Modernismo
Modernismo é um movimento filosófico e artístico que surgiu de amplas transformações na sociedade ocidental durante o final do século XIX e início do século XX. O movimento refletia o desejo de criação de novas formas de arte, filosofia e organização social que refletissem o novo mundo industrial emergente, incluindo características como urbanização, arquitetura, novas tecnologias e guerra. Os artistas tentaram se afastar das formas tradicionais de arte, que consideravam ultrapassadas ou obsoletas. A liminar de 1934 do poeta Ezra Pound para "Make it New" foi a pedra de toque da abordagem do movimento.
As inovações modernistas incluíram a arte abstrata, o romance de fluxo de consciência, o cinema de montagem, a música atonal e dodecafônica, a pintura divisionista e a arquitetura moderna. O modernismo rejeitou explicitamente a ideologia do realismo e fez uso das obras do passado pelo emprego de reprise, incorporação, reescrita, recapitulação, revisão e paródia. O modernismo também rejeitou a certeza do pensamento iluminista, e muitos modernistas também rejeitaram a crença religiosa. Uma característica notável do modernismo é a autoconsciência em relação às tradições artísticas e sociais, que muitas vezes levaram à experimentação da forma, juntamente com o uso de técnicas que chamaram a atenção para os processos e materiais utilizados na criação de obras de arte.
Enquanto alguns estudiosos veem o modernismo continuando no século 21, outros o veem evoluindo para o modernismo tardio ou alto modernismo. O pós-modernismo é um afastamento do modernismo e rejeita seus pressupostos básicos.
Definição
Alguns comentaristas definem o modernismo como um modo de pensar – uma ou mais características definidas filosoficamente, como autoconsciência ou auto-referência, que atravessam todas as novidades nas artes e nas disciplinas. Mais comum, especialmente no Ocidente, são aqueles que o veem como uma tendência de pensamento socialmente progressista que afirma o poder dos seres humanos de criar, melhorar e remodelar seu ambiente com o auxílio da experimentação prática, do conhecimento científico ou da tecnologia. A partir dessa perspectiva, o modernismo incentivou o reexame de todos os aspectos da existência, do comércio à filosofia, com o objetivo de encontrar o que estava impedindo o progresso e substituí-lo por novas formas de atingir o mesmo fim.
Segundo Roger Griffin, o modernismo pode ser definido como uma ampla iniciativa cultural, social ou política, sustentada pelo ethos da "temporalidade do novo". O modernismo procurou restaurar, escreve Griffin, um "senso de ordem e propósito sublimes para o mundo contemporâneo, neutralizando assim a erosão (percebida) de um "nomos" abrangente, ou "dossel sagrado". #39;, sob o impacto fragmentador e secularizante da modernidade." Portanto, fenômenos aparentemente não relacionados entre si, como "Expressionismo, Futurismo, vitalismo, Teosofia, psicanálise, nudismo, eugenia, urbanismo e arquitetura utópica, dança moderna, bolchevismo, nacionalismo orgânico - e até mesmo o culto ao auto-sacrifício que sustentaram a hecatombe da Primeira Guerra Mundial – revelam uma causa comum e matriz psicológica na luta contra a (percebida) decadência." Todos eles incorporam lances para acessar uma "experiência suprapessoal da realidade", na qual os indivíduos acreditam que podem transcender sua própria mortalidade e, eventualmente, que deixaram de ser vítimas da história para se tornarem seus criadores.
História inicial
Origens
De acordo com um crítico, o modernismo se desenvolveu a partir da revolta do romantismo contra os efeitos da Revolução Industrial e os valores burgueses: "O motivo fundamental do modernismo, afirma Graff, foi a crítica da burguesia do século XIX". ordem social e sua visão de mundo [...] os modernistas, carregando a tocha do romantismo." Embora J. M. W. Turner (1775-1851), um dos maiores paisagistas do século XIX, fosse membro do movimento romântico, como "pioneiro no estudo da luz, cor e atmosfera", ele "antecipou os impressionistas franceses" e, portanto, o modernismo "ao quebrar as fórmulas convencionais de representação; [embora] ao contrário deles, ele acreditava que suas obras deveriam sempre expressar temas históricos, mitológicos, literários ou outros temas narrativos significativos."
As tendências dominantes da Inglaterra vitoriana industrial foram combatidas, por volta de 1850, pelos poetas e pintores ingleses que constituíam a Irmandade Pré-Rafaelita, por causa de sua "oposição à habilidade técnica sem inspiração." Eles foram influenciados pelos escritos do crítico de arte John Ruskin (1819-1900), que tinha fortes sentimentos sobre o papel da arte em ajudar a melhorar a vida das classes trabalhadoras urbanas, nas cidades industriais em rápida expansão da Grã-Bretanha. O crítico de arte Clement Greenberg descreve a Irmandade Pré-Rafaelita como proto-modernistas: "Lá os proto-modernistas eram, de todas as pessoas, os pré-rafaelitas (e mesmo antes deles, como proto-proto-modernistas, os nazarenos alemães).). Os pré-rafaelitas realmente prenunciavam Manet (1832-1883), com quem a pintura modernista definitivamente começa. Eles agiram com base na insatisfação com a pintura praticada em seu tempo, sustentando que seu realismo não era verdadeiro o suficiente. O racionalismo também teve oponentes nos filósofos Søren Kierkegaard (1813–1855) e mais tarde Friedrich Nietzsche (1844–1900), ambos os quais tiveram influência significativa no existencialismo e no niilismo.
No entanto, a Revolução Industrial continuou. Inovações influentes incluíram a industrialização movida a vapor e, especialmente, o desenvolvimento de ferrovias, começando na Grã-Bretanha na década de 1830, e os avanços subsequentes em física, engenharia e arquitetura associados a isso. Uma grande conquista da engenharia do século XIX foi o The Crystal Palace, o enorme salão de exposições de ferro fundido e vidro construído para a Grande Exposição de 1851 em Londres. Vidro e ferro foram usados em estilo monumental semelhante na construção dos principais terminais ferroviários de Londres, como a estação Paddington (1854) e a estação King's Cross (1852). Esses avanços tecnológicos levaram à construção de estruturas posteriores, como a Ponte do Brooklyn (1883) e a Torre Eiffel (1889). Este último quebrou todas as limitações anteriores sobre quão altos os objetos feitos pelo homem poderiam ser. Essas maravilhas da engenharia alteraram radicalmente o ambiente urbano do século XIX e a vida cotidiana das pessoas. A própria experiência humana do tempo foi alterada com o desenvolvimento do telégrafo elétrico a partir de 1837 e a adoção do horário padrão pelas companhias ferroviárias britânicas a partir de 1845 e no resto do mundo nos cinquenta anos seguintes.
Apesar dos contínuos avanços tecnológicos, a ideia de que a história e a civilização eram inerentemente progressivas, e que o progresso sempre foi bom, foi atacada cada vez mais no século XIX. Surgiram argumentos de que os valores do artista e os da sociedade não eram apenas diferentes, mas que a sociedade era antitética ao progresso e não poderia avançar em sua forma atual. No início do século, o filósofo Schopenhauer (1788-1860) (O Mundo como Vontade e Representação, 1819) havia questionado o otimismo anterior, e suas ideias tiveram uma influência importante sobre pensadores posteriores, incluindo Nietzsche. Dois dos pensadores mais importantes de meados do século XIX foram o biólogo Charles Darwin (1809–1882), autor de Sobre a origem das espécies por meio da seleção natural (1859) e o cientista político Karl Marx (1818–1883), autor de Das Kapital (1867). A teoria da evolução de Darwin pela seleção natural minou a certeza religiosa e a ideia da singularidade humana. Em particular, a noção de que os seres humanos eram movidos pelos mesmos impulsos dos "animais inferiores" revelou-se difícil de conciliar com a ideia de uma espiritualidade enobrecedora. Karl Marx argumentou que havia contradições fundamentais dentro do sistema capitalista e que os trabalhadores eram tudo menos livres.
Os primórdios no final do século XIX
Historiadores e escritores de diferentes disciplinas sugeriram várias datas como pontos de partida para o modernismo. O historiador William Everdell, por exemplo, argumentou que o modernismo começou na década de 1870, quando a continuidade metafórica (ou ontológica) começou a ceder ao discreto com o corte de Dedekind do matemático Richard Dedekind (1831-1916) e o corte de Ludwig Boltzmann.;s (1844–1906) termodinâmica estatística. Everdell também acha que o modernismo na pintura começou em 1885-1886 com o Divisionismo de Seurat, os "pontos" costumava pintar Uma Tarde de Domingo na Ilha de La Grande Jatte. Por outro lado, o crítico de artes visuais Clement Greenberg chamou Immanuel Kant (1724-1804) de "o primeiro verdadeiro modernista", embora também tenha escrito: "O que pode ser chamado com segurança de Modernismo surgiu no meio da século passado — e mais localmente, na França, com Baudelaire na literatura e Manet na pintura, e talvez com Flaubert também, na ficção em prosa. (Foi um tempo depois, e não tão localmente, que o Modernismo apareceu na música e na arquitetura)." As Les Fleurs du mal do poeta Baudelaire (As flores do mal) e o romance Madame Bovary de Flaubert foram ambos publicado em 1857. O ensaio de Baudelaire "O Pintor da Vida Moderna" (1863) inspirou jovens artistas a romper com a tradição e inovar em novas formas de retratar seu mundo na arte.
