Agnes Martín

Agnes Bernice Martin RCA (22 de marzo de 1912 – 16 de diciembre de 2004), fue un pintor abstracto estadounidense. Su obra ha sido definida como un "ensayo de discreción sobre la interioridad y el silencio". Aunque a menudo se la considera o se la conoce como minimalista, Martin se consideraba a sí misma una expresionista abstracta y fue una de las principales practicantes del expresionismo abstracto en el siglo XX. Recibió una Medalla Nacional de las Artes del Fondo Nacional de las Artes en 1998. Fue elegida miembro de la Real Academia Canadiense de las Artes en 2004.

Vida privada

Agnes Bernice Martin nació en 1912 de agricultores presbiterianos escoceses en Macklin, Saskatchewan, una de cuatro hijos. A partir de 1919, creció en Vancouver. Se mudó a los Estados Unidos en 1931 para ayudar a su hermana embarazada, Mirabell, en Bellingham, Washington. Prefería la educación superior estadounidense y se convirtió en ciudadana estadounidense en 1950. Martin estudió en la Facultad de Educación de la Universidad de Western Washington, Bellingham, Washington, antes de recibir su B.A. (1942) de Teachers College, Universidad de Columbia. Mientras vivía en Nueva York, Martin se interesó por el arte moderno y estuvo expuesto a artistas como Arshile Gorky (1904–1948), Adolph Gottlieb (1903–1974) y Joan Miró (1893–1983). Tomó una multitud de clases de estudio en Teachers College y comenzó a considerar seriamente una carrera como artista.

En 1947 asistió a la Escuela de Campo de Verano de la Universidad de Nuevo México en Taos, Nuevo México. Después de escuchar las conferencias del erudito budista zen D. T. Suzuki en Columbia, se interesó en el pensamiento asiático, no como una disciplina religiosa, sino como un código de ética, una guía práctica para vivir la vida. Unos años después de graduarse, Martin se matriculó en la Universidad de Nuevo México, Albuquerque, donde también impartió cursos de arte antes de regresar a la Universidad de Columbia para obtener su maestría (1952) en arte moderno. Se mudó a la ciudad de Nueva York en 1957 y vivió en un loft en Coenties Slip en el bajo Manhattan. The Coenties Slip también fue el hogar de varios otros artistas y sus estudios. Había un fuerte sentido de comunidad, aunque cada uno tenía sus propias prácticas y temperamentos artísticos. The Coenties Slip también fue un refugio para la comunidad queer en la década de 1960. Se especula que Martin tuvo una relación sentimental con la artista Lenore Tawney (1907-2007) durante este tiempo. Una pionera de su tiempo, Agnes Martin nunca expresó públicamente su sexualidad, pero ha sido descrita como una "homosexual encerrada". La biografía de 2018 Agnes Martin: Pioneer, Painter, Icon describe varias relaciones románticas entre Martin y otras mujeres, incluida la comerciante Betty Parsons. A menudo empleaba una lente feminista cuando criticaba a sus compañeros artistas. trabajar. Jaleh Mansoor, historiadora del arte, afirmó que Martin estaba "demasiado involucrada en una relación feminista con la práctica, tal vez, para objetivarla y etiquetarla como tal". Vale la pena señalar que la propia Martin no se identificó como feminista e incluso una vez le dijo a un periodista de New Yorker en una entrevista que pensaba que "el movimiento de mujeres había fracasado". 34;

Se sabía públicamente que Martin padecía esquizofrenia, aunque no se documentó hasta 1962. Incluso una vez optó por la terapia de descargas eléctricas para su tratamiento en el Hospital Bellevue de Nueva York. Martin contó con el apoyo de sus amigos de Coenties Slip, quienes se unieron después de uno de sus episodios para solicitar la ayuda de un psiquiatra respetado, quien como coleccionista de arte era amigo de la comunidad. Sin embargo, su lucha fue en gran medida privada e individual, y se desconoce el efecto total de la enfermedad mental en su vida.

