Akira Kurosawa
Akira Kurosawa (japonés: 黒澤 明, Hepburn: Kurosawa Akira, 23 de marzo de 1910 - 6 de septiembre de 1998) fue un cineasta y pintor japonés que dirigió treinta películas en un carrera de más de cinco décadas. Es ampliamente considerado como uno de los cineastas más importantes e influyentes en la historia del cine. Kurosawa mostró un estilo audaz y dinámico, fuertemente influenciado por el cine occidental pero distinto de él; estuvo involucrado en todos los aspectos de la producción cinematográfica.
Kurosawa ingresó a la industria cinematográfica japonesa en 1936, luego de una breve etapa como pintor. Después de años de trabajar en numerosas películas como asistente de dirección y guionista, hizo su debut como director durante la Segunda Guerra Mundial con la popular película de acción Sanshiro Sugata. Después de la guerra, Drunken Angel (1948), aclamada por la crítica, en la que Kurosawa eligió al actor entonces poco conocido Toshiro Mifune en un papel protagónico, consolidó la reputación del director como uno de los más destacados. jóvenes cineastas importantes de Japón. Los dos hombres continuarían colaborando en otras quince películas.
Rashomon (1950), que se estrenó en Tokio, se convirtió en el sorpresivo ganador del León de Oro en el Festival de Cine de Venecia de 1951. El éxito comercial y de crítica de esa película abrió los mercados cinematográficos occidentales por primera vez a los productos de la industria cinematográfica japonesa, lo que a su vez llevó al reconocimiento internacional de otros cineastas japoneses. Kurosawa dirigió aproximadamente una película por año durante la década de 1950 y principios de la de 1960, incluidas varias películas de gran prestigio (y a menudo adaptadas), como Ikiru (1952), Seven Samurai (1954), Trono de sangre (1957) y Yojimbo (1961). Después de la década de 1960 se volvió mucho menos prolífico; aun así, su trabajo posterior, incluidas dos de sus últimas películas, Kagemusha (1980) y Ran (1985), siguió recibiendo grandes elogios.
En 1990, aceptó el Premio de la Academia a la Trayectoria. Póstumamente, fue nombrado "asiático del siglo" en el "Artes, Literatura y Cultura" categoría por la revista AsianWeek y CNN, citado allí como una de las cinco personas que contribuyeron de manera más destacada a la mejora de Asia en el siglo XX. Su carrera ha sido honrada por muchas retrospectivas, estudios críticos y biografías impresas y en video, y por lanzamientos en muchos medios de consumo.
Biografía
De la infancia a los años de la guerra (1910–1945)
Infancia y juventud (1910-1935)
Kurosawa nació el 23 de marzo de 1910 en Ōimachi, en el distrito de Ōmori de Tokio. Su padre Isamu (1864–1948), miembro de una familia de samuráis de la prefectura de Akita, trabajó como director de la escuela secundaria inferior del Instituto de Educación Física del Ejército, mientras que su madre Shima (1870–1952) procedía de una familia de comerciantes que vivía en Osaka. Akira era el octavo hijo y el menor de una familia moderadamente rica, con dos de sus hermanos ya mayores en el momento de su nacimiento y uno fallecido, dejando a Kurosawa con tres hermanas y un hermano.
Además de promover el ejercicio físico, Isamu Kurosawa estaba abierto a las tradiciones occidentales y consideraba que el teatro y las películas tenían mérito educativo. Animó a sus hijos a ver películas; El joven Akira vio sus primeras películas a la edad de seis años. Una importante influencia formativa fue su maestro de escuela primaria, el Sr. Tachikawa, cuyas prácticas educativas progresivas despertaron en su joven alumno primero el amor por el dibujo y luego el interés por la educación en general. Durante este tiempo, el niño también estudió caligrafía y esgrima de Kendo.
Otra gran influencia de la infancia fue Heigo Kurosawa (1906-1933), el hermano mayor de Akira por cuatro años. A raíz del gran terremoto de Kantō de 1923, Heigo llevó a Akira, de trece años, a ver la devastación. Cuando el hermano menor quiso apartar la mirada de los cadáveres de humanos y animales esparcidos por todas partes, Heigo le prohibió hacerlo, alentando a Akira a enfrentar sus miedos enfrentándolos directamente. Algunos comentaristas han sugerido que este incidente influiría en la carrera artística posterior de Kurosawa, ya que el director rara vez dudaba en confrontar verdades desagradables en su trabajo.
Heigo tenía talento académico, pero poco después de no poder asegurarse un lugar en la escuela secundaria más importante de Tokio, comenzó a separarse del resto de la familia y prefirió concentrarse en su interés por la literatura extranjera. A fines de la década de 1920, Heigo se convirtió en benshi (narrador de cine mudo) para los cines de Tokio que mostraban películas extranjeras y rápidamente se hizo un nombre. Akira, que en ese momento planeaba convertirse en pintor, se mudó con él y los dos hermanos se volvieron inseparables. Con la guía de Heigo, Akira devoró no solo películas, sino también representaciones teatrales y circenses, mientras exhibía sus pinturas y trabajaba para la organización de izquierda Proletarian Artists. Liga. Sin embargo, nunca pudo ganarse la vida con su arte y, cuando comenzó a percibir que la mayor parte del movimiento proletario "ponía ideales políticos incumplidos directamente sobre el lienzo", perdió su entusiasmo por la pintura.
Con el aumento de la producción de películas sonoras a principios de la década de 1930, los narradores de películas como Heigo comenzaron a perder trabajo y Akira volvió a vivir con sus padres. En julio de 1933, Heigo se suicidó. Kurosawa ha comentado sobre la sensación duradera de pérdida que sintió por la muerte de su hermano y el capítulo de su autobiografía (Algo parecido a una autobiografía) que lo describe, escrito casi medio siglo después del evento. —se titula, "Una historia que no quiero contar". Solo cuatro meses después, el hermano mayor de Kurosawa también murió, dejando a Akira, a los 23 años, como el único de los hermanos Kurosawa que aún vivía, junto con sus tres hermanas sobrevivientes.
Director en formación (1935-1941)
En 1935, el nuevo estudio de cine Photo Chemical Laboratories, conocido como P.C.L. (que luego se convirtió en el principal estudio Toho), anunciado para asistentes de dirección. Aunque no había demostrado ningún interés previo en el cine como profesión, Kurosawa presentó el ensayo requerido, que pedía a los solicitantes que discutieran las deficiencias fundamentales de las películas japonesas y encontraran formas de superarlas. Su punto de vista medio burlón era que si las deficiencias eran fundamentales, no había forma de corregirlas. El ensayo de Kurosawa le valió una llamada para realizar los exámenes de seguimiento, y el director Kajirō Yamamoto, que estaba entre los examinadores, tomó cariño a Kurosawa e insistió en que el estudio lo contratara. Kurosawa, de 25 años, se unió a P.C.L. en febrero de 1936.
Durante sus cinco años como asistente de dirección, Kurosawa trabajó con numerosos directores, pero la figura más importante en su desarrollo fue Yamamoto. De sus 24 películas como A.D., trabajó en 17 con Yamamoto, muchas de ellas comedias protagonizadas por el popular actor Ken'ichi Enomoto, conocido como 'Enoken'. Yamamoto fomentó el talento de Kurosawa y lo ascendió directamente de tercer asistente de dirección a asistente de dirección en jefe después de un año. Las responsabilidades de Kurosawa aumentaron y trabajó en tareas que iban desde la construcción de escenarios y el desarrollo de películas hasta la búsqueda de locaciones, pulido de guiones, ensayos, iluminación, doblaje, edición y dirección de segundas unidades. En la última de las películas de Kurosawa como asistente de dirección de Yamamoto, Horse (1941), Kurosawa se hizo cargo de la mayor parte de la producción, ya que su mentor estaba ocupado con el rodaje de otra película.
Yamamoto le aconsejó a Kurosawa que un buen director necesitaba dominar la escritura de guiones. Kurosawa pronto se dio cuenta de que las ganancias potenciales de sus guiones eran mucho más altas que lo que le pagaban como asistente de dirección. Más tarde escribió o coescribió todas sus películas, y con frecuencia escribió guiones para otros directores, como la película de Satsuo Yamamoto, A Triumph of Wings (Tsubasa no gaika, 1942). Esta escritura de guiones externa serviría a Kurosawa como una lucrativa actividad secundaria que duraría hasta bien entrada la década de 1960, mucho después de que se hiciera famoso.
Películas de guerra y matrimonio (1942-1945)
En los dos años posteriores al lanzamiento de Horse en 1941, Kurosawa buscó una historia que pudiera usar para lanzar su carrera como director. Hacia fines de 1942, aproximadamente un año después del ataque japonés a Pearl Harbor, el novelista Tsuneo Tomita publicó su novela de judo inspirada en Musashi Miyamoto, Sanshiro Sugata, cuyos anuncios intrigaron a Kurosawa. Compró el libro el día de su publicación, lo devoró de una vez e inmediatamente le pidió a Toho que se asegurara los derechos de la película. El instinto inicial de Kurosawa resultó ser correcto ya que, a los pocos días, otros tres grandes estudios japoneses también se ofrecieron a comprar los derechos. Toho prevaleció y Kurosawa comenzó la preproducción de su trabajo debut como director.