Nas artes e nas letras, duas abordagens importantes desenvolveram-se separadamente na França, a partir da década de 1860. A primeira foi o Impressionismo, uma escola de pintura que inicialmente se concentrava no trabalho feito, não em estúdios, mas ao ar livre (en plein air). As pinturas impressionistas demonstraram que os seres humanos não veem objetos, mas sim a própria luz. A escola reuniu adeptos apesar das divisões internas entre seus principais praticantes e tornou-se cada vez mais influente. Inicialmente rejeitados da mostra comercial mais importante da época, o Salão de Paris patrocinado pelo governo, os impressionistas organizaram exposições coletivas anuais em locais comerciais durante as décadas de 1870 e 1880, cronometrando-as para coincidir com o Salão oficial. Um evento significativo de 1863 foi o Salon des Refusés, criado pelo imperador Napoleão III para exibir todas as pinturas rejeitadas pelo Salão de Paris. Enquanto a maioria era de estilos padrão, mas de artistas inferiores, a obra de Manet atraiu muita atenção e abriu portas comerciais para o movimento. A segunda escola francesa foi o Simbolismo, que os historiadores literários veem começando com Charles Baudelaire (1821–1867) e incluindo os poetas posteriores, Arthur Rimbaud (1854–1891) Une Saison en Enfer (A Season in Hell, 1873), Paul Verlaine (1844–1896), Stéphane Mallarmé (1842–1898) e Paul Valéry (1871–1945). Os simbolistas "enfatizaram a prioridade da sugestão e da evocação sobre a descrição direta e a analogia explícita" e estavam especialmente interessados nas "propriedades musicais da linguagem"
Pode-se dizer que o cabaré, que deu origem a tantas das artes do modernismo, incluindo os precursores imediatos do cinema, começou na França em 1881 com a estréia do gato preto em Montmartre, o início do monólogo irônico, e a fundação da Society of Incoherent Arts.
Influente nos primeiros dias do modernismo foram as teorias de Sigmund Freud (1856-1939). A primeira grande obra de Freud foi Estudos sobre a histeria (com Josef Breuer, 1895). Central para o pensamento de Freud é a ideia "da primazia da mente inconsciente na vida mental" de modo que toda realidade subjetiva era baseada no jogo de impulsos e instintos básicos, através dos quais o mundo exterior era percebido. A descrição de Freud dos estados subjetivos envolvia uma mente inconsciente cheia de impulsos primitivos e contrabalançando restrições auto-impostas derivadas de valores sociais.
Friedrich Nietzsche (1844-1900) foi outro grande precursor do modernismo, com uma filosofia na qual impulsos psicológicos, especificamente a "vontade de poder" (Wille zur Macht), foi de importância central: "Nietzsche frequentemente identificava a própria vida com 'vontade de poder', isto é, com um instinto de crescimento e durabilidade. " Henri Bergson (1859-1941), por outro lado, enfatizou a diferença entre o tempo científico do relógio e a experiência direta, subjetiva e humana do tempo. Seu trabalho sobre o tempo e a consciência "teve grande influência sobre os romancistas do século XX". especialmente aqueles modernistas que usaram a técnica do fluxo de consciência, como Dorothy Richardson, James Joyce e Virginia Woolf (1882-1941). Também importante na filosofia de Bergson era a ideia de élan vital, a força vital, que "traz a evolução criativa de tudo." Sua filosofia também valorizava muito a intuição, embora sem rejeitar a importância do intelecto.
Importantes precursores literários do modernismo foram Fyodor Dostoevsky (1821–1881), que escreveu os romances Crime e Castigo (1866) e Os Irmãos Karamazov (1880); Walt Whitman (1819–1892), que publicou a coleção de poesia Leaves of Grass (1855–1891); e August Strindberg (1849–1912), especialmente suas peças posteriores, incluindo a trilogia To Damascus 1898–1901, A Dream Play (1902) e The Ghost Sonata (1907). Henry James também foi sugerido como um precursor significativo, em uma obra tão antiga quanto The Portrait of a Lady (1881).
Do embate de ideais derivados do Romantismo, e de uma tentativa de encontrar uma forma de o conhecimento explicar o que ainda não se sabia, surgiu na primeira década do século XX a primeira vaga de obras que, embora a sua os autores os consideravam extensões das tendências existentes na arte, quebrando o contrato implícito com o público em geral de que os artistas eram os intérpretes e representantes da cultura e das ideias burguesas. Esses "Modernistas" marcos incluem o final atonal do Segundo Quarteto de Cordas de Arnold Schoenberg em 1908, as pinturas expressionistas de Wassily Kandinsky começando em 1903 e culminando com sua primeira pintura abstrata e a fundação do grupo Blue Rider em Munique em 1911, e o ascensão do fauvismo e as invenções do cubismo dos estúdios de Henri Matisse, Pablo Picasso, Georges Braque e outros, nos anos entre 1900 e 1910.
Período principal
Início do século 20 até 1930
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Um aspecto importante do modernismo é como ele se relaciona com a tradição através da adoção de técnicas como reprise, incorporação, reescrita, recapitulação, revisão e paródia em novas formas.
T. S. Eliot fez comentários significativos sobre a relação do artista com a tradição, incluindo: "[Nós] frequentemente descobriremos que não apenas o melhor, mas as partes mais individuais da obra [de um poeta], podem ser aqueles em que os poetas mortos, seus ancestrais, afirmam sua imortalidade com mais vigor." No entanto, a relação do Modernismo com a tradição era complexa, como indica o estudioso literário Peter Childs: “Havia tendências paradoxais, senão opostas, em direção a posições revolucionárias e reacionárias, medo do novo e deleite com o desaparecimento do antigo, niilismo e entusiasmo fanático, criatividade e desespero."
Um exemplo de como a arte modernista pode ser tanto revolucionária quanto relacionada com a tradição do passado é a música do compositor Arnold Schoenberg. Por um lado, Schoenberg rejeitou a harmonia tonal tradicional, o sistema hierárquico de organização de obras musicais que guiou a produção musical por pelo menos um século e meio. Ele acreditava ter descoberto uma maneira totalmente nova de organizar o som, baseada no uso de linhas de doze notas. No entanto, embora isso fosse realmente totalmente novo, suas origens podem ser rastreadas na obra de compositores anteriores, como Franz Liszt, Richard Wagner, Gustav Mahler, Richard Strauss e Max Reger. Schoenberg também escreveu música tonal ao longo de sua carreira.
No mundo da arte, na primeira década do século XX, jovens pintores como Pablo Picasso e Henri Matisse causavam um choque com a rejeição da perspectiva tradicional como meio de estruturação da pintura, embora o impressionista Monet já tivesse foi inovador em seu uso da perspectiva. Em 1907, enquanto Picasso pintava Les Demoiselles d'Avignon, Oskar Kokoschka escrevia Mörder, Hoffnung der Frauen (Assassino, Esperança das Mulheres), a primeira peça expressionista (produzida com escândalo em 1909), e Arnold Schoenberg estava compondo seu Quarteto de cordas nº 2 em fá sustenido menor (1908), sua primeira composição sem centro tonal.
Uma influência primária que levou ao cubismo foi a representação da forma tridimensional nas últimas obras de Paul Cézanne, que foram exibidas em uma retrospectiva no Salon d'Automne de 1907. Na arte cubista, os objetos são analisados, quebrados e remontados de forma abstrata; em vez de retratar objetos de um ponto de vista, o artista retrata o assunto de vários pontos de vista para representar o assunto em um contexto maior. O cubismo chamou a atenção do público em geral pela primeira vez em 1911 no Salon des Indépendants em Paris (realizado de 21 de abril a 13 de junho). Jean Metzinger, Albert Gleizes, Henri Le Fauconnier, Robert Delaunay, Fernand Léger e Roger de La Fresnaye foram mostrados juntos na Sala 41, provocando um 'escândalo' do qual o cubismo emergiu e se espalhou por Paris e além. Também em 1911, Kandinsky pintou Bild mit Kreis (Picture with a Circle), que mais tarde chamou de a primeira pintura abstrata. Em 1912, Metzinger e Gleizes escreveram o primeiro (e único) grande manifesto cubista, Du "Cubisme", publicado a tempo do Salon de la Section d'Or, o maior exposição cubista até hoje. Em 1912, Metzinger pintou e exibiu suas encantadoras La Femme au Cheval (Mulher com um Cavalo) e Danseuse au Café (Dançarina em um Café). Albert Gleizes pintou e expôs as suas Les Baigneuses (As Banhistas) e a sua monumental Le Dépiquage des Moissons (Debulha da Colheita). Esta obra, junto com La Ville de Paris (Cidade de Paris) de Robert Delaunay, foi a maior e mais ambiciosa pintura cubista realizada durante o período cubista pré-guerra.
Em 1905, um grupo de quatro artistas alemães, liderados por Ernst Ludwig Kirchner, formou Die Brücke (a Ponte) na cidade de Dresden. Esta foi indiscutivelmente a organização fundadora do movimento expressionista alemão, embora eles não tenham usado a palavra em si. Alguns anos depois, em 1911, um grupo de jovens artistas com ideias semelhantes formou Der Blaue Reiter (O Cavaleiro Azul) em Munique. O nome veio da pintura Der Blaue Reiter de Wassily Kandinsky de 1903. Entre seus membros estavam Kandinsky, Franz Marc, Paul Klee e August Macke. No entanto, o termo "Expressionismo" não se estabeleceu firmemente até 1913. Embora inicialmente um movimento artístico principalmente alemão, predominante na pintura, poesia e teatro entre 1910 e 1930, a maioria dos precursores do movimento não era alemã. Além disso, houve escritores expressionistas de ficção em prosa, bem como escritores expressionistas que não falavam alemão e, embora o movimento tenha declinado na Alemanha com a ascensão de Adolf Hitler na década de 1930, houve obras expressionistas subsequentes.
Expressionismo é notoriamente difícil de definir, em parte porque "se sobrepôs a outros grandes 'ismos' do período modernista: com Futurismo, Vorticismo, Cubismo, Surrealismo e Dada." Richard Murphy também comenta: "a busca por uma definição abrangente é problemática na medida em que os expressionistas mais desafiadores" como o romancista Franz Kafka, o poeta Gottfried Benn e o romancista Alfred Döblin foram simultaneamente os mais vociferantes anti-expressionistas. O que, no entanto, pode ser dito, é que foi um movimento que se desenvolveu no início do século XX principalmente na Alemanha em reação ao efeito desumanizador da industrialização e do crescimento das cidades, e que "um dos meios centrais por qual o expressionismo se identifica como um movimento de vanguarda, e pelo qual marca sua distância das tradições e da instituição cultural como um todo é por meio de sua relação com o realismo e as convenções dominantes de representação." Mais explicitamente: que os expressionistas rejeitaram a ideologia do realismo. Houve um movimento expressionista concentrado no teatro alemão do início do século XX, do qual Georg Kaiser e Ernst Toller foram os dramaturgos mais famosos. Outros dramaturgos expressionistas notáveis incluem Reinhard Sorge, Walter Hasenclever, Hans Henny Jahnn e Arnolt Bronnen. Eles olharam para o dramaturgo sueco August Strindberg e para o ator e dramaturgo alemão Frank Wedekind como precursores de seus experimentos dramatúrgicos. O Assassino, a Esperança das Mulheres de Oskar Kokoschka foi a primeira obra totalmente expressionista para o teatro, que estreou em 4 de julho de 1909 em Viena. A extrema simplificação de personagens para tipos míticos, efeitos de coral, diálogo declamatório e intensidade elevada se tornariam características das peças expressionistas posteriores. A primeira peça expressionista completa foi The Son, de Walter Hasenclever, publicada em 1914 e encenada pela primeira vez em 1916.
