Jean Siméon Chardin
Jean Siméon Chardin (Francês: [ʒɑ̃ simeɔ̃ ʃaʁdɛ̃]; 2 de novembro de 1699 – 6 de dezembro de 1779) foi um pintor francês do século XVIII. Ele é considerado um mestre da natureza morta e também é conhecido por suas pinturas de gênero que retratam empregadas domésticas, crianças e atividades domésticas. Composição cuidadosamente equilibrada, difusão suave de luz e impasto granular caracterizam seu trabalho.
Vida
Chardin nasceu em Paris, filho de um marceneiro, e raramente saía da cidade. Ele viveu na Margem Esquerda perto de Saint-Sulpice até 1757, quando Luís XV lhe concedeu um estúdio e aposentos no Louvre.
Chardin celebrou um contrato de casamento com Marguerite Saintard em 1723, com quem não se casou até 1731. Foi aprendiz dos pintores históricos Pierre-Jacques Cazes e Noël-Nicolas Coypel, e em 1724 tornou-se mestre na Académie de Saint Luc.
De acordo com um escritor do século XIX, numa época em que era difícil para pintores desconhecidos chamar a atenção da Royal Academy, ele chamou a atenção pela primeira vez ao exibir uma pintura no "pequeno Corpus Christi" (realizado oito dias após o regular) na Place Dauphine (junto à Pont Neuf). Van Loo, de passagem em 1720, comprou-a e depois auxiliou o jovem pintor.
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Após a apresentação de The Ray e The Buffet em 1728, ele foi admitido na Académie Royale de Peinture et de Sculpture. No ano seguinte, ele cedeu seu cargo na Académie de Saint-Luc. Ele ganhava a vida modestamente "produzindo pinturas em vários gêneros a qualquer preço que seus clientes quisessem pagar-lhe", e com trabalhos como a restauração de afrescos na Galerie François I em Fontainebleau em 1731.
Em novembro de 1731, seu filho Jean-Pierre foi batizado e uma filha, Marguerite-Agnès, foi batizada em 1733. Em 1735, sua esposa Marguerite morreu e, em dois anos, Marguerite-Agnès também morreu.
A partir de 1737, Chardin expôs regularmente no Salon. Ele provaria ser um "acadêmico dedicado", participando regularmente de reuniões por cinquenta anos e atuando sucessivamente como conselheiro, tesoureiro e secretário, supervisionando em 1761 a instalação de exposições do Salon.
O trabalho de Chardin ganhou popularidade por meio de gravuras reprodutivas de suas pinturas de gênero (feitas por artistas como François-Bernard Lépicié e P.-L. Sugurue), que trouxeram renda para Chardin na forma de "o que agora seria chamado de royalties". Em 1744 ele contraiu seu segundo casamento, desta vez com Françoise-Marguerite Pouget. A união trouxe uma melhoria substancial na situação financeira de Chardin. Em 1745 nasceu uma filha, Angélique-Françoise, mas ela morreu em 1746.
Em 1752, Chardin recebeu uma pensão de 500 libras de Luís XV. Em 1756, Chardin voltou ao tema da natureza morta. No Salão de 1759 expôs nove pinturas; foi o primeiro Salão a ser comentado por Denis Diderot, que se revelaria um grande admirador e defensor público da obra de Chardin. A partir de 1761, suas responsabilidades em nome do Salão, simultaneamente organizando as exposições e atuando como tesoureiro, resultaram em uma diminuição da produtividade na pintura, e a exibição de 'réplicas' de trabalhos anteriores. Em 1763, seus serviços prestados à Académie foram reconhecidos com 200 libras extras de pensão. Em 1765 foi eleito por unanimidade membro associado da Académie des Sciences, Belles-Lettres et Arts de Rouen, mas não há evidências de que tenha deixado Paris para aceitar a honra. Em 1770, Chardin era o 'Premier peintre du roi', e sua pensão de 1.400 libras era a mais alta da academia. Na década de 1770, sua visão enfraqueceu e ele começou a pintar em pastéis, um meio no qual executou retratos de sua esposa e de si mesmo (veja Auto-retrato no canto superior direito). Seus trabalhos em pastéis são hoje altamente valorizados.
Em 1772, o filho de Chardin, também pintor, morreu afogado em Veneza, um provável suicídio. A última pintura a óleo conhecida do artista foi datada de 1776; sua última participação no Salon foi em 1779 e contou com vários estudos de pastel. Gravemente doente em novembro daquele ano, ele morreu em Paris em 6 de dezembro, aos 80 anos.
Trabalho
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Chardin trabalhou muito lentamente e pintou apenas pouco mais de 200 quadros (cerca de quatro por ano) no total.
O trabalho de Chardin tinha pouco em comum com a pintura rococó que dominou a arte francesa no século XVIII. Numa época em que a pintura histórica era considerada a classificação suprema para a arte pública, os temas de escolha de Chardin eram vistos como categorias menores. Ele preferia naturezas-mortas simples, mas lindamente texturizadas, e lidava com sensibilidade com interiores domésticos e pinturas de gênero. Pinturas simples, até rígidas, de itens domésticos comuns (Natureza morta com uma caixa de fumante) e uma habilidade incrível de retratar a inocência das crianças de maneira não sentimental (Menino com um Top [à direita]), no entanto, encontrou uma audiência apreciativa em seu tempo e explica seu apelo atemporal.
