Período clássico (música)
O período clássico foi uma era da música clássica entre aproximadamente 1750 e 1820.
O período Clássico situa-se entre o Barroco e o Romântico. A música clássica tem uma textura mais clara e clara do que a música barroca, mas um uso mais sofisticado da forma. É principalmente homofônico, usando uma linha melódica clara sobre um acompanhamento de acordes subordinado, mas o contraponto não foi de forma alguma esquecido, especialmente na música vocal litúrgica e, mais tarde no período, na música instrumental secular. Ele também faz uso do estilo galant que enfatiza a elegância da luz no lugar da seriedade digna e da grandiosidade impressionante do barroco. A variedade e o contraste dentro de uma peça tornaram-se mais pronunciados do que antes e a orquestra aumentou em tamanho, alcance e poder.
O cravo foi substituído como principal instrumento de teclado pelo piano (ou fortepiano). Ao contrário do cravo, que dedilha as cordas com penas, os pianos batem nas cordas com martelos revestidos de couro quando as teclas são pressionadas, o que permite ao executante tocar mais alto ou mais baixo (daí o nome original "fortepiano" "alto suave") e brinque com mais expressão; em contraste, a força com que um executante toca as teclas do cravo não altera o som. A música instrumental foi considerada importante pelos compositores do período clássico. Os principais tipos de música instrumental eram a sonata, o trio, o quarteto de cordas, o quinteto, a sinfonia (executada por uma orquestra) e o concerto solo, que apresentava um solista virtuoso tocando uma obra solo para violino, piano, flauta ou outro instrumento. acompanhado por uma orquestra. Música vocal, como canções para cantor e piano (notavelmente a obra de Schubert), obras corais e ópera (uma obra dramática encenada para cantores e orquestra) também foram importantes durante esse período.
Os compositores mais conhecidos deste período são Joseph Haydn, Wolfgang Amadeus Mozart, Ludwig van Beethoven e Franz Schubert; outros nomes neste período incluem: Carl Philipp Emanuel Bach, Johann Christian Bach, Luigi Boccherini, Domenico Cimarosa, Joseph Martin Kraus, Muzio Clementi, Christoph Willibald Gluck, Carl Ditters von Dittersdorf, André Grétry, Pierre-Alexandre Monsigny, Leopold Mozart, Michael Haydn, Giovanni Paisiello, Johann Baptist Wanhal, François-André Danican Philidor, Niccolò Piccinni, Antonio Salieri, Etienne Nicolas Mehul, Georg Christoph Wagenseil, Georg Matthias Monn, Johann Gottlieb Graun, Carl Heinrich Graun, Franz Benda, Georg Anton Benda, Johann Georg Albrechtsberger, Mauro Giuliani, Christian Cannabich e o Chevalier de Saint-Georges. Beethoven é considerado um compositor romântico ou um compositor do período clássico que fez parte da transição para a era romântica. Schubert também é uma figura de transição, assim como Johann Nepomuk Hummel, Luigi Cherubini, Gaspare Spontini, Gioachino Rossini, Carl Maria von Weber, Jan Ladislav Dussek e Niccolò Paganini. O período é algumas vezes referido como a era do Classicismo Vienense (em alemão: Wiener Klassik), desde Gluck, Haydn, Salieri, Mozart, Beethoven e Schubert todos trabalharam em Viena.
Classicismo
Em meados do século XVIII, a Europa começou a se mover em direção a um novo estilo de arquitetura, literatura e artes, geralmente conhecido como Neoclassicismo. Este estilo procurou emular os ideais da antiguidade clássica, especialmente os da Grécia clássica. A música clássica usava formalidade e ênfase na ordem e na hierarquia, e uma linguagem "mais clara", "mais limpa" estilo que usava divisões mais claras entre as partes (notavelmente uma melodia clara e única acompanhada por acordes), contrastes mais brilhantes e "cores de tom" (conseguido pelo uso de mudanças dinâmicas e modulações para mais chaves). Em contraste com a música ricamente estratificada da era barroca, a música clássica se moveu em direção à simplicidade em vez da complexidade. Além disso, o tamanho típico das orquestras começou a aumentar, dando às orquestras um som mais poderoso.
O notável desenvolvimento de ideias na "filosofia natural" já havia se estabelecido na consciência pública. Em particular, a física de Newton foi tomada como paradigma: as estruturas devem ser bem fundamentadas em axiomas e ser bem articuladas e ordenadas. Esse gosto pela clareza estrutural começou a afetar a música, que se afastou da polifonia em camadas do período barroco em direção a um estilo conhecido como homofonia, em que a melodia é tocada sobre uma harmonia subordinada. Esse movimento significou que os acordes se tornaram uma característica muito mais predominante da música, mesmo que interrompessem a suavidade melódica de uma única parte. Como resultado, a estrutura tonal de uma peça musical tornou-se mais audível.