El rodaje de Sanshiro Sugata comenzó en Yokohama en diciembre de 1942. La producción avanzó sin problemas, pero lograr que la película completa pasara la censura fue un asunto completamente diferente. La oficina de censura consideró que la obra era objetablemente "británico-estadounidense" según los estándares del Japón en tiempos de guerra, y fue solo gracias a la intervención del director Yasujirō Ozu, quien defendió la película, que Sanshiro Sugata fue finalmente aceptado para su estreno el 25 de marzo de 1943. (Kurosawa acababa de cumplir 33.) La película se convirtió en un éxito comercial y de crítica. Sin embargo, la oficina de censura decidiría más tarde recortar unos 18 minutos de metraje, muchos de los cuales ahora se consideran perdidos.
Luego se centró en el tema de las trabajadoras de fábricas en tiempos de guerra en The Most Beautiful, una película de propaganda que filmó en un estilo semidocumental a principios de 1944. Para obtener interpretaciones realistas de sus actrices, el director los hizo vivir en una fábrica real durante el rodaje, comer la comida de la fábrica y llamarse unos a otros por los nombres de sus personajes. Utilizaría métodos similares con sus artistas a lo largo de su carrera.
Durante la producción, la actriz que interpreta a la líder de los trabajadores de la fábrica, Yōko Yaguchi, fue elegida por sus colegas para presentar sus demandas al director. Ella y Kurosawa estaban constantemente en desacuerdo, y fue a través de estos argumentos que, paradójicamente, los dos se volvieron cercanos. Se casaron el 21 de mayo de 1945, con Yaguchi embarazada de dos meses (nunca retomó su carrera como actriz), y la pareja permanecería junta hasta su muerte en 1985. Tuvieron dos hijos, ambos sobrevivieron a Kurosawa a partir de 2018: un hijo, Hisao, nacido el 20 de diciembre de 1945, que se desempeñó como productor en algunos de los últimos proyectos de su padre, y Kazuko, una hija, nacida el 29 de abril de 1954, que se convirtió en diseñadora de vestuario.
Poco antes de casarse, el estudio presionó a Kurosawa contra su voluntad para que dirigiera una secuela de su película debut. Sanshiro Sugata Part II, a menudo descaradamente propagandística, que se estrenó en mayo de 1945, generalmente se considera una de sus películas más débiles.
Kurosawa decidió escribir el guión de una película que sería a la vez amigable con la censura y menos costosa de producir. Los hombres que pisan la cola del tigre, basada en la obra kabuki Kanjinchō y protagonizada por el comediante Enoken, con quien Kurosawa había trabajado a menudo durante sus días como asistente de dirección., se completó en septiembre de 1945. En ese momento, Japón se había rendido y había comenzado la ocupación de Japón. Los nuevos censores estadounidenses interpretaron los valores supuestamente promovidos en la imagen como demasiado "feudales" y prohibió la obra. No se estrenó hasta 1952, año en que también se estrenó otra película de Kurosawa, Ikiru. Irónicamente, mientras estaba en producción, la película ya había sido criticada por los censores japoneses en tiempos de guerra como demasiado occidental y 'democrática'. (en particular, no les gustaba el portero cómico interpretado por Enoken), por lo que la película probablemente no habría visto la luz incluso si la guerra hubiera continuado más allá de su finalización.
Primeros años de la posguerra a Red Beard (1946–1965)
Primeras obras de posguerra (1946-1950)
Después de la guerra, Kurosawa, influenciado por los ideales democráticos de la Ocupación, buscó hacer películas que establecieran un nuevo respeto por el individuo y por uno mismo. La primera película de este tipo, No Regrets for Our Youth (1946), inspirada tanto en el incidente de Takigawa de 1933 como en el caso de espionaje de la guerra de Hotsumi Ozaki, criticó el régimen de preguerra de Japón por su opresión política. Atípicamente para el director, el heroico personaje central es una mujer, Yukie (Setsuko Hara), quien, nacida en el privilegio de la clase media alta, llega a cuestionar sus valores en un momento de crisis política. El guión original tuvo que ser ampliamente reescrito y, debido a su tema controvertido y al género de su protagonista, la obra completa dividió a los críticos. Sin embargo, logró ganarse la aprobación del público, que convirtió las variaciones del título de la película en un eslogan de la posguerra.
Su siguiente película, One Wonderful Sunday, se estrenó en julio de 1947 con críticas mixtas. Es una historia de amor relativamente sencilla y sentimental que trata sobre una pareja empobrecida de la posguerra que intenta disfrutar, dentro de la devastación del Tokio de la posguerra, su único día libre a la semana. La película tiene la influencia de Frank Capra, D. W. Griffith y F. W. Murnau, cada uno de los cuales se encontraba entre los directores favoritos de Kurosawa. Otra película estrenada en 1947 con la participación de Kurosawa fue el thriller de acción y aventuras Snow Trail, dirigido por Senkichi Taniguchi a partir del guión de Kurosawa. Marcó el debut del intenso joven actor Toshiro Mifune. Fue Kurosawa quien, con su mentor Yamamoto, había intervenido para persuadir a Toho de fichar a Mifune, durante una audición en la que el joven impresionó mucho a Kurosawa, pero logró alienar a la mayoría de los demás jueces.
Drunken Angel a menudo se considera el primer gran trabajo del director. Aunque el guión, como todas las obras de la era de la ocupación de Kurosawa, tuvo que pasar por reescrituras debido a la censura estadounidense, Kurosawa sintió que esta era la primera película en la que podía expresarse libremente. Una historia cruda de un médico que intenta salvar a un gángster (yakuza) con tuberculosis, también fue la primera vez que Kurosawa dirigió a Mifune, quien desempeñó papeles importantes en todas menos una de las próximas 16 películas del director. (la excepción es Ikiru). Si bien Mifune no fue elegido como protagonista en Drunken Angel, su explosiva actuación como gángster domina tanto el drama que cambió el enfoque del personaje principal, el médico alcohólico interpretado por Takashi Shimura, quien ya había apareció en varias películas de Kurosawa. Sin embargo, Kurosawa no quería sofocar la inmensa vitalidad del joven actor, y el carácter rebelde de Mifune electrificó al público de la misma manera que la postura desafiante de Marlon Brando sobresaltaría al público cinematográfico estadounidense unos años más tarde.. La película se estrenó en Tokio en abril de 1948 con excelentes críticas y fue elegida por la prestigiosa encuesta de críticos Kinema Junpo como la mejor película de su año, la primera de tres películas de Kurosawa en recibir este honor.
Kurosawa, junto con el productor Sōjirō Motoki y los directores y amigos Kajiro Yamamoto, Mikio Naruse y Senkichi Taniguchi, formaron una nueva unidad de producción independiente llamada Film Art Association (Eiga Geijutsu Kyōkai). Para el trabajo debut de esta organización y la primera película de los estudios Daiei, Kurosawa recurrió a una obra contemporánea de Kazuo Kikuta y, junto con Taniguchi, la adaptó para la pantalla. The Quiet Duel protagonizada por Toshiro Mifune como un joven médico idealista que lucha contra la sífilis, un intento deliberado de Kurosawa para evitar que el actor fuera encasillado como gángster. Estrenada en marzo de 1949, fue un éxito de taquilla, pero generalmente se considera uno de los logros menores del director.
Su segunda película de 1949, también producida por Film Art Association y estrenada por Shintoho, fue Stray Dog. Es una película de detectives (quizás la primera película japonesa importante en ese género) que explora el estado de ánimo de Japón durante su dolorosa recuperación de la posguerra a través de la historia de un joven detective, interpretado por Mifune, y su fijación por la recuperación de su arma de fuego, que fue robado por un veterano de guerra sin un centavo que procede a usarlo para robar y asesinar. Adaptada de una novela inédita de Kurosawa al estilo de uno de sus escritores favoritos, Georges Simenon, fue la primera colaboración del director con el guionista Ryuzo Kikushima, quien más tarde ayudaría a escribir otras ocho películas de Kurosawa. Una famosa secuencia, prácticamente sin palabras, de más de ocho minutos de duración, muestra al detective, disfrazado de veterano empobrecido, deambulando por las calles en busca del ladrón de armas; empleó imágenes documentales reales de los barrios de Tokio devastados por la guerra filmadas por el amigo de Kurosawa, Ishirō Honda, el futuro director de Godzilla. La película se considera un precursor de los géneros de películas policiales de procedimiento y de policías amigos contemporáneos.
