Jackson Pollock
Paul Jackson Pollock (28 de janeiro de 1912 – 11 de agosto de 1956) foi um pintor americano e uma figura importante no movimento expressionista abstrato. Ele foi amplamente notado por sua "técnica de gotejamento" de derramar ou espirrar tinta doméstica líquida em uma superfície horizontal, permitindo-lhe ver e pintar suas telas de todos os ângulos. Chamava-se pintura all-over e pintura de ação, pois ele cobria toda a tela e usava a força de todo o corpo para pintar, muitas vezes em um estilo de dança frenético. Essa forma extrema de abstração dividiu os críticos: alguns elogiaram o imediatismo da criação, enquanto outros ridicularizaram os efeitos aleatórios. Em 2016, a pintura de Pollock intitulada Número 17A teria arrecadado US$ 200 milhões em uma compra privada.
Uma personalidade reclusa e volátil, Pollock lutou contra o alcoolismo durante a maior parte de sua vida. Em 1945, casou-se com o artista plástico Lee Krasner, que se tornou uma importante influência em sua carreira e em seu legado. Pollock morreu aos 44 anos em uma colisão de um carro relacionada ao álcool quando ele dirigia. Em dezembro de 1956, quatro meses após sua morte, Pollock recebeu uma exposição retrospectiva memorial no Museu de Arte Moderna (MoMA) na cidade de Nova York. Uma exposição maior e mais abrangente de seu trabalho foi realizada lá em 1967. Em 1998 e 1999, seu trabalho foi homenageado com exposições retrospectivas em grande escala no MoMA e no The Tate em Londres.
Infância (1912–1936)
Paul Jackson Pollock nasceu em Cody, Wyoming, em 1912, o caçula de cinco irmãos. Seus pais, Stella May (nascida McClure) e LeRoy Pollock, nasceram e cresceram em Tingley, Iowa, e foram educados na Tingley High School. A mãe de Pollock está enterrada no Cemitério Tingley, Condado de Ringgold, Iowa. Seu pai nasceu com o sobrenome McCoy, mas adotou o sobrenome de seus pais adotivos, vizinhos que o adotaram depois que seus próprios pais morreram com um ano de diferença. Stella e LeRoy Pollock eram presbiterianos; eles eram descendentes de irlandeses e escoceses-irlandeses, respectivamente. LeRoy Pollock foi agricultor e mais tarde agrimensor do governo, mudando-se para diferentes empregos. Stella, orgulhosa da herança de sua família como tecelãs, fazia e vendia vestidos quando adolescente. Em novembro de 1912, Stella levou seus filhos para San Diego; Jackson tinha apenas 10 meses e nunca mais voltaria para Cody. Posteriormente, ele cresceu no Arizona e Chico, Califórnia.
Enquanto morava no bairro de Vermont Square, em Los Angeles, ele se matriculou na Manual Arts High School, da qual foi expulso. Ele já havia sido expulso em 1928 de outra escola secundária. Durante sua juventude, Pollock explorou a cultura nativa americana durante as viagens de pesquisa com seu pai. Ele também foi fortemente influenciado por muralistas mexicanos, particularmente José Clemente Orozco, cujo afresco Prometeu ele mais tarde chamaria de "a maior pintura da América do Norte".
Em 1930, seguindo seu irmão mais velho, Charles Pollock, ele se mudou para a cidade de Nova York, onde ambos estudaram com Thomas Hart Benton na Art Students League. O tema rural americano de Benton teve pouca influência no trabalho de Pollock, mas seu uso rítmico de tinta e sua independência feroz foram mais duradouros. No início dos anos 1930, Pollock passou um verão em turnê pelo oeste dos Estados Unidos junto com Glen Rounds, um colega estudante de arte, e Benton, seu professor.