O novo estilo também foi incentivado por mudanças na ordem econômica e na estrutura social. À medida que o século 18 avançava bem, a nobreza tornou-se o principal patrono da música instrumental, enquanto o gosto do público cada vez mais preferia óperas cômicas mais leves e engraçadas. Isso levou a mudanças na forma como a música era executada, sendo a mais crucial a mudança para grupos instrumentais padrão e a redução da importância do continuo - a base rítmica e harmônica de uma peça musical, normalmente tocada por um teclado (cravo ou órgão) e geralmente acompanhada por um grupo variado de instrumentos de baixo, incluindo violoncelo, contrabaixo, viola baixo e teorba. Uma maneira de rastrear o declínio do contínuo e seus acordes figurados é examinar o desaparecimento do termo obbligato, que significa uma parte instrumental obrigatória em uma obra de música de câmara. Nas composições barrocas, instrumentos adicionais podem ser adicionados ao grupo contínuo de acordo com a preferência do grupo ou do líder; em composições clássicas, todas as partes foram anotadas especificamente, embora nem sempre anotadas, então o termo "obbligato" tornou-se redundante. Em 1800, o baixo contínuo estava praticamente extinto, exceto pelo uso ocasional de uma parte contínua de órgão de tubos em uma missa religiosa no início de 1800.
Mudanças econômicas também tiveram o efeito de alterar o equilíbrio entre disponibilidade e qualidade de músicos. Enquanto no final do barroco, um grande compositor teria todos os recursos musicais de uma cidade para se valer, as forças musicais disponíveis em um pavilhão de caça aristocrático ou em uma pequena corte eram menores e mais fixas em seu nível de habilidade. Isso foi um estímulo para ter partes mais simples para os músicos de conjunto tocarem e, no caso de um grupo virtuoso residente, um estímulo para escrever partes idiomáticas espetaculares para certos instrumentos, como no caso da orquestra de Mannheim, ou solos virtuosos para violinistas ou flautistas particularmente habilidosos. Além disso, o apetite do público por um suprimento contínuo de novas músicas veio do barroco. Isso significava que as obras deveriam ser executadas com, no máximo, um ou dois ensaios. Mesmo depois de 1790 Mozart escreve sobre "o ensaio", com a implicação de que seus concertos teriam apenas um ensaio.
Como havia uma ênfase maior em uma única linha melódica, havia maior ênfase na notação dessa linha para dinâmica e fraseado. Isso contrasta com a era barroca, quando as melodias eram tipicamente escritas sem dinâmica, marcas de fraseado ou ornamentos, pois se supunha que o intérprete improvisaria esses elementos no local. Na era clássica, tornou-se mais comum os compositores indicarem onde queriam que os intérpretes tocassem ornamentos como trinados ou giros. A simplificação da textura tornou esse detalhe instrumental mais importante e também tornou o uso de ritmos característicos, como fanfarras de abertura chamativas, o ritmo da marcha fúnebre ou o gênero minueto, mais importante para estabelecer e unificar o tom de um único movimento.
O período clássico também viu o desenvolvimento gradual da forma sonata, um conjunto de princípios estruturais para a música que reconciliava a preferência clássica por material melódico com o desenvolvimento harmônico, que poderia ser aplicado em todos os gêneros musicais. A própria sonata continuou a ser a principal forma de solo e música de câmara, enquanto mais tarde no período clássico o quarteto de cordas tornou-se um gênero proeminente. A forma sinfônica para orquestra foi criada neste período (isso é popularmente atribuído a Joseph Haydn). O concerto grosso (concerto para mais de um músico), uma forma muito popular na época barroca, começou a ser substituído pelo concerto solo, apresentando apenas um solista. Os compositores começaram a dar mais importância à capacidade particular do solista de mostrar habilidades virtuosas, com escalas rápidas e desafiadoras e corridas de arpejo. No entanto, alguns concertos grossi permaneceram, sendo o mais famoso deles a Sinfonia Concertante para Violino e Viola em Mi bemol maior de Mozart.
Principais características
No período clássico, o tema consiste em frases com figuras e ritmos melódicos contrastantes. Essas frases são relativamente breves, geralmente com quatro compassos de comprimento, e podem ocasionalmente parecer esparsas ou concisas. A textura é principalmente homofônica, com uma melodia clara acima de um acompanhamento de acordes subordinado, por exemplo, um baixo Alberti. Isso contrasta com a prática da música barroca, onde uma peça ou movimento normalmente teria apenas um assunto musical, que seria então trabalhado em várias vozes de acordo com os princípios do contraponto, mantendo um ritmo ou métrica consistente por toda parte. Como resultado, a música clássica tende a ter uma textura mais clara e clara do que a barroca. O estilo clássico baseia-se no estilo galant, um estilo musical que enfatizava a elegância leve no lugar da seriedade digna e da grandiosidade impressionante do barroco.
Estruturalmente, a música clássica tem geralmente uma forma musical clara, com um contraste bem definido entre a tónica e a dominante, introduzida por cadências claras. As dinâmicas são usadas para destacar as características estruturais da peça. Em particular, a forma sonata e suas variantes foram desenvolvidas durante o período clássico inicial e eram frequentemente usadas. A abordagem clássica da estrutura novamente contrasta com o barroco, onde uma composição normalmente se move entre tônica e dominante e vice-versa, mas através de um progresso contínuo de mudanças de acordes e sem uma sensação de "chegada" na nova chave. Embora o contraponto tenha sido menos enfatizado no período clássico, ele não foi de forma alguma esquecido, especialmente no final do período, e os compositores ainda usavam o contraponto em canções "sérias". obras como sinfonias e quartetos de cordas, além de peças religiosas, como missas.