Scandal, estrenada por Shochiku en abril de 1950, se inspiró en las experiencias personales del director y su ira hacia el periodismo amarillo japonés. El trabajo es una mezcla ambiciosa de drama judicial y película de problemas sociales sobre la libertad de expresión y la responsabilidad personal, pero incluso Kurosawa consideró que el producto final estaba dramáticamente desenfocado e insatisfactorio, y casi todos los críticos están de acuerdo. Sin embargo, sería la segunda película de Kurosawa de 1950, Rashomon, la que finalmente le ganaría a él y al cine japonés una audiencia internacional completamente nueva.
Reconocimiento internacional (1950–1958)
Después de terminar Scandal, los estudios Daiei se acercaron a Kurosawa para hacer otra película para ellos. Kurosawa eligió un guión de un joven aspirante a guionista, Shinobu Hashimoto, quien eventualmente trabajaría en nueve de sus películas. Su primer esfuerzo conjunto se basó en el cuento experimental de Ryūnosuke Akutagawa 'In a Grove', que relata el asesinato de un samurái y la violación de su esposa desde varios puntos de vista diferentes y contradictorios.. Kurosawa vio potencial en el guión y, con la ayuda de Hashimoto, lo pulió y amplió y luego se lo presentó a Daiei, quien aceptó felizmente el proyecto debido a su bajo presupuesto.
El rodaje de Rashomon comenzó el 7 de julio de 1950 y, después de un extenso trabajo de localización en el bosque primitivo de Nara, terminó el 17 de agosto. Solo se dedicó una semana a la posproducción apresurada, obstaculizado por un incendio en el estudio, y la película terminada se estrenó en el Teatro Imperial de Tokio el 25 de agosto y se expandió por todo el país al día siguiente. La película recibió críticas tibias, con muchos críticos desconcertados por su tema y tratamiento únicos, pero, sin embargo, fue un éxito financiero moderado para Daiei.
La siguiente película de Kurosawa, para Shochiku, fue The Idiot, una adaptación de la novela del escritor favorito del director, Fyodor Dostoevsky. La historia se traslada de Rusia a Hokkaido, pero por lo demás se adhiere estrechamente al original, un hecho que muchos críticos consideran perjudicial para la obra. Una edición ordenada por el estudio lo acortó del corte original de Kurosawa de 265 minutos a solo 166 minutos, lo que hizo que la narrativa resultante fuera extremadamente difícil de seguir. La versión cinematográfica severamente editada es ampliamente considerada como una de las obras menos exitosas del director y la versión original de larga duración ya no existe. Las críticas contemporáneas de la versión editada muy abreviada fueron muy negativas, pero la película tuvo un éxito moderado en la taquilla, en gran parte debido a la popularidad de una de sus estrellas, Setsuko Hara.
Mientras tanto, sin que Kurosawa lo supiera, Rashomon había sido inscrito en el Festival de Cine de Venecia, gracias a los esfuerzos de Giuliana Stramigioli, representante en Japón de una compañía cinematográfica italiana, que había visto y admirado la película y convenció a Daiei para que la presentara. El 10 de septiembre de 1951, Rashomon recibió el premio más importante del festival, el León de Oro, sorprendiendo no solo a Daiei sino también al mundo cinematográfico internacional, que en ese momento desconocía en gran medida a Japón.;s tradición cinematográfica de décadas de antigüedad.
Después de que Daiei exhibiera brevemente una copia subtitulada de la película en Los Ángeles, RKO compró los derechos de distribución de Rashomon en los Estados Unidos. La empresa se estaba arriesgando considerablemente. Había lanzado solo una película subtitulada anteriormente en el mercado estadounidense, y el único cine sonoro japonés lanzado comercialmente en Nueva York había sido la comedia de Mikio Naruse, Wife! Be Like a Rose, en 1937: un fracaso de crítica y taquilla. Sin embargo, la carrera comercial de Rashomon', ayudada en gran medida por las sólidas críticas de los críticos e incluso el columnista Ed Sullivan, ganó $35,000 en sus primeras tres semanas en un solo teatro de Nueva York, una suma casi inaudita en ese momento.
Este éxito, a su vez, hizo que las películas japonesas se pusieran de moda en Estados Unidos y Occidente durante la década de 1950, reemplazando el entusiasmo por el cine neorrealista italiano. A fines de 1952, Rashomon se lanzó en Japón, Estados Unidos y la mayor parte de Europa. Entre los cineastas japoneses cuyo trabajo, como resultado, comenzó a ganar premios en festivales y estrenos comerciales en Occidente se encuentran Kenji Mizoguchi (La vida de Oharu, Ugetsu, < i>Sansho the Bailiff) y, algo más tarde, Yasujirō Ozu (Tokyo Story, An Autumn Afternoon)—artistas muy respetados en Japón pero, antes de este período, casi totalmente desconocido en occidente. La creciente reputación de Kurosawa entre el público occidental en la década de 1950 haría que el público occidental simpatizara más con la recepción de las generaciones posteriores de cineastas japoneses, desde Kon Ichikawa, Masaki Kobayashi, Nagisa Oshima y Shohei Imamura hasta Juzo Itami, Takeshi Kitano y Takashi Miike.
Con su carrera impulsada por su repentina fama internacional, Kurosawa, ahora reunido con su estudio de cine original, Toho (que continuaría produciendo sus siguientes 11 películas), se puso a trabajar en su próximo proyecto, Ikiru. La película está protagonizada por Takashi Shimura como un burócrata de Tokio con cáncer, Watanabe, en una búsqueda final de significado antes de su muerte. Para el guión, Kurosawa contrató a Hashimoto y al escritor Hideo Oguni, quien coescribiría doce películas de Kurosawa. A pesar del sombrío tema de la obra, los guionistas adoptaron un enfoque satírico, que algunos han comparado con la obra de Brecht, tanto del mundo burocrático de su héroe como de la colonización cultural estadounidense de Japón. (Las canciones pop estadounidenses ocupan un lugar destacado en la película). Debido a esta estrategia, a los cineastas generalmente se les atribuye haber salvado la imagen del tipo de sentimentalismo común en los dramas sobre personajes con enfermedades terminales. Ikiru se estrenó en octubre de 1952 con excelentes críticas: le valió a Kurosawa su segundo Kinema Junpo "Mejor película" premio—y un enorme éxito de taquilla. Sigue siendo la más aclamada de todas las películas del artista ambientadas en la era moderna.
En diciembre de 1952, Kurosawa llevó a sus guionistas de Ikiru, Shinobu Hashimoto y Hideo Oguni, a una residencia aislada de cuarenta y cinco días en una posada para crear el guión de su próxima película, Siete samuráis. El trabajo de conjunto fue la primera película de samuráis propiamente dicha de Kurosawa, el género por el que se haría más famoso. La historia simple, sobre un pueblo agrícola pobre en el Japón del período Sengoku que contrata a un grupo de samuráis para defenderlo contra un ataque inminente de bandidos, recibió un tratamiento épico completo, con un gran elenco (compuesto en gran parte por veteranos de producciones anteriores de Kurosawa) y acción meticulosamente detallada, que se extiende a casi tres horas y media de tiempo de pantalla.
Pasaron tres meses en la preproducción y un mes en los ensayos. El rodaje duró 148 días repartidos en casi un año, interrumpidos por problemas de producción y financiación y los problemas de salud de Kurosawa. La película finalmente se estrenó en abril de 1954, medio año después de su fecha de estreno original y aproximadamente tres veces por encima del presupuesto, lo que la convirtió en ese momento en la película japonesa más cara jamás realizada. (Sin embargo, según los estándares de Hollywood, fue una producción con un presupuesto bastante modesto, incluso para esa época). La película recibió una reacción crítica positiva y se convirtió en un gran éxito, recuperando rápidamente el dinero invertido en ella y brindando al estudio un producto que necesitaban. pudo, y lo hizo, comercializar internacionalmente, aunque con ediciones extensas. Con el tiempo, y con los estrenos en cines y videos caseros de la versión sin cortes, su reputación ha crecido constantemente. Ahora, algunos comentaristas la consideran la mejor película japonesa jamás realizada, y en 1999, una encuesta de críticos de cine japoneses también la votó como la mejor película japonesa jamás realizada. En la versión más reciente (2012) del muy respetado British Film Institute (BFI) Sight & Sonido "Las mejores películas de todos los tiempos" encuesta, Seven Samurai ocupó el puesto 17 entre todas las películas de todos los países, tanto en la clasificación de los críticos como en la de los críticos. y los directores' encuestas, recibiendo un lugar en las listas Top Ten de 48 críticos y 22 directores.