Em grande parte autodidata, Chardin foi muito influenciado pelo realismo e pelo tema dos mestres do Baixo País do século XVII. Apesar de seu retrato não convencional da burguesia ascendente, o apoio inicial veio de patronos da aristocracia francesa, incluindo Luís XV. Embora sua popularidade se baseasse inicialmente em pinturas de animais e frutas, na década de 1730 ele introduziu utensílios de cozinha em seu trabalho (The Copper Cistern, ca. 1735, Louvre). Logo figuras povoaram suas cenas também, supostamente em resposta a um pintor de retratos que o desafiou a assumir o gênero. Woman Sealing a Letter (ca. 1733), que pode ter sido sua primeira tentativa, foi seguida por composições de meio corpo de crianças dizendo graças, como em Le Bénédicité, e copeiras em momentos de reflexão. Essas cenas humildes tratam de atividades simples e cotidianas, mas também têm funcionado como fonte de informação documental sobre um nível da sociedade francesa até então não considerado um tema digno de pintura. As imagens são notáveis por sua estrutura formal e harmonia pictórica. Chardin disse sobre a pintura: "Quem disse que se pinta com cores? Um emprega cores, mas outro pinta com sentimento."
Uma criança brincando era um assunto favorito de Chardin. Ele retratou um adolescente construindo um castelo de cartas em pelo menos quatro ocasiões. A versão em Waddesdon Manor é a mais elaborada. Cenas como essas derivadas das obras vanitas holandesas do século XVII, que traziam mensagens sobre a natureza transitória da vida humana e a inutilidade das ambições materiais, mas as de Chardin também exibem um deleite nas fases efêmeras da infância por si mesmas..
Chardin freqüentemente pintava réplicas de suas composições—especialmente suas pinturas de gênero, quase todas as quais existem em múltiplas versões que em muitos casos são virtualmente indistinguíveis. Começando com A governanta (1739, na National Gallery of Canada, Ottawa), Chardin mudou sua atenção dos assuntos da classe trabalhadora para cenas um pouco mais amplas da vida burguesa. As pinturas existentes de Chardin, que somam cerca de 200, estão em muitos dos principais museus, incluindo o Louvre.
Influência
A influência de Chardin na arte da era moderna foi ampla e bem documentada. A meia-metragem Boy Blowing Bubbles de Édouard Manet e as naturezas-mortas de Paul Cézanne devem igualmente ao seu antecessor. Ele foi um dos pintores mais admirados de Henri Matisse; como estudante de arte, Matisse fez cópias de quatro pinturas de Chardin no Louvre. As naturezas-mortas de Chaïm Soutine buscaram inspiração em Chardin, assim como as pinturas de Georges Braque e, mais tarde, de Giorgio Morandi. Em 1999, Lucian Freud pintou e gravou várias cópias após The Young Schoolmistress (National Gallery, Londres).
Marcel Proust, no capítulo "Como abrir os olhos?" de Em Busca do Tempo Perdido (À la recherche du temps perdu), descreve um jovem melancólico sentado em sua simples mesa de café da manhã. O único conforto que encontra são as ideias imaginárias de beleza retratadas nas grandes obras-primas do Louvre, materializando palácios chiques, príncipes ricos e coisas do gênero. O autor diz ao jovem para segui-lo até outra seção do Louvre onde estão os quadros de Chardin. Lá ele veria a beleza da natureza morta em casa e nas atividades cotidianas como descascar nabos.
Galeria
Equipamento de Coelho e Caça Mortos (ca. 1727), óleo sobre tela., 81 x 65 cm., Louvre
O Ray (1727), óleo sobre tela, 114.5 x 146 cm., Louvre
Frasco de vidro e frutas (ca. 1728), óleo sobre tela, 55.7 x 46 cm., Staatliche Kunsthalle Karlsruhe
Os atributos da exploração (1731), óleo sobre tela, 141 x 219 cm., Musée Jacquemart-André
Selar a carta (1733), óleo sobre tela, 146 x 147 cm., Schloss Charlottenburg
Bolhas de sabão (ca.1733-1734), óleo sobre tela, 93 x 74.6 cm., Galeria Nacional de Arte
A Lição de Desenho (ca. 1734), óleo sobre tela, 41 × 47 cm., Museu de Arte de Tóquio Fuji
O relator (1737), óleo sobre tela, 80 x 65 cm., Louvre
Turnos de limpeza de mulher (ca. 1738), óleo sobre tela, 46.2 x 37 cm., Alte Pinakothek
O retorno do mercado (1738–39), óleo sobre tela, 47 x 38 cm., Louvre
O governo (1739), óleo sobre tela, 47 x 38 cm., Galeria Nacional do Canadá
Retrato de Auguste Gabriel Godefroy (1741), óleo sobre tela, 64.5 x 76.5 cm., Museu de Arte de São Paulo
Dizendo Grace (1744), óleo sobre tela, 50 x 38 cm., Museu Hermitage
A enfermeira atenta (1747), óleo sobre tela, 46.2 x 37 cm., Galeria Nacional de Arte
A boa educação (ca. 1753), óleo sobre tela, 43 x 47.3 cm., Museu de Belas Artes, Houston
Os preparativos de um almoço (1756), óleo sobre tela, 38 × 46 cm., Musée des Beaux-Arts de Carcassonne
Uma cesta de morangos selvagens (ca, 1760), óleo sobre tela, 38 x 46 cm., coleção privada
La Brioche (1763), óleo sobre tela, 47 x 56 cm., Louvre
Cesta de Plums (1765), óleo sobre tela, 32.4 x 41.9 cm., Museu de Arte de Chrysler
Ainda vida com atributos das artes (1766), óleo sobre tela, 112 x 140.5 cm., Museu Hermitage
Cesta de pêssegos, com nozes, faca e vidro de vinho (1768), óleo sobre tela, 32 x 39 cm., Louvre
Ainda vida com peixes e vegetais (1769), óleo sobre tela, 68,6 x 58,4 cm., Museu J. Paul Getty
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