O estilo musical clássico foi apoiado por desenvolvimentos técnicos em instrumentos. A adoção generalizada de temperamento igual tornou possível a estrutura musical clássica, garantindo que as cadências em todas as tonalidades soassem semelhantes. O fortepiano e depois o pianoforte substituíram o cravo, permitindo um contraste mais dinâmico e melodias mais sustentadas. Durante o período clássico, os instrumentos de teclado tornaram-se mais ricos, mais sonoros e mais poderosos.
A orquestra aumentou de tamanho e alcance, e tornou-se mais padronizada. O papel do baixo contínuo do cravo ou órgão de tubos na orquestra caiu em desuso entre 1750 e 1775, deixando a seção de cordas de sopros tornou-se uma seção independente, composta por clarinetes, oboés, flautas e fagotes.
Enquanto a música vocal, como a ópera cômica, era popular, grande importância era dada à música instrumental. Os principais tipos de música instrumental eram a sonata, o trio, o quarteto de cordas, o quinteto, a sinfonia, o concerto (geralmente para um instrumento solo virtuoso acompanhado por orquestra) e peças leves como serenatas e divertimentos. A forma sonata se desenvolveu e se tornou a forma mais importante. Foi usado para construir o primeiro movimento da maioria das obras de grande escala em sinfonias e quartetos de cordas. A forma sonata também foi usada em outros movimentos e em peças únicas e independentes, como aberturas.
História
Transição Barroco/Clássico c. 1750–1760
Em seu livro O Estilo Clássico, o autor e pianista Charles Rosen afirma que, de 1755 a 1775, os compositores buscaram um novo estilo que fosse mais efetivamente dramático. No período do Alto Barroco, a expressão dramática era limitada à representação de afetos individuais (a "doutrina dos afetos", ou o que Rosen chama de "sentimento dramático"). Por exemplo, no oratório de Handel Jephtha, o compositor traduz quatro emoções separadamente, uma para cada personagem, no quarteto "O, poupe sua filha". Eventualmente, essa representação de emoções individuais passou a ser vista como simplista e irreal; os compositores buscavam retratar múltiplas emoções, simultaneamente ou progressivamente, dentro de um único personagem ou movimento ("ação dramática"). Assim, no final do ato 2 de Die Entführung aus dem Serail de Mozart, os amantes se movem "da alegria através da suspeita e indignação para a reconciliação final."
Musicalmente falando, esta "ação dramática" exigia mais variedade musical. Considerando que a música barroca era caracterizada por um fluxo contínuo dentro de movimentos individuais e texturas amplamente uniformes, os compositores após o Alto Barroco procuraram interromper esse fluxo com mudanças abruptas na textura, dinâmica, harmonia ou andamento. Entre os desenvolvimentos estilísticos que se seguiram ao Alto Barroco, o mais dramático passou a ser chamado de Empfindsamkeit, (aproximadamente "estilo sensível"), e seu praticante mais conhecido foi Carl Philipp Emanuel Bach. Compositores desse estilo empregaram as interrupções discutidas acima da maneira mais abrupta, e a música pode soar ilógica às vezes. O compositor italiano Domenico Scarlatti levou esses desenvolvimentos adiante. Suas mais de quinhentas sonatas de teclado de movimento único também contêm mudanças abruptas de textura, mas essas mudanças são organizadas em períodos, frases equilibradas que se tornaram uma marca registrada do estilo clássico. No entanto, as mudanças de textura de Scarlatti ainda soam repentinas e despreparadas. A conquista notável dos grandes compositores clássicos (Haydn, Mozart e Beethoven) foi sua capacidade de fazer essas surpresas dramáticas soarem logicamente motivadas, de modo que "o expressivo e o elegante pudessem dar as mãos"
Entre a morte de J. S. Bach e a maturidade de Haydn e Mozart (aproximadamente 1750-1770), os compositores experimentaram essas novas ideias, que podem ser vistas na música dos filhos de Bach. Johann Christian desenvolveu um estilo que hoje chamamos de Rococó, compreendendo texturas e harmonias mais simples, e que era "charmoso, não dramático e um pouco vazio." Como mencionado anteriormente, Carl Philipp Emmanuel procurou aumentar o drama, e sua música era "violenta, expressiva, brilhante, continuamente surpreendente e muitas vezes incoerente." E finalmente Wilhelm Friedemann, J.S. O filho mais velho de Bach estendeu as tradições barrocas de maneira idiomática e não convencional.
A princípio, o novo estilo assumiu as formas barrocas—a ternária da capo aria, a sinfonia e o concerto—mas composta com métodos mais simples peças, ornamentação mais notada, em vez dos ornamentos improvisados que eram comuns na era barroca, e divisão mais enfática das peças em seções. No entanto, com o tempo, a nova estética causou mudanças radicais na forma como as peças eram montadas e os layouts formais básicos mudaram. Os compositores desse período buscavam efeitos dramáticos, melodias marcantes e texturas mais claras. Uma das grandes mudanças texturais foi uma mudança do complexo e denso estilo polifônico do barroco, no qual múltiplas linhas melódicas entrelaçadas eram tocadas simultaneamente, e em direção à homofonia, uma textura mais leve que usa uma única linha melódica clara acompanhada por acordes.
A música barroca geralmente usa muitas fantasias harmônicas e seções polifônicas que se concentram menos na estrutura da peça musical e há menos ênfase em frases musicais claras. No período clássico, as harmonias tornaram-se mais simples. No entanto, a estrutura da peça, as frases e pequenos motivos melódicos ou rítmicos, tornaram-se muito mais importantes do que no período barroco.