Martin dejó la ciudad de Nueva York abruptamente en 1967 y desapareció del mundo del arte para vivir solo. Después de dieciocho meses en la carretera acampando tanto en Canadá como en el oeste de los Estados Unidos, Martin se instaló en Mesa Portales, cerca de Cuba, Nuevo México (1968-1977). Alquiló una propiedad de 50 acres y vivió una vida sencilla en una casa de adobe que construyó para sí misma, añadiendo otros cuatro edificios a lo largo de los años. Durante estos años no pintó, hasta 1971, cuando el curador Douglas Crimp se acercó a ella y se interesó en organizar su primera exposición individual no comercial. Posteriormente, Martin comenzó a escribir y dar conferencias en varias universidades sobre su trabajo. Poco a poco, el interés de Martin por la pintura también se renovó. Se acercó a Pace Gallery sobre su trabajo y el fundador de la galería, Arne Glimcher (n. 1938), se convirtió en su distribuidor de toda la vida. Finalmente, capaz de tener su propia propiedad, se mudó a Galisteo, Nuevo México, donde vivió hasta 1993. También construyó allí una casa de adobe, aún eligiendo un estilo de vida austero. Aunque todavía prefería la soledad y vivía sola, Martin era más activa en el mundo del arte, viajaba mucho y hacía exposiciones en Canadá, Estados Unidos e internacionalmente. En 1993 se mudó a una residencia de retiro en Taos, Nuevo México, donde vivió hasta su muerte en 2004.

Muchas de sus pinturas llevan nombres positivos como Felices vacaciones (1999) y Amo el mundo entero (2000). En una entrevista en 1989, hablando de su vida y su pintura, Agnes Martin dijo: "La belleza y la perfección son lo mismo". Nunca ocurren sin felicidad."

Carrera

Su trabajo está más estrechamente asociado con Taos, con algunos de sus primeros trabajos visiblemente inspirados en el entorno desértico de Nuevo México. Sin embargo, también hay una fuerte influencia de su crianza en las zonas rurales de Canadá, particularmente en las vastas y tranquilas praderas de Saskatchewan. Si bien se describió a sí misma como una pintora estadounidense, nunca olvidó sus raíces canadienses y, al regresar, dejó Nueva York en 1967, así como durante sus extensos viajes en la década de 1970. Algunas de las primeras obras de Martin han sido descritas como campos de agricultores simplificados, y la propia Martin dejó su trabajo abierto a la interpretación alentando las comparaciones de sus lienzos monocromáticos y sin adornos con paisajes.

Se mudó a la ciudad de Nueva York por invitación de la artista/propietaria de la galería Betty Parsons en 1957 (las mujeres se habían conocido antes de 1954). Ese año, se instaló en Coenties Slip en el bajo Manhattan, donde sus amigos y vecinos, varios de los cuales también estaban afiliados a Parsons, incluían a Robert Indiana, Ellsworth Kelly, Jack Youngerman y Lenore Tawney. Barnett Newman promovió activamente el trabajo de Martin y ayudó a instalar las exhibiciones de Martin en la Galería Betty Parsons a partir de fines de la década de 1950. Otro amigo cercano y mentor fue Ad Reinhardt. En 1961, Martin contribuyó con una breve introducción a un folleto para la primera exposición individual de su amiga Lenore Tawney, la única ocasión en la que escribió sobre el trabajo de un colega artista. En 1967, Martin abandonó su vida en Nueva York. Las razones citadas incluyen la muerte de su amigo Ad Reinhardt, la demolición de muchos edificios en Coenties Slip y una ruptura con la artista Chryssa, con quien Martin había salido de vez en cuando durante la década de 1960. En sus diez años viviendo en Nueva York, Martin fue hospitalizada con frecuencia para controlar síntomas de esquizofrenia que se manifestaban en la artista de varias maneras, incluidas alucinaciones auditivas y estados de catatonia: en varias ocasiones recibió terapia electroconvulsiva en Manhattan' Hospital de Bellevue. Después de que Martin se fue de Nueva York, condujo por el oeste de los EE. UU. y Canadá, y decidió establecerse en Cuba, Nuevo México, durante unos años (1968-1977), luego se estableció en Galisteo, Nuevo México (1977-1993). En ambas casas de Nuevo México, ella misma construyó estructuras de ladrillos de adobe. No volvió al arte hasta 1973 y se distanció conscientemente de la vida social y los eventos sociales que ponían a otros artistas en el ojo público. Colaboró con el arquitecto Bill Katz en 1974 en una cabaña de troncos que usaría como estudio. Ese mismo año completó un grupo de pinturas nuevas y a partir de 1975 se exhibieron regularmente.