O futurismo é mais um movimento modernista. Em 1909, o jornal parisiense Le Figaro publicou o primeiro manifesto de F. T. Marinetti. Logo depois, um grupo de pintores (Giacomo Balla, Umberto Boccioni, Carlo Carrà, Luigi Russolo e Gino Severini) co-assinou o Manifesto Futurista. Modelado em Marx e Engels'; famoso "Manifesto Comunista" (1848), tais manifestos apresentavam ideias destinadas a provocar e angariar seguidores. No entanto, os argumentos a favor da pintura geométrica ou puramente abstrata eram, nessa época, amplamente confinados a "pequenas revistas" que tinha apenas pequenas circulações. O primitivismo e o pessimismo modernistas eram controversos, e o mainstream na primeira década do século 20 ainda se inclinava para a fé no progresso e o otimismo liberal.
Artistas abstratos, tomando como exemplo os impressionistas, assim como Paul Cézanne (1839–1906) e Edvard Munch (1863–1944), começaram com a suposição de que a cor e a forma, e não a representação do mundo natural, formavam as características essenciais do art. A arte ocidental foi, desde o Renascimento até meados do século XIX, sustentada pela lógica da perspectiva e uma tentativa de reproduzir uma ilusão de realidade visível. As artes de outras culturas além da europeia tornaram-se acessíveis e mostraram formas alternativas de descrever a experiência visual para o artista. No final do século XIX, muitos artistas sentiram a necessidade de criar um novo tipo de arte que abrangesse as mudanças fundamentais que ocorreram na tecnologia, ciência e filosofia. As fontes das quais artistas extraíram seus argumentos teóricos eram diversas e refletiam as preocupações sociais e intelectuais em todas as áreas da cultura ocidental da época. Wassily Kandinsky, Piet Mondrian e Kazimir Malevich acreditavam em redefinir a arte como o arranjo de cores puras. O uso da fotografia, que tornou obsoleta grande parte da função representacional da arte visual, afetou fortemente esse aspecto do modernismo.
Arquitetos e designers modernistas, como Frank Lloyd Wright e Le Corbusier, acreditavam que a nova tecnologia tornava obsoletos os estilos antigos de construção. Le Corbusier pensava que os edifícios deveriam funcionar como "máquinas para viver", análogos aos carros, que ele via como máquinas para viajar. Assim como os carros substituíram o cavalo, o design modernista deveria rejeitar os estilos antigos e estruturas herdadas da Grécia Antiga ou da Idade Média. Seguindo essa estética da máquina, os designers modernistas normalmente rejeitavam os motivos decorativos no design, preferindo enfatizar os materiais usados e as formas geométricas puras. O arranha-céu é o arquétipo do edifício modernista, e o Wainwright Building, um edifício de escritórios de 10 andares construído entre 1890 e 1891, em St. Louis, Missouri, Estados Unidos, está entre os primeiros arranha-céus do mundo. O Seagram Building de Ludwig Mies van der Rohe em Nova York (1956–1958) é frequentemente considerado o auge dessa arquitetura modernista de arranha-céus. Muitos aspectos do design modernista ainda persistem no mainstream da arquitetura contemporânea, embora o dogmatismo anterior tenha dado lugar a um uso mais lúdico da decoração, citação histórica e drama espacial.
Em 1913 - que foi o ano das Ideias do filósofo Edmund Husserl, do átomo quantizado do físico Niels Bohr, da fundação do imagismo de Ezra Pound, do Armory Show em Nova York, e em São Petersburgo a "primeira ópera futurista", Vitória sobre o Sol de Mikhail Matyushin - outro compositor russo, Igor Stravinsky, compôs A Rite of Spring, um balé que retrata o sacrifício humano, e tem uma trilha sonora repleta de dissonâncias e ritmos primitivos. Isso causou alvoroço em sua primeira apresentação em Paris. Nessa época, embora o modernismo ainda fosse "progressista", cada vez mais ele via as formas tradicionais e os arranjos sociais tradicionais como obstáculos ao progresso e reformulava o artista como um revolucionário, empenhado em derrubar em vez de esclarecer a sociedade. Também em 1913 um evento menos violento ocorreu na França com a publicação do primeiro volume da importante sequência do romance de Marcel Proust À la recherche du temps perdu (1913–1927) (Em Busca do Tempo Perdido). Isso é frequentemente apresentado como um dos primeiros exemplos de um escritor usando a técnica do fluxo de consciência, mas Robert Humphrey comenta que Proust "está preocupado apenas com o aspecto reminiscente da consciência". e que ele “estava deliberadamente recapturando o passado com o propósito de se comunicar; portanto, ele não escreveu um romance de fluxo de consciência."
O fluxo de consciência foi uma importante inovação literária modernista, e foi sugerido que Arthur Schnitzler (1862–1931) foi o primeiro a fazer pleno uso dele em seu conto "Leutnant Gustl" ("None but the Brave") (1900). Dorothy Richardson foi a primeira escritora inglesa a usá-lo, nos primeiros volumes de sua sequência de romance Pilgrimage (1915–1967). Os outros romancistas modernistas associados ao uso dessa técnica narrativa incluem James Joyce em Ulysses (1922) e Italo Svevo em La coscienza di Zeno (1923).
No entanto, com a chegada da Grande Guerra de 1914-1918 e a Revolução Russa de 1917, o mundo mudou drasticamente e dúvidas foram lançadas sobre as crenças e instituições do passado. O fracasso do status quo anterior parecia evidente para uma geração que viu milhões morrerem lutando por pedaços de terra: antes de 1914, argumentava-se que ninguém travaria tal guerra, já que o custo era muito alto. O nascimento de uma era da máquina que havia feito grandes mudanças nas condições da vida cotidiana no século XIX mudou radicalmente a natureza da guerra. A natureza traumática da experiência recente alterou as suposições básicas, e a representação realista da vida nas artes parecia inadequada quando confrontada com a natureza fantasticamente surreal da guerra de trincheiras. A visão de que a humanidade estava fazendo um progresso moral estável agora parecia ridícula diante da matança sem sentido, descrita em obras como o romance de Erich Maria Remarque Nada de novo na Frente Ocidental (1929). Portanto, a visão da realidade do modernismo, que tinha sido um gosto minoritário antes da guerra, tornou-se mais aceita na década de 1920.
Na literatura e nas artes visuais, alguns modernistas procuraram desafiar as expectativas principalmente para tornar sua arte mais vívida ou para forçar o público a se dar ao trabalho de questionar seus próprios preconceitos. Esse aspecto do modernismo muitas vezes pareceu uma reação à cultura de consumo, que se desenvolveu na Europa e na América do Norte no final do século XIX. Enquanto a maioria dos fabricantes tenta fabricar produtos que serão comercializáveis apelando para preferências e preconceitos, os altos modernistas rejeitaram tais atitudes consumistas para minar o pensamento convencional. O crítico de arte Clement Greenberg expôs essa teoria do modernismo em seu ensaio Avant-Garde and Kitsch. Greenberg rotulou os produtos da cultura de consumo de "kitsch", porque seu design visava simplesmente ter o máximo de apelo, com quaisquer características difíceis removidas. Para Greenberg, o modernismo constituiu assim uma reação contra o desenvolvimento de exemplos de cultura de consumo moderna como a música popular comercial, Hollywood e a publicidade. Greenberg associou isso com a rejeição revolucionária do capitalismo.
Alguns modernistas se viam como parte de uma cultura revolucionária que incluía a revolução política. Na Rússia, após a Revolução de 1917, houve inicialmente um florescimento da atividade cultural de vanguarda, que incluía o futurismo russo. No entanto, outros rejeitaram a política convencional, bem como as convenções artísticas, acreditando que uma revolução da consciência política tinha maior importância do que uma mudança nas estruturas políticas. Mas muitos modernistas se viam como apolíticos. Outros, como T. S. Eliot, rejeitaram a cultura popular de massa de uma posição conservadora. Alguns até argumentam que o modernismo na literatura e na arte funcionou para sustentar uma cultura de elite que excluía a maioria da população.
O surrealismo, que se originou no início dos anos 1920, passou a ser considerado pelo público como a forma mais extrema do modernismo, ou "a vanguarda do modernismo". A palavra "surrealista" foi cunhado por Guillaume Apollinaire e apareceu pela primeira vez no prefácio de sua peça Les Mamelles de Tirésias, escrita em 1903 e encenada pela primeira vez em 1917. Os principais surrealistas incluem Paul Éluard, Robert Desnos, Max Ernst, Hans Arp, Antonin Artaud, Raymond Queneau, Joan Miró e Marcel Duchamp.
Em 1930, o Modernismo havia conquistado um lugar no establishment, incluindo o establishment político e artístico, embora nessa época o próprio Modernismo tivesse mudado.
O modernismo continua: 1930–1945
O modernismo continuou a evoluir durante a década de 1930. Entre 1930 e 1932 o compositor Arnold Schoenberg trabalhou em Moses und Aron, uma das primeiras óperas a fazer uso da técnica dodecafônica, Pablo Picasso pintou em 1937 Guernica, sua condenação cubista do fascismo, enquanto em 1939 James Joyce expandiu ainda mais os limites do romance moderno com Finnegans Wake. Também em 1930 o Modernismo começou a influenciar a cultura dominante, de modo que, por exemplo, a revista The New Yorker começou a publicar trabalhos, influenciados pelo Modernismo, por jovens escritores e humoristas como Dorothy Parker, Robert Benchley, E. B. White, S. J. Perelman e James Thurber, entre outros. Perelman é altamente considerado por seus contos humorísticos que publicou em revistas nas décadas de 1930 e 1940, mais frequentemente no The New Yorker, que são considerados os primeiros exemplos de humor surrealista na América. Idéias modernas na arte também começaram a aparecer com mais frequência em comerciais e logotipos, um dos primeiros exemplos, de 1916, é o famoso logotipo do metrô de Londres projetado por Edward Johnston.