Outra ruptura importante com o passado foi a revisão radical da ópera por Christoph Willibald Gluck, que eliminou grande parte das camadas e ornamentos improvisados e se concentrou nos pontos de modulação e transição. Ao tornar esses momentos em que a harmonia muda mais de foco, ele permitiu mudanças dramáticas poderosas na cor emocional da música. Para destacar essas transições, ele usou mudanças na instrumentação (orquestração), melodia e modo. Entre os compositores de maior sucesso de seu tempo, Gluck gerou muitos emuladores, incluindo Antonio Salieri. Sua ênfase na acessibilidade trouxe grandes sucessos na ópera e em outras músicas vocais, como canções, oratórios e coros. Estes foram considerados os tipos de música mais importantes para apresentação e, portanto, tiveram maior sucesso de público.
A fase entre o Barroco e a ascensão do Clássico (por volta de 1730), foi palco de vários estilos musicais concorrentes. A diversidade de caminhos artísticos está representada nos filhos de Johann Sebastian Bach: Wilhelm Friedemann Bach, que deu continuidade à tradição barroca de forma pessoal; Johann Christian Bach, que simplificou as texturas do barroco e mais claramente influenciou Mozart; e Carl Philipp Emanuel Bach, que compôs músicas apaixonadas e às vezes violentamente excêntricas do movimento Empfindsamkeit. A cultura musical estava em uma encruzilhada: os mestres do estilo antigo tinham a técnica, mas o público ansiava pelo novo. Esta é uma das razões pelas quais C. P. E. Bach era tão respeitado: ele entendia muito bem as formas mais antigas e sabia como apresentá-las em novos trajes, com uma maior variedade de formas.
1750–1775
.jpg)
No final da década de 1750, havia centros florescentes do novo estilo na Itália, Viena, Mannheim e Paris; dezenas de sinfonias foram compostas e havia bandas de músicos associados a teatros musicais. Ópera ou outra música vocal acompanhada por orquestra era a característica da maioria dos eventos musicais, com concertos e sinfonias (surgindo da abertura) servindo como interlúdios instrumentais e introduções para óperas e serviços religiosos. Ao longo do período clássico, sinfonias e concertos se desenvolveram e foram apresentados independentemente da música vocal.
O "normal" um conjunto de orquestra - um corpo de cordas complementado por sopros - e movimentos de caráter rítmico particular foram estabelecidos no final da década de 1750 em Viena. No entanto, o comprimento e o peso das peças ainda eram definidos com algumas características barrocas: movimentos individuais ainda focados em um "afeto" (clima musical) ou tinham apenas uma seção intermediária nitidamente contrastante, e seu comprimento não era significativamente maior do que os movimentos barrocos. Ainda não havia uma teoria claramente enunciada de como compor no novo estilo. Era um momento propício para um avanço.
O primeiro grande mestre do estilo foi o compositor Joseph Haydn. No final da década de 1750, ele começou a compor sinfonias e, em 1761, compôs um tríptico (Manhã, Meio-dia e Noite) solidamente no estilo contemporâneo. modo. Como vice-Kapellmeister e mais tarde Kapellmeister, sua produção se expandiu: ele compôs mais de quarenta sinfonias apenas na década de 1760. E enquanto sua fama crescia, sua orquestra se expandia e suas composições eram copiadas e difundidas, sua voz era apenas uma entre muitas.
Embora alguns estudiosos sugiram que Haydn foi ofuscado por Mozart e Beethoven, seria difícil exagerar a centralidade de Haydn para o novo estilo e, portanto, para o futuro da música artística ocidental como um todo. Na época, antes da preeminência de Mozart ou Beethoven, e com Johann Sebastian Bach conhecido principalmente pelos conhecedores da música para teclado, Haydn alcançou um lugar na música que o colocou acima de todos os outros compositores, exceto, talvez, o George da era barroca. Frideric Handel. Haydn pegou ideias existentes e alterou radicalmente como elas funcionavam - ganhando o título de "pai da sinfonia" e "pai do quarteto de cordas".
Uma das forças que funcionaram como um ímpeto para sua pressão foi o primeiro movimento do que mais tarde seria chamado de Romantismo - o Sturm und Drang, ou "tempestade e estresse" fase nas artes, um curto período em que o emocionalismo óbvio e dramático foi uma preferência estilística. Haydn, portanto, queria um contraste mais dramático e melodias mais emocionalmente atraentes, com caráter aguçado e individualidade em suas peças. Este período desapareceu na música e na literatura: no entanto, influenciou o que veio depois e acabaria por ser um componente do gosto estético nas décadas posteriores.
A Sinfonia de Despedida, nº 45 em F♯ menor, exemplifica a integração de Haydn das diferentes demandas do novo estilo, com surpreendentes curvas fechadas e um longo e lento adagio para finalizar a obra. Em 1772, Haydn completou seu conjunto Opus 20 de seis quartetos de cordas, no qual empregou as técnicas polifônicas que havia reunido da era barroca anterior para fornecer coerência estrutural capaz de manter unidas suas idéias melódicas. Para alguns, isso marca o início da fase "madura" Estilo clássico, em que o período de reação contra a complexidade barroca tardia cedeu a um período de integração de elementos barrocos e clássicos.
