Música da Índia
Devido à vastidão e diversidade da Índia, a música indiana abrange vários gêneros em múltiplas variedades e formas que incluem música clássica, folk, rock e pop. Tem uma história que abrange vários milênios e se desenvolveu em várias localizações geográficas abrangendo o subcontinente. A música na Índia começou como parte integrante da vida sócio-religiosa.
História
Pré-história
Paleolítico
As pinturas rupestres paleolíticas e neolíticas de 30.000 anos no patrimônio mundial da UNESCO nos abrigos rochosos de Bhimbetka em Madhya Pradesh mostram um tipo de dança. A arte rupestre mesolítica e calcolítica de Bhimbetka ilustra instrumentos musicais como gongos, liras curvadas, daf etc.
Neolítico
Era calcolítica (4000 aC em diante) celtas de pedra polida em forma de barra estreita como instrumentos musicais, um dos instrumentos musicais anteriores na Índia, foram escavados em Sankarjang no distrito de Angul de Odisha. Há evidências históricas na forma de evidências escultóricas, ou seja, instrumentos musicais, posturas de donzelas cantando e dançando nas Cavernas Ranigumpha em Khandagiri e Udayagiri em Bhubaneswar.
Civilização do Vale do Rio Indo
A escultura Dancing Girl (2500 aC) foi encontrada no local da civilização do Vale do Indo (IVC). Há pinturas da era IVC em cerâmica de um homem com um dhol pendurado no pescoço e uma mulher segurando um tambor sob o braço esquerdo.
Era védica e antiga
Os Vedas (c. 1500 – c. 800 aC período védico) documentam rituais com artes cênicas e brincadeiras. Por exemplo, Shatapatha Brahmana (~ 800–700 aC) tem versos no capítulo 13.2 escritos na forma de uma peça entre dois atores. Tala ou taal é um antigo conceito de música rastreável aos textos da era védica do hinduísmo, como o Samaveda e métodos para cantar os hinos védicos. Os textos hindus pós-védicos de Smriti (500 aC a 100 aC) incluem o Ramayana de Valmiki (500 aC a 100 aC), que menciona dança e música (dança de Apsaras como Urvashi, Rambha, Menaka, Tilottama Panchāpsaras e Ravana&# 39;s esposas que se destacam em nrityageeta ou "cantar e dançar" e nritavaditra ou "tocar instrumentos musicais"), música e canto por Gandharvas, vários instrumentos de cordas (vina, tantri, bīn, vipanci e vallaki semelhantes a veena), instrumentos de sopro (shankha, venu e venugana – provavelmente uma gaita feita amarrando várias flautas juntas), raga (incluindo kaushika como raag kaushik dhwani), registros vocais (sete svara ou sur, ana ou ekashurti nota de arrastar, murchana o aumento e queda regulados da voz em matra e tripramana três vezes teen taal laya como drut ou rápido, madhya ou meio, e vilambit ou lento), recitação de poesia em Bala Kanda e também em Uttara Kanda por Luv e Kusha no estilo marga.
Começando com a obra mais antiga conhecida, Tholkappiyam (500 aC), há várias referências à música e Panns na antiga literatura pré-Sangam e Sangam, começando com a obra mais antiga conhecida, Tholkappiyam (500 aC).. Entre a literatura Sangam, Mathuraikkanci refere-se a mulheres cantando sevvazhi pann para invocar a misericórdia de Deus durante o parto. Em Tolkappiyam, as cinco paisagens da literatura Sangam tinham cada uma um Pann associado, cada uma descrevendo o clima da música associada àquela paisagem. Entre os numerosos panns que são mencionados na antiga literatura Tamil estão, Ambal Pann, que é adequado para ser tocado na flauta, sevvazhi pann no Yazh (alaúde), Nottiram e Sevvazhi expressando pathos, o cativante Kurinji pann e o revigorante Murudappann. Pann (Tamil: பண்) é o modo melódico usado pelo povo Tamil em sua música desde os tempos antigos. Os antigos panns ao longo dos séculos evoluíram primeiro para uma escala pentatônica e depois para o sargam carnático de sete notas. Mas desde os primeiros tempos, a música Tamil é heptatônica e conhecida como Ezhisai (ஏழிசை).
santo poeta sânscrito Jayadeva, que foi o grande compositor e ilustre mestre da música clássica, moldou a música do estilo Odra-Magadhi e teve grande influência em Odissi Sangita.
Śārṅgadeva compôs Sangita-Ratnakara, um dos mais importantes textos musicológicos sânscritos da Índia, que é considerado o texto definitivo tanto na música hindustani quanto nas tradições musicais carnáticas da música clássica indiana.
O poeta assamês Madhava Kandali, escritor do Saptakanda Ramayana, lista vários instrumentos em sua versão do "Ramayana", como mardala, khumuchi, bhemachi, dagar, gratal, ramtal, tabal, jhajhar, jinjiri, bheri mahari, tokari, dosari, kendara, dotara, vina, rudra-vipanchi, etc. (o que significa que esses instrumentos existiam desde sua época no século XIV ou antes). O sistema indiano de notação é talvez o mais antigo e elaborado do mundo.
Era medieval
No início do século 14, sob os Khiljis, havia concertos e competições entre músicos hindus e carnáticos.
A partir do século XVI, os tratados musicais escritos foram Sangitamava Chandrika, Gita Prakasha, Sangita Kalalata e Natya Manorama.
Século XX
No início dos anos 1960, pioneiros do jazz como John Coltrane e George Harrison colaboraram com instrumentistas indianos e começaram a usar instrumentos indianos como a cítara em suas canções. No final dos anos 1970 e início dos anos 1980, as fusões do rock and roll com a música indiana eram bem conhecidas em toda a Europa e América do Norte. No final dos anos 1980, artistas indo-britânicos fundiram tradições indianas e ocidentais para criar o underground asiático. No novo milênio, o hip-hop americano apresentou filmi e bhangra indianos. Os principais artistas de hip-hop experimentaram músicas de filmes de Bollywood e colaboraram com artistas indianos, como "Indian Flute"
Em 2010, Laura Marling e Mumford and Sons colaboraram com o Projeto Dharohar.
