Adorno (música)

Extremo ejemplo de ornamentación como fioritura de la Nocturne de Chopin en la gran cantidad de becerro

En música, los adornos o adornos son florituras musicales (por lo general, notas añadidas) que no son esenciales para llevar la línea general de la melodía (o armonía), pero servir en su lugar para decorar o "adornar" esa línea (o armonía), proporcionan mayor interés y variedad, y le dan al intérprete la oportunidad de agregar expresividad a una canción o pieza. Muchos adornos se interpretan como "notas rápidas" alrededor de una nota central, principal.

Hay muchos tipos de adornos, que van desde la adición de una única nota de adorno breve antes de una nota principal hasta la ejecución de un trino virtuoso y extravagante. La cantidad de ornamentación en una pieza musical puede variar desde bastante extensa (a menudo fue extensa en el período barroco, de 1600 a 1750) a relativamente poca o incluso ninguna. La palabra agrément se usa específicamente para indicar el estilo barroco francés de ornamentación.

Improvisada vs. escrita

En el período barroco, era común que los intérpretes improvisaran la ornamentación en una línea melódica determinada. Un cantante que interpreta un aria da capo, por ejemplo, cantaría la melodía relativamente sin adornos la primera vez y la decoraría con florituras y trinos adicionales la segunda vez. De manera similar, se esperaba que un ejecutante de clavecín que interpretara una línea melódica simple fuera capaz de improvisar trinos, mordentes (superiores o inferiores) y apoyaturas armónica y estilísticamente apropiados.

La ornamentación también puede ser indicada por el compositor. Varios adornos estándar (descritos a continuación) se indican con símbolos estándar en notación musical, mientras que otros adornos pueden agregarse a la partitura en notas pequeñas o simplemente escribirse normalmente como notas de tamaño completo. Con frecuencia, un compositor tendrá su propio vocabulario de adornos, que se explicará en un prefacio, como un código. Una nota de gracia es una nota escrita en letra más pequeña, con o sin una barra oblicua, para indicar que el valor de la nota no cuenta como parte del valor de tiempo total de la barra. Alternativamente, el término puede referirse de manera más general a cualquiera de las notas pequeñas utilizadas para marcar algún otro adorno (ver § Apoggiatura a continuación), o en asociación con la indicación de algún otro adorno (ver § Trino a continuación), independientemente del tiempo. utilizado en la ejecución.

En España, las melodías adornadas por repetición ("divisiones") se denominaban "diferencias", y se remontan a 1538, cuando Luis de Narváez publicó la primera colección de este tipo de música. para la vihuela.

Tipos

Trino

Un trino, también conocido como "sacudida", es una alternancia rápida entre una nota indicada y la que está arriba. En música simple, los trinos pueden ser diatónicos, usando solo las notas de la escala; en otros casos, el trino puede ser cromático. El trino generalmente se indica con tr o una tr~~ , con ~ representando la duración del trino, sobre el pentagrama.

A un ritmo moderado, lo anterior podría ejecutarse de la siguiente manera:

En la música barroca, el trino a veces se indica con un signo + (más) encima o debajo de la nota.

A finales del siglo XVIII, cuando los artistas tocaban un trino, siempre comenzaba desde la nota superior. Sin embargo, "[Heinrich Christoph] Koch no expresó ninguna preferencia y observó que no importaba mucho si el trino comenzaba de una forma u otra, ya que no había una diferencia audible después de que la nota inicial había sonado.& #34; Clive Brown escribe que "A pesar de las tres formas diferentes de mostrar los trinos, parece probable que en cada caso se previera un trino que comenzara con la nota superior y terminara con un giro".

A veces se espera que el trino termine con un giro (haciendo sonar la nota de abajo en lugar de la nota de arriba de la nota principal, inmediatamente antes del último sonido de la nota principal), o alguna otra variación. Tales variaciones a menudo se marcan con algunas notas de adorno después de la nota que lleva la indicación de trino.