1775–1790
Haydn, tendo trabalhado por mais de uma década como diretor musical de um príncipe, tinha muito mais recursos e escopo para compor do que a maioria dos outros compositores. Sua posição também lhe deu a capacidade de moldar as forças que tocariam sua música, pois ele poderia selecionar músicos habilidosos. Essa oportunidade não foi desperdiçada, já que Haydn, começando bem cedo em sua carreira, procurou levar adiante a técnica de construção e desenvolvimento de ideias em sua música. Seu próximo avanço importante foi nos quartetos de cordas Opus 33 (1781), nos quais os papéis melódicos e harmônicos seguem entre os instrumentos: muitas vezes é momentaneamente incerto o que é melodia e o que é harmonia. Isso muda a maneira como o conjunto trabalha entre momentos dramáticos de transição e seções climáticas: a música flui suavemente e sem interrupções óbvias. Ele então pegou esse estilo integrado e começou a aplicá-lo à música orquestral e vocal.
O dom de Haydn para a música foi uma forma de compor, uma forma de estruturar as obras, que estava ao mesmo tempo de acordo com a estética dominante do novo estilo. No entanto, um contemporâneo mais jovem, Wolfgang Amadeus Mozart, trouxe seu gênio para as ideias de Haydn e as aplicou a dois dos principais gêneros da época: a ópera e o concerto virtuoso. Enquanto Haydn passou grande parte de sua vida profissional como compositor da corte, Mozart queria sucesso público na vida de concertos das cidades, tocando para o público em geral. Isso significava que ele precisava escrever óperas e escrever e executar peças virtuosas. Haydn não era um virtuoso no nível de turnê internacional; nem estava procurando criar obras operísticas que pudessem tocar por muitas noites para um grande público. Mozart queria alcançar ambos. Além disso, Mozart também tinha um gosto por acordes mais cromáticos (e maiores contrastes na linguagem harmônica em geral), um maior amor por criar uma confusão de melodias em uma única obra e uma sensibilidade mais italiana na música como um todo. Ele descobriu, na música de Haydn e mais tarde em seu estudo da polifonia de J.S. Bach, os meios para disciplinar e enriquecer seus dons artísticos.
Mozart rapidamente chamou a atenção de Haydn, que saudou o novo compositor, estudou suas obras e considerou o jovem seu único verdadeiro igual na música. Em Mozart, Haydn encontrou maior amplitude de instrumentação, efeito dramático e recurso melódico. A relação de aprendizagem moveu-se em ambas as direções. Mozart também tinha um grande respeito pelo compositor mais velho e experiente e procurou aprender com ele.
A chegada de Mozart a Viena em 1780 trouxe uma aceleração no desenvolvimento do estilo clássico. Lá, Mozart absorveu a fusão do brilho italiano e da coesão germânica que vinha fermentando nos 20 anos anteriores. Seu próprio gosto por brilhos chamativos, melodias e figuras ritmicamente complexas, longas melodias de cantilena e floreios virtuosos foi mesclado com uma apreciação pela coerência formal e conexão interna. É neste ponto que a guerra e a inflação econômica interromperam a tendência de orquestras maiores e forçaram a dissolução ou redução de muitas orquestras de teatro. Isso pressionou o estilo Clássico para dentro: em busca de maior conjunto e desafios técnicos - por exemplo, espalhar a melodia pelos sopros ou usar uma melodia harmonizada em terças. Esse processo valorizava a música de pequenos conjuntos, chamada música de câmara. Também levou a uma tendência para mais apresentações públicas, dando um novo impulso ao quarteto de cordas e outros pequenos agrupamentos.
Foi durante esta década que o gosto do público começou, cada vez mais, a reconhecer que Haydn e Mozart tinham atingido um elevado padrão de composição. Quando Mozart chegou aos 25 anos, em 1781, os estilos dominantes de Viena estavam reconhecidamente ligados ao surgimento na década de 1750 do estilo clássico inicial. No final da década de 1780, as mudanças na prática de execução, a posição relativa da música instrumental e vocal, as exigências técnicas dos músicos e a unidade estilística se estabeleceram nos compositores que imitavam Mozart e Haydn. Durante esta década, Mozart compôs suas óperas mais famosas, suas seis últimas sinfonias que ajudaram a redefinir o gênero e uma série de concertos para piano que ainda permanecem no auge dessas formas.
Um compositor que foi influente na divulgação do estilo mais sério que Mozart e Haydn formaram é Muzio Clementi, um talentoso pianista virtuoso que empatou com Mozart em um "duelo" musical. diante do imperador em que cada um improvisava ao piano e executava suas composições. As sonatas de Clementi para piano circularam amplamente e ele se tornou o compositor de maior sucesso em Londres durante a década de 1780. Também em Londres nessa época estava Jan Ladislav Dussek, que, como Clementi, encorajou os fabricantes de pianos a ampliar o alcance e outras características de seus instrumentos e, em seguida, explorou totalmente as possibilidades recém-abertas. A importância de Londres no período clássico é muitas vezes negligenciada, mas serviu como lar da fábrica de Broadwood para a fabricação de pianos e como base para compositores que, embora menos notáveis do que a "Escola de Viena".;, teve uma influência decisiva no que veio depois. Eles foram compositores de muitas obras excelentes, notáveis por seus próprios méritos. O gosto de London pelo virtuosismo pode muito bem ter encorajado o complexo trabalho de passagem e extensas declarações sobre tônica e dominante.