Música clássica
As duas principais tradições da música clássica indiana são a música carnática, praticada predominantemente nas regiões peninsulares (sul), e a música hindustani, encontrada nas regiões norte, leste e centro. Os conceitos básicos desta música incluem Shruti (microtons), Swaras (notas), Alankar (ornamentos), Raga (melodias improvisadas a partir de gramáticas básicas) e Tala (padrões rítmicos usados na percussão). Seu sistema tonal divide a oitava em 22 segmentos chamados Shrutis, nem todos iguais, mas cada um aproximadamente igual a um quarto de tom inteiro da música ocidental. Ambas as músicas clássicas estão baseadas nos fundamentos das sete notas da música clássica indiana. Essas sete notas também são chamadas de Sapta svara ou Sapta Sur. Esses sete svaras são Sa, Re, Ga, Ma, Pa, Dha e Ni, respectivamente. Esses Sapta Svaras são escritos como Sa, Re, Ga, Ma, Pa, Dha e Ni, mas são formas abreviadas de Shadja (षड्ज), Rishabha (ऋषभ), Gandhara (गान्धार), Madhyama (मध्यम), Panchama (पं चम), Dhaivata (धैवत) e Nishada (निषाद), respectivamente. Estes também são equivalentes a Do, Re, Mi, Fa, So, La, Ti. Somente esses sete svaras construíram a música clássica hindustani e a música clássica carnática. Esses sete svaras são os fundamentos de um raga. Esses sete svaras sem quaisquer variações neles são chamados de Shuddha svaras. Variações nesses svaras fazem com que sejam Komal e Tivra svaras. Todos os outros svaras, exceto Sadja(Sa) e Pancham (Pa), podem ser Komal ou Tivra svaras, mas Sa e Pa são sempre Shuddha svaras. E, portanto, os svaras Sa e Pa são chamados de Achal Svaras, uma vez que esses svaras não se movem de sua posição original, enquanto os svaras Ra, Ga, Ma, Dha, Ni são chamados de Chal Svaras, já que esses svaras se movem de sua posição original.
Sa, Re, Ga, Mãe... Pai, Dha, Ni... Shuddha Svaras Re, Ga, Dha, Ni - Komal Svaras Mãe... Tivra Svaras
A Academia Sangeet Natak reconhece oito formas clássicas de dança e música, nomeadamente Bharatanatyam, Kathak, Kuchipudi, Odissi, Kathakali, Sattriya, Manipuri e Mohiniyattam. Além disso, o Ministério da Cultura da Índia também inclui Chhau em sua lista clássica.
Música carnática
A música carnática pode ser rastreada até os séculos 14 e 15 dC e posteriormente. Originou-se no sul da Índia durante o governo do Império Vijayanagar através dos Keerthanas compostos por Purandara Dasa. Como a música hindustani, é melódica, com variações improvisadas, mas tende a ter composições mais fixas. Consiste em uma composição com enfeites improvisados adicionados à peça nas formas de Raga Alapana, Kalpanaswaram, Neraval e, no caso de mais alunos avançados, Ragam Thanam Pallavi. A ênfase principal está nos vocais, pois a maioria das composições são escritas para serem cantadas e, mesmo quando tocadas em instrumentos, elas devem ser executadas em um estilo de canto (conhecido como gāyaki). Cerca de 300 ragams estão em uso hoje. Annamayya é o primeiro compositor conhecido na música Carnatic. Ele é amplamente considerado como o Andhra Pada kavitā Pitāmaha (padrinho da composição de canções em télugo). Purandara Dasa é considerado o pai da música carnática, enquanto os músicos posteriores Tyagaraja, Shyama Shastry e Muthuswami Dikshitar são considerados a trindade da música carnática.
Artistas notáveis da música Carnatic incluem Tiger Varadachariyar, M D Ramanathan, Ariyakudi Ramanuja Iyengar (o pai do formato de concerto atual), Palghat Mani Iyer, Madurai Mani Iyer, Semmangudi Srinivasa Iyer, Nedunuri Krishnamurthy Alathur Brothers, MS Subbulakshmi, Lalgudi Jayaraman, Balamuralikrishna, TN Seshagopalan, KJ Yesudas, N. Ramani, Umayalpuram K. Sivaraman, Sanjay Subrahmanyan, TM Krishna, Bombay Jayashri, TS Nandakumar, Aruna Sairam, Mysore Manjunath,
Todo mês de dezembro, a cidade de Chennai, na Índia, tem sua Temporada de Música de oito semanas, que é o maior evento cultural do mundo.
A música carnática serviu de base para a maior parte da música no sul da Índia, incluindo música folclórica, música de festival e também estendeu sua influência à música de cinema nos últimos 100 a 150 anos.
Música hindu
A tradição da música hindustani remonta aos tempos védicos, onde os hinos do Sama Veda, um antigo texto religioso, eram cantados como Samagana e não entoados. Ele divergiu da música carnática por volta dos séculos 13 a 14 dC, principalmente devido às influências islâmicas. Desenvolvendo uma tradição forte e diversificada ao longo de vários séculos, tem tradições contemporâneas estabelecidas principalmente na Índia, mas também no Paquistão e em Bangladesh. Em contraste com a música carnática, a outra principal tradição de música clássica indiana originária do sul, a música hindustani não foi apenas influenciada por antigas tradições musicais hindus, filosofia védica histórica e sons indianos nativos, mas também enriquecida pelas práticas persas dos mongóis. Os gêneros clássicos são dhrupad, dhamar, khyal, tarana e sadra, e também existem várias formas semiclássicas.
A raiz do nome C(K)arnatic music é derivada do sânscrito. Karnam significa orelhas e Atakam significa aquilo que é doce ou que persiste.
Música clássica leve
Existem muitos tipos de música que se enquadram na categoria de clássico leve ou semiclássico. Algumas das formas são Thumri, Dadra, Bhajan, Ghazal, Chaiti, Kajri, Tappa, Natya Sangeet e Qawwali. Essas formas enfatizam a busca explícita da emoção do público, em oposição às formas clássicas.
Música folclórica
Tamang Selo
Este é um gênero musical do povo Tamang e popular entre a comunidade de língua nepalesa em Bengala Ocidental, Sikkim, Índia e em todo o mundo. É acompanhado por instrumentos Tamang, o Madal, Damphu e Tungna, embora hoje em dia os músicos tenham adotado instrumentos modernos. Um Tamang Selo pode ser cativante e animado ou lento e melodioso, e geralmente é cantado para transmitir tristeza, amor, felicidade ou incidentes do dia-a-dia e histórias do folclore.
Hira Devi Waiba é aclamada como a pioneira das canções folclóricas nepalesas e de Tamang Selo. Sua música 'Chura ta Hoina Astura' (चुरा त होइन अस्तुरा) é considerado o primeiro Tamang Selo já registrado. Ela cantou quase 300 canções ao longo de sua carreira musical ao longo de 40 anos. Após a morte de Waiba em 2011, seu filho Satya Aditya Waiba (produtor/empresário) e Navneet Aditya Waiba (cantora) colaboraram e regravaram suas canções mais icônicas e lançaram um álbum intitulado Ama Lai Shraddhanjali (आमालाई श्रद्धाञ्जली- Homenagem à Mãe). A dupla são os únicos indivíduos no gênero de música folclórica nepalesa que produzem autênticas canções folclóricas tradicionais nepalesas sem adulteração ou modernização.