En 1954, las pruebas nucleares en el Pacífico estaban causando tormentas radiactivas en Japón y un incidente en particular en marzo expuso un barco pesquero japonés a la lluvia radiactiva, con resultados desastrosos. Es en esta atmósfera ansiosa que se concibió la próxima película de Kurosawa, Record of a Living Being. La historia trata sobre el anciano propietario de una fábrica (Toshiro Mifune) tan aterrorizado ante la perspectiva de un ataque nuclear que se decide a trasladar a toda su familia extensa (tanto legal como extramatrimonial) a lo que imagina que es la seguridad de una granja en Brasil.. La producción fue mucho más fluida que la película anterior del director, pero unos días antes de que terminara el rodaje, el compositor, colaborador y amigo cercano de Kurosawa, Fumio Hayasaka, murió (de tuberculosis) a la edad de 41 años. La partitura de 39 fue terminada por el estudiante de Hayasaka, Masaru Sato, quien pasaría a componer la partitura de las siguientes ocho películas de Kurosawa. Record of a Living Being se estrenó en noviembre de 1955 con críticas mixtas y una reacción del público apagada, convirtiéndose en la primera película de Kurosawa en perder dinero durante su presentación original en cines. Hoy en día, muchos la consideran una de las mejores películas que abordan los efectos psicológicos del estancamiento nuclear mundial.
El próximo proyecto de Kurosawa, Throne of Blood, una adaptación de Macbeth de William Shakespeare, ambientada como Seven Samurai i>, en la era Sengoku, representó una ambiciosa transposición de la obra inglesa a un contexto japonés. Kurosawa instruyó a su actriz principal, Isuzu Yamada, para que considerara la obra como si fuera una versión cinematográfica de un clásico literario japonés en lugar de europeo. Dada la apreciación de Kurosawa por la interpretación escénica tradicional japonesa, la actuación de los actores, en particular de Yamada, se basa en gran medida en las técnicas estilizadas del teatro Noh. Se filmó en 1956 y se estrenó en enero de 1957 con una respuesta interna ligeramente menos negativa que la que había tenido la película anterior del director. En el extranjero, Throne of Blood, independientemente de las libertades que se tome con su material de origen, se ganó rápidamente un lugar entre las adaptaciones de Shakespeare más célebres.
Otra adaptación de una obra teatral clásica europea siguió casi de inmediato, con la producción de Los bajos fondos, basada en una obra de Máximo Gorki, que tuvo lugar en mayo y junio de 1957. En contraste con la obra de Shakespeare barrido de Trono de sangre, Los bajos fondos se rodó en solo dos decorados confinados, para enfatizar la naturaleza restringida de los personajes. vive. Aunque fiel a la obra, esta adaptación del material ruso a un entorno completamente japonés, en este caso, el período Edo tardío, a diferencia de su anterior El idiota, se consideró un éxito artístico. La película se estrenó en septiembre de 1957 y recibió una respuesta mixta similar a la de Throne of Blood. Sin embargo, algunos críticos la sitúan entre las obras más infravaloradas del director.
Las tres próximas películas de Kurosawa después de Seven Samurai no lograron capturar al público japonés de la forma en que lo hizo esa película. El estado de ánimo del trabajo del director se había vuelto cada vez más pesimista y oscuro incluso cuando Japón entró en un período de auge de crecimiento de alta velocidad y aumento del nivel de vida. Fuera de sintonía con el estado de ánimo predominante de la época, las películas de Kurosawa cuestionaron la posibilidad de redención a través de la responsabilidad personal, particularmente en Throne of Blood y The Lower Depths. Reconoció esto y deliberadamente apuntó a una película más alegre y entretenida para su próxima producción, mientras cambiaba al nuevo formato de pantalla ancha que había ganado popularidad en Japón. La película resultante, The Hidden Fortress, es una comedia dramática de acción y aventuras sobre una princesa medieval, su leal general y dos campesinos que necesitan viajar a través de las líneas enemigas para llegar a su región de origen. Estrenada en diciembre de 1958, The Hidden Fortress se convirtió en un enorme éxito de taquilla en Japón y fue recibida calurosamente por la crítica tanto en Japón como en el extranjero. Hoy en día, la película se considera uno de los esfuerzos más ligeros de Kurosawa, aunque sigue siendo popular, sobre todo porque es una de las principales influencias en la ópera espacial de George Lucas de 1977, Star Wars.
Nacimiento de una empresa y Barbarroja (1959–1965)
A partir de Rashomon, las producciones de Kurosawa se habían vuelto cada vez más grandes en alcance, al igual que los presupuestos del director. Toho, preocupado por este desarrollo, sugirió que podría ayudar a financiar sus propios trabajos, por lo tanto, reducir las pérdidas potenciales del estudio y, a su vez, permitirse una mayor libertad artística como coproductor. Kurosawa estuvo de acuerdo y Kurosawa Production Company se estableció en abril de 1959, con Toho como accionista mayoritario.
A pesar de arriesgar su propio dinero, Kurosawa eligió una historia que criticaba más directamente a las élites políticas y empresariales japonesas que cualquier otro trabajo anterior. The Bad Sleep Well, basado en un guión del sobrino de Kurosawa, Mike Inoue, es un drama de venganza sobre un joven que logra infiltrarse en la jerarquía de una empresa japonesa corrupta con la intención de exponiendo a los hombres responsables de la muerte de su padre. Su tema resultó ser actual: mientras se producía la película, se llevaron a cabo las protestas masivas de Anpo contra el nuevo tratado de seguridad entre Estados Unidos y Japón, que muchos japoneses, en particular los jóvenes, consideraban una amenaza para la democracia del país al ceder demasiado mucho poder a las corporaciones y los políticos. La película se estrenó en septiembre de 1960 con una reacción crítica positiva y un modesto éxito de taquilla. La secuencia de apertura de 25 minutos que muestra una recepción de boda corporativa es ampliamente considerada como una de las escenas más hábilmente ejecutadas por Kurosawa, pero el resto de la película a menudo se percibe como decepcionante en comparación. La película también ha sido criticada por emplear al héroe convencional de Kurosawan para combatir un mal social que no puede resolverse mediante las acciones de los individuos, por valientes o astutos que sean.
Yojimbo (El guardaespaldas), la segunda película de Kurosawa Production, se centra en un samurái sin amo, Sanjuro, que se adentra en un pueblo del siglo XIX gobernado por dos facciones violentas opuestas y las provoca para que se destruyan entre sí. El director usó este trabajo para jugar con muchas convenciones de género, particularmente el western, mientras que al mismo tiempo ofrecía una representación gráfica de la violencia sin precedentes (para la pantalla japonesa). Algunos comentaristas han visto al personaje de Sanjuro en esta película como una figura de fantasía que mágicamente revierte el triunfo histórico de la clase mercantil corrupta sobre la clase samurái. Con Tatsuya Nakadai en su primer papel importante en una película de Kurosawa, y con una fotografía innovadora de Kazuo Miyagawa (quien filmó a Rashomon) y Takao Saito, la película se estrenó en abril de 1961 y fue un éxito comercial y de crítica., ganando más que cualquier película anterior de Kurosawa. La película y su tono negro cómico también fueron ampliamente imitados en el extranjero. Por un puñado de dólares de Sergio Leone fue una nueva versión virtual (no autorizada) escena por escena con Toho presentando una demanda en nombre de Kurosawa y prevaleciendo.
Tras el éxito de Yojimbo, Kurosawa se vio presionado por Toho para crear una secuela. Kurosawa recurrió a un guión que había escrito antes de Yojimbo y lo reformuló para incluir al héroe de su película anterior. Sanjuro fue la primera de tres películas de Kurosawa que se adaptaron de la obra del escritor Shūgorō Yamamoto (las otras serían Red Beard y Dodeskaden). Tiene un tono más claro y se acerca más a una película de época convencional que Yojimbo, aunque la historia de una lucha por el poder dentro de un clan de samuráis está retratada con un trasfondo fuertemente cómico. La película se estrenó el 1 de enero de 1962, superando rápidamente el éxito de taquilla de Yojimbo'. y obteniendo críticas positivas.
Mientras tanto, Kurosawa había dado instrucciones a Toho para que comprara los derechos cinematográficos de King's Ransom, una novela sobre un secuestro escrita por el autor y guionista estadounidense Evan Hunter, bajo su seudónimo de Ed McBain, como uno de su serie 87th Precinct de libros sobre crímenes. El director pretendía crear una obra de denuncia del secuestro, al que consideraba uno de los peores delitos. La película de suspenso, titulada High and Low, se rodó durante la segunda mitad de 1962 y se estrenó en marzo de 1963. Rompió el récord de taquilla de Kurosawa (la tercera película consecutiva en hacerlo).), se convirtió en la película japonesa más taquillera del año y ganó críticas entusiastas. Sin embargo, su triunfo se vio algo empañado cuando, irónicamente, se culpó a la película de una ola de secuestros que ocurrieron en Japón en esa época (él mismo recibió amenazas de secuestro dirigidas a su pequeña hija, Kazuko). Muchos comentaristas consideran que High and Low se encuentra entre las obras más sólidas del director.