También hay un trino de un solo tono llamado trillo o trémolo a finales del Renacimiento y principios del Barroco. Trinar en una sola nota es particularmente idiomático para las cuerdas frotadas.

Mordente

Un mordente es una alternancia rápida entre una nota indicada, la nota de arriba (llamado mordente superior, mordente invertido o pralltriller) o inferior (llamado mordiente inferior o mordente), y la nota indicada de nuevo. El mordente superior se indica con una tilde corta y gruesa (que también puede indicar un trino); el mordiente inferior es el mismo con una línea vertical corta que lo atraviesa.

Al igual que con el trino, la velocidad exacta con la que se ejecuta un mordente variará según el tempo de la pieza, pero, a un tempo moderado, lo anterior podría ejecutarse de la siguiente manera:

La confusión sobre el significado de la palabra sin adornos mordent ha llevado a que se utilicen los términos modernos superior e inferior mordent, en lugar de mordent y mordiente invertido. La práctica, la notación y la nomenclatura varían ampliamente para todos estos adornos; es decir, si, al incluir el símbolo de un mordente en una partitura musical, un compositor pretendía que la dirección de la nota (o notas) adicionales a tocar por encima o por debajo de la nota principal escrita en la partitura varía según cuándo la pieza fue escrita y en qué país.

Mordents

El primer bar del Goldberg Variation No. 7, primero jugó con mordedores inferiores, luego sin.

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En el período barroco, un mordiente (el equivalente alemán o escocés de mordente) era lo que más tarde se denominó mordente invertido y lo que ahora se suele denominar mordente inferior. En el siglo XIX, sin embargo, el nombre mordent se aplicó generalmente a lo que ahora se llama mordent superior. Aunque los mordentes ahora se consideran como una sola alternancia entre notas, en el período barroco un mordiente a veces se ejecutaba con más de una alternancia entre la nota indicada y la nota de abajo, lo que lo convertía en una especie de trino invertido. Los mordientes de todo tipo pueden, en algunos períodos, comenzar con una nota esencial extra (la nota menor, añadida), en lugar de la nota principal como se muestra en los ejemplos. aquí. Lo mismo se aplica a los trinos, que en los períodos barroco y clásico comenzarían con la nota superior añadida. Una nota inferior no esencial puede o no ser cromáticamente elevada (es decir, con un sostenido natural, o incluso un doble sostenido) para hacerla un semitono más grave que la nota principal.

Girar

Un giro es una figura corta que consiste en la nota sobre la indicada, la nota en sí, la nota debajo de la indicada y la nota en sí nuevamente. Está marcado por una forma de S invertida que se encuentra de costado, a veces conocida como "S perezosa invertida", sobre el pentagrama. Los detalles de su ejecución dependen en parte de la ubicación exacta de la marca de giro. Por ejemplo, los giros de abajo

puede ejecutarse como

La velocidad exacta con la que se ejecuta un giro puede variar, al igual que su ritmo. La cuestión de cómo se ejecuta mejor un giro depende en gran medida del contexto, la convención y el gusto. Las notas añadidas superior e inferior pueden o no estar realzadas cromáticamente.

Un giro invertido (la nota debajo de la indicada, la nota en sí, la nota sobre ella y la nota en sí nuevamente) generalmente se indica colocando una línea vertical corta a través de la señal de giro normal, aunque a veces la señal en sí es al revés.

Apoggiatura

Appoggiatura

Un pasaje con dos frases que terminan en appoggiaturas, seguido de estas frases sin ellas (160 KB)

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Una appoggiatura (italiano: [appoddʒaˈtuːra]) es una nota añadida que es importante melódicamente (a diferencia de una acciaccatura) y suspende la nota principal por una parte de su valor de tiempo, a menudo alrededor de la mitad, pero esto puede ser considerablemente más o menos según el contexto. La nota añadida (la nota auxiliar) es un grado más alta o más baja que la nota principal, y puede o no estar alterada cromáticamente. Las apoyaturas también suelen estar en el tiempo fuerte o más fuerte de la resolución, se enfatizan y se acercan con un salto y se dejan con un paso en la dirección opuesta al salto.