Bhangra e Giddha
Bhangra (Punjabi: ਭੰਗੜਾ) é uma forma de música folclórica orientada para a dança do Punjab. O presente musical
estilo é derivado do acompanhamento musical não tradicional aos riffs de Punjab chamados pelo mesmo nome. A dança feminina da região de Punjab é conhecida como Giddha (Punjabi: ਗਿੱਧਾ).
Bihu e Borgeet
Bihu (assamês: বিহু) é o festival de Ano Novo de Assam que cai em meados de abril. Este é um festival da natureza e da mãe terra onde o primeiro dia é para as vacas e búfalos. O segundo dia do festival é para o homem. Danças e canções Bihu acompanhadas por tambores tradicionais e instrumentos de sopro são uma parte essencial deste festival. As canções de Bihu são enérgicas e com batidas para dar as boas-vindas à primavera festiva. Tambores assameses (dhol), Pepa (geralmente feitos de chifre de búfalo), Gogona são os principais instrumentos usados.
Borgeets (em assamês: বৰগীত) são canções líricas definidas para ragas específicas, mas não necessariamente para qualquer tala. Essas canções, compostas por Srimanta Sankardeva e Madhavdeva nos séculos 15 a 16, são usadas para iniciar os serviços de oração em mosteiros, por exemplo. Satra e Namghar associados ao Ekasarana Dharma; e também pertencem ao repertório de Música de Assam fora do contexto religioso. Eles são uma linha lírica que expressa os sentimentos religiosos dos poetas reagindo a diferentes situações e diferem de outras letras associadas ao Ekasarana Dharma.
Instrumentos proeminentes usados em borgeets são Negera,Taal, Khols etc.
Dandiya
Dandiya ou Raas é uma forma de dança cultural Gujarati que é realizada com bastões. O estilo musical atual é derivado do acompanhamento musical tradicional à dança folclórica. É praticado principalmente no estado de Gujarat. Há também outro tipo de dança e música associada a Dandiya/Raas chamada Garba.
Gana
Gaana é uma "coleção de ritmos, batidas e sensibilidades nativas dos Dalits de Chennai" Ele evoluiu ao longo dos últimos dois séculos, combinando influências dos siddhars (adeptos tântricos) da antiga Tamilakam, santos tâmil sufi e muito mais. As canções de Gaana são executadas em casamentos, shows, comícios políticos e funerais. Os artistas cantam sobre uma ampla gama de tópicos, mas diz-se que a essência do gaana é "angústia e melancolia" baseado nas lutas da vida. Nas últimas décadas, o gênero entrou na música da indústria cinematográfica tâmil e ganhou popularidade. Bandas gaana contemporâneas como The Casteless Collective estão trazendo o gênero para novos públicos enquanto o usam para ativismo social, especialmente contra a discriminação de casta.
Haryanvi
A música folclórica Haryana tem duas formas principais: música folclórica clássica de Haryana e música folclórica desi de Haryana (música country de Haryana). Eles assumem a forma de baladas e dores de despedida de amantes, valor e bravura, colheita e felicidade. Haryana é rica em tradição musical e até lugares receberam nomes de ragas, por exemplo, o distrito de Charkhi Dadri tem muitas aldeias nomeadas como Nandyam, Sarangpur, Bilawala, Brindabana, Todi, Asaveri, Jaisri, Malakoshna, Hindola, Bhairvi e Gopi Kalyana.
Himachali
A música folclórica de Himachal varia de acordo com o evento ou festival. Um dos estilos musicais mais populares é o Nati Music, onde nati é a dança tradicional que é feita na música. Nati Music é geralmente comemorativa, e feita em feiras ou outras ocasiões como casamentos.
Jhumair e Domkach
Jhumair e Domkach são música folclórica de Nagpuri. Os instrumentos musicais usados na música e dança folclórica são Dhol, Mandar, Bansi, Nagara, Dhak, Shehnai, Khartal, Narsinga etc.
Lavani
Lavani vem da palavra Lavanya que significa "beleza". Esta é uma das formas mais populares de dança e música praticada em todo Maharashtra. De fato, tornou-se uma parte necessária das apresentações de dança folclórica de Maharashtrian. Tradicionalmente, as canções são cantadas por artistas femininas, mas artistas masculinos podem ocasionalmente cantar Lavanis. O formato de dança associado ao Lavani é conhecido como Tamasha. Lavani é uma combinação de música e dança tradicional, que é executada particularmente ao som das batidas encantadoras de 'Dholaki', um instrumento semelhante a um tambor. A dança é executada por mulheres atraentes vestindo saris de nove metros. Eles são cantados em um ritmo rápido. Lavani originou-se na região árida de Maharashtra e Madhya Pradesh.
Manipuri
A música de Manipur e a dança de Manipuri são herança do povo Manipuri. De acordo com a tradição do povo Manipuri no sopé do Himalaia e vales que ligam a Índia à Birmânia, eles são os Gandharvas (músicos e dançarinos celestiais) nos textos védicos, e textos históricos do povo Manipuri chamam a região de Gandharva-desa. A Usha védica, a deusa do amanhecer, é um motivo cultural para as mulheres Manipuri e, na tradição indiana, foi Usha quem criou e ensinou a arte da dança feminina para meninas. Esta tradição oral de dança feminina é celebrada como Chingkheirol na tradição Manipuri.
Os antigos textos sânscritos, como o épico Mahabharata, mencionam Manipur, onde Arjuna conhece e se apaixona por Chitragada. A dança é chamada de Jagoi em uma das principais línguas Meitei da região e traça uma longa tradição em Manipur. A dança Lai Haraoba provavelmente tem raízes antigas e compartilha muitas semelhanças com as posturas de dança de Nataraja e seu lendário discípulo chamado Tandu (chamado localmente de Tangkhu). Da mesma forma, assim como a dança relacionada ao plebeu Khamba e à princesa Thoibi – que atuam como Shiva e Parvati pan-indianos, na lendária trágica história de amor de Khamba-Thoibi encontrada em o épico de Manipuri Moirang Parba.
Música Marfa
Hadrani Marfa, ou simplesmente música Marfa, introduzida durante o século 18 no estado de Hyderabad pela comunidade Siddi da África Oriental da música afro-árabe de Hadhramawt no Iêmen, é uma forma de música rítmica comemorativa e dança entre os muçulmanos de Hyderabadi, tocada com andamento alto usando instrumento Marfa, daff, Dhol, baquetas, potes de aço e tiras de madeira chamadas thapi.