Carreira (1936–1954)
Pollock foi apresentado ao uso de tinta líquida em 1936 em uma oficina experimental na cidade de Nova York pelo muralista mexicano David Alfaro Siqueiros. No verão, ele foi para o Dartmouth College para estudar o mural de 3.200 pés quadrados de Jose Clemente Orozco, “The Epic of American Civilization”. Mais tarde, ele usou o vazamento de tinta como uma das várias técnicas em telas do início dos anos 1940, como Male and Female e Composition with Pouring I. Após sua mudança para Springs, Nova York, ele começou a pintar com suas telas dispostas no chão do estúdio e desenvolveu o que mais tarde foi chamado de "gotejamento" técnica.
De 1938 a 1942, Pollock trabalhou para o WPA Federal Art Project. Durante esse tempo, Pollock estava tentando lidar com seu alcoolismo estabelecido; de 1938 a 1941, ele passou por psicoterapia junguiana com o Dr. Joseph L. Henderson e mais tarde com a Dra. Violet Staub de Laszlo em 1941–42. Henderson o envolveu por meio de sua arte, encorajando Pollock a fazer desenhos. Conceitos e arquétipos junguianos foram expressos em suas pinturas. Alguns historiadores levantaram a hipótese de que Pollock poderia ter transtorno bipolar. Pollock assinou um contrato de galeria com Peggy Guggenheim em julho de 1943. Ele recebeu a encomenda para criar o Mural (1943) de 8 por 20 pés (2,4 por 20 pés) para a entrada de sua nova casa. Por sugestão de seu amigo e conselheiro Marcel Duchamp, Pollock pintou a obra na tela, e não na parede, para que fosse portátil. Depois de ver o grande mural, o crítico de arte Clement Greenberg escreveu: "Dei uma olhada nele e pensei: 'Isso sim é uma ótima arte' e eu sabia que Jackson era o maior pintor que este país já produziu”. O catálogo que apresenta sua primeira exposição descrevia o talento de Pollock como "vulcânico". Tem fogo. É imprevisível. É indisciplinado. Derrama-se numa prodigalidade mineral, ainda não cristalizada."
Período de gotejamento
As pinturas mais famosas de Pollock foram feitas durante o "período de gotejamento" entre 1947 e 1950. Ele se tornou famoso após uma publicação de quatro páginas em 8 de agosto de 1949 na revista Life que perguntava: "Ele é o maior pintor vivo dos Estados Unidos?"; Graças à mediação de Alfonso Ossorio, amigo íntimo de Pollock, e do historiador de arte Michel Tapié, o jovem galerista Paul Facchetti, a partir de 7 de março de 1952, conseguiu realizar a primeira exposição das obras de Pollock de 1948 a 1951 em seu Studio Paul Facchetti em Paris e na Europa. No auge de sua fama, Pollock abandonou abruptamente o estilo de gotejamento. As pinturas de gotejamento de Pollock foram influenciadas pela artista Janet Sobel; o crítico de arte Clement Greenberg relataria mais tarde que Pollock "admitiu" para ele que o trabalho de Sobel "causou uma impressão nele."
O trabalho de Pollock depois de 1951 era de cor mais escura, incluindo uma coleção pintada de preto em telas não preparadas. Essas pinturas foram chamadas de "Black derramando" e quando ele os expôs na Betty Parsons Gallery em Nova York, nenhum deles foi vendido. Mais tarde, Parsons vendeu um para um amigo pela metade do preço. Essas obras mostram Pollock tentando encontrar um equilíbrio entre a abstração e as representações da figura.
Mais tarde, ele voltou a usar cores e continuou com elementos figurativos. Nesse período, Pollock mudou-se para a Sidney Janis Gallery, uma galeria mais comercial; a procura por seu trabalho por parte dos colecionadores era grande. Em resposta a essa pressão, juntamente com a frustração pessoal, seu alcoolismo se aprofundou.