A menudo, una apoyatura se escribe como una nota de adorno antepuesta a una nota principal y se imprime en caracteres pequeños, sin el trazo oblicuo:

Esto se puede ejecutar de la siguiente manera:

Acciacatura

La palabra acciaccatura (,; italiano: [attʃakkaˈtuːra]) proviene del verbo italiano acciaccare, "aplastar". En el siglo XVIII, era un adorno que se aplicaba a cualquiera de las notas principales de los acordes arpegiados, ya sea un tono o un semitono por debajo del tono del acorde, se golpeaba simultáneamente con este y luego se soltaba de inmediato. De ahí la traducción al alemán Zusammenschlag (juntos-trazo).

En el siglo XIX, la acciaccatura (a veces llamada aplicación corta) pasó a ser una variante más corta de la aplicación larga, en la que el retraso de la nota principal es rápido.. Se escribe usando una nota de adorno (a menudo una corchea u corchea), con un trazo oblicuo a lo largo de la plica. En el período clásico, generalmente se realiza una acciaccatura antes del tiempo y el énfasis está en la nota principal, no en la nota de gracia. La apoggiatura larga o corta tiene el énfasis en la nota de gracia.

La interpretación exacta de esto variará según el tempo de la pieza, pero es posible lo siguiente:

Si la nota debe tocarse antes o en el tiempo es en gran medida una cuestión de gusto y práctica de interpretación. Excepcionalmente, la acciaccatura se puede anotar en el compás que precede a la nota a la que se adjunta, mostrando que se debe tocar antes del tiempo. La implicación también varía con el compositor y el período. Por ejemplo, las apoyaturas largas de Mozart y Haydn son, a simple vista, indistinguibles de las acciaccaturas antes del compás de Mussorgsky y Prokofiev.

Glisando

Un glissando es un deslizamiento de una nota a otra, representado por una línea ondulada que conecta las dos notas.

Todas las diatónicas o cromáticas intermedias (según el instrumento y el contexto) se escuchan, aunque muy brevemente. De esta forma, el glissando se diferencia del portamento. En la música clásica contemporánea (especialmente en piezas de vanguardia), un glissando tiende a asumir todo el valor de la nota inicial.

Deslizar

Nota de Schleifer

Una diapositiva (o Schleifer en alemán) indica al ejecutante que comience uno o dos pasos diatónicos por debajo de la nota marcada y se deslice hacia arriba. El schleifer suele incluir un trino prall o un trino mordente al final. Willard A. Palmer escribe que "[e]l schleifer es un 'deslizante' adorno, generalmente utilizado para llenar el espacio entre una nota y la anterior."

Nachschlag

Un Nachschlag suave

Un Nachschlag "afeitado" o trillado

La palabra Nachschlag (alemán: [ˈnaːxˌʃlaːk]) se traduce, literalmente, como "tiempo posterior", y se refiere a "las dos notas que a veces terminan un trino y que, cuando se toman en combinación con las dos últimas notas del batido, puede formar un giro." El término Nachschlag también puede referirse a "un adorno que tomó la forma de una nota complementaria que, cuando se coloca después de una nota principal, le "roba" el tiempo".

La primera definición de Nachschlag se refiere a la versión "agitada" o con trinos del adorno, mientras que la segunda definición se refiere a la versión "suave". Este adorno también se conoce como cadent o springer en la práctica interpretativa del barroco inglés. Los libros de instrucciones del período barroco, como The Division Violist de Christopher Simpson, se refieren al cadente como un adorno en el que a veces se escucha "una nota. agraciado por joyning [sic] parte de su sonido a la nota siguiente... cuya corchea siguiente se coloca con la nota siguiente, pero tocada con el mismo arco."