Mizo
Mizo Music originou-se quando os dísticos foram desenvolvidos durante o assentamento de Thantlang na Birmânia entre 1300 e 1400 EC, e as canções folclóricas desenvolvidas durante este período foram dar hla (canções no gongo); Bawh hla (cantos de guerra), Hlado (cantos de caça); Nauawih hla (canções de berço) Um maior desenvolvimento de canções pode ser visto no assentamento de Lentlang na Birmânia, estimado entre o final do século XV e o século XVII EC. Os Mizo ocuparam o atual Mizoram desde o final do século XVII. O período pré-colonial, ou seja, do século XVIII ao XIX, foi outra época importante na história da literatura folclórica Mizo. Antes da anexação pelo governo britânico, o Mizo ocupou o atual Mizoram por dois séculos. Em comparação com as canções folclóricas do povoado de Thantlang e Lentlang, as canções desse período são mais desenvolvidas em número, forma e conteúdo. Os idiomas são mais polidos e os fluxos também melhores. A maioria das canções deste período tem o nome dos compositores.
Odissi
Jayadeva, o santo poeta sânscrito do século XII, o grande compositor e ilustre mestre da música clássica, tem uma imensa contribuição para a música Odissi. Durante seu tempo, a música de estilo Odra-Magadhi foi moldada e alcançou seu status clássico. Ele indicou os ragas clássicos prevalecentes na época em que seriam cantados. Antes disso havia a tradição de Chhanda que era simples em termos musicais. A partir do século XVI, os tratados sobre música foram Sangitamava Chandrika, Gita Prakasha, Sangita Kalalata e Natya Manorama. Alguns tratados, a saber, Sangita Sarani e Sangi Narayana, também foram escritos no início do século XIX.
Odissi Sangita compreende quatro classes de música, nomeadamente Dhruvapada, Chitrapada, Chitrakala e Panchal, descritas no antigos textos de música oriá. O chefe Odissi e Shokabaradi. Odissi Sangita (música) é uma síntese de quatro classes de música, ou seja, Dhruvapada, Chitrapada, Chitrakala e Panchal, descritos nos textos acima mencionados.
Os grandes expoentes da música Odissi nos tempos modernos são o falecido Singhari Shyamasundara Kar, Markandeya Mahapatra, Kashinath Pujapanda, Balakrushna Das, Gopal Chandra Panda, Ramhari Das, Bhubaneswari Misra, Shymamani Devi e Sunanda Patnaik, que alcançaram eminência na música clássica música.
Rabindra Sangeet (música de Bengala)
Rabindra Sangeet (Bengali: রবীন্দ্রসঙ্গীত Robindro Shonggit, Pronúncia do Bengali: [ɾobindɾo ʃoŋɡit]), também conhecidas como canções de Tagore, são canções escritas e compostas por Rabindranath Tagore. Eles têm características distintas na música de Bengala, popular na Índia e em Bangladesh. "Sangeet" significa música, "Rabindra Sangeet" significa música (ou canções mais apropriadamente) de Rabindra.
Tagore escreveu cerca de 2.230 canções em bengali, agora conhecido como Rabindra Sangeet, usando música clássica e música folclórica tradicional como fontes.
Tagore escreveu os hinos nacionais da Índia e de Bangladesh e influenciou o hino nacional do Sri Lanka.
Rajastão
Rajasthan tem uma coleção cultural muito diversificada de castas de músicos, incluindo Langas, Sapera, Bhopa, Jogi e Manganiyar (lit. "os que pedem/imploram"). Rajasthan Diary cita-o como uma música cheia de alma, com diversidade harmoniosa. As melodias do Rajastão vêm de uma variedade de instrumentos. A variedade de cordas inclui o Sarangi, Ravanahatha, Kamayacha, Morsing e Ektara. Os instrumentos de percussão vêm em todas as formas e tamanhos, desde os enormes Nagaras e Dhols até os minúsculos Damrus. O Daf e o Chang são os favoritos dos foliões do Holi (o festival das cores). Flautas e gaiteiros vêm em sabores locais, como Shehnai, Poongi, Algoza, Tarpi, Been e Bankia.
A música do Rajastão é derivada de uma combinação de instrumentos de cordas, instrumentos de percussão e instrumentos de sopro acompanhados por interpretações de cantores folclóricos. Goza de uma presença respeitável na música de Bollywood também.
Folk rock Sufi / Rock Sufi
O folk rock sufi contém elementos do hard rock moderno e da música folclórica tradicional com poesia sufi. Embora tenha sido iniciado por bandas como Junoon no Paquistão, tornou-se muito popular, especialmente no norte da Índia. Em 2005, o rabino Shergill lançou uma canção de rock sufi chamada "Bulla Ki Jaana", que se tornou uma das paradas na Índia e no Paquistão. Mais recentemente, a canção folk rock sufi "Bulleya" do filme de 2016 Ae Dil Hai Mushkil se tornou um enorme sucesso.
Uttarakhandi
A música folclórica de Uttarakhandi teve suas raízes no colo da natureza e no terreno montanhoso da região. Temas comuns na música folclórica de Uttarakhand são a beleza da natureza, várias estações, festivais, tradições religiosas, práticas culturais, histórias folclóricas, personagens históricos e a bravura dos ancestrais. As canções folclóricas de Uttarakhand são um reflexo da herança cultural e da maneira como as pessoas vivem suas vidas no Himalaia. Os instrumentos musicais usados na música Uttarakhand incluem Dhol, Damoun, Hudka, Turri, Ransingha, Dholki, Daur, Thali, Bhankora e Masakbhaja. Tabla e Harmonium também são usados às vezes, especialmente na música folclórica gravada da década de 1960 em diante. Instrumentos musicais genéricos indianos e globais foram incorporados ao povo moderno por cantores como Mohan Upreti, Narendra Singh Negi, Gopal Babu Goswami e Chandra Singh Rahi.
Música popular na Índia
Música de dança
A dance music, mais popularmente chamada de "DJ music", é tocada principalmente em casas noturnas, festas, casamentos e outras comemorações. É mais popular entre os jovens. É baseado principalmente na música de filmes indianos, bem como na música pop indiana, ambas as quais tendem a emprestar e modernizar as canções clássicas e de dança folclórica com instrumentos modernos e outras inovações.