Kurosawa pasó rápidamente a su próximo proyecto, Red Beard. Basada en una colección de cuentos de Shūgorō Yamamoto e incorporando elementos de la novela de Dostoievski Los insultados y heridos, es una película de época, ambientada en una clínica para pobres de mediados del siglo XIX, en que los temas humanistas de Kurosawa reciben quizás su declaración más completa. Yasumoto, un joven médico engreído y materialista formado en el extranjero, se ve obligado a convertirse en interno en la clínica bajo la estricta tutela del doctor Niide, conocido como "Akahige" ("Barba Roja"), interpretada por Mifune. Aunque inicialmente se resiste a Red Beard, Yasumoto llega a admirar su sabiduría y coraje, y a percibir a los pacientes de la clínica, a quienes al principio despreciaba, como dignos de compasión y dignidad.
Yūzō Kayama, que interpreta a Yasumoto, era una estrella de cine y música extremadamente popular en ese momento, particularmente por su "Young Guy" (Wakadaishō) serie de comedias musicales, por lo que ficharlo para que apareciera en la película prácticamente garantizó a Kurosawa una fuerte taquilla. El rodaje, el más largo de la historia del cineasta, duró más de un año (después de cinco meses de preproducción) y terminó en la primavera de 1965, dejando exhaustos al director, su equipo y sus actores. Red Beard se estrenó en abril de 1965, convirtiéndose en la producción japonesa más taquillera del año y la tercera (y última) película de Kurosawa en encabezar la prestigiosa encuesta anual de críticos Kinema Jumpo. Sigue siendo una de las obras más conocidas y queridas de Kurosawa en su país natal. Fuera de Japón, los críticos han estado mucho más divididos. La mayoría de los comentaristas conceden sus méritos técnicos y algunos lo elogian como uno de los mejores de Kurosawa, mientras que otros insisten en que carece de complejidad y poder narrativo genuino, y otros afirman que representa un retroceso del compromiso anterior del artista con cambio social y político.
La película marcó el final de una era para su creador. El propio director reconoció esto en el momento de su estreno y le dijo al crítico Donald Richie que acababa de terminar un ciclo de algún tipo y que sus futuras películas y métodos de producción serían diferentes. Su predicción resultó bastante precisa. A partir de fines de la década de 1950, la televisión comenzó a dominar cada vez más el tiempo libre de la audiencia cinematográfica japonesa, anteriormente grande y leal. Y a medida que cayeron los ingresos de las compañías cinematográficas, también lo hizo su apetito por el riesgo, particularmente el riesgo representado por los costosos métodos de producción de Kurosawa.
Barba Roja también marcó el punto medio, cronológicamente, en la carrera del artista. Durante sus veintinueve años anteriores en la industria del cine (que incluye sus cinco años como asistente de dirección), había dirigido veintitrés películas, mientras que durante los veintiocho años restantes, por muchas y complejas razones, completaría solo siete. más. Además, por razones nunca explicadas adecuadamente, Red Beard sería su última película protagonizada por Toshiro Mifune. Yu Fujiki, un actor que trabajó en The Lower Depths, observó, con respecto a la cercanía de los dos hombres en el set, "Sr. El corazón de Kurosawa estaba en el cuerpo del Sr. Mifune." Donald Richie ha descrito la relación entre ellos como una "simbiosis" única.
Ambiciones de Hollywood para las últimas películas (1966-1998)
Desvío de Hollywood (1966-1968)
Cuando finalizó el contrato exclusivo de Kurosawa con Toho en 1966, el director de 56 años estaba pensando seriamente en cambiar. Observando el estado problemático de la industria cinematográfica nacional y habiendo recibido ya decenas de ofertas del extranjero, la idea de trabajar fuera de Japón le atrajo como nunca antes.
Para su primer proyecto extranjero, Kurosawa eligió una historia basada en un artículo de la revista Life. El thriller de acción de Embassy Pictures, que se filmaría en inglés y se llamaría simplemente Runaway Train, habría sido el primero en color. Pero la barrera del idioma resultó ser un problema importante, y la versión en inglés del guión ni siquiera estaba terminada cuando el rodaje debía comenzar en el otoño de 1966. El rodaje, que requirió nieve, se trasladó al otoño de 1967 y luego se canceló en 1968. Casi dos décadas más tarde, otro director extranjero que trabajaba en Hollywood, Andrei Konchalovsky, finalmente hizo Runaway Train (1985), aunque a partir de un nuevo guión basado libremente en el de Kurosawa.
Mientras tanto, el director se había involucrado en un proyecto de Hollywood mucho más ambicioso. Tora! Torá! Tora!, producido por 20th Century Fox y Kurosawa Production, sería un retrato del ataque japonés a Pearl Harbor desde el punto de vista estadounidense y japonés, con Kurosawa al mando de la mitad japonesa y un cineasta anglofónico. dirigiendo la mitad americana. Pasó varios meses trabajando en el guión con Ryuzo Kikushima y Hideo Oguni, pero muy pronto el proyecto empezó a desmoronarse. El director de las secuencias estadounidenses resultó no ser David Lean, como se planeó originalmente, sino el estadounidense Richard Fleischer. También se recortó el presupuesto y el tiempo de pantalla asignado para el segmento japonés ahora no superaría los 90 minutos, un problema importante si se tiene en cuenta que el guión de Kurosawa duró más de cuatro horas. Después de numerosas revisiones con la participación directa de Darryl Zanuck, en mayo de 1968 se acordó un guión cortado más o menos finalizado.
El rodaje comenzó a principios de diciembre, pero Kurosawa duraría poco más de tres semanas como director. Luchó por trabajar con un equipo desconocido y los requisitos de una producción de Hollywood, mientras que sus métodos de trabajo desconcertaron a sus productores estadounidenses, quienes finalmente concluyeron que el director debe tener una enfermedad mental. Kurosawa fue examinado en el Hospital de la Universidad de Kioto por un neuropsicólogo, el Dr. Murakami, cuyo diagnóstico fue enviado a Darryl Zanuck y Richard Zanuck en los estudios de Fox indicando un diagnóstico de neurastenia que indica que, "Sufre de trastornos del sueño, agitado con sentimientos de ansiedad y excitación maníaca causados por la enfermedad antes mencionada. Es necesario que tenga reposo y tratamiento médico por más de dos meses." En la víspera de Navidad de 1968, los estadounidenses anunciaron que Kurosawa había dejado la producción debido a la 'fatiga' y lo despidieron. Finalmente, fue reemplazado, para las secuencias japonesas de la película, por dos directores, Kinji Fukasaku y Toshio Masuda.
¡Tora! Torá! Tora!, lanzado finalmente ante críticas poco entusiastas en septiembre de 1970, fue, como dijo Donald Richie, una "tragedia casi absoluta" en la carrera de Kurosawa. Había pasado años de su vida en un proyecto de pesadilla desde el punto de vista logístico al que finalmente no contribuyó con un pie de película filmada por él mismo. (Se eliminó su nombre de los créditos, aunque el guión utilizado para la mitad japonesa seguía siendo suyo y de sus coautores). Se separó de su colaborador de toda la vida, el escritor Ryuzo Kikushima, y nunca volvió a trabajar con él. Sin darse cuenta, el proyecto había expuesto la corrupción en su propia productora (una situación que recuerda a su propia película, The Bad Sleep Well). Su propia cordura había sido puesta en duda. Lo peor de todo fue que la industria cinematográfica japonesa, y tal vez el hombre mismo, comenzó a sospechar que nunca volvería a hacer otra película.
Una década difícil (1969-1977)
Sabiendo que su reputación estaba en juego tras el muy publicitado Tora! Torá! Tora! debacle, Kurosawa pasó rápidamente a un nuevo proyecto para demostrar que todavía era viable. En su ayuda vinieron los amigos y directores famosos Keisuke Kinoshita, Masaki Kobayashi y Kon Ichikawa, quienes junto con Kurosawa establecieron en julio de 1969 una productora llamada Club de los Cuatro Caballeros (Yonki no kai). Aunque el plan era que los cuatro directores crearan una película cada uno, se ha sugerido que la verdadera motivación de los otros tres directores era facilitar que Kurosawa completara con éxito una película y, por lo tanto, encontrar su camino de regreso al negocio.
El primer proyecto propuesto y en el que se trabajó fue una película de época que se llamaría Dora-heita, pero cuando se consideró demasiado cara, la atención se centró en Dodesukaden, una adaptación de otro trabajo de Shūgorō Yamamoto, nuevamente sobre los pobres y los indigentes. La película se rodó rápidamente (según los estándares de Kurosawa) en aproximadamente nueve semanas, con Kurosawa decidido a demostrar que todavía era capaz de trabajar de manera rápida y eficiente con un presupuesto limitado. Para su primer trabajo en color, se dejó de lado la edición dinámica y las composiciones complejas de sus fotografías anteriores, y el artista se centró en la creación de una paleta de colores primarios atrevida, casi surrealista, para revelar el ambiente tóxico en el que se encuentran los personajes. En Vivo. Fue lanzado en Japón en octubre de 1970, pero aunque fue un éxito crítico menor, fue recibido con indiferencia por parte del público. La imagen perdió dinero y provocó la disolución del Club de los Cuatro Caballeros. La recepción inicial en el extranjero fue algo más favorable, pero Dodesukaden desde entonces se ha considerado un experimento interesante no comparable con el mejor trabajo del director.