En 1976 hizo su primera película, Gabriel, una película de paisajes de 78 minutos que presenta a un niño pequeño que sale a caminar. Una segunda película, Cautiverio, nunca se completó después de que el artista arrojara el primer corte al vertedero de la ciudad.

Según una entrevista filmada con ella que se publicó en 2003, se había mudado de la ciudad de Nueva York solo cuando le dijeron que su loft/espacio de trabajo/estudio alquilado ya no estaría disponible debido a la inminente demolición del edificio.. Continuó afirmando que no podía concebir trabajar en ningún otro espacio en Nueva York. Cuando murió a los 92 años, se dijo que no había leído un periódico durante los últimos 50 años. Los ensayos del libro dedicado a la exposición de su obra en Nueva York en The Drawing Center (que también viaja a otros museos) en 2005 – 3x abstraction – analizan la dimensión espiritual en la obra de Martin. La biografía de 2018 Agnes Martin: Pioneer, Painter, Icon fue el primer libro que explora la relación de Martin con las mujeres y sus primeros años de vida con gran detalle y fue escrito en colaboración con Martin's familiares y amigos.

Estilo artístico

Además de un par de autorretratos y algunos paisajes en acuarela, las primeras obras de Martin incluyen pinturas biomórficas en colores tenues realizadas cuando el artista recibió una beca para trabajar en Taos entre 1955 y 1957. Sin embargo, ella hizo todo lo posible por buscar y destruir pinturas de los años en que estaba dando sus primeros pasos en la abstracción.

Martin elogió a Mark Rothko por haber "llegado a cero para que nada pudiera interponerse en el camino de la verdad". Siguiendo su ejemplo, Martin también redujo a los elementos más reduccionistas para fomentar una percepción de perfección y enfatizar la realidad trascendente. Su estilo característico se definió por un énfasis en la línea, las cuadrículas y los campos de color extremadamente sutil. Particularmente en sus años decisivos de principios de la década de 1960, creó lienzos cuadrados de 6 × 6 pies cubiertos con cuadrículas de grafito densas, diminutas y suavemente delineadas. En la exposición Systemic Painting de 1966 en el Museo Solomon R. Guggenheim, las cuadrículas de Martin se celebraron como ejemplos de arte minimalista y se colgaron entre obras de artistas como Sol LeWitt, Robert Ryman y Donald Judd. Sin embargo, aunque minimalistas en forma, estas pinturas eran bastante diferentes en espíritu de las de sus otras contrapartes minimalistas, conservando pequeños defectos y rastros inconfundibles de la mano del artista; ella rehuyó el intelectualismo, favoreciendo lo personal y espiritual. Sus pinturas, declaraciones y escritos influyentes a menudo reflejaban un interés por la filosofía oriental, especialmente la taoísta. Debido a la dimensión espiritual añadida de su obra, que se volvió cada vez más dominante después de 1967, prefirió ser clasificada como expresionista abstracta.

