a Hitchcock en el número 1 de su lista de "50 mejores directores" lista. Hitchcock ocupó el segundo lugar en la lista de los 40 mejores directores de todos los tiempos de la revista Empire. en 2005. En 2007, la revista Total Film clasificó a Hitchcock en el número 1 de su lista de "100 mejores directores de cine de todos los tiempos" lista.

Una placa azul del patrimonio inglés donde Hitchcock vivió en 153 Cromwell Road, Kensington, Londres.

Ganó dos Globos de Oro, ocho premios Laurel y cinco premios a la trayectoria, incluido el primer premio BAFTA Academy Fellowship y, en 1979, un premio AFI Life Achievement Award. Fue nominado cinco veces al Premio de la Academia al Mejor Director. Rebecca, nominada a 11 premios Oscar, ganó el Premio de la Academia a la Mejor Película de 1940; otra película de Hitchcock, Corresponsal extranjero, también fue nominada ese año. Para 2021, nueve de sus películas habían sido seleccionadas para su conservación por el Registro Nacional de Cine de EE. UU.: Rebecca (1940; incorporada en 2018), Shadow of a Doubt (1943; incorporada en 1991), Notorious (1946; incorporado en 2006), Extraños en un tren (1951; incorporado en 2021), Ventana trasera (1954; incorporado en 1997), Vertigo (1958; admitido en 1989), North by Northwest (1959; admitido en 1995), Psycho (1960; admitido en 1992) y Los pájaros (1963; admitido en 2016).

En 2012, Hitchcock fue seleccionado por el artista Sir Peter Blake, autor de The Beatles' Sargento. Pepper's Lonely Hearts Club Band, para aparecer en una nueva versión de la portada, junto con otras figuras culturales británicas, y ese año apareció en una serie de BBC Radio 4, The Nuevos isabelinos, como alguien "cuyas acciones durante el reinado de Isabel II han tenido un impacto significativo en la vida de estas islas y dada la edad de su carácter". En junio de 2013, nueve versiones restauradas de las primeras películas mudas de Hitchcock, incluida The Pleasure Garden (1925), se proyectaron en el Teatro Harvey de la Academia de Música de Brooklyn; conocido como "The Hitchcock 9", el homenaje itinerante fue organizado por el British Film Institute.

Archivos

La Colección Alfred Hitchcock se encuentra en el Archivo de Cine de la Academia en Hollywood, California. Incluye películas caseras, películas de 16 mm filmadas en el set de Chantaje (1929) y Frenzy (1972), y las primeras imágenes en color conocidas de Hitchcock. El Archivo de Cine de la Academia ha conservado muchas de sus películas caseras. Los Documentos de Alfred Hitchcock se encuentran en la Biblioteca Margaret Herrick de la Academia. Las colecciones de David O. Selznick y Ernest Lehman alojadas en el Centro de Investigación de Humanidades Harry Ransom en Austin, Texas, contienen material relacionado con el trabajo de Hitchcock en la producción de El caso Paradine, Rebecca, Spellbound, North by Northwest y Family Plot.

Representaciones de Hitchcock

  • Anthony Hopkins en Hitchcock (2012)
  • Toby Jones en La chica (2012)
  • Roger Ashton-Griffiths en Grace of Monaco (2014)
  • EpicLLOYD en la serie de comedias de YouTube Epic Rap Battles of History. (2014)

Filmografía

Películas

Películas mudas

  • Número 13 (1922) (sin terminar y perder)
  • Siempre dile a tu esposa (short) (1923) (parcialmente perdido)
  • El jardín del placer (1925)
  • El Águila de Montaña (1926) (perdida)
  • The Lodger: A Story of the London Fog (1927)
  • El anillo (1927)
  • Downhill (1927)
  • La esposa del agricultor (1928)
  • Virtud fácil (1928)
  • Champán (1928)
  • El Manxman (1929)

Películas sonoras

  • Blackmail (1929)
  • Un problema elástico (corte) (1930) (perdido)
  • Juno y el Paycock (1930)
  • ¡Asesinato! (1930)
  • Elstree Calling (1930)
  • El juego de la piel (1931)
  • Mary. (1931)
  • Rico y extraño (1931)
  • Número diecisiete (1932)
  • Gales de Viena (1934)
  • El hombre que sabía demasiado (1934)
  • Los 39 pasos (1935)
  • Agente Secreto (1936)
  • Sabotage (1936)
  • Jóvenes e Inocentes (1937)
  • La Señora desaparece (1938)
  • Jamaica Inn (1939)
  • Rebecca (1940)
  • Corresponsal de Relaciones Exteriores (1940)
  • Mr. " Mrs. Smith (1941)
  • Suspicion (1941)
  • Saboteur (1942)
  • Sombra de una duda (1943)
  • Lancha salvavidas (1944)
  • Flete (1945)
  • Notorious (1946)
  • El caso Paradine (1947)
  • Rope (1948)
  • Bajo Capricornio (1949)
  • Stage Fright (1950)
  • Extraños en un tren (1951)
  • I Confess (1953)
  • Dial M for Murder (1954)
  • Ventana trasera (1954)
  • Para atrapar a un ladrón (1955)
  • El problema con Harry (1955)
  • El hombre que sabía demasiado (1956)
  • El hombre equivocado (1956)
  • Vertigo (1958)
  • North by Northwest (1959)
  • Psycho (1960)
  • Los pájaros (1963)
  • Marnie (1964)
  • Torn Curtain (1966)
  • Topacio (1969)
  • Frenzy (1972)
  • Family Plot (1976) (película final)

Notas y fuentes

Notas

Contenido relacionado

Tratado de Belgrado

Barco pt

Palacio de Westminster

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