Después de luchar durante la producción de Dodesukaden, Kurosawa volvió al trabajo televisivo al año siguiente por única vez en su carrera con Song of the Horse, un documental sobre pura sangre. caballos de carrera Presentaba una voz en off narrada por un hombre ficticio y un niño (con la voz de los mismos actores que el mendigo y su hijo en Dodesukaden). Es el único documental en la filmografía de Kurosawa; el pequeño equipo incluía a su frecuente colaborador Masaru Sato, quien compuso la música. Song of the Horse también es único en la obra de Kurosawa porque incluye el crédito del editor, lo que sugiere que es la única película de Kurosawa que no cortó él mismo.
Incapaz de obtener fondos para seguir trabajando y supuestamente teniendo problemas de salud, Kurosawa aparentemente llegó al punto de ruptura: el 22 de diciembre de 1971, se cortó las muñecas y la garganta varias veces. El intento de suicidio no tuvo éxito y la salud del director se recuperó bastante rápido, con Kurosawa ahora refugiándose en la vida doméstica, sin saber si alguna vez dirigiría otra película.
A principios de 1973, el estudio soviético Mosfilm se acercó al cineasta para preguntarle si estaría interesado en trabajar con ellos. Kurosawa propuso una adaptación de la obra autobiográfica Dersu Uzala del explorador ruso Vladimir Arsenyev. El libro, sobre un cazador de Goldi que vive en armonía con la naturaleza hasta que es destruido por la invasión de la civilización, era uno que había querido hacer desde la década de 1930. En diciembre de 1973, Kurosawa, de 63 años, partió hacia la Unión Soviética con cuatro de sus colaboradores más cercanos, comenzando una estadía de año y medio en el país. El rodaje comenzó en mayo de 1974 en Siberia, y rodar en condiciones naturales extremadamente duras resultó ser muy difícil y exigente. La película terminó en abril de 1975, con un Kurosawa completamente exhausto y nostálgico que regresa a Japón con su familia en junio. Dersu Uzala tuvo su estreno mundial en Japón el 2 de agosto de 1975 y le fue bien en la taquilla. Si bien la recepción crítica en Japón fue silenciada, la película tuvo mejores críticas en el extranjero y ganó el Premio de Oro en el 9º Festival Internacional de Cine de Moscú, así como un Premio de la Academia a la Mejor Película en Lengua Extranjera. Hoy, los críticos siguen divididos sobre la película: algunos la ven como un ejemplo del supuesto declive artístico de Kurosawa, mientras que otros la cuentan entre sus mejores obras.
Aunque le enviaban propuestas para proyectos televisivos, no tenía ningún interés en trabajar fuera del mundo del cine. Sin embargo, el director, que bebía mucho, accedió a aparecer en una serie de anuncios televisivos del whisky Suntory, que se emitieron en 1976. Aunque temía que nunca más pudiera hacer otra película, el director siguió trabajando en varios proyectos, escribiendo guiones. y creando ilustraciones detalladas, con la intención de dejar un registro visual de sus planes en caso de que nunca pudiera filmar sus historias.
Dos epopeyas (1978–1986)
En 1977, el director estadounidense George Lucas estrenó Star Wars, una película de ciencia ficción de gran éxito influenciada por The Hidden Fortress de Kurosawa, entre otras obras. Lucas, como muchos otros directores del Nuevo Hollywood, reverenciaba a Kurosawa y lo consideraba un modelo a seguir, y se sorprendió al descubrir que el cineasta japonés no podía obtener financiamiento para ningún trabajo nuevo. Los dos se reunieron en San Francisco en julio de 1978 para discutir el proyecto que Kurosawa consideraba más viable económicamente: Kagemusha, la épica historia de un ladrón contratado como doble de un señor japonés medieval de un gran clan. Lucas, cautivado por el guión y las ilustraciones de Kurosawa, aprovechó su influencia sobre 20th Century Fox para obligar al estudio que había despedido a Kurosawa apenas diez años antes a producir Kagemusha, y luego reclutó a su compañero fan Francis Ford. Coppola como coproductor.
La producción comenzó el siguiente abril, con Kurosawa de muy buen humor. El rodaje duró desde junio de 1979 hasta marzo de 1980 y estuvo plagado de problemas, uno de los cuales fue el despido del actor principal original, Shintaro Katsu—creador del muy popular personaje Zatoichi—debido a un incidente en el que el actor insistió, en contra de los deseos del director, al grabar en video su propia actuación. (Fue reemplazado por Tatsuya Nakadai, en su primero de dos papeles protagónicos consecutivos en una película de Kurosawa). La película se completó con solo unas pocas semanas de retraso y se estrenó en Tokio en abril de 1980. Rápidamente se convirtió en un gran éxito en Japón. La película también fue un éxito de crítica y taquilla en el extranjero, ganando la codiciada Palma de Oro en el Festival de Cine de Cannes de 1980 en mayo, aunque algunos críticos, entonces y ahora, han criticado la película por su supuesta frialdad. Kurosawa pasó gran parte del resto del año en Europa y América promocionando Kagemusha, recogiendo premios y reconocimientos, y exhibiendo como arte los dibujos que había hecho para que sirvieran como guiones gráficos para la película.
El éxito internacional de Kagemusha permitió a Kurosawa continuar con su próximo proyecto, Ran, otra epopeya en la misma línea. El guión, basado en parte en el Rey Lear de William Shakespeare, mostraba a un daimyō (señor de la guerra) despiadado y sanguinario, interpretado por Tatsuya Nakadai, quien, después de desterrar tontamente a su un hijo leal, entrega su reino a sus otros dos hijos, quienes luego lo traicionan, sumergiendo así a todo el reino en la guerra. Como los estudios japoneses todavía desconfiaban de producir otra película que figurara entre las más caras jamás realizadas en el país, nuevamente se necesitaba ayuda internacional. Esta vez provino del productor francés Serge Silberman, quien había producido las últimas películas de Luis Buñuel. El rodaje no comenzó hasta diciembre de 1983 y duró más de un año.
En enero de 1985, la producción de Ran se detuvo cuando la esposa de Kurosawa, Yōko, de 64 años, cayó enferma. Murió el 1 de febrero. Kurosawa volvió a terminar su película y Ran se estrenó en el Festival de Cine de Tokio el 31 de mayo, con un gran estreno al día siguiente. La película fue un éxito financiero moderado en Japón, pero mayor en el extranjero y, como había hecho con Kagemusha, Kurosawa se embarcó en un viaje a Europa y América, donde asistió a la presentación de la película. estrenos en septiembre y octubre.
Ran ganó varios premios en Japón, pero no fue tan honrado allí como lo habían sido muchas de las mejores películas del director de las décadas de 1950 y 1960. Sin embargo, el mundo del cine se sorprendió cuando Japón pasó por alto la selección de Ran a favor de otra película como su entrada oficial para competir por una nominación al Oscar en la categoría de Mejor Película Extranjera, que finalmente fue rechazada por competencia en los 58 Premios de la Academia. Tanto el productor como el mismo Kurosawa atribuyeron el hecho de que Ran no se presentara a la competencia a un malentendido: debido a las arcanas reglas de la academia, nadie estaba seguro de si Ran calificada como película japonesa, película francesa (debido a su financiación), o ambas, por lo que no se presentó en absoluto. En respuesta a lo que al menos parecía ser un desaire flagrante por parte de sus propios compatriotas, el director Sidney Lumet dirigió una exitosa campaña para que Kurosawa recibiera una nominación al Oscar al Mejor Director ese año (Sydney Pollack finalmente ganó el premio por dirigir Out de África). La diseñadora de vestuario de Ran', Emi Wada, ganó el único premio de la película Óscar.
Kagemusha y Ran, particularmente el último, a menudo se consideran entre los mejores trabajos de Kurosawa. Después del lanzamiento de Ran', Kurosawa la señalaría como su mejor película, una Gran cambio de actitud para el director que, cuando se le preguntaba cuál de sus obras era la mejor, antes siempre había respondido "mi próxima".