Martin trabajó solo en negro, blanco y marrón antes de mudarse a Nuevo México. La última pintura antes de que abandonara su carrera y dejara Nueva York en 1967, Trumpet, marcó un punto de partida en el que el único rectángulo evolucionó hacia una cuadrícula general de rectángulos. En esta pintura, los rectángulos se dibujaron a lápiz sobre lavados irregulares de pintura gris translúcida. En 1973, volvió a hacer arte y produjo un portafolio de 30 serigrafías, On a Clear Day. Durante su estadía en Taos, introdujo lavados pastel claros en sus cuadrículas, colores que brillaban con la luz cambiante. Más tarde, Martin redujo la escala de sus pinturas cuadradas de 72 × 72 a 60 × 60 pulgadas y cambió su trabajo para usar bandas de colores etéreos. Otro punto de partida fue una modificación, si no un refinamiento, de la estructura de cuadrícula, que Martin ha utilizado desde finales de la década de 1950. En Untitled No. 4 (1994), por ejemplo, uno veía las suaves estrías de la línea de lápiz y los lavados de colores primarios de pintura acrílica diluida mezclada con yeso. Las líneas que abarcaban esta pintura no fueron medidas con una regla, sino que fueron marcadas intuitivamente por el artista. En la década de 1990, la simetría solía dar paso a anchos variables de bandas horizontales.

Lawrence Alloway señaló que Martin pertenece a la primera generación del estilo del expresionismo abstracto, que es significativo y "muestra su compromiso con los temas exaltados" y su habilidad para "transformarlo en el lenguaje de la pintura que le da a las obras su aura de silenciosa dignidad."

Exposiciones

Desde su primera exposición individual en 1958, el trabajo de Martin ha sido objeto de más de 85 exposiciones individuales y dos retrospectivas, incluida la encuesta, Agnes Martin, organizada por el Museo Whitney de American Art, Nueva York, que luego viajó a Jamaica (1992–94) y Agnes Martin: Paintings and Drawings 1974–1990 organizada por el Stedelijk Museum, Amsterdam, con sedes posteriores en Francia y Alemania (1991 –92). En 1998, el Museo de Bellas Artes de Santa Fe, Nuevo México, montó Agnes Martin Works on Paper. En 2002, Menil Collection, Houston, montó Agnes Martin: The Nineties and Beyond. Ese mismo año, el Museo de Arte Harwood de la Universidad de Nuevo México, Pandora, organizó Agnes Martin: Paintings from 2001, así como un simposio en honor a Martin con motivo de su 90 cumpleaños.

Además de participar en una variedad internacional de exposiciones colectivas como la Bienal de Venecia (1997, 1980, 1976), la Bienal de Whitney (1995, 1977) y Documenta, Kassel, Alemania (1972), Martin ha sido el ganadora de múltiples honores, incluido el Lifetime Achievement Award en nombre del Women's Caucus for Art of the College Art Association (2005); Miembro de la Academia Estadounidense de las Artes y las Ciencias (1992); el Premio del Gobernador a la Excelencia y Logros en las Artes otorgado por el Gobernador Gary Johnson, Santa Fe, Nuevo México (1998); la Medalla Nacional de las Artes otorgada por el presidente Bill Clinton y el Fondo Nacional de las Artes (1998); el Premio al Artista Distinguido a la Trayectoria de la College Art Association (1998); el León de Oro por Contribución al Arte Contemporáneo en la Bienal de Venecia (1997); el Premio Oskar Kokoschka otorgado por el gobierno de Austria (1992); el Premio Alexej von Jawlensky otorgado por la ciudad de Wiesbaden, Alemania (1991); y elección para la Academia Estadounidense y el Instituto de Artes y Letras, Nueva York (1989).