Uma das mudanças mais visíveis desse período foi a adoção de novas tecnologias na vida cotidiana das pessoas comuns na Europa Ocidental e na América do Norte. A eletricidade, o telefone, o rádio, o automóvel – e a necessidade de trabalhar com eles, consertá-los e viver com eles – criaram mudanças sociais. O tipo de momento perturbador que poucos conheceram na década de 1880 tornou-se uma ocorrência comum. Por exemplo, a velocidade de comunicação reservada aos corretores da bolsa de 1890 tornou-se parte da vida familiar, pelo menos na classe média norte-americana. Associado à urbanização e à mudança dos costumes sociais também surgiram famílias menores e relações alteradas entre pais e filhos.
Outra forte influência nessa época foi o marxismo. Após o aspecto geralmente primitivista/irracionalista do modernismo pré-Primeira Guerra Mundial (que para muitos modernistas impedia qualquer apego a soluções meramente políticas) e o neoclassicismo da década de 1920 (representado de forma mais famosa por T. S. Eliot e Igor Stravinsky - que rejeitou soluções populares para problemas modernos), a ascensão do fascismo, a Grande Depressão e a marcha para a guerra ajudaram a radicalizar uma geração. Bertolt Brecht, W. H. Auden, André Breton, Louis Aragon e os filósofos Antonio Gramsci e Walter Benjamin são talvez os exemplos mais famosos dessa forma modernista de marxismo. Havia, no entanto, também modernistas explicitamente da "direita", incluindo Salvador Dalí, Wyndham Lewis, T. S. Eliot, Ezra Pound, o autor holandês Menno ter Braak e outros.
Obras literárias modernistas significativas continuaram a ser criadas nas décadas de 1920 e 1930, incluindo outros romances de Marcel Proust, Virginia Woolf, Robert Musil e Dorothy Richardson. A carreira do dramaturgo modernista americano Eugene O'Neill começou em 1914, mas suas principais obras apareceram nas décadas de 1920, 1930 e início dos anos 1940. Dois outros dramaturgos modernistas importantes que escreveram nas décadas de 1920 e 1930 foram Bertolt Brecht e Federico García Lorca. O livro Lady Chatterley's Lover de D. H. Lawrence foi publicado em particular em 1928, enquanto outro marco importante para a história do romance moderno veio com a publicação de O Som e a Fúria em 1929. Na década de 1930, além de outras grandes obras de Faulkner, Samuel Beckett publicou sua primeira grande obra, o romance Murphy (1938). Então, em 1939, apareceu o Finnegans Wake de James Joyce. Isso é escrito em uma linguagem amplamente idiossincrática, consistindo em uma mistura de itens lexicais padrão do inglês e trocadilhos multilíngues neológicos e palavras portmanteau, que tenta recriar a experiência do sono e dos sonhos. Na poesia, T. S. Eliot, E. E. Cummings e Wallace Stevens escreveram desde a década de 1920 até a década de 1950. Embora a poesia modernista em inglês seja frequentemente vista como um fenômeno americano, com expoentes importantes como Ezra Pound, T. S. Eliot, Marianne Moore, William Carlos Williams, H.D. e Louis Zukofsky, houve importantes poetas modernistas britânicos, incluindo David Jones, Hugh MacDiarmid, Basil Bunting e W. H. Auden. Os poetas modernistas europeus incluem Federico García Lorca, Anna Akhmatova, Constantine Cavafy e Paul Valéry.
O movimento modernista continuou durante este período na Rússia Soviética. Em 1930, foi estreada a ópera O Nariz do compositor Dimitri Shostakovich (1906–1975), na qual ele usa uma montagem de diferentes estilos, incluindo música folclórica, canção popular e atonalidade. Entre suas influências estava a ópera Wozzeck (1925) de Alban Berg (1985–1935), que "causou uma tremenda impressão em Shostakovich quando foi encenada em Leningrado".; No entanto, a partir de 1932, o realismo socialista começou a derrubar o modernismo na União Soviética e, em 1936, Shostakovich foi atacado e forçado a retirar sua 4ª Sinfonia. Alban Berg escreveu outra ópera modernista significativa, embora incompleta, Lulu, que estreou em 1937. O Concerto para Violino de Berg foi executado pela primeira vez em 1935. Como Shostakovich, outros compositores enfrentaram dificuldades neste período.
Na Alemanha, Arnold Schoenberg (1874–1951) foi forçado a fugir para os EUA quando Hitler chegou ao poder em 1933, por causa de seu estilo atonal modernista, bem como de sua ascendência judaica. As suas principais obras deste período são um Concerto para Violino, Op. 36 (1934/36), e um Concerto para Piano, Op. 42 (1942). Schoenberg também escreveu música tonal neste período com a Suíte para Cordas em Sol maior (1935) e a Sinfonia de Câmara nº 2 em Mi♭ menor, Op. 38 (iniciado em 1906, concluído em 1939). Durante esse tempo, o modernista húngaro Béla Bartók (1881–1945) produziu várias obras importantes, incluindo Música para Cordas, Percussão e Celesta (1936) e o Divertimento para Orquestra de Cordas (1939), Quarteto de cordas nº 5 (1934) e nº 6 (seu último, 1939). Mas ele também partiu para os Estados Unidos em 1940, por causa da ascensão do fascismo na Hungria. Igor Stravinsky (1882–1971) continuou escrevendo em seu estilo neoclássico durante as décadas de 1930 e 1940, escrevendo obras como a Sinfonia dos Salmos (1930), Sinfonia em C (1940) e Sinfonia em Três Movimentos (1945). Ele também emigrou para os EUA por causa da Segunda Guerra Mundial. Olivier Messiaen (1908–1992), no entanto, serviu no exército francês durante a guerra e foi preso em Stalag VIII-A pelos alemães, onde compôs seu famoso Quatuor pour la fin du temps (& #34;Quarteto para o Fim dos Tempos"). O quarteto foi apresentado pela primeira vez em janeiro de 1941 para um público de prisioneiros e guardas prisionais.
Na pintura, durante as décadas de 1920 e 1930 e a Grande Depressão, o modernismo foi definido pelo surrealismo, cubismo tardio, Bauhaus, De Stijl, dadaísmo, expressionismo alemão e pintores modernistas e magistrais como Henri Matisse e Pierre Bonnard. como as abstrações de artistas como Piet Mondrian e Wassily Kandinsky que caracterizaram a cena artística européia. Na Alemanha, Max Beckmann, Otto Dix, George Grosz e outros politizaram suas pinturas, prenunciando a chegada da Segunda Guerra Mundial, enquanto na América o modernismo é visto na forma da American Scene painting e dos movimentos de realismo social e regionalismo que continham e o comentário social dominou o mundo da arte. Artistas como Ben Shahn, Thomas Hart Benton, Grant Wood, George Tooker, John Steuart Curry, Reginald Marsh e outros se tornaram proeminentes. O modernismo é definido na América Latina pelos pintores Joaquín Torres-García do Uruguai e Rufino Tamayo do México, enquanto o movimento muralista com Diego Rivera, David Siqueiros, José Clemente Orozco, Pedro Nel Gómez e Santiago Martínez Delgado, e as pinturas simbolistas de Frida Kahlo, iniciou um renascimento das artes para a região, caracterizado por um uso mais livre de cores e uma ênfase em mensagens políticas.
Diego Rivera é talvez mais conhecido pelo mundo público por seu mural de 1933, Man at the Crossroads, no saguão do RCA Building no Rockefeller Center. Quando seu patrono Nelson Rockefeller descobriu que o mural incluía um retrato de Vladimir Lenin e outras imagens comunistas, ele demitiu Rivera, e o trabalho inacabado acabou sendo destruído pela equipe de Rockefeller. As obras de Frida Kahlo são frequentemente caracterizadas por seus retratos rígidos da dor. Kahlo foi profundamente influenciada pela cultura indígena mexicana, o que é aparente nas características de suas pinturas. cores brilhantes e simbolismo dramático. Temas cristãos e judaicos também são frequentemente retratados em seu trabalho; ela combinou elementos da clássica tradição religiosa mexicana, muitas vezes sangrenta e violenta. As obras simbolistas de Frida Kahlo relacionam-se fortemente com o surrealismo e com o movimento do realismo mágico na literatura.
O ativismo político foi uma peça importante da vida de David Siqueiros. vida, e muitas vezes o inspirou a deixar de lado sua carreira artística. Sua arte estava profundamente enraizada na Revolução Mexicana. O período de 1920 a 1950 é conhecido como o Renascimento mexicano, e Siqueiros foi ativo na tentativa de criar uma arte que fosse ao mesmo tempo mexicana e universal. O jovem Jackson Pollock participou do workshop e ajudou a construir carros alegóricos para o desfile.
Durante a década de 1930, a política radical de esquerda caracterizou muitos dos artistas ligados ao surrealismo, incluindo Pablo Picasso. Em 26 de abril de 1937, durante a Guerra Civil Espanhola, a cidade basca de Gernika foi bombardeada pela Luftwaffe da Alemanha nazista. Os alemães estavam atacando para apoiar os esforços de Francisco Franco para derrubar o governo basco e o governo republicano espanhol. Pablo Picasso pintou sua Guernica do tamanho de um mural para comemorar os horrores do bombardeio.
Durante a Grande Depressão da década de 1930 e durante os anos da Segunda Guerra Mundial, a arte americana foi caracterizada pelo realismo social e pela pintura da cena americana, na obra de Grant Wood, Edward Hopper, Ben Shahn, Thomas Hart Benton e vários outros. Nighthawks (1942) é uma pintura de Edward Hopper que retrata pessoas sentadas em uma lanchonete no centro tarde da noite. Não é apenas a pintura mais famosa de Hopper, mas uma das mais reconhecidas na arte americana. A cena foi inspirada em uma lanchonete em Greenwich Village. Hopper começou a pintá-lo imediatamente após o ataque a Pearl Harbor. Após este acontecimento houve um grande sentimento de melancolia sobre o país, sentimento que está retratado na pintura. A rua urbana está vazia do lado de fora da lanchonete e, dentro dela, nenhum dos três clientes está aparentemente olhando ou conversando com os outros, mas em vez disso está perdido em seus próprios pensamentos. Esse retrato da vida urbana moderna como vazia ou solitária é um tema comum em toda a obra de Hopper.