Música de filme
A maior forma de música popular indiana é o filmi, ou canções de filmes indianos, que representa 72% das vendas de música na Índia. A indústria cinematográfica da Índia apoiou a música ao conceder reverência à música clássica, enquanto utilizava a orquestração ocidental para apoiar as melodias indianas. Compositores musicais, como R. D. Burman, Shankar Jaikishan, S. D. Burman, Laxmikant–Pyarelal, Madan Mohan, Bhupen Hazarika, Naushad Ali, O. P. Nayyar, Hemant Kumar, C. Ramchandra, Salil Chowdhury, Kalyanji Anandji, Ilaiyaraaja, A. R. Rahman, Jatin–Lalit, Anu Malik, Nadeem-Shravan, Harris Jayaraj, Himesh Reshammiya, Vidyasagar, Shankar–Ehsaan–Loy, Salim–Sulaiman, Pritam, M.S. Viswanathan, K. V. Mahadevan, Ghantasala e S. D. Batish empregaram os princípios da harmonia, mantendo o sabor clássico e popular. Nomes de renome no domínio da música clássica indiana como Ravi Shankar, Vilayat Khan, Ali Akbar Khan e Ram Narayan também compuseram músicas para filmes. Tradicionalmente, nos filmes indianos, a voz das canções não é fornecida pelos atores, mas sim pelos cantores profissionais de playback, para soar mais desenvolvido, melodioso e comovente, enquanto os atores sincronizam os lábios na tela. No passado, apenas um punhado de cantores forneciam voz em filmes. Estes incluem Kishore Kumar, K. J. Yesudas, Mohammed Rafi, Mukesh, S.P. Balasubrahmanyam, T.M. Soundararajan, Hemant Kumar, Manna Dey, P. Susheela, Lata Mangeshkar, Asha Bhonsle, K.S. Chitra, Geeta Dutt, S. Janaki, Shamshad Begum, Suraiya, Noorjahan e Suman Kalyanpur. Cantores de reprodução recentes incluem Udit Narayan, Kumar Sanu, Kailash Kher, Alisha Chinai, KK, Shaan, SPB Charan, Madhushree, Shreya Ghoshal, Nihira Joshi, Kavita Krishnamurthy, Hariharan (cantor), Ilaiyaraaja, A.R. Rahman, Sonu Nigam, Sukhwinder Singh, Kunal Ganjawala, Anu Malik, Sunidhi Chauhan, Anushka Manchanda, Raja Hasan, Arijit Singh e Alka Yagnik. Bandas de rock como Indus Creed, Indian Ocean, Silk Route e Euphoria ganharam apelo de massa com o advento da televisão musical a cabo.
Música popular
A música pop indiana é baseada em uma fusão de folk indiano e música clássica e batidas modernas de diferentes partes do mundo. A música pop realmente começou na região do sul da Ásia com a música do cantor Ahmed Rushdi 'Ko Ko Korina' em 1966, depois por Kishore Kumar no início dos anos 1970.
Depois disso, grande parte da música pop indiana vem da indústria cinematográfica indiana e, até a década de 1990, poucos cantores como Usha Uthup, Sharon Prabhakar e Peenaz Masani fora dela eram populares. Desde então, cantores pop no último grupo incluíram Daler Mehndi, Baba Sehgal, Alisha Chinai, KK, Shantanu Mukherjee também conhecido como Shaan, Sagarika, Colonial Cousins (Hariharan, Lesle Lewis), Lucky Ali e Sonu Nigam, e compositores musicais como Zila Khan ou Jawahar Wattal, que fez álbuns mais vendidos com Daler Mehndi, Shubha Mudgal, Baba Sehgal, Shweta Shetty e Hans Raj Hans.
Além dos listados acima, cantores populares de Indi-pop incluem Sanam (banda), Gurdas Maan, Sukhwinder Singh, Papon, Zubeen Garg, Raghav Sachar Rageshwari, Vandana Vishwas, Devika Chawla, Bombay Vikings, Asha Bhosle, Sunidhi Chauhan, Anushka Manchanda, Bombay Rockers, Anu Malik, Jazzy B, Malkit Singh, Raghav, Jay Sean, Juggy D, Rishi Rich, Udit Swaraj, Sheila Chandra, Bally Sagoo, Punjabi MC, Beno, Bhangra Knights, Mehnaz, Sanober e Vaishali Samant.
Recentemente, o pop indiano deu uma guinada interessante com a "remixagem" de canções de canções de filmes indianos anteriores, novas batidas sendo adicionadas a elas.
Música patriótica
Sentimentos patrióticos foram instigados dentro dos indianos através da música desde a era da luta pela liberdade. Jana Gana Mana, o hino nacional da Índia de Rabindranath Tagore, é amplamente creditado por unir a Índia por meio da música e Vande Mataram de Bankim Chandra Chattopadhyay como a canção nacional da Índia. Canções patrióticas também foram escritas em muitas línguas regionais, como Biswo Bizoyi No Zuwan em assamês. Canções pós-independência como Aye mere watan ke logo, Mile Sur Mera Tumhara, Ab Tumhare Hawale Watan Saathiyo, Maa Tujhe Salaam de A.R. Rahman têm sido responsáveis por consolidar sentimentos de integração nacional e unidade na diversidade.
Adoção da música ocidental na Índia
A música do mundo ocidental foi adotada na Índia, criando música de fusão na Índia que, por sua vez, enriqueceu e criou gêneros globais de música ocidental.
Goa transe
Goa trance, um estilo de música eletrônica que se originou no final dos anos 1980 em Goa, na Índia, tem linhas de baixo funky e semelhantes a drones, semelhantes ao techno minimalismo do psytrance do século XXI. Trance psicodélico desenvolvido a partir do goa trance. No final dos anos 1960 e início dos anos 1970, Goa tornou-se popular como uma capital hippie, o que resultou na evolução do Goa trance ao longo dos anos 1980, misturando a cultura espiritual da Índia com elementos musicais ocidentais da música industrial, new beat e electronic body music (EBM)., e o atual estilo Goa trance se estabeleceu no início dos anos 1990.
Jazz e blues
O jazz na Índia foi apresentado pela primeira vez regularmente nas metrópoles de Calcutá e Bombaim no início ou meados da década de 1920. De 1930 a 1950 é chamado como a idade de ouro do jazz na Índia, quando músicos de jazz como Leon Abbey, Crickett Smith, Creighton Thompson, Ken Mac, Roy Butler, Teddy Weatherford (que gravou com Louis Armstrong) e Rudy Jackson, que viajaram pela Índia para evitar a discriminação racial que enfrentaram nos Estados Unidos. Na década de 1930, músicos de jazz tocavam nas casas noturnas de Bombaim, como no salão de baile do hotel Taj Mahal, muitos desses músicos eram goeses, a maioria que também trabalhavam na indústria cinematográfica de Bollywood e foram responsáveis pela introdução de gêneros como jazz e swing para Música de filme hindi.
O blues indiano é menos prevalente na Índia do que o jazz. O interesse pelo blues na Índia foi apenas incidental devido à ancestralidade compartilhada com o jazz.