Relacionamento com Lee Krasner
Os dois artistas se conheceram enquanto exibiam na Galeria McMillen em 1942. Krasner não estava familiarizado, mas intrigado com o trabalho de Pollock e foi ao seu apartamento, sem avisar, para encontrá-lo após a exposição na galeria. Em outubro de 1945, Pollock e Lee Krasner se casaram em uma igreja com duas testemunhas presentes no evento. Em novembro, eles se mudaram da cidade para a área de Springs em East Hampton, na costa sul de Long Island. Com a ajuda de um empréstimo adiantado de Peggy Guggenheim, eles compraram uma casa de madeira e um celeiro na 830 Springs Fireplace Road. Pollock converteu o celeiro em um estúdio. Nesse espaço, ele aperfeiçoou seu grande "drip" técnica de trabalhar com tinta, com a qual se identificaria permanentemente. Quando o casal se viu livre do trabalho, eles gostaram de passar o tempo juntos cozinhando e assando, trabalhando na casa e no jardim e recebendo amigos.
A influência de Krasner na arte de seu marido foi algo que os críticos começaram a reavaliar na segunda metade da década de 1960 devido à ascensão do feminismo na época. O amplo conhecimento e treinamento de Krasner em arte e técnicas modernas a ajudaram a atualizar Pollock sobre o que a arte contemporânea deveria ser. Krasner costuma ser considerado o tutor de seu marido nos princípios da pintura modernista. Pollock foi então capaz de mudar seu estilo para se adequar a um gênero de arte moderna mais organizado e cosmopolita, e Krasner se tornou o único juiz em quem ele podia confiar. No início dos dois artistas'; casamento, Pollock confiaria na vida de seus colegas. opiniões sobre o que funcionou ou não em suas peças. Krasner também foi responsável por apresentá-lo a muitos colecionadores, críticos e artistas, incluindo Herbert Matter, que o ajudaria a promover sua carreira como artista emergente. O negociante de arte John Bernard Myers disse uma vez que "nunca teria havido um Jackson Pollock sem um Lee Pollock", enquanto o colega pintor Fritz Bultman se referia a Pollock como a "criação de Krasner, seu Frankenstein". 34;, ambos reconhecendo a imensa influência que Krasner teve na carreira de Pollock.
A influência de Jackson Pollock nas obras de arte de sua esposa é frequentemente discutida por historiadores da arte. Muitas pessoas pensaram que Krasner começou a reproduzir e reinterpretar os caóticos respingos de tinta de seu marido em seu próprio trabalho. Existem vários relatos em que Krasner pretendia usar sua própria intuição como uma forma de avançar em direção à técnica I am nature de Pollock para reproduzir a natureza em sua arte.
Anos posteriores e morte (1955–1956)
Em 1955, Pollock pintou Scent e Search, suas duas últimas pinturas. Ele não pintou nada em 1956, mas estava fazendo esculturas na casa de Tony Smith: construções de arame, gaze e gesso. Moldados por fundição em areia, eles têm superfícies fortemente texturizadas semelhantes às que Pollock costumava criar em suas pinturas.
O relacionamento de Pollock e Krasner começou a desmoronar em 1956, devido ao contínuo alcoolismo e infidelidade de Pollock envolvendo outra artista, Ruth Kligman. Em 11 de agosto de 1956, às 22h15, Pollock morreu em um acidente de carro em seu Oldsmobile conversível enquanto dirigia sob a influência de álcool. Na época, Krasner estava visitando amigos na Europa; ela voltou abruptamente ao ouvir a notícia de um amigo. Uma das passageiras, Edith Metzger, também morreu no acidente, que ocorreu a menos de um quilômetro da casa de Pollock. A outra passageira, Ruth Kligman, sobreviveu. Em dezembro de 1956, quatro meses após sua morte, Pollock recebeu uma exposição retrospectiva memorial no Museu de Arte Moderna (MoMA) na cidade de Nova York. Uma exposição maior e mais abrangente de seu trabalho foi realizada lá em 1967. Em 1998 e 1999, seu trabalho foi homenageado com exposições retrospectivas em grande escala no MoMA e no The Tate em Londres.