Por volta de 1790–1820
Quando Haydn e Mozart começaram a compor, as sinfonias eram tocadas como movimentos únicos - antes, entre ou como interlúdios dentro de outras obras - e muitas delas duravam apenas dez ou doze minutos; os grupos instrumentais tinham padrões variados de execução, e o contínuo era uma parte central da produção musical.
Nos anos seguintes, o mundo social da música passou por mudanças dramáticas. A publicação internacional e as turnês cresceram explosivamente e as sociedades de concertos se formaram. A notação tornou-se mais específica, mais descritiva - e os esquemas de obras foram simplificados (mas tornaram-se mais variados em sua elaboração exata). Em 1790, pouco antes da morte de Mozart, com sua reputação se espalhando rapidamente, Haydn estava pronto para uma série de sucessos, notadamente seus últimos oratórios e sinfonias de Londres. Compositores em Paris, Roma e em toda a Alemanha recorreram a Haydn e Mozart para obter suas ideias sobre a forma.
Na década de 1790, surgiu uma nova geração de compositores, nascido por volta de 1770. Embora tenham crescido com os estilos anteriores, eles ouviram nas obras recentes de Haydn e Mozart um veículo para maior expressão. Em 1788 Luigi Cherubini estabeleceu-se em Paris e em 1791 compôs Lodoiska, uma ópera que o elevou à fama. Seu estilo é claramente reflexo dos maduros Haydn e Mozart, e sua instrumentação deu-lhe um peso que ainda não havia sido sentido na grande ópera. Seu contemporâneo Étienne Méhul estendeu os efeitos instrumentais com sua ópera de 1790 Euphrosine et Coradin, da qual se seguiu uma série de sucessos. O impulso final para a mudança veio de Gaspare Spontini, profundamente admirado por futuros compositores românticos como Weber, Berlioz e Wagner. A linguagem harmônica inovadora de suas óperas, sua instrumentação refinada e seu estilo "encadeado" números fechados (um padrão estrutural que mais tarde foi adotado por Weber em Euryanthe e dele transmitido, através de Marschner, a Wagner), formaram a base a partir da qual a ópera romântica francesa e alemã teve seu início.
O mais fatídico da nova geração foi Ludwig van Beethoven, que lançou suas obras numeradas em 1794 com um conjunto de três trios para piano, que permanecem no repertório. Um pouco mais jovem que os outros, embora igualmente realizado por causa de seu estudo juvenil com Mozart e seu virtuosismo nativo, foi Johann Nepomuk Hummel. Hummel também estudou com Haydn; ele era amigo de Beethoven e Franz Schubert. Ele se concentrou mais no piano do que em qualquer outro instrumento, e seu tempo em Londres em 1791 e 1792 gerou a composição e publicação em 1793 de três sonatas para piano, opus 2, que usavam idiomaticamente as técnicas de Mozart para evitar a cadência esperada, e a figuração virtuosa às vezes modalmente incerta de Clementi. Juntos, esses compositores podem ser vistos como a vanguarda de uma ampla mudança de estilo e o centro da música. Eles estudaram as obras uns dos outros, copiaram os gestos uns dos outros na música e, ocasionalmente, se comportaram como rivais briguentos.
As diferenças cruciais com a onda anterior podem ser vistas na diminuição das melodias, aumento das durações dos movimentos, aceitação de Mozart e Haydn como paradigmáticos, maior utilização dos recursos do teclado, mudança do "vocal&# 34; escrevendo para "pianístico" escrita, a atração crescente do menor e da ambigüidade modal e a importância crescente de variar as figuras de acompanhamento para trazer a "textura" para a frente como um elemento na música. Em suma, o clássico tardio buscava uma música internamente mais complexa. O crescimento de sociedades de concertos e orquestras amadoras, marcando a importância da música como parte da vida da classe média, contribuiu para um mercado em expansão de pianos, música para piano e virtuosi para servir como exemplares. Hummel, Beethoven e Clementi eram todos famosos por sua improvisação.
A influência direta do barroco continuou a desaparecer: o baixo cifrado tornou-se menos proeminente como meio de manter a performance unida, as práticas de performance de meados do século XVIII continuaram a desaparecer. No entanto, ao mesmo tempo, edições completas de mestres barrocos começaram a se tornar disponíveis, e a influência do estilo barroco continuou a crescer, particularmente no uso cada vez mais expansivo do latão. Outra característica do período é o crescente número de apresentações em que o compositor não esteve presente. Isso levou a um maior detalhamento e especificidade na notação; por exemplo, havia menos "opcionais" partes que ficavam separadas da partitura principal.
A força dessas mudanças tornou-se aparente com a 3ª Sinfonia de Beethoven, batizada de Eroica, que em italiano significa "heroica", pelo compositor. Tal como acontece com The Rite of Spring de Stravinsky, pode não ter sido o primeiro em todas as suas inovações, mas seu uso agressivo de todas as partes do estilo clássico o diferencia de suas obras contemporâneas.: em comprimento, ambição e recursos harmônicos também.
Primeira escola vienense
A Primeira Escola Vienense é um nome usado principalmente para se referir a três compositores do período clássico na Viena do final do século XVIII: Haydn, Mozart e Beethoven. Franz Schubert é ocasionalmente adicionado à lista.