Música rock e metal
Rock indiano
A cena da música rock na Índia é pequena em comparação com as cenas de filmi ou musicalidade de fusão. A música rock na Índia tem suas origens na década de 1960, quando estrelas internacionais como os Beatles visitaram a Índia e trouxeram sua música com eles. Esses artistas' a colaboração com músicos indianos como Ravi Shankar e Zakir Hussain levou ao desenvolvimento do raga rock. As estações de rádio internacionais de ondas curtas, como The Voice of America, BBC e Radio Ceylon, desempenharam um papel importante em levar a música pop, folk e rock ocidental para as massas. As bandas de rock indianas começaram a ganhar destaque apenas muito mais tarde, por volta do final dos anos 1980.
Foi nessa época que a banda de rock Indus Creed, anteriormente conhecida como The Rock Machine, se destacou no cenário internacional com sucessos como Rock N Roll Renegade. Outras bandas seguiram rapidamente. Com a introdução da MTV no início dos anos 1990, os indianos começaram a ser expostos a várias formas de rock, como grunge e speed metal, impactando a cena nacional. As cidades da Região Nordeste, principalmente Guwahati e Shillong, Kolkata, Delhi, Mumbai e Bangalore surgiram como grandes caldeirões para os entusiastas do rock e do metal. Bangalore tem sido o centro do movimento rock e metal na Índia. Algumas bandas proeminentes incluem Nicotine, Voodoo Child, Indian Ocean, Kryptos, Thermal and a Quarter, Demonic Resurrection, Motherjane, Avial, Bloodywood e Parikrama. Desde então, surgiram gravadoras específicas do rock, como DogmaTone Records e Eastern Fare Music Foundation, apoiando bandas de rock indianas.
Da Índia Central, Nicotine, uma banda de metal baseada em Indore, foi creditada como pioneira da música metal na região.
Raga rock
Raga rock é rock ou música pop com forte influência indiana, seja na sua construção, no seu timbre, ou no uso de instrumentação, como a cítara e a tabla. Raga e outras formas de música clássica indiana começaram a influenciar muitos grupos de rock durante os anos 1960; mais notoriamente os Beatles. Os primeiros vestígios de "raga rock" pode ser ouvido em músicas como "See My Friends" pelos Kinks e os Yardbirds' "Heart Full of Soul", lançado no mês anterior, apresentava um riff semelhante a uma cítara do guitarrista Jeff Beck. A música dos Beatles "Norwegian Wood (This Bird Has Flown)", que apareceu pela primeira vez no álbum de 1965 da banda, Rubber Soul, foi a primeira música pop ocidental a realmente incorporar a cítara (tocada pelo líder guitarrista George Harrison). Os Byrds' O single de março de 1966 "Eight Miles High" e seu lado B "Why" também foram influentes na origem do subgênero musical. De fato, o termo "raga rock" foi cunhado por The Byrds' publicitário nos comunicados à imprensa do single e foi usado pela primeira vez na imprensa pela jornalista Sally Kempton em sua crítica de "Eight Miles High" para The Village Voice. O interesse de George Harrison pela música indiana popularizou o gênero em meados da década de 1960 com canções como "Love You To", "Tomorrow Never Knows" e "Tomorrow Never Knows". (creditado a Lennon-McCartney), "Within You Without You" e "A Luz Interior". As bandas de rock dos anos 60, por sua vez, influenciaram grupos britânicos e americanos e artistas indianos a desenvolver uma forma posterior de rock indiano.
Música clássica ocidental
Apesar de mais de um século de exposição à música clássica ocidental e dois séculos de colonialismo britânico, a música clássica na Índia nunca ganhou popularidade significativa.
No entanto, a educação da música clássica ocidental melhorou com a ajuda de certas instituições na Índia, incluindo KM Music Conservatory (fundado pelo compositor vencedor do Oscar A.R. Rahman), Calcutta School of Music, Eastern Fare Music Foundation, Em 1930, Mehli Mehta montou a Orquestra Sinfônica de Bombaim. Seu filho Zubin Mehta teve uma longa carreira internacional como regente. A Bombay Chamber Orchestra (BCO) foi fundada em 1962. Delhi School of Music, Delhi Music Academy, Guitarmonk e outros apoiando a música clássica ocidental. Em 2006, a Orquestra Sinfônica da Índia foi fundada, sediada no NCPA em Mumbai. É hoje a única orquestra sinfônica profissional da Índia e apresenta duas temporadas de concertos por ano, com maestros e solistas de renome mundial.
Globalização da música indiana
De acordo com a ONU, a diáspora indiana é a maior diáspora internacional do mundo, com 17,5 milhões de migrantes internacionais de origem indiana em todo o mundo, que ajudam a espalhar o poder brando global da Índia.
Influência em outros gêneros
Influência antiga nos gêneros musicais do Sudeste Asiático
Com a expansão da influência cultural da Indosfera da Grande Índia, através da transmissão do hinduísmo no sudeste da Ásia e a transmissão do budismo pela Rota da Seda levando à indianização do sudeste da Ásia através da formação de reinos indianizados nativos do sudeste asiático não indianos que adotaram a linguagem sânscrita e outras Elementos indianos, como títulos honoríficos, nomes de pessoas, nomes de lugares, lemas de organizações e institutos educacionais, bem como a adoção da arquitetura indiana, artes marciais, música e dança indianas, roupas tradicionais indianas e culinária indiana, um processo que tem também foi auxiliado pela contínua expansão histórica da diáspora indiana.
Música indonésia e malaia
Na música indonésia e malaia, o Dangdut, um gênero de música folclórica, é parcialmente derivado e fundido da música hindustani. É muito popular por causa de sua instrumentação melodiosa e vocais. Dangdut apresenta uma batida de tabla e gendang. Os indonésios dançam de forma semelhante ao ghoomar enquanto ouvem música dangdut, mas em uma versão muito mais lenta.
Música tailandesa
A literatura e o drama tailandês são inspirados nas artes indianas e nas lendas hindus. O épico do Ramayana é tão popular na Tailândia quanto o Ramakien. Duas das danças clássicas tailandesas mais populares, o Khon, executado por homens usando máscaras ferozes, e o Lakhon (Lakhon nai, Lakhon chatri e Lakhon nok), executado por mulheres que desempenham papéis masculinos e femininos, inspiram-se principalmente no Ramakien. Instrumentos de percussão e Piphat, um tipo de sopro acompanham a dança. Nang talung, um jogo de sombras tailandês inspirado no Bommalattam do sul da Índia, tem sombras feitas de pedaços de couro de vaca ou búfalo cortados para representar figuras humanas com braços e pernas móveis que são jogados em uma tela para o entretenimento dos espectadores.
Filipinas
- Épicos filipinos e cantos inspirados pelos épicos religiosos indianos Ramayana e Mahabharta.
- Alim e Hudhud Tradições orais de Ifugao do povo de Ifugao da Região Administrativa de Cordilheira na ilha de Luzon das Filipinas, 11 Obras-primas do Patrimônio Oral e Intangível da Humanidade em 2001 e formalmente inscrito como Património Cultural Intangível da UNESCO em 2008. Veja também Hudhud – o épico de Ifugao.