En la música clásica occidental

Música renacentista y del primer barroco

Del tratado de Silvestro Ganassi de 1535 tenemos instrucciones y ejemplos de cómo los músicos del Renacimiento y el Barroco temprano decoraban su música con adornos improvisados. Michael Praetorius habló calurosamente de los músicos' "varias bromas buenas y divertidas con pequeñas carreras/saltos".

Hasta la última década del siglo XVI el énfasis está en las divisiones, también conocidas como disminuciones, passaggi (en italiano), < i>gorgia ("garganta", utilizado por primera vez como término para la ornamentación vocal por Nicola Vicentino en 1555), o glosas (por Ortiz, tanto en español como en italiano) – una forma de decorar una cadencia o intervalo simple con notas más cortas. Estos comienzan como simples notas de paso, progresan a adiciones paso a paso y, en los casos más complicados, son pasajes rápidos de notas de igual valor: florituras virtuosas. Hay reglas para diseñarlos, para asegurarse de que la estructura original de la música se mantenga intacta. Hacia el final de este período, las divisiones detalladas en los tratados contienen más ritmos punteados y otros irregulares y saltos de más de un paso a la vez.

A partir de Antonio Archilei [it] (1589), los tratados introducen un nuevo conjunto de recursos expresivos llamados gracias junto a las divisiones. Estos tienen mucho más interés rítmico y están llenos de afecto ya que los compositores se interesaron mucho más en la representación del texto. Comienza con el trillo y cascate, y cuando llegamos a Francesco Rognoni (1620) también se nos habla de adornos de moda: portar la voce, accento, trémolo, gruppo , esclamatione y < i lang="it">intonatio.

Tratados clave que detallan la ornamentación:

• Silvestro Ganassi dal Fontego Opera intitulata Fontegara..., Venecia 1535
• Adrianus Petit Coclico Músicas compendio Nuremberg, 1552
• Diego Ortiz Tratado de glosas sobre clausulas..., Roma, 1553
• Juan Bermudo El libro llamado declaracion de instrumentos musicales, Ossuna, 1555
• Hermann Finck Pratica musica, Wittenberg, 1556
• Tomás de Santa María Libro llamado arte de tañer fantasia, 1565
• Girolamo Dalla Casa Il vero modo diminuir..., Venecia, 1584
• Giovanni Bassano Ricercate, passaggi et cadentie..., Venecia 1585
• Giovanni Bassano Motetti, madrigali et canzoni francesi... diminuiti, Venecia 1591
• Riccardo Rognoni Passaggi per potersi essercitare nel diminuire, Venecia 1592
• Lodovico Zacconi Prattica di musica, Venecia, 1592
• Giovanni Luca Conforti Breve et facile maniera... a far passaggi, Roma 1593
• Girolamo Diruta Il transylvano, 1593
• Giovanni Battista Bovicelli Regole, passaggi di musica, madrigali e motetti passaggiati, Venecia 1594
• Aurelio Virgiliano Il Dolcimelo, MS, c.1600
• Giulio Caccini Le nuove musiche, 1602
• Giovanni Girolamo Kapsberger, Libro primo di mottetti passeggiati à una voce, Roma, 1612
• Francesco Rognoni Selva de varii passaggi..., 1620
• Giovanni Girolamo Kapsberger, Libro secondo d'arie à una e piu voci, Roma, 1623
• Giovanni Battista Spadi da Faenza Libro de passaggi ascendenti e descendenti, Venecia, 1624
• Johann Andreas Herbst Musica practica, 1642

Música barroca

Los ornamentos en la música barroca adquieren un significado diferente. La mayoría de los adornos ocurren en el tiempo y usan intervalos diatónicos más exclusivamente que los adornos en períodos posteriores. Si bien cualquier tabla de adornos debe dar una presentación estricta, se debe tener en cuenta el tempo y la duración de las notas, ya que en tempos rápidos sería difícil o imposible tocar todas las notas que normalmente se requieren. Una realización de algunos ornamentos barrocos comunes se encuentra en la siguiente tabla del Klavierbüchlein für Wilhelm Friedemann Bach de J.S. Llevar una vida de soltero:

Otra realización se puede ver en la tabla de Pièces de clavecin (1689) de Jean-Henri d'Anglebert:

D'anglebert-table-of-ornaments

Período clásico

A finales del siglo XVIII y principios del XIX, no había formas estándar de realizar adornos y, a veces, varios adornos distintos se podían realizar de la misma manera.