Se siguen montando exposiciones desde su muerte en 2004, incluida Agnes Martin: Closing the Circle, Early and Late del 10 de febrero de 2006 al 4 de marzo de 2006 en Pace Gallery. Se han realizado otras exposiciones en Nueva York, Zúrich, Londres, Dublín, Edimburgo, Cambridge (Inglaterra), Aspen, Albuquerque, Columbia Británica en Canadá. En 2012, el Museo de Arte Harwood en Taos, Nuevo México, la Universidad de Nuevo México lanzó una exposición en todo el museo titulada Agnes Martin Before the Grid en honor a su centenario. Esta exhibición fue la primera en enfocarse en el trabajo y la vida de Martin antes de 1960. La exhibición se centró en muchas obras nunca antes vistas que Martin creó en Columbia, Coentis Slip y los primeros años en Nuevo México. También fue el primero en considerar la lucha de Martin con la salud mental, la sexualidad y la importante relación de Martin con Ad Ad Reinhardt. En 2015, la Tate Modern realizó una retrospectiva de su vida y carrera desde la década de 1950 hasta su último trabajo en 2004, que viajará a otros museos después de la muestra en Londres. En el Museo de Arte de la Universidad de Michigan, Martin apareció en la exposición Minimalismo reductivo: mujeres artistas en diálogo, 1960-2014 que examinó las dos generaciones de arte minimalista una al lado de la otra, desde octubre de 2014 hasta enero. 2015. La exposición incluyó a Anne Truitt, Mary Corse y los artistas contemporáneos Shirazeh Houshiary y Tomma Abts.

También apareció en Blanco sobre blanco: color, escena y espacio en el Museo de Arte Contemporáneo de la ciudad de Hiroshima. Desde octubre de 2015 hasta abril de 2016, Martin se exhibió en Opening the Box: Unpacking Minimalism en The George Economou Collection en Atenas, Grecia, junto a Dan Flavin y Donald Judd. De 2015 a 2017 tuvo numerosas exposiciones individuales, algunas en el Museo de Arte de Aspen en Aspen Colorado, Tate Modern en Londres, K20, Kunstsammlung Nordhein-Westfalen en Düsseldorf, Museo de Arte del Condado de Los Ángeles (LACMA) en Los Ángeles, Solomon R Museo Guggenheim en el Upper East Side, en el Palacio de los Gobernadores, Museo de Historia de Nuevo México en Santa Fe. Ha aparecido en la exposición en curso Intuitive Progression en el Fisher Landau Center for Art en Long Island City, Nueva York desde febrero de 2017 hasta agosto de 2017.

En 2016, se presentó una exposición retrospectiva de sus obras desde la década de 1950 hasta 2004 en el Museo Solomon R. Guggenheim de Nueva York. En 2016 también apareció en la Dansaekhwa and Minimalism Exhibition en Blum & Poe, Los Ángeles y a principios de año en la exposición titulada Aspects of Minimalism: Selections from East End Collections en el Guild Hall Museum de East Hampton, Nueva York.

También apareció en Making Space: Women Artists and Postwar Abstraction en el Museo de Arte Moderno de Midtown, Nueva York, que arrojó luz sobre las mujeres artistas que trabajaron después de la Segunda Guerra Mundial y antes de la comienzo del movimiento feminista. La exposición fue de abril de 2017 a agosto de 2017 y contó con Lee Krasner, Helen Frankenthaler y Joan Mitchell, Lygia Clark, Gego, Magdalena Abakanowicz, Louise Bourgeois y Eva Hesse.

Colecciones

El trabajo de Martin se puede encontrar en las principales colecciones públicas de los Estados Unidos, incluido el Museo de Arte de Nuevo México, Santa Fe, NM; Galería de arte Albright-Knox, Buffalo, Nueva York; La Fundación Chinati, Marfa, TX; Museo y Jardín de Esculturas Hirshhorn, Institución Smithsonian, Washington, D.C.; Museo de Arte Contemporáneo de Los Ángeles; La Colección Menil, Houston, TX; Museo Metropolitano de Arte, Nueva York; el Museo de Arte Moderno de Nueva York; Galería Nacional de Arte, Washington, DC; Museo de Arte Nelson-Atkins, Kansas City; Museo de Arte Moderno de San Francisco; Museo Solomon R. Guggenheim, Nueva York; Museo de Arte Wadsworth Atheneum, Hartford; Centro de Arte Walker, Minneapolis; Museo Whitney de Arte Americano, Nueva York; y Des Moines Art Center, Des Moines, IA, entre otros. Su trabajo es sobre "visión a largo plazo" y parte de las propiedades permanentes de Dia Art Foundation, Beacon, Nueva York.