- Biag ni Lam-ang (em inglês: "A Vida de Lam-ang") é um poema épico do povo Ilocano da região de Ilocos.
- Épico Ibalong da região de Bikol do sudeste de Luzon.
- "Aginid, Bayok sa atong Tawarik"Épico Bisayan de Cebu.
- Bayok, épico do povo Marano do noroeste de Mindanao.
- Instrumento de música
- Kudyapi, guitarra filipina nativa do povo Maranao, Manobo e Maguindanao, é influenciada pelos conceitos de música clássica indiana de melodia e escala.
Fusão com música tradicional de outras nações
Às vezes, a música da Índia se funde com a música tradicional nativa de outros países. Por exemplo, Delhi 2 Dublin, uma banda com sede no Canadá, é conhecida por fundir música indiana e irlandesa, e Bhangraton é uma fusão de música Bhangra com reggaeton.
Música do mundo ocidental
Música de filme
O compositor indiano A. R. Rahman escreveu a música para Bombay Dreams de Andrew Lloyd Webber, e uma versão musical de Hum Aapke Hain Koun foi encenada em Londres' 39;s West End. O filme esportivo de Bollywood Lagaan (2001) foi indicado ao Oscar de Melhor Filme Estrangeiro, e dois outros filmes de Bollywood (Devdas de 2002 e Devdas de 2006's Rang De Basanti) foram indicados ao Prêmio BAFTA de Melhor Filme Não em Língua Inglesa.
Danny Boyle's Slumdog Millionaire (2008) foi inspirado nos filmes de Bollywood.
Hip hop e reggae
Bhangraton é uma fusão da música Bhangra com reggaeton, que é uma fusão de hip hop, reggae e música tradicional latino-americana.
Jazz
No início dos anos 1960, pioneiros do jazz como John Coltrane - que gravou uma composição intitulada 'India' durante as sessões de novembro de 1961 para seu álbum Live at the Village Vanguard (a faixa não foi lançada até 1963 no álbum Impressions de Coltrane) - também abraçou essa fusão. George Harrison (dos Beatles) tocou cítara na música "Norwegian Wood (This Bird Has Flown)" em 1965, o que despertou o interesse de Shankar, que posteriormente tomou Harrison como seu aprendiz. O inovador do jazz Miles Davis gravou e tocou com músicos como Khalil Balakrishna, Bihari Sharma e Badal Roy em seus conjuntos elétricos pós-1968. O virtuoso guitarrista de jazz John McLaughlin passou vários anos em Madurai aprendendo música carnática e a incorporou em muitos de seus atos, incluindo Shakti, que apresentava músicos indianos proeminentes. Outros artistas ocidentais, como Grateful Dead, Incredible String Band, Rolling Stones, Move e Traffic logo incorporaram influências e instrumentos indianos e adicionaram artistas indianos. O lendário vocalista do Grateful Dead, Jerry Garcia, juntou-se ao guitarrista Sanjay Mishra em seu clássico CD "Blue Incantation" (1995). Mishra também escreveu uma trilha sonora original para o diretor francês Eric Heumann para seu filme Port Djema (1996), que ganhou o prêmio de melhor trilha sonora no festival de cinema de Hamptons e O Urso de Ouro em Berlim. em 2000 gravou Rescue com o baterista Dennis Chambers (Carlos Santana, John McLaughlin et al.) e em 2006 Chateau Benares com os convidados DJ Logic e Keller Williams (guitarra e baixo).
Filme musical
Desde o início dos anos 2000, Bollywood começou a influenciar filmes musicais no mundo ocidental e foi fundamental para reviver o filme musical americano. Baz Luhrmann disse que seu filme musical, Moulin Rouge! (2001), foi inspirado nos musicais de Bollywood; o filme incorporou uma cena de dança no estilo de Bollywood com uma música do filme China Gate. O sucesso financeiro e de crítica de Moulin Rouge! deu início a um renascimento de filmes musicais de faroeste, como Chicago, Rent e Dreamgirls eu>.
Música psicodélica e trance
Trance psicodélico desenvolvido a partir do Goa trance.
Rock and roll
No final dos anos 1970 e início dos anos 1980, as fusões do rock and roll com a música indiana eram bem conhecidas em toda a Europa e América do Norte. A apresentação de Ali Akbar Khan em 1955 nos Estados Unidos foi talvez o início dessa tendência. Em 1985, um híbrido Raga Rock orientado para a batida chamado Sitar Power de Ashwin Batish reintroduziu o sitar nas nações ocidentais. Sitar Power chamou a atenção de várias gravadoras e foi contratado pela Shanachie Records de Nova Jersey para chefiar sua divisão World Beat Ethno Pop.
Tecnopop
A influência do filmi pode ser vista na música popular em todo o mundo. Os pioneiros do technopop Haruomi Hosono e Ryuichi Sakamoto da Yellow Magic Orchestra produziram um álbum eletrônico de 1978, Cochin Moon, baseado em uma fusão experimental de música eletrônica e música indiana inspirada em Bollywood. A verdade dói' A música "Addictive", de 2002, produzida por DJ Quik e Dr. Dre, foi tirada de "Thoda Resham Lagta Hai" em Jyoti (1981). The Black Eyed Peas' A canção vencedora do Grammy de 2005, "Don't Phunk with My Heart". foi inspirado por duas canções de Bollywood dos anos 1970: "Ye Mera Dil Yaar Ka Diwana" de Don (1978) e "Ae Nujawan Hai Sub" de Apradh (1972). Ambas as canções foram compostas por Kalyanji Anandji, cantadas por Asha Bhosle, e contou com a participação da dançarina Helen.
Música clássica ocidental
Alguns indianos proeminentes na música clássica ocidental são:
- Andre de Quadros- maestro e educador musical,
- Zubin Mehta, maestro
- Mehli Mehta, pai de Zubin, violinista e maestro fundador da Orquestra Sinfônica de Bombaim
- Anil Srinivasan, pianista
- Ilaiyaraaja, o primeiro indiano a compor uma sinfonia completa realizada pela Orquestra Filarmônica Real no Walthamstow Town Hall de Londres
- Naresh Sohal, compositor britânico de origem indiana
- Param Vir, compositor britânico de origem indiana
- Beno, compositor indiano
Influência no cenário musical nacional
Bollywood tem sido uma forma significativa de soft power para a Índia, aumentando sua influência e mudando as percepções estrangeiras sobre a Índia. De acordo com o autor Roopa Swaminathan, "o cinema de Bollywood é um dos mais fortes embaixadores culturais globais de uma nova Índia". Seu papel na expansão da influência global da Índia é comparável ao papel semelhante de Hollywood com a influência americana.