Gótico Americano é uma pintura de Grant Wood de 1930. Retratando um fazendeiro segurando um forcado e uma mulher mais jovem em frente a uma casa de estilo gótico carpinteiro, é uma das imagens mais familiares em Arte americana do século XX. Os críticos de arte tiveram opiniões favoráveis sobre a pintura; como Gertrude Stein e Christopher Morley, eles presumiram que a pintura era para ser uma sátira da vida rural de uma pequena cidade. Foi, portanto, visto como parte da tendência de representações cada vez mais críticas da América rural, ao longo das linhas de Sherwood Anderson em 1919 Winesburg, Ohio, Sinclair Lewis em 1920 Main Street e The Tattooed Countess de Carl Van Vechten na literatura. No entanto, com o início da Grande Depressão, a pintura passou a ser vista como uma representação do firme espírito pioneiro americano.
A situação dos artistas na Europa durante a década de 1930 deteriorou-se rapidamente à medida que os nazistas avançavam. poder na Alemanha e em toda a Europa Oriental aumentou. Arte degenerada foi um termo adotado pelo regime nazista na Alemanha para praticamente toda a arte moderna. Essa arte foi proibida com base no fato de ser de natureza bolchevique não alemã ou judaica, e aqueles identificados como artistas degenerados foram submetidos a sanções. Isso incluía ser demitido de cargos de ensino, ser proibido de exibir ou vender sua arte e, em alguns casos, ser proibido de produzir arte inteiramente. Arte Degenerada também foi o título de uma exposição, montada pelos nazistas em Munique em 1937. O clima tornou-se tão hostil para os artistas e para a arte associada ao modernismo e à abstração que muitos partiram para as Américas. O artista alemão Max Beckmann e dezenas de outros fugiram da Europa para Nova York. Na cidade de Nova York, uma nova geração de jovens e empolgantes pintores modernistas, liderados por Arshile Gorky, Willem de Kooning e outros, estava apenas começando a atingir a maioridade.
O retrato de Arshile Gorky de alguém que poderia ser Willem de Kooning é um exemplo da evolução do expressionismo abstrato a partir do contexto da pintura de figuras, cubismo e surrealismo. Junto com seus amigos de Kooning e John D. Graham, Gorky criou composições figurativas abstraídas e com formas biomórficas que, na década de 1940, evoluíram para pinturas totalmente abstratas. O trabalho de Gorky parece ser uma análise cuidadosa da memória, emoção e forma, usando linhas e cores para expressar sentimento e natureza.
Depois da Segunda Guerra Mundial
Enquanto The Oxford Encyclopedia of British Literature afirma que o modernismo terminou por c. 1939 com relação à literatura britânica e americana, "Quando (se) o Modernismo se extinguiu e o pós-modernismo começou foi contestado quase tão veementemente quanto quando ocorreu a transição do vitorianismo para o modernismo." Clement Greenberg vê o fim do modernismo na década de 1930, com exceção das artes visuais e cênicas, mas no que diz respeito à música, Paul Griffiths observa que, enquanto o Modernismo "parecia ser uma força gasta" no final da década de 1920, após a Segunda Guerra Mundial, "uma nova geração de compositores - Boulez, Barraqué, Babbitt, Nono, Stockhausen, Xenakis" modernismo revivido'. Na verdade, muitos modernistas literários viveram nas décadas de 1950 e 1960, embora geralmente não estivessem mais produzindo obras importantes. O termo "modernismo tardio" às vezes também é aplicado a obras modernistas publicadas depois de 1930. Entre os modernistas (ou modernistas tardios) que ainda publicaram depois de 1945 estavam Wallace Stevens, Gottfried Benn, TS Eliot, Anna Akhmatova, William Faulkner, Dorothy Richardson, John Cowper Powys e Ezra Pound. Basil Bunting, nascido em 1901, publicou seu mais importante poema modernista Briggflatts em 1965. Além disso, The Death of Virgil de Hermann Broch foi publicado em 1945 e Thomas O Doutor Faustus de Mann em 1947. Samuel Beckett, que morreu em 1989, foi descrito como um "modernista tardio". Beckett é um escritor com raízes na tradição expressionista do Modernismo, que produziu obras dos anos 1930 até os anos 1980, incluindo Molloy (1951), Waiting for Godot (1953), Happy Days (1961) e Rockaby (1981). Os termos "minimalista" e "pós-modernista" também foram aplicados a seus trabalhos posteriores. Os poetas Charles Olson (1910–1970) e J. H. Prynne (nascido em 1936) estão entre os escritores da segunda metade do século 20 que foram descritos como modernistas tardios.
Mais recentemente, o termo "modernismo tardio" foi redefinido por pelo menos um crítico e usado para se referir a obras escritas depois de 1945, em vez de 1930. Com esse uso, vai a ideia de que a ideologia do modernismo foi significativamente remodelada pelos eventos da Segunda Guerra Mundial, especialmente o Holocausto e o lançamento da bomba atômica.
O período pós-guerra deixou as capitais da Europa em convulsão com uma urgência para reconstruir econômica e fisicamente e reagrupar politicamente. Em Paris (antigo centro da cultura europeia e antiga capital da arte mundial) o clima para a arte era um desastre. Colecionadores importantes, negociantes e artistas, escritores e poetas modernistas fugiram da Europa para Nova York e América. Os surrealistas e artistas modernos de todos os centros culturais da Europa fugiram do ataque dos nazistas para um porto seguro nos Estados Unidos. Muitos dos que não fugiram pereceram. Alguns artistas, principalmente Pablo Picasso, Henri Matisse e Pierre Bonnard, permaneceram na França e sobreviveram.
A década de 1940 na cidade de Nova York anunciou o triunfo do expressionismo abstrato americano, um movimento modernista que combinou as lições aprendidas com Henri Matisse, Pablo Picasso, surrealismo, Joan Miró, cubismo, fauvismo e o início do modernismo por meio de grandes professores americanos como Hans Hofmann e John D. Graham. Artistas americanos contaram com a presença de Piet Mondrian, Fernand Léger, Max Ernst e do grupo André Breton, a galeria de Pierre Matisse e a galeria de Peggy Guggenheim The Art of This Century, bem como outros fatores.
Paris, além disso, recuperou muito de seu brilho nas décadas de 1950 e 60 como o centro de um florescimento da arte mecânica, com os principais escultores Jean Tinguely e Nicolas Schöffer tendo se mudado para lá para lançar suas carreiras - e cujo florescimento, à luz do caráter tecnocêntrico da vida moderna, pode muito bem ter uma influência particularmente duradoura.
Teatro do Absurdo
O termo "Teatro do Absurdo" é aplicado a peças, escritas principalmente por europeus, que expressam a crença de que a existência humana não tem sentido ou propósito e, portanto, toda a comunicação é interrompida. A construção lógica e o argumento dão lugar ao discurso irracional e ilógico e à sua conclusão final, o silêncio. Embora existam precursores significativos, incluindo Alfred Jarry (1873-1907), o Teatro do Absurdo é geralmente visto como tendo início na década de 1950 com as peças de Samuel Beckett.
O crítico Martin Esslin cunhou o termo em seu ensaio de 1960 "Teatro do Absurdo". Ele relatou essas peças com base em um amplo tema do Absurdo, semelhante à maneira como Albert Camus usa o termo em seu ensaio de 1942, O Mito de Sísifo. O Absurdo nessas peças assume a forma da reação do homem a um mundo aparentemente sem sentido e/ou o homem como uma marionete controlada ou ameaçada por forças externas invisíveis. Embora o termo seja aplicado a uma ampla gama de peças, algumas características coincidem em muitas das peças: comédia ampla, muitas vezes semelhante ao vaudeville, misturada com imagens horríveis ou trágicas; personagens pegos em situações desesperadoras, forçados a fazer ações repetitivas ou sem sentido; diálogo cheio de clichês, jogos de palavras e bobagens; tramas cíclicas ou absurdamente expansivas; uma paródia ou rejeição do realismo e do conceito de "peça bem feita".
Os dramaturgos comumente associados ao Teatro do Absurdo incluem Samuel Beckett (1906–1989), Eugène Ionesco (1909–1994), Jean Genet (1910–1986), Harold Pinter (1930–2008), Tom Stoppard (nascido em 1937), Alexander Vvedensky (1904–1941), Daniil Kharms (1905–1942), Friedrich Dürrenmatt (1921–1990), Alejandro Jodorowsky (nascido em 1929), Fernando Arrabal (nascido em 1932), Václav Havel (1936–2011) e Edward Albee (1928-2016).
Pollock e influências abstratas
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Durante o final da década de 1940, a abordagem radical de Jackson Pollock à pintura revolucionou o potencial de toda a arte contemporânea que o seguiu. Até certo ponto, Pollock percebeu que a jornada para fazer uma obra de arte era tão importante quanto a própria obra de arte. Como as reinvenções inovadoras de pintura e escultura de Pablo Picasso no início do século 20 por meio do cubismo e da escultura construída, Pollock redefiniu a maneira como a arte é feita. Seu afastamento da pintura de cavalete e do convencionalismo foi um sinal libertador para os artistas de sua época e para todos os que vieram depois. Os artistas perceberam que o processo de Jackson Pollock - colocar tela crua não esticada no chão onde poderia ser atacada de todos os quatro lados usando materiais artísticos e industriais; pingando e jogando meadas lineares de tinta; desenho, coloração e escovagem; usando imagens e não-imagens - arte essencialmente explodida além de qualquer limite anterior. O expressionismo abstrato geralmente expandiu e desenvolveu as definições e possibilidades disponíveis aos artistas para a criação de novas obras de arte. Os outros expressionistas abstratos seguiram o avanço de Pollock com novos avanços próprios. De certo modo, as inovações de Jackson Pollock, Willem de Kooning, Franz Kline, Mark Rothko, Philip Guston, Hans Hofmann, Clyfford Still, Barnett Newman, Ad Reinhardt, Robert Motherwell, Peter Voulkos e outros abriram as comportas para a diversidade e o escopo da toda a arte que os seguiu. Releituras da arte abstrata por historiadores da arte como Linda Nochlin, Griselda Pollock e Catherine de Zegher mostram criticamente, no entanto, que mulheres artistas pioneiras que produziram grandes inovações na arte moderna foram ignoradas pelos relatos oficiais de sua história.