Em países de língua alemã, o termo Wiener Klassik (lit. era/arte clássica vienense) é usado. Esse termo é frequentemente aplicado de forma mais ampla à era clássica na música como um todo, como um meio de distingui-la de outros períodos que são coloquialmente referidos como clássicos, ou seja, música barroca e romântica.
O termo "Escola Vienense" foi usado pela primeira vez pelo musicólogo austríaco Raphael Georg Kiesewetter em 1834, embora ele contasse apenas com Haydn e Mozart como membros da escola. Outros escritores seguiram o exemplo e, eventualmente, Beethoven foi adicionado à lista. A designação "primeiro" é adicionado hoje para evitar confusão com a Segunda Escola Vienense.
Embora, à parte Schubert, esses compositores certamente se conhecessem (com Haydn e Mozart sendo até mesmo parceiros ocasionais de música de câmara), não há sentido em que eles estivessem envolvidos em um esforço colaborativo no sentido que alguém associaria ao século XX escolas do século XX, como a Segunda Escola Vienense ou Les Six. Também não há nenhum sentido significativo em que um compositor tenha sido "educado" por outro (da mesma forma que Berg e Webern foram ensinados por Schoenberg), embora seja verdade que Beethoven por algum tempo recebeu lições de Haydn.
Tentativas de estender a Primeira Escola Vienense para incluir figuras posteriores como Anton Bruckner, Johannes Brahms e Gustav Mahler são meramente jornalísticas e nunca encontradas na musicologia acadêmica.
Influência clássica em compositores posteriores
As eras musicais e seus estilos, formas e instrumentos predominantes raramente desaparecem de uma só vez; em vez disso, os recursos são substituídos com o tempo, até que a abordagem antiga seja simplesmente considerada "antiquada". O estilo Clássico não "morre" de repente; em vez disso, gradualmente foi eliminado sob o peso das mudanças. Para dar apenas um exemplo, embora seja geralmente afirmado que a era clássica parou de usar o cravo nas orquestras, isso não aconteceu de repente no início da era clássica em 1750. Em vez disso, as orquestras pararam lentamente de usar o cravo para tocar baixo contínuo até que a prática foi descontinuada no final do século XVIII.
Uma mudança crucial foi a mudança para harmonias centradas em "flatward" chaves: muda na direção subdominante. No estilo Clássico, o tom maior era muito mais comum do que o menor, o cromatismo sendo moderado pelo uso de "sharpward" modulação (por exemplo, uma peça em dó maior modulando para sol maior, ré maior ou lá maior, todas as quais são chaves com mais sustenidos). Além disso, as seções no modo menor eram frequentemente usadas para contraste. Começando com Mozart e Clementi, começou uma colonização rasteira da região subdominante (o acorde ii ou IV, que na tonalidade de dó maior seriam as tonalidades de ré menor ou fá maior). Com Schubert, as modulações subdominantes floresceram depois de serem introduzidas em contextos nos quais os compositores anteriores teriam se limitado a mudanças dominantes (modulações para o acorde dominante, por exemplo, na tonalidade de dó maior, modulando para sol maior). Isso introduziu cores mais escuras na música, fortaleceu o modo menor e tornou a estrutura mais difícil de manter. Beethoven contribuiu para isso com o uso crescente da quarta como consonância e ambigüidade modal - por exemplo, a abertura da Sinfonia nº 9 em ré menor.
Ludwig van Beethoven, Franz Schubert, Carl Maria von Weber e John Field estão entre os mais proeminentes desta geração de "proto-românticos", juntamente com o jovem Felix Mendelssohn. Seu senso de forma foi fortemente influenciado pelo estilo clássico. Enquanto eles ainda não foram "aprendidos" compositores (imitando regras que foram codificadas por outros), eles responderam diretamente às obras de Haydn, Mozart, Clementi e outros, quando as encontraram. As forças instrumentais à sua disposição nas orquestras também eram bastante "Clássica" em número e variedade, permitindo semelhança com obras clássicas.
No entanto, as forças destinadas a acabar com o domínio do estilo clássico ganharam força nas obras de muitos dos compositores acima, particularmente Beethoven. O mais comumente citado é a inovação harmônica. Também importante é o foco crescente em ter uma figuração de acompanhamento contínua e ritmicamente uniforme: a Sonata ao luar de Beethoven foi o modelo para centenas de peças posteriores - onde o movimento de mudança de uma figura rítmica fornece muito do drama e interesse do trabalho., enquanto uma melodia flutua acima dela. Maior conhecimento das obras, maior perícia instrumental, variedade crescente de instrumentos, crescimento das sociedades de concertos e o domínio imparável do piano cada vez mais poderoso (que recebeu um tom mais ousado e alto por desenvolvimentos tecnológicos, como o uso de cordas de aço, pesadas armações de ferro fundido e cordas com vibração simpática) criaram uma enorme audiência para música sofisticada. Todas essas tendências contribuíram para a mudança para o estilo "Romântico" estilo.