África
Kishore Kumar é popular no Egito e na Somália.
Os filmes hindi foram originalmente distribuídos para algumas partes da África por empresários libaneses, e Mother India (1957) continuou a ser exibido na Nigéria décadas após seu lançamento. Os filmes indianos influenciaram as roupas Hausa, as canções foram tocadas por cantores Hausa e as histórias influenciaram os romancistas nigerianos. Adesivos de filmes indianos e estrelas decoram táxis e ônibus na região norte da Nigéria, e pôsteres de filmes indianos estão pendurados nas paredes de alfaiataria e oficinas mecânicas. garagens.
Na África do Sul, filmes importados da Índia foram assistidos por negros e indianos. Várias figuras de Bollywood viajaram para a África para filmes e projetos fora das câmeras. Padmashree Laloo Prasad Yadav (2005) foi filmado na África do Sul. Dil Jo Bhi Kahey... (2005) também foi filmado quase inteiramente nas Maurícias, que tem uma grande população de etnia indiana.
No Egito, os filmes de Bollywood foram populares durante as décadas de 1970 e 1980. Amitabh Bachchan permaneceu popular no país e os turistas indianos que visitam o Egito são questionados: "Você conhece Amitabh Bachchan?"
Américas
Caribe
A música indo-caribenha do povo indo-caribenho no Caribe é mais comum em Trinidad e Tobago, Guiana, Jamaica e Suriname, o que reflete sua herança Bhojpuri. Instrumentação principal são dhantal, haste de metal, badalo, dholak, tambor de duas cabeças. As mulheres cantam bhajans hindus e canções folclóricas da música de Bhojpur em vários eventos importantes da vida, rituais, celebrações, festivais como phagwah e holi. As contribuições indo-caribenhas para a música popular são muito importantes. A mais conhecida é a tradição Indo-Trinidadiana de chutney music. Chutney é uma forma de música de dança popular que se desenvolveu em meados do século XX. Baithak Gana é uma forma popular semelhante originária do Suriname.
América Latina
Existem comunidades de diáspora indianas significativas no Suriname e na Guiana, a música indiana e os filmes em hindi são populares. Em 2006, Dhoom 2 se tornou o primeiro filme de Bollywood rodado no Rio de Janeiro.
América do Norte
No novo milênio, o hip-hop americano apresentou filmi e bhangra indianos. Os principais artistas de hip-hop experimentaram músicas de filmes de Bollywood e colaboraram com artistas indianos. Exemplos incluem "Indian Flute" de Timbaland, "React" de Erick Sermon e Redman, "Disco" de Slum Village e A verdade dói' a música de sucesso "Addictive", que sampleou uma música de Lata Mangeshkar, e The Black Eyed Peas sampleou a música de Asha Bhosle "Yeh Mera Dil" em seu single de sucesso "Don't Phunk With My Heart". Em 1997, a banda britânica Cornershop homenageou Asha Bhosle com sua música Brimful of Asha, que se tornou um sucesso internacional. O artista indiano nascido na Grã-Bretanha Panjabi MC também teve um sucesso de Bhangra nos Estados Unidos com "Mundian To Bach Ke" que contou com o rapper Jay-Z. A Asian Dub Foundation não é uma grande estrela do mainstream, mas seu rap politicamente carregado e som influenciado pelo punk rock tem um público multirracial em seu Reino Unido natal. Em 2008, a estrela internacional Snoop Dogg apareceu em uma música do filme Singh Is Kinng. Em 2007, o produtor de hip-hop Madlib lançou Beat Konducta Vol 3–4: Beat Konducta na Índia; um álbum que fortemente samples e é inspirado na música da Índia.
Ásia
Sul da Ásia
Devido à herança cultural e ao idioma compartilhados, a música indiana e os filmes de Bollywood também são populares no Afeganistão, Paquistão, Bangladesh e Nepal, onde o hindustani é amplamente compreendido.
Sudeste Asiático
Já abordado na seção anterior Influência antiga no gênero musical do Sudeste Asiático.
Oeste Asiático
A Ásia Ocidental tem uma grande população da diáspora indiana, que consome principalmente música indiana. A música indiana também é popular entre os nativos do Oriente Médio. 85% da população total do Catar e 75% da população total dos Emirados Árabes Unidos são cidadãos indianos. Os filmes e a música hindi tornaram-se populares nos países árabes, e os filmes indianos importados geralmente são legendados em árabe quando são lançados. Bollywood progrediu em Israel desde o início dos anos 2000, com canais dedicados a filmes indianos na televisão a cabo;
Europa
Alemanha
Na Alemanha, os estereótipos indianos incluíam carros de boi, mendigos, vacas sagradas, políticos corruptos e catástrofes antes de Bollywood e a indústria de TI transformarem a percepção global da Índia.
Reino Unido
No final da década de 1980, artistas indo-britânicos fundiram tradições indianas e ocidentais para criar o underground asiático. Desde a década de 1990, o músico canadense Nadaka, que passou a maior parte de sua vida na Índia, cria música que é uma fusão acústica da música clássica indiana com estilos ocidentais. Um desses cantores que fundiu a tradição sangeet Bhakti da Índia com a música ocidental não indiana é Krishna Das e vende discos de música de seu sadhana musical. Outro exemplo é a musicista indo-canadense Vandana Vishwas, que experimentou a música ocidental em seu álbum de 2013 Monologues.
Em um exemplo mais recente de fusão indiano-britânica, Laura Marling, juntamente com Mumford and Sons, colaborou em 2010 com o Dharohar Project em um EP de quatro canções. A banda britânica Bombay Bicycle Club também sampleou a música "Man Dole Mera Tan Dole" por seu single "Feel". Laxmikant-Pyarelal
Oceania
Devido à grande população da diáspora indiana, a música e os filmes indianos são muito populares em Fiji, especialmente entre os indo-fijianos.
Austrália e Nova Zelândia têm 2% da população indiana, assim como uma grande diáspora do sul da Ásia, e a música e os filmes de Bollywood também são populares entre os não asiáticos no país.
Organizações que promovem a música indiana
Sangeet Natak Akademi é a academia de nível nacional para artes cênicas criada pelo governo da Índia em 1952, que concede o Prêmio Sangeet Natak Akademi como o mais alto reconhecimento oficial do governo indiano dado a artistas praticantes. instituições, incluindo a Manipur Dance Academy em Imphal, Ravindra Rangshala Centers, Sattriya Centre, Kathak Kendra (Instituto Nacional de Kathak Dance) em Nova Delhi, Centre for Kutiyattam em Thiruvananthapuram, Chhau Centre em Baripada em Jamshedpur, Banaras Music Akademi, Varanasi, e o Centro Nordeste.