Trabajos finales y últimos años (1987–1998)
Para su próxima película, Kurosawa eligió un tema muy diferente a cualquiera que haya filmado antes. Si bien algunas de sus imágenes anteriores (por ejemplo, Drunken Angel y Kagemusha) incluían breves secuencias de sueños, Dreams se basaría por completo en el los sueños del propio director. Significativamente, por primera vez en más de cuarenta años, Kurosawa, para este proyecto profundamente personal, escribió el guión solo. Aunque su presupuesto estimado era inferior al de las películas inmediatamente anteriores, los estudios japoneses aún no estaban dispuestos a respaldar una de sus producciones, por lo que Kurosawa recurrió a otro famoso fanático estadounidense, Steven Spielberg, quien convenció a Warner Bros. de comprar los derechos internacionales de la película completa. película. Esto facilitó que el hijo de Kurosawa, Hisao, como coproductor y futuro director de Kurosawa Production, negociara un préstamo en Japón que cubriría los costos de producción de la película. El rodaje tardó más de ocho meses en completarse y Dreams se estrenó en Cannes en mayo de 1990 con una recepción cortés pero silenciosa, similar a la reacción que la película generaría en otras partes del mundo. En 1990, aceptó el Premio de la Academia a la Trayectoria. En su discurso de aceptación, dijo: "Estoy un poco preocupado porque siento que todavía no entiendo el cine". En ese momento, Bob Thomas de The Daily Spectrum señaló que Kurosawa era "considerado por muchos críticos como el mejor cineasta vivo".
Kurosawa pasó ahora a una historia más convencional con Rhapsody in August, la primera película del director producida íntegramente en Japón desde Dodeskaden más de veinte años antes, que exploró las cicatrices del bombardeo nuclear que destruyó Nagasaki al final de la Segunda Guerra Mundial. Fue una adaptación de una novela de Kiyoko Murata, pero las referencias de la película al bombardeo de Nagasaki provienen del director y no del libro. Esta fue su única película que incluyó un papel para una estrella de cine estadounidense: Richard Gere, quien interpreta un pequeño papel como el sobrino de la anciana heroína. El rodaje tuvo lugar a principios de 1991 y la película se estrenó el 25 de mayo de ese año con una reacción crítica en gran parte negativa, especialmente en los Estados Unidos, donde el director fue acusado de promulgar sentimientos ingenuamente antiamericanos, aunque Kurosawa rechazó estas acusaciones.
Kurosawa no perdió tiempo en pasar a su siguiente proyecto: Madadayo, o Todavía no. Basada en ensayos autobiográficos de Hyakken Uchida, la película sigue la vida de un profesor japonés de alemán durante la Segunda Guerra Mundial y más allá. La narración se centra en las celebraciones de cumpleaños anuales con sus antiguos alumnos, durante las cuales el protagonista declara que no está dispuesto a morir todavía, un tema que se estaba volviendo cada vez más relevante para el creador de la película, de 81 años. El rodaje comenzó en febrero de 1992 y terminó a finales de septiembre. Su lanzamiento el 17 de abril de 1993 fue recibido con una reacción aún más decepcionada que la de sus dos trabajos anteriores.
No obstante, Kurosawa siguió trabajando. Escribió los guiones originales The Sea is Watching en 1993 y After the Rain en 1995. Mientras daba los toques finales al último trabajo en 1995, Kurosawa resbaló y rompió la base de su columna vertebral Tras el accidente, usaría una silla de ruedas por el resto de su vida, poniendo fin a cualquier esperanza de que dirigiera otra película. Su deseo de mucho tiempo, morir en el set mientras filmaba una película, nunca se cumpliría.
Después de su accidente, la salud de Kurosawa comenzó a deteriorarse. Mientras su mente permanecía aguda y vivaz, su cuerpo se estaba rindiendo, y durante el último medio año de su vida, el director estuvo mayormente confinado a la cama, escuchando música y viendo televisión en casa. El 6 de septiembre de 1998, Kurosawa murió de un derrame cerebral en Setagaya, Tokio, a la edad de 88 años. Al momento de su muerte, Kurosawa tenía dos hijos, su hijo Hisao Kurosawa que se casó con Hiroko Hayashi y su hija Kazuko Kurosawa que se casó con Harayuki. Kato, junto con varios nietos. Uno de sus nietos, el actor Takayuki Kato y nieto de Kazuko, se convirtió en actor de reparto en dos películas desarrolladas póstumamente a partir de guiones escritos por Kurosawa que no se produjeron durante su propia vida, After the Rain (1999) y The Sea is Watching de Kei Kumai (2002).
Filmografía
Aunque Kurosawa es principalmente conocido como cineasta, también trabajó en teatro y televisión y escribió libros. Se puede encontrar una lista detallada, incluida su filmografía completa, en la lista de obras de Akira Kurosawa.
Estilo y temas principales
Kurosawa mostró un estilo audaz y dinámico, fuertemente influenciado por el cine occidental pero distinto de él; estuvo involucrado en todos los aspectos de la producción cinematográfica. Era un guionista talentoso y trabajó en estrecha colaboración con sus coguionistas desde el desarrollo de la película en adelante para garantizar un guión de alta calidad, que consideraba la base sólida de una buena película. Con frecuencia se desempeñó como editor de sus propias películas. Su equipo, conocido como "Kurosawa-gumi" (黒澤組 , grupo Kurosawa), que incluía al director de fotografía Asakazu Nakai, el asistente de producción Teruyo Nogami y el actor Takashi Shimura, se destacó por su lealtad y confiabilidad.
El estilo de Kurosawa está marcado por una serie de recursos y técnicas. En sus películas de las décadas de 1940 y 1950, emplea con frecuencia el "corte axial", en el que la cámara se acerca o se aleja del sujeto a través de una serie de cortes en salto combinados en lugar de travellings o fundidos. Otro rasgo estilístico es "cortar en movimiento", que muestra el movimiento en la pantalla en dos o más tomas en lugar de una sola. Una forma de puntuación cinematográfica fuertemente identificada con Kurosawa es el borrado, un efecto creado a través de una impresora óptica: una línea o barra parece moverse a través de la pantalla, borrando el final de una escena y revelando la primera imagen de la siguiente. Como dispositivo de transición, se utiliza como sustituto del corte recto o el disolver; en su obra madura, la toallita se convirtió en la firma de Kurosawa.
En la banda sonora de la película, Kurosawa prefirió el contrapunto sonido-imagen, en el que la música o los efectos de sonido parecían comentar irónicamente la imagen en lugar de enfatizarla. Las memorias de Teruyo Nogami dan varios ejemplos de Drunken Angel y Stray Dog. Kurosawa también participó con varios de los compositores contemporáneos más destacados de Japón, incluidos Fumio Hayasaka y Tōru Takemitsu.
Kurosawa empleó una serie de temas recurrentes en sus películas: la relación maestro-discípulo entre un mentor generalmente mayor y uno o más novatos, que a menudo implica dominio espiritual y técnico y autodominio; el campeón heroico, el individuo excepcional que emerge de la masa de personas para producir algo o corregir algún mal; la representación de los extremos del clima como dispositivos dramáticos y símbolos de la pasión humana; y la recurrencia de ciclos de violencia salvaje dentro de la historia. Según Stephen Prince, el último tema, que él llama, 'la contratradición al modo heroico y comprometido del cine de Kurosawa', ' comenzó con Trono de sangre (1957), y volvió a aparecer en las películas de los años 80.
Impacto cultural y legado
Reputación entre los cineastas
Muchos cineastas han sido influenciados por el trabajo de Kurosawa. Ingmar Bergman llamó a su propia película The Virgin Spring una 'turística... pésima imitación de Kurosawa', y agregó: 'En ese momento mi admiración por el cine japonés era a su altura. ¡Yo mismo era casi un samurái! Federico Fellini consideraba a Kurosawa como "el mayor ejemplo vivo de todo lo que debe ser un autor de cine". Steven Spielberg citó la visión cinematográfica de Kurosawa como importante para dar forma a su propia visión cinematográfica. Satyajit Ray, quien recibió póstumamente el Premio Akira Kurosawa a la Trayectoria en Dirección en el Festival Internacional de Cine de San Francisco en 1992, había dicho anteriormente sobre Rashomon:
"El efecto de la película sobre mí [sobre la primera vista en Calcutta en 1952] fue eléctrico. Lo vi tres veces en días consecutivos, y me preguntaba cada vez si había otra película en cualquier lugar que diera una prueba tan sostenida y deslumbrante del mando de un director sobre todos los aspectos de la filmación".
Roman Polanski consideró a Kurosawa como uno de los tres cineastas que más le gustaban, junto con Fellini y Orson Welles, y eligió Seven Samurai, Throne of Blood y < i>La Fortaleza Oculta para elogios. Bernardo Bertolucci consideró que la influencia de Kurosawa fue fundamental: 'Las películas de Kurosawa y La Dolce Vita de Fellini son las cosas que me empujaron, me succionaron a ser director de cine.." Andrei Tarkovsky citó a Kurosawa como uno de sus favoritos y nombró a Seven Samurai como una de sus diez películas favoritas. Sidney Lumet llamó a Kurosawa el "Beethoven de los directores de cine". Werner Herzog reflexionó sobre los cineastas con los que siente afinidad y las películas que admira:
Griffith - especialmente su Nacimiento de una nación y Broken Blossoms - Murnau, Buñuel, Kurosawa y Eisenstein Ivan el Terrible,... todos vienen a la mente.... Me gusta Dreyer La pasión de Juana de Arco, Pudovkin's Storm Over Asia y Dovzhenko Tierra,... Mizoguchi's Ugetsu Monogatari, Satyajit Ray's La sala de música... Siempre me he preguntado cómo Kurosawa hizo algo tan bueno como Rashomon; el equilibrio y el flujo son perfectos, y él utiliza el espacio de tal manera equilibrada. Es una de las mejores películas jamás realizadas.