Traçar a linha entre esses dois estilos é muito difícil: algumas seções das obras posteriores de Mozart, consideradas isoladamente, são indistinguíveis em harmonia e orquestração da música escrita 80 anos depois - e alguns compositores continuaram a escrever em Clássica normativa estilos no início do século XX. Mesmo antes da morte de Beethoven, compositores como Louis Spohr se autodenominavam românticos, incorporando, por exemplo, um cromatismo mais extravagante em suas obras (por exemplo, usando harmonias cromáticas na progressão de acordes de uma peça). Por outro lado, obras como a Sinfonia nº 5 de Schubert, escrita durante o final cronológico da era clássica e o início da era romântica, exibem um paradigma artístico deliberadamente anacrônico, remontando ao estilo de composição de várias décadas antes.
No entanto, a queda de Viena como o mais importante centro musical para composição orquestral no final da década de 1820, precipitada pelas mortes de Beethoven e Schubert, marcou o eclipse final do estilo clássico - e o fim de sua desenvolvimento orgânico contínuo de um compositor aprendendo em estreita proximidade com os outros. Franz Liszt e Frédéric Chopin visitaram Viena quando eram jovens, mas depois se mudaram para outras cidades. Compositores como Carl Czerny, embora profundamente influenciados por Beethoven, também buscaram novas ideias e novas formas para conter o mundo mais amplo de expressão e performance musical em que viviam.
O interesse renovado no equilíbrio formal e na contenção da música clássica do século XVIII levou, no início do século XX, ao desenvolvimento do chamado estilo neoclássico, que incluiu Stravinsky e Prokofiev entre seus proponentes, pelo menos em certos momentos de suas carreiras.
Instrumentos do período clássico
Guitarra
O violão barroco, com quatro ou cinco conjuntos de cordas duplas ou "cursos" e boca elaboradamente decorada, era um instrumento muito diferente do violão clássico antigo, que mais se assemelha ao instrumento moderno com as seis cordas padrão. A julgar pela quantidade de manuais de instrução publicados para o instrumento – mais de trezentos textos foram publicados por mais de duzentos autores entre 1760 e 1860 – o período clássico marcou uma época de ouro para o violão.
Sequências de caracteres
Na época barroca, havia mais variedade nos instrumentos de cordas de arco usados em conjuntos, com instrumentos como a viola d'amore e uma variedade de violas com trastes, variando de pequenas violas a grandes violas graves. No período clássico, a seção de cordas da orquestra foi padronizada em apenas quatro instrumentos:
- Violino (em orquestras e música de câmara, tipicamente há primeiros violinos e segundo violinos, com o primeiro tocando a melodia e/ou uma linha mais alta e o último tocando uma contra-melodia, uma parte de harmonia, uma parte abaixo da primeira linha de violino em campo, ou uma linha de acompanhamento)
- Viola (a voz alta da seção de corda orquestral e quarteto de cordas; muitas vezes executa "vozes internas", que são linhas de acompanhamento que preenchem a harmonia da peça)
- Cello (o violoncelo desempenha dois papéis na era clássica; às vezes é usado para tocar o bassline da peça, tipicamente dobrado pelos baixos duplos [Nota: Quando violoncelos e baixos duplos ler o mesmo bassline, os baixos jogar um oitava abaixo do violoncelo, porque o baixo é um instrumento de transposição]; e em outras vezes executa melodias e solos no registro inferior)
- Baixo duplo (o baixo tipicamente executa os mais baixos arremessos na seção de corda, a fim de fornecer o bassline para a peça)
Na era barroca, os contrabaixistas geralmente não recebiam uma parte separada; em vez disso, eles normalmente tocavam a mesma linha de baixo baixo contínuo que os violoncelos e outros instrumentos de baixa frequência (por exemplo, teorba, instrumento de sopro serpente, violas), embora uma oitava abaixo dos violoncelos, porque o contrabaixo é um instrumento de transposição que soa uma oitava menor do que está escrito. Na era clássica, alguns compositores continuaram a escrever apenas uma parte do baixo para sua sinfonia, rotulada como "bassi"; esta parte do baixo foi tocada por violoncelistas e contrabaixistas. Durante a era clássica, alguns compositores começaram a dar aos contrabaixos sua própria parte.
Sopros
Era comum todas as orquestras terem pelo menos 2 sopros, geralmente oboés, flautas, clarinetes ou, às vezes, trompas inglesas (ver Sinfonia nº 22 (Haydn). i>harmonie, que seria empregada para certos eventos. A harmonie se juntaria à orquestra de cordas maior às vezes para servir como a seção de sopros.
- Piccolo (usado em bandas militares)
- Flutua
- Oboe
- Inglês horn
- Clarinete
- Trompete de baixo
- Clarinete de graves
- Clarinete de Amor
- Bassoon.
- Contrabando
- Bagpipe (veja o divertimento de Leopold Mozart, "Die Bauernhochzeit" ou "Casamento Camponês")
Percussão
- Timpano
- "Música turca":
- tambor de graves
- Címbalos
- Triângulo
- Tambourine
Teclados
- Clavicho
- Fortepiano (o precursor do piano moderno)
- Harpsichord, o instrumento de teclado contínuo da era barroca padrão, foi usado até a década de 1750, após o qual foi gradualmente eliminado, e substituído pelo fortepiano e, em seguida, o piano. No início de 1800, o cravo não foi mais usado.
- Órgão
Latões
- Corno natural
- Trompete natural
- Sackbut (Trombone precursor)
- Serpente (instrumento)
- Post horn (veja Serenata No. 9 (Mozart)
Contenido relacionado
Deutschlandlied
Temperamento igual
Música folclórica