Figuras internacionais da arte britânica
Henry Moore (1898–1986) emergiu após a Segunda Guerra Mundial como o principal escultor da Grã-Bretanha. Ele era mais conhecido por suas esculturas de bronze monumentais semi-abstratas que estão localizadas em todo o mundo como obras de arte públicas. Suas formas são geralmente abstrações da figura humana, geralmente retratando figuras de mãe e filho ou reclinadas, geralmente sugestivas do corpo feminino, exceto por uma fase na década de 1950 em que esculpiu grupos familiares. Suas formas são geralmente perfuradas ou contêm espaços ocos.
Na década de 1950, Moore começou a receber encomendas cada vez mais significativas, incluindo uma figura reclinada para o prédio da UNESCO em Paris em 1958. Com muito mais obras de arte públicas, a escala das esculturas de Moore cresceu significativamente. As últimas três décadas da vida de Moore continuaram de maneira semelhante, com várias retrospectivas importantes ocorrendo em todo o mundo, notadamente uma exposição proeminente no verão de 1972 no terreno do Forte di Belvedere, com vista para Florença. Até o final da década de 1970, havia cerca de 40 exposições por ano com seu trabalho. No campus da Universidade de Chicago, em dezembro de 1967, 25 anos depois que a equipe de físicos liderada por Enrico Fermi alcançou a primeira reação em cadeia nuclear autossustentável e controlada, a Energia Nuclear foi revelado. Também em Chicago, Moore comemorou a ciência com um grande relógio de sol de bronze, chamado localmente Man Enters the Cosmos (1980), que foi encomendado para reconhecer o programa de exploração espacial.
A "Escola de Londres" de pintores figurativos, incluindo Francis Bacon (1909–1992), Lucian Freud (1922–2011), Frank Auerbach (nascido em 1931), Leon Kossoff (nascido em 1926) e Michael Andrews (1928–1995), receberam amplo reconhecimento internacional.
Francis Bacon foi um pintor figurativo britânico nascido na Irlanda, conhecido por suas imagens ousadas, gráficas e emocionalmente cruas. Suas figuras pictóricas, mas abstratas, normalmente aparecem isoladas em gaiolas geométricas de vidro ou aço contra fundos planos e indefinidos. Bacon começou a pintar por volta dos 20 anos, mas trabalhou apenas esporadicamente até os 30 anos. Sua descoberta veio com o tríptico de 1944 Três estudos para figuras na base de uma crucificação, que selou sua reputação como um cronista exclusivamente sombrio da condição humana. Sua produção pode ser grosseiramente descrita como consistindo de sequências ou variações de um único motivo; começando com as cabeças masculinas dos anos 1940 isoladas em quartos, os papas gritando no início dos anos 1950 e animais e figuras solitárias suspensas em estruturas geométricas. Estes foram seguidos por suas variações modernas da crucificação no início dos anos 1960 no formato tríptico. De meados da década de 1960 ao início da década de 1970, Bacon produziu principalmente retratos impressionantemente compassivos de amigos. Após o suicídio de seu amante George Dyer em 1971, sua arte tornou-se mais pessoal, introspectiva e preocupada com temas e motivos de morte. Durante sua vida, Bacon foi igualmente insultado e aclamado.
Lucian Freud foi um pintor britânico nascido na Alemanha, conhecido principalmente por seus retratos densamente empastados e pinturas de figuras, que foi amplamente considerado o proeminente artista britânico de seu tempo. Suas obras são conhecidas por sua penetração psicológica e por seu exame muitas vezes desconfortável da relação entre artista e modelo. De acordo com William Grimes, do The New York Times, "Lucien Freud e seus contemporâneos transformaram a pintura de figuras no século XX. Em pinturas como Garota com um cachorro branco (1951–1952), Freud colocou a linguagem pictórica da pintura europeia tradicional a serviço de um estilo de retrato antirromântico e confrontador que desnudava a modelo.;s fachada social. Pessoas comuns - muitas delas suas amigas - olhavam com os olhos arregalados da tela, vulneráveis à inspeção implacável do artista.
Na década de 1960 após o expressionismo abstrato
Na pintura abstrata durante as décadas de 1950 e 1960, várias novas direções, como a pintura hard-edge e outras formas de abstração geométrica, começaram a aparecer em estúdios de artistas e em círculos radicais de vanguarda como uma reação contra o subjetivismo do expressionismo abstrato. Clement Greenberg tornou-se a voz da abstração pós-pintura quando fez a curadoria de uma exposição influente de novas pinturas que percorreu importantes museus de arte nos Estados Unidos em 1964. pintura de campo de cores, pintura de borda dura e abstração lírica surgiram como novas direções radicais.
No final dos anos 1960, no entanto, o pós-minimalismo, a arte processual e a Arte Povera também emergiram como conceitos e movimentos revolucionários que englobavam tanto a pintura quanto a escultura, por meio da abstração lírica e do movimento pós-minimalista, e na arte conceitual inicial. A arte de processo inspirada em Pollock permitiu que os artistas experimentassem e fizessem uso de uma enciclopédia diversificada de estilo, conteúdo, material, posicionamento, senso de tempo e espaço plástico e real. Nancy Graves, Ronald Davis, Howard Hodgkin, Larry Poons, Jannis Kounellis, Brice Marden, Colin McCahon, Bruce Nauman, Richard Tuttle, Alan Saret, Walter Darby Bannard, Lynda Benglis, Dan Christensen, Larry Zox, Ronnie Landfield, Eva Hesse, Keith Sonnier, Richard Serra, Pat Lipsky, Sam Gilliam, Mario Merz e Peter Reginato foram alguns dos artistas mais jovens que surgiram durante a era do modernismo tardio que gerou o auge da arte no final dos anos 1960.
Popart
Em 1962, a Sidney Janis Gallery montou The New Realists, a primeira grande exposição coletiva de arte pop em uma galeria de arte na cidade de Nova York. Janis montou a exposição em uma loja na 57th Street perto de sua galeria. O show enviou ondas de choque através da Escola de Nova York e reverberou em todo o mundo. Anteriormente, na Inglaterra, em 1958, o termo "Pop Art" foi usado por Lawrence Alloway para descrever pinturas que celebravam o consumismo da era pós-Segunda Guerra Mundial. Esse movimento rejeitou o expressionismo abstrato e seu foco no interior hermenêutico e psicológico em favor da arte que retratava e frequentemente celebrava a cultura material de consumo, a publicidade e a iconografia da era da produção em massa. Os primeiros trabalhos de David Hockney e os trabalhos de Richard Hamilton e Eduardo Paolozzi (que criaram o inovador I was a Rich Man's Plaything, 1947) são considerados exemplos seminais no movimento. Enquanto isso, no centro da cidade nas galerias da East Village 10th Street, em Nova York, os artistas formulavam uma versão americana da pop art. Claes Oldenburg tinha sua loja, e a Green Gallery na 57th Street começou a mostrar as obras de Tom Wesselmann e James Rosenquist. Mais tarde, Leo Castelli exibiu as obras de outros artistas americanos, incluindo as de Andy Warhol e Roy Lichtenstein durante a maior parte de suas carreiras. Há uma conexão entre as obras radicais de Marcel Duchamp e Man Ray, os rebeldes dadaístas com senso de humor, e artistas pop como Claes Oldenburg, Andy Warhol e Roy Lichtenstein, cujas pinturas reproduzem a aparência dos pontos de Ben-Day, uma técnica utilizada na reprodução comercial.
Minimalismo
O minimalismo descreve movimentos em várias formas de arte e design, especialmente artes visuais e música, em que os artistas pretendem expor a essência ou identidade de um assunto através da eliminação de todas as formas, recursos ou conceitos não essenciais. Minimalismo é qualquer design ou estilo em que os elementos mais simples e em menor número são usados para criar o efeito máximo.
Como um movimento específico nas artes, é identificado com os desenvolvimentos na arte ocidental pós-Segunda Guerra Mundial, mais fortemente com as artes visuais americanas nos anos 1960 e início dos anos 1970. Artistas proeminentes associados a esse movimento incluem Donald Judd, John McCracken, Agnes Martin, Dan Flavin, Robert Morris, Ronald Bladen, Anne Truitt e Frank Stella. Deriva dos aspectos redutores do modernismo e é frequentemente interpretado como uma reação contra o expressionismo abstrato e uma ponte para as práticas artísticas pós-minimais. No início dos anos 1960, o minimalismo emergiu como um movimento abstrato na arte (com raízes na abstração geométrica de Kazimir Malevich, Bauhaus e Piet Mondrian) que rejeitava a ideia de pintura relacional e subjetiva, a complexidade das superfícies expressionistas abstratas e o zeitgeist emocional. e polêmicas presentes na arena da pintura de ação. O minimalismo argumentou que a simplicidade extrema poderia capturar toda a representação sublime necessária na arte. O minimalismo é interpretado de forma variada como um precursor do pós-modernismo ou como um movimento pós-moderno em si. Nesta última perspectiva, o minimalismo inicial produziu trabalhos modernistas avançados, mas o movimento abandonou parcialmente essa direção quando alguns artistas como Robert Morris mudaram de direção em favor do movimento anti-forma.
Hal Foster, em seu ensaio The Crux of Minimalism, examina até que ponto Donald Judd e Robert Morris reconhecem e excedem o Modernismo Greenbergiano em suas definições publicadas de minimalismo. Ele argumenta que o minimalismo não é um "beco sem saída" do Modernismo, mas uma "mudança de paradigma em direção a práticas pós-modernas que continuam a ser elaboradas hoje"
Música mínima
Os termos se expandiram para abranger um movimento na música que apresenta tal repetição e iteração como as das composições de La Monte Young, Terry Riley, Steve Reich, Philip Glass e John Adams. Composições minimalistas às vezes são conhecidas como música de sistemas. O termo 'música minimalista' é geralmente usado para descrever um estilo de música que se desenvolveu na América no final dos anos 1960 e 1970; e isso estava inicialmente ligado aos compositores. O movimento do minimalismo envolveu originalmente alguns compositores e outros pioneiros menos conhecidos, incluindo Pauline Oliveros, Phill Niblock e Richard Maxfield. Na Europa, a música de Louis Andriessen, Karel Goeyvaerts, Michael Nyman, Howard Skempton, Eliane Radigue, Gavin Bryars, Steve Martland, Henryk Górecki, Arvo Pärt e John Tavener.