Según un asistente, Stanley Kubrick consideraba a Kurosawa como "uno de los grandes directores de cine" y habló de él 'consecuente y con admiración', hasta el punto de que una carta suya 'significó más que cualquier Oscar' y lo hizo sufrir durante meses por redactar una respuesta. Robert Altman, al ver por primera vez a Rashomon, quedó tan impresionado por la secuencia de fotogramas del sol que al día siguiente comenzó a filmar las mismas secuencias en su trabajo, afirmó. George Lucas citó la película The Hidden Fortress como la principal inspiración para su película Star Wars. También citó otras películas de Kurosawa como sus favoritas, incluidas Seven Samurai, Yojimbo e Ikiru. Zack Snyder lo citó como una de sus influencias para su película subdesarrollada de Netflix Rebel Moon. Kurosawa ocupó el tercer lugar en la lista de directores. encuesta y quinto en los críticos' sondeo en Sight & Lista de 2002 de Sound de los mejores directores de todos los tiempos.
Crítica
Kenji Mizoguchi, el aclamado director de Ugetsu (1953) y Sansho the Bailiff (1954) era once años mayor que Kurosawa. Después de mediados de la década de 1950, algunos críticos de la Nueva Ola francesa comenzaron a favorecer a Mizoguchi frente a Kurosawa. El crítico y cineasta de la nueva ola, Jacques Rivette, en particular, pensó que Mizoguchi era el único director japonés cuyo trabajo era a la vez completamente japonés y verdaderamente universal; Kurosawa, por el contrario, se pensaba que estaba más influenciado por el cine y la cultura occidentales, una opinión que ha sido cuestionada.
En Japón, algunos críticos y cineastas consideraron que Kurosawa era elitista. Lo vieron para centrar su esfuerzo y atención en personajes excepcionales o heroicos. En su comentario en DVD sobre Seven Samurai, Joan Mellen argumentó que ciertas tomas de los personajes samuráis Kambei y Kyuzo, que muestran que Kurosawa les ha otorgado un estatus o validez más altos, constituyen evidencia de este punto de vista. Estos críticos japoneses argumentaron que Kurosawa no era lo suficientemente progresista porque los campesinos no pudieron encontrar líderes dentro de sus filas. En una entrevista con Mellen, Kurosawa se defendió y dijo:
Quería decir que después de todo lo que los campesinos eran los más fuertes, estrechamente aferrados a la tierra... Era el samurai quien era débil porque estaban siendo soplados por los vientos del tiempo.
Desde principios de la década de 1950, Kurosawa también se encargó de satisfacer los gustos occidentales debido a su popularidad en Europa y América. En la década de 1970, el director izquierdista y políticamente comprometido Nagisa Ōshima, que se destacó por su reacción crítica al trabajo de Kurosawa, acusó a Kurosawa de complacer las creencias e ideologías occidentales. Sin embargo, la autora Audie Block evaluó que Kurosawa nunca se había adaptado a un público que no fuera japonés y que había denunciado a los directores que lo hacían.
Guiones póstumos
Tras la muerte de Kurosawa, se produjeron varias obras póstumas basadas en sus guiones no filmados. After the Rain, dirigida por Takashi Koizumi, se estrenó en 1999, y The Sea Is Watching, dirigida por Kei Kumai, se estrenó en 2002. Un guión creado por Yonki no Kai ("Club of the Four Knights") (Kurosawa, Keisuke Kinoshita, Masaki Kobayashi y Kon Ichikawa), en la época en que se hizo Dodeskaden, finalmente se filmó y se estrenó (en 2000) como Dora-heita, por el único miembro fundador superviviente del club, Kon Ichikawa. Huayi Brothers Media y CKF Pictures en China anunciaron en 2017 planes para producir una película del guión póstumo de Kurosawa de La máscara de la muerte roja de Edgar Allan Poe para 2020, que se titulará La Máscara de la Peste Negra. Patrick Frater, que escribió para la revista Variety en mayo de 2017, declaró que se planearon otras dos películas inacabadas de Kurosawa, con Silvering Spear para comenzar a filmarse en 2018.
Compañía Productora Kurosawa
En septiembre de 2011, se informó que Akira Kurosawa 100 Project asignó los derechos de remake de la mayoría de las películas y guiones no producidos de Kurosawa a la empresa Splendent, con sede en Los Ángeles. El jefe de Splendent, Sakiko Yamada, declaró que su objetivo era "ayudar a los cineastas contemporáneos a presentar estas historias inolvidables a una nueva generación de cinéfilos".
Kurosawa Production Co., establecida en 1959, continúa supervisando muchos de los aspectos del legado de Kurosawa. El hijo del director, Hisao Kurosawa, es el actual jefe de la empresa. Su subsidiaria estadounidense, Kurosawa Enterprises, está ubicada en Los Ángeles. Los derechos de las obras de Kurosawa estaban entonces en manos de Kurosawa Production y los estudios de cine en los que trabajaba, sobre todo Toho. Luego, estos derechos se asignaron al Proyecto Akira Kurosawa 100 antes de ser reasignados en 2011 a la empresa Splendent con sede en Los Ángeles. Kurosawa Production trabaja en estrecha colaboración con la Fundación Akira Kurosawa, establecida en diciembre de 2003 y también dirigida por Hisao Kurosawa. La fundación organiza un concurso anual de cortometrajes y encabeza proyectos relacionados con Kurosawa, incluido uno recientemente archivado para construir un museo en memoria del director.
Estudios de cine
En 1981, se inauguró el Kurosawa Film Studio en Yokohama; Desde entonces, se han inaugurado dos ubicaciones adicionales en Japón. Una gran colección de material de archivo, incluidos guiones escaneados, fotos y artículos de noticias, se ha puesto a disposición a través del Archivo Digital Akira Kurosawa, un sitio web propietario japonés mantenido por el Centro de Investigación de Archivos Digitales de la Universidad de Ryukoku en colaboración con Kurosawa Production.
Escuela de Cine Akira Kurosawa de la Universidad de Anaheim
La Universidad de Anaheim, en colaboración con Kurosawa Production y la familia Kurosawa, establecieron la Escuela de Cine Akira Kurosawa de la Universidad de Anaheim en la primavera de 2009. La Escuela de Cine Akira Kurosawa de la Universidad de Anaheim ofrece una Maestría en Bellas Artes (MFA) en línea en Cine Digital respaldada por muchos de los mejores cineastas del mundo.
Premios y distinciones
También se han nombrado dos premios cinematográficos en honor a Kurosawa. El Premio Akira Kurosawa a la Trayectoria en Dirección de Cine se otorga durante el Festival Internacional de Cine de San Francisco, mientras que el Premio Akira Kurosawa se otorga durante el Festival Internacional de Cine de Tokio.
A menudo se cita a Kurosawa como uno de los mejores cineastas de todos los tiempos. En 1999, fue nombrado "Asiático del siglo" en el "Artes, Literatura y Cultura" categoría por la revista AsianWeek y CNN, citado como "una de las [cinco] personas que más contribuyeron al mejoramiento de Asia en los últimos 100 años". En conmemoración del centenario del nacimiento de Kurosawa en 2010, se lanzó un proyecto llamado AK100 en 2008. El Proyecto AK100 tiene como objetivo "exponer a los jóvenes que son los representantes de la próxima generación, y a todas las personas en todas partes"., a la luz y el espíritu de Akira Kurosawa y el maravilloso mundo que creó".
La película animada de Wes Anderson Isle of Dogs (japonés: 犬ヶ島, romanizado: Inugashima) está parcialmente inspirada en las técnicas de filmación de Kurosawa. En el 64° Festival de Cine de Sydney, se realizó una retrospectiva de Akira Kurosawa donde se proyectaron películas suyas para recordar el gran legado que ha creado a partir de su obra.
Documentales
Una cantidad significativa de documentales cortos y completos sobre la vida y obra de Kurosawa se realizaron tanto durante su apogeo artístico como después de su muerte. AK, del director de videoensayo francés Chris Marker, se filmó mientras Kurosawa trabajaba en Ran; sin embargo, el documental está más preocupado por la personalidad distante pero educada de Kurosawa que por la realización de la película. Otros documentales sobre la vida y obra de Kurosawa producidos póstumamente incluyen:
- Kurosawa: El último emperador (Alex Cox, 1999)
- Un mensaje de Akira Kurosawa: Para películas hermosas (Hisao Kurosawa, 2000)
- Kurosawa (Adam Low, 2001)
- Akira Kurosawa: Es maravilloso crear (Toho Masterworks, 2002)
- Akira Kurosawa: La épica y la intimidad (2010)
- Camino de Kurosawa (Catherine Cadou, 2011)
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