Las existencias internacionales de la obra de Martin incluyen Tate, Londres y Magasin 3 Stockholm Konsthall, Estocolmo, Suecia.

Mercado del arte

En 2007, Loving Love (2000) de Martin se vendió por 2,95 millones de dólares en Christie's, Nueva York. En 2015, Sin título #7 (1984), una pintura acrílica blanca con líneas geométricas a lápiz, se vendió por 4,2 millones de dólares en Phillips, Nueva York. En 2016, su Orange Grove se vendió en una subasta por 13,7 millones de dólares, el mismo año en que el Guggenheim realizó una retrospectiva de su trabajo.

Legado

Martin se convirtió en una inspiración para los artistas más jóvenes, desde Eva Hesse hasta Ellen Gallagher.

Su imagen está incluida en el icónico póster de 1972 Some Living American Women Artists de Mary Beth Edelson.

En 1994, el Museo de Arte Harwood en Taos, parte de la Universidad de Nuevo México, anunció que renovaría su edificio estilo Pueblo y dedicaría un ala a la obra de Martin. La galería fue diseñada de acuerdo con los deseos del artista para acomodar el regalo de Martin de siete grandes pinturas sin título realizadas entre 1993 y 1994. Una firma de arquitectura de Albuquerque, Kells & Craig, diseñó la galería octogonal con un óculo instalado en la parte superior y cuatro bancos Donald Judd amarillos colocados directamente debajo del óculo. La donación de las pinturas y el diseño y la construcción de la galería fueron negociados y supervisados por Robert M. Ellis, el director de Harwood en ese momento y amigo cercano de Martin. Hoy en día, la Galería Agnes Martin atrae a visitantes de todo el mundo y ha sido comparada por académicos con la Chapelle du Rosaire de Vence (Capilla Matisse), la Capilla de Notre Dame du Haut de Corbusier en Ronchamp y la Capilla Rothko en Houston.

Películas sobre Martín

• 2000: Thomas Luechinger: En un día claro - Agnes Martin. Documental, 52 minutos.
• 2002: Mary Lance: Agnes Martin: Con mi espalda al mundo. Documental, 57 minutos.
• 2002/2016 (reeditado): Leon d'Avigdor: Agnes Martin: Entre las Líneas. Documental, 60 minutos.
• 2016: Kathleen Brennan y Jina Brenneman: Agnes Martin Antes de la rejilla. Documental, 56 minutos.

En la cultura popular

Redbird (1995) del compositor John Zorn fue inspirado y dedicado a Martin.

Wendy Beckett, en su libro American Masterpieces, dijo sobre Martin: "Agnes Martin a menudo habla de alegría; ella lo ve como la condición deseada de toda vida. ¿Quién no estaría de acuerdo con ella?... Nadie que haya pasado seriamente un tiempo ante una Agnes Martin, dejando que su paz se comunique, recibiendo su inexplicable e inefable felicidad, ha quedado jamás defraudado. La obra asombra, no solo por su delicadeza, sino también por su vigor, y este poder e interés visual es algo que debe experimentarse."

El poema del poeta Hugh Behm-Steinberg "Gridding, después de algunas frases de Agnes Martin" discute patrones en el mundo natural, hace un paralelo entre la escritura y la pintura, y termina con una línea sobre la admiración del poeta por la obra de Martin.

Su trabajo inspiró un garabato de Google en el 102.º aniversario de su nacimiento el 22 de marzo de 2014. El garabato toma notas de color del último trabajo de Agnes Martin, que está marcado por bordes suaves, colores apagados y bandas claramente horizontales. convertido en seis barras verticales, una para cada letra del logotipo de Google.

La canción "Agnes Martin" de la banda estadounidense de rock Screaming Females, de su álbum All at Once, es una oda a la artista.