Pós-minimalismo
No final dos anos 1960, Robert Pincus-Witten cunhou o termo "pós-minimalismo" para descrever a arte derivada do minimalista que tinha conteúdo e conotações contextuais que o minimalismo rejeitava. O termo foi aplicado por Pincus-Whitten ao trabalho de Eva Hesse, Keith Sonnier, Richard Serra e novos trabalhos dos ex-minimalistas Robert Smithson, Robert Morris, Sol LeWitt, Barry Le Va e outros. Outros minimalistas, incluindo Donald Judd, Dan Flavin, Carl Andre, Agnes Martin, John McCracken e outros, continuaram a produzir pinturas e esculturas modernistas tardias pelo restante de suas carreiras.
Desde então, muitos artistas adotaram estilos mínimos ou pós-minimais, e o rótulo "Pós-moderno" foi anexado a eles.
Colagem, montagem, instalações
Relacionado ao expressionismo abstrato, surgiu a combinação de itens manufaturados com materiais artísticos, afastando-se das convenções anteriores da pintura e da escultura. A obra de Robert Rauschenberg exemplifica essa tendência. Suas "combinações" da década de 1950 foram precursores da pop art e da arte de instalação e usaram montagens de grandes objetos físicos, incluindo bichos de pelúcia, pássaros e fotografias comerciais. Rauschenberg, Jasper Johns, Larry Rivers, John Chamberlain, Claes Oldenburg, George Segal, Jim Dine e Edward Kienholz estavam entre os pioneiros importantes da abstração e da pop art. Criando novas convenções de fazer arte, eles tornaram aceitável nos círculos sérios da arte contemporânea a inclusão radical em suas obras de materiais improváveis. Outro pioneiro da colagem foi Joseph Cornell, cujas obras em escala mais íntima foram vistas como radicais por causa de sua iconografia pessoal e do uso de objetos encontrados.
Neodada
No início do século XX, Marcel Duchamp submeteu à exposição um mictório como escultura. Ele declarou sua intenção de que as pessoas olhassem para o mictório como se fosse uma obra de arte porque ele disse que era uma obra de arte. Ele se referia ao seu trabalho como "readymades". Fonte era um mictório assinado com o pseudônimo "R. Mutt', cuja exposição chocou o mundo da arte em 1917. Esta e outras obras de Duchamp são geralmente rotuladas como Dada. Duchamp pode ser visto como um precursor da arte conceitual, outros exemplos famosos são o 4′33″ de John Cage, que tem quatro minutos e trinta e três segundos de silêncio, e o de Rauschenberg Desenho apagado de Kooning. Muitos trabalhos conceituais assumem a posição de que a arte é o resultado da visão do observador de um objeto ou ato como arte, não das qualidades intrínsecas do próprio trabalho. Ao escolher "um artigo comum da vida" e criando "um novo pensamento para aquele objeto" Duchamp convidou os espectadores a ver a Fonte como uma escultura.
Marcel Duchamp desistiu da "arte" a favor do xadrez. O compositor vanguardista David Tudor criou uma peça, Reunion (1968), escrita em conjunto com Lowell Cross, que apresenta um jogo de xadrez em que cada movimento aciona um efeito de iluminação ou projeção. Duchamp e Cage jogaram o jogo na estreia da obra.
Steven Best e Douglas Kellner identificam Rauschenberg e Jasper Johns como parte da fase de transição, influenciada por Duchamp, entre o Modernismo e o Pós-modernismo. Ambos usaram imagens de objetos comuns, ou os próprios objetos, em seus trabalhos, mantendo a abstração e os gestos pictóricos do alto modernismo.
Performance e acontecimentos
Durante o final dos anos 1950 e 1960, artistas com uma ampla gama de interesses começaram a expandir os limites da arte contemporânea. Yves Klein na França, Carolee Schneemann, Yayoi Kusama, Charlotte Moorman e Yoko Ono na cidade de Nova York, e Joseph Beuys, Wolf Vostell e Nam June Paik na Alemanha foram pioneiros em obras de arte baseadas em performance. Grupos como The Living Theatre com Julian Beck e Judith Malina colaboraram com escultores e pintores criando ambientes, mudando radicalmente a relação entre público e performer, especialmente em sua peça Paradise Now. O Judson Dance Theatre, localizado na Judson Memorial Church, em Nova York; e os dançarinos de Judson, notavelmente Yvonne Rainer, Trisha Brown, Elaine Summers, Sally Gross, Simonne Forti, Deborah Hay, Lucinda Childs, Steve Paxton e outros; colaborou com os artistas Robert Morris, Robert Whitman, John Cage, Robert Rauschenberg e engenheiros como Billy Klüver. A Park Place Gallery era um centro de apresentações musicais dos compositores eletrônicos Steve Reich, Philip Glass e outros notáveis artistas performáticos, incluindo Joan Jonas.
Estas performances foram concebidas como obras de uma nova forma de arte que combina escultura, dança e música ou som, muitas vezes com a participação do público. Eles foram caracterizados pelas filosofias redutivas do minimalismo e pela improvisação espontânea e expressividade do expressionismo abstrato. Imagens das performances de Schneeman de peças destinadas a chocar são ocasionalmente usadas para ilustrar esses tipos de arte, e ela é frequentemente vista fotografada enquanto executa sua peça Interior Scroll. No entanto, de acordo com a filosofia modernista em torno da arte performática, é contraditório publicar imagens dela realizando esta peça, pois os artistas performáticos rejeitam totalmente a publicação: a performance em si é o meio. Assim, outras mídias não podem ilustrar a arte performática; a performance é momentânea, evanescente e pessoal, não para ser capturada; as representações da arte performática em outras mídias, seja por imagem, vídeo, narrativa ou de outra forma, selecionam certos pontos de vista no espaço ou no tempo ou envolvem as limitações inerentes de cada meio. Os artistas negam que as gravações ilustrem o meio da performance como arte.
Durante o mesmo período, vários artistas de vanguarda criaram Happenings, reuniões misteriosas e muitas vezes espontâneas e improvisadas de artistas e seus amigos e parentes em vários locais específicos, muitas vezes incorporando exercícios de absurdo, fisicalidade, figurinos, nudez espontânea e vários atos aleatórios ou aparentemente desconexos. Criadores notáveis de happenings incluem Allan Kaprow – que usou o termo pela primeira vez em 1958, Claes Oldenburg, Jim Dine, Red Grooms e Robert Whitman.
Intermédia, multimédia
Outra tendência na arte que tem sido associada ao termo pós-moderno é o uso de várias mídias diferentes juntas. Intermedia é um termo cunhado por Dick Higgins e destinado a transmitir novas formas de arte ao longo das linhas de Fluxus, poesia concreta, objetos encontrados, arte performática e arte computacional. Higgins era o editor da Something Else Press, um poeta concreto casado com a artista Alison Knowles e um admirador de Marcel Duchamp. Ihab Hassan inclui "Intermedia, a fusão de formas, a confusão de reinos" em sua lista das características da arte pós-moderna. Uma das formas mais comuns de "arte multimídia" é o uso de fitas de vídeo e monitores CRT, chamados de videoarte. Embora a teoria de combinar várias artes em uma arte seja bastante antiga e tenha sido revivida periodicamente, a manifestação pós-moderna é frequentemente combinada com a arte performática, onde o subtexto dramático é removido e o que resta são as declarações específicas do artista em questão ou a declaração conceitual de sua ação.
Fluxo
Fluxus foi nomeado e vagamente organizado em 1962 por George Maciunas (1931–1978), um artista americano nascido na Lituânia. Fluxus remonta às aulas de composição experimental de John Cage de 1957 a 1959 na The New School for Social Research na cidade de Nova York. Muitos de seus alunos eram artistas que trabalhavam em outras mídias com pouca ou nenhuma formação musical. Os alunos de Cage incluíam os membros fundadores do Fluxus, Jackson Mac Low, Al Hansen, George Brecht e Dick Higgins.
O Fluxus encorajou uma estética faça-você-mesmo e valorizou a simplicidade em detrimento da complexidade. Como Dada antes dele, Fluxus incluiu uma forte corrente de anticomercialismo e uma sensibilidade anti-arte, menosprezando o mundo da arte convencional dirigido pelo mercado em favor de uma prática criativa centrada no artista. Os artistas do Fluxus preferiam trabalhar com qualquer material disponível e criavam seu próprio trabalho ou colaboravam no processo de criação com seus colegas.
Andreas Huyssen critica as tentativas de reivindicar o Fluxus para o pós-modernismo como "o código-mestre do pós-modernismo ou o movimento artístico irrepresentável em última análise - por assim dizer, o sublime do pós-modernismo". Em vez disso, ele vê o Fluxus como um dos principais fenômenos neodadaístas dentro da tradição de vanguarda. Não representou um grande avanço no desenvolvimento de estratégias artísticas, embora expressasse uma rebelião contra “a cultura administrada dos anos 1950, na qual um modernismo moderado e domesticado servia de esteio ideológico à Guerra Fria”. 34;
Música popular de vanguarda
O modernismo teve uma relação difícil com as formas populares de música (tanto na forma quanto na estética), enquanto rejeitava a cultura popular. Apesar disso, Stravinsky usou expressões do jazz em suas peças como "Ragtime" de sua obra teatral de 1918 Histoire du Soldat e Ebony Concerto de 1945.
Na década de 1960, quando a música popular começou a ganhar importância cultural e a questionar seu status de entretenimento comercial, os músicos começaram a buscar inspiração na vanguarda do pós-guerra. Em 1959, o produtor musical Joe Meek gravou I Hear a New World (1960), que Tiny Mix Tapes' Jonathan Patrick chama de "momento seminal tanto na música eletrônica quanto na história do avant-pop [...] uma coleção de vinhetas pop sonhadoras, adornadas com ecos dublados e gavinhas sônicas distorcidas" que seria amplamente ignorado na época. Outras produções avant-pop iniciais incluíram a canção dos Beatles de 1966, "Tomorrow Never Knows", que incorporou técnicas de musique concrète, composição de vanguarda, música indiana e manipulação de som eletroacústico em um 3 -minute pop, e a integração do Velvet Underground das ideias de música minimalista e drone de La Monte Young, poesia beat e arte pop dos anos 1960.