En el siglo XIX, los artistas añadían o improvisaban adornos a las composiciones. Como observó C.P.E Bach, "las piezas en las que se indican todos los adornos no necesitan causar problemas; en cambio, las piezas en las que poco o nada se marque, deberán ser provistas de adornos de la forma habitual." Clive Brown explica que "Para muchos conocedores de ese período, la individualidad del embellecimiento de la notación divina por parte de un intérprete era una parte vital de la experiencia musical".

En la obra de Beethoven, sin embargo, no debe haber ningún adorno adicional añadido por parte de un intérprete. Incluso en las composiciones de Mozart, no se permiten adornos que provengan de fuera de la partitura, como explica Brown: "La mayor parte de la música de cámara de Mozart en adelante que aún permanece en el repertorio pertenece al tipo en que cada nota está pensada' y que prácticamente no tolera adiciones ornamentales del tipo que aquí se considera..." Sin embargo, estudios recientes han puesto en duda esta afirmación.

En otra música

Jazz

La música de jazz incorpora una amplia variedad de adornos, incluidos muchos de los clásicos mencionados anteriormente, así como varios propios. La mayoría de estos adornos los agregan los artistas intérpretes o ejecutantes durante sus improvisaciones en solitario o como adornos escritos. Si bien estos adornos tienen nombres universales, sus realizaciones y efectos varían según el instrumento. La música de jazz incorpora la mayor parte del estándar "clásico" adornos, como trinos, notas de adorno, mordientes, glissandi y giros, pero agrega una variedad de adornos adicionales como "muerto" o notas fantasma (un sonido de percusión, anotado por una "X"), "doit" notas y "caída" notas (anotadas por líneas curvas sobre la nota, que indican por la dirección de la curva que la nota debe subir o bajar rápidamente en la escala), apretones (anotadas por una línea curva desde una "X" hasta un tono específico, que denota un glissando sin tono), y batidos (anotados por una línea ondulada sobre una nota, que indica un trino de labios rápido para los músicos de metales y un trino de tercera menor para los vientos).

Música clásica india

En la música carnática, el término sánscrito gamaka (que significa "mover") se usa para denotar ornamentación. Una de las formas más inusuales de ornamentación en la música mundial es el carnático kampitam, que consiste en hacer oscilar una nota de diversas formas variando la amplitud, la velocidad o el número de veces que se oscila la nota. Esta es una ornamentación muy sutil, pero científica, ya que la misma nota puede oscilar de diferentes maneras según el raga o el contexto dentro de un raga. Por ejemplo, la cuarta nota (Ma) en Shankarabharanam o Begada permite al menos de tres a cinco tipos de oscilación según las frases dentro del raga.

Otro gamaka importante en Carnatic es el "Sphuritam" que se trata de reproducir una nota dos veces pero con fuerza desde una nota de adorno inmediatamente debajo de ella la segunda vez. Por ejemplo, la tercera nota (Ga) quedaría clara la primera vez y con una fuerza de la segunda (Ri) la próxima vez.

Música celta

La ornamentación es una de las principales características distintivas de la música galesa, irlandesa, escocesa y del Cabo Bretón. Un cantante, violinista, flautista, arpista, silbador de hojalata, gaitero o un ejecutante de otro instrumento puede agregar notas de adorno (conocidas como 'cortes' / 'huelgas' en violín irlandés), diapositivas, redobles, cranns, doblajes, mordents, drones, triples (o birls en el violín escocés) o una variedad de otros adornos para una melodía dada.