Menstruação atrasada
A continuação do expressionismo abstrato, pintura de campo de cores, abstração lírica, abstração geométrica, minimalismo, ilusionismo abstrato, process art, pop art, pós-minimalismo e outros movimentos modernistas do final do século 20, tanto na pintura quanto na escultura, continuou durante a primeira década do século 21 e constituem novas direções radicais nesses meios.
Na virada do século 21, artistas consagrados como Sir Anthony Caro, Lucian Freud, Cy Twombly, Robert Rauschenberg, Jasper Johns, Agnes Martin, Al Held, Ellsworth Kelly, Helen Frankenthaler, Frank Stella, Kenneth Noland, Jules Olitski, Claes Oldenburg, Jim Dine, James Rosenquist, Alex Katz, Philip Pearlstein e artistas mais jovens, incluindo Brice Marden, Chuck Close, Sam Gilliam, Isaac Witkin, Sean Scully, Mahirwan Mamtani, Joseph Nechvatal, Elizabeth Murray, Larry Poons, Richard Serra, Walter Darby Bannard, Larry Zox, Ronnie Landfield, Ronald Davis, Dan Christensen, Pat Lipsky, Joel Shapiro, Tom Otterness, Joan Snyder, Ross Bleckner, Archie Rand, Susan Crile e outros continuaram a produzir pinturas vitais e influentes e escultura.
Modernismo na África e na Ásia
Peter Kalliney sugere que "Conceitos modernistas, especialmente autonomia estética, foram fundamentais para a literatura de descolonização na África anglófona." Em sua opinião, Rajat Neogy, Christopher Okigbo e Wole Soyinka estavam entre os escritores que "reaproveitaram as versões modernistas da autonomia estética para declarar sua liberdade da escravidão colonial, dos sistemas de discriminação racial e até mesmo do novo estado pós-colonial". #34;.
Os termos "modernismo" e "modernista", de acordo com o estudioso William J. Tyler, "só recentemente se tornaram parte do discurso padrão em inglês sobre literatura japonesa moderna e dúvidas sobre sua autenticidade em relação ao modernismo da Europa Ocidental permanecem". Tyler acha isso estranho, dada a "a prosa decididamente moderna" de "escritores japoneses conhecidos como Kawabata Yasunari, Nagai Kafu e Jun'ichirō Tanizaki". No entanto, "estudiosos das artes visuais e finas, arquitetura e poesia prontamente abraçaram "modanizumu" como um conceito-chave para descrever e analisar a cultura japonesa nas décadas de 1920 e 1930'. Em 1924, vários jovens escritores japoneses, incluindo Kawabata e Riichi Yokomitsu, iniciaram um jornal literário Bungei Jidai ("A Era Artística"). Este diário era "parte de uma 'arte pela arte' movimento, influenciado pelo cubismo europeu, expressionismo, dadaísmo e outros estilos modernistas.
O arquiteto modernista japonês Kenzō Tange (1913–2005) foi um dos arquitetos mais importantes do século 20, combinando estilos tradicionais japoneses com modernismo e projetando grandes edifícios nos cinco continentes. Tange também foi um patrono influente do movimento Metabolista. Ele disse: "Foi, creio, por volta de 1959 ou no início dos anos sessenta que comecei a pensar sobre o que mais tarde chamaria de estruturalismo". Ele foi influenciado desde cedo pelo modernista suíço, Le Corbusier, Tange ganhou reconhecimento internacional em 1949, quando venceu o concurso para o projeto do Parque Memorial da Paz de Hiroshima.
Na China, os "Novos Sensacionistas" (新感觉派, Xīn Gǎnjué Pài) foi um grupo de escritores com sede em Xangai que nas décadas de 1930 e 1940 foram influenciados, em graus variados, pelo modernismo ocidental e japonês. Eles escreveram ficção mais preocupada com o inconsciente e com a estética do que com política ou problemas sociais. Entre esses escritores estavam Mu Shiying e Shi Zhecun.
Na Índia, os artistas progressivos' Group era um grupo de artistas modernos, baseado principalmente em Mumbai, Índia, formado em 1947. Embora não tivesse um estilo particular, sintetizou a arte indiana com influências européias e norte-americanas da primeira metade do século 20, incluindo pós-impressionismo, cubismo e Expressionismo.
Diferenças entre modernismo e pós-modernismo
No início dos anos 1980, o movimento pós-moderno na arte e na arquitetura começou a estabelecer sua posição por meio de vários formatos conceituais e intermediários. O pós-modernismo na música e na literatura começou a se firmar mais cedo. Na música, o pós-modernismo é descrito em uma obra de referência como um "termo introduzido na década de 1970", enquanto na literatura britânica, The Oxford Encyclopedia of British Literature vê o modernismo "cedendo sua predominância ao pós-modernismo" já em 1939. No entanto, as datas são altamente discutíveis, especialmente de acordo com Andreas Huyssen: "o pós-modernismo de um crítico é o modernismo de outro crítico". Isso inclui aqueles que criticam a divisão entre os dois e os veem como dois aspectos do mesmo movimento, e acreditam que o Modernismo tardio continua.
Modernismo é um rótulo abrangente para uma ampla variedade de movimentos culturais. O pós-modernismo é essencialmente um movimento centralizado que se nomeou com base na teoria sociopolítica, embora o termo seja agora usado em um sentido mais amplo para se referir a atividades do século XX em diante que exibem consciência e reinterpretam o moderno.
A teoria pós-moderna afirma que a tentativa de canonizar o Modernismo "após o fato" está fadada a contradições indiscutíveis.
Num sentido mais restrito, o que era modernista não era necessariamente também pós-moderno. Aqueles elementos do Modernismo que acentuavam os benefícios da racionalidade e do progresso sócio-tecnológico eram apenas Modernistas.
Ataque ao modernismo inicial
A ênfase do modernismo na liberdade de expressão, experimentação, radicalismo e primitivismo desconsidera as expectativas convencionais. Em muitas formas de arte, isso geralmente significava audiências surpreendentes e alienantes com efeitos bizarros e imprevisíveis, como nas combinações estranhas e perturbadoras de motivos no surrealismo ou no uso de extrema dissonância e atonalidade na música modernista. Na literatura, isso frequentemente envolvia a rejeição de enredos ou caracterizações inteligíveis em romances, ou a criação de poesia que desafiava uma interpretação clara. Dentro da religião, o espectro do protestantismo e de Martinho Lutero estava muito em jogo nas ansiedades sobre o modernismo e na noção de que a doutrina se desenvolve e muda com o tempo.
A partir de 1932, o realismo socialista começou a derrubar o modernismo na União Soviética; já havia endossado o futurismo e o construtivismo. O governo nazista da Alemanha considerou o modernismo narcisista e sem sentido, bem como "judaico" (ver Anti-semitismo) e "Negro". Os nazistas exibiram pinturas modernistas ao lado de obras de doentes mentais em uma exposição intitulada "Arte Degenerada". Acusações de "formalismo" poderia levar ao fim de uma carreira, ou pior. Por esta razão, muitos modernistas da geração do pós-guerra sentiram-se o mais importante baluarte contra o totalitarismo, o "canário na mina de carvão", cuja repressão por um governo ou outro grupo com suposta autoridade representava um aviso de que indivíduos liberdades estavam sendo ameaçadas. Louis A. Sass comparou a loucura, especificamente a esquizofrenia, e o modernismo de uma maneira menos fascista, observando suas narrativas disjuntivas compartilhadas, imagens surreais e incoerência.
Crítica da modernidade tardia
Na verdade, o modernismo floresceu principalmente nas sociedades de consumo/capitalistas, apesar do fato de que seus proponentes frequentemente rejeitavam o próprio consumismo. No entanto, o alto modernismo começou a se fundir com a cultura do consumo após a Segunda Guerra Mundial, especialmente durante a década de 1960. Os dispositivos modernistas também começaram a aparecer no cinema popular e, posteriormente, nos videoclipes. O design modernista também começou a entrar no mainstream da cultura popular, à medida que formas simplificadas e estilizadas se tornaram populares, frequentemente associadas a sonhos de um futuro de alta tecnologia da era espacial.
Em 2008, Janet Bennett publicou Modernity and Its Critics através do The Oxford Handbook of Political Theory. A fusão de versões de consumo e altas da cultura modernista levou a uma transformação radical do significado de "Modernismo". Em primeiro lugar, implicava que um movimento baseado na rejeição da tradição havia se tornado uma tradição própria. Em segundo lugar, demonstrou que a distinção entre a cultura modernista de elite e a cultura consumista de massa havia perdido sua precisão. O modernismo tornou-se tão institucionalizado que agora era "pós-vanguarda", indicando que havia perdido seu poder como movimento revolucionário. Muitos interpretaram essa transformação como o início da fase que ficou conhecida como pós-modernismo. Para outros, como o crítico de arte Robert Hughes, o pós-modernismo representa uma extensão do modernismo.
"Anti-moderno" ou "contra-moderno" os movimentos buscam enfatizar o holismo, a conexão e a espiritualidade como remédios ou antídotos para o modernismo. Tais movimentos veem o modernismo como reducionista e, portanto, sujeito a uma incapacidade de ver efeitos sistêmicos e emergentes.
Alguns artistas tradicionalistas como Alexander Stoddart rejeitam o modernismo em geral como o produto de "uma época de dinheiro falso aliado a uma cultura falsa".
Em alguns campos, os efeitos do modernismo permaneceram mais fortes e persistentes do que em outros. A arte visual fez a mais completa ruptura com seu passado. A maioria das grandes capitais tem museus dedicados à arte moderna, distinta da arte pós-renascentista (c. 1400 a c. 1900). Exemplos incluem o Museu de Arte Moderna de Nova York, a Tate Modern de Londres e o Centro Pompidou de Paris. Essas galerias não fazem distinção entre as fases modernista e pós-moderna, vendo ambas como desdobramentos da Arte Moderna.
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