Pelo resto de sua vida, sua viúva Lee Krasner administrou sua propriedade e garantiu que a reputação de Pollock permanecesse forte, apesar das mudanças nas tendências do mundo da arte. O casal está enterrado no Green River Cemetery em Springs com uma grande pedra marcando o túmulo dele e uma menor marcando o dela.
Arte
Influência e técnica
As obras de Thomas Hart Benton, Pablo Picasso e Joan Miró influenciaram Pollock. Pollock começou a usar tintas à base de resina sintética chamadas esmaltes alquídicos, que na época eram um novo meio. Pollock descreveu esse uso de tintas domésticas, em vez de tintas artísticas, como "um crescimento natural de uma necessidade". Ele usou pincéis endurecidos, bastões e até seringas de alinhavo como aplicadores de tinta. A técnica de Pollock de derramar e pingar tinta é considerada uma das origens do termo pintura de ação. Com esta técnica, Pollock foi capaz de alcançar suas próprias pinturas de palimpsesto de estilo de assinatura, com tintas fluindo de sua ferramenta escolhida para a tela. Ao desafiar a convenção de pintar em uma superfície vertical, ele acrescentou uma nova dimensão ao ser capaz de ver e aplicar tinta em suas telas de todas as direções.
Em 1936, Pollock participou de uma oficina experimental dirigida pelo muralista mexicano David Alfaro Siqueiros. Foi lá que ele usou pela primeira vez tintas de esmalte líquido, que continuou a incorporar em suas pinturas no início e meados dos anos 1940, muito antes de encontrar o trabalho de a artista americana ucraniana Janet Sobel (1894–1968) (nascida Jennie Lechovsky). Peggy Guggenheim incluiu o trabalho de Sobel em sua The Art of This Century Gallery em 1945. Jackson Pollock e o crítico de arte Clement Greenberg viram o trabalho de Sobel lá em 1946 e mais tarde Greenberg observou que Sobel foi "uma influência direta na técnica de pintura por gotejamento de Jackson Pollock". Em seu ensaio "American-Type Painting", Greenberg observou que essas obras foram as primeiras pinturas completas que ele viu e disse: "Pollock admitiu que essas imagens o impressionaram' 34;.
Ao pintar desta forma, Pollock afastou-se da representação figurativa e desafiou a tradição ocidental de usar cavalete e pincel. Usava a força de todo o corpo para pintar, o que se expressava nas grandes telas. Em 1956, a revista Time apelidou Pollock de "Jack the Dripper" devido ao seu estilo de pintura.
A minha pintura não vem do cavalete. Prefiro colocar a tela não gravada na parede ou no chão. Preciso da resistência de uma superfície dura. No chão estou mais à vontade. Eu me sinto mais perto, mais parte da pintura, desde que desta forma eu posso andar em torno dele, trabalhar dos quatro lados e literalmente ser em a pintura.
Eu continuo a ficar mais longe das ferramentas do pintor habitual, como o cavalete, a paleta, as escovas, etc. Eu prefiro paus, espreguiçadeiras, facas e gotejamento de tinta de fluido ou um impasto pesado com areia, vidro quebrado ou outra matéria estrangeira adicionado.
Quando estou em Não sei o que estou a fazer. É só depois de uma espécie de período "de conhecer" que eu vejo sobre o que eu tenho sido. Não tenho medo de fazer mudanças, destruir a imagem, etc., porque a pintura tem uma vida própria. Tento deixar passar. É só quando eu perder contato com a pintura que o resultado é uma bagunça. Caso contrário, há pura harmonia, um fácil dar e tomar, e a pintura sai bem.
—Jackson Pollock, Minha pintura, 1947
Pollock observou demonstrações de pintura de areia dos nativos americanos na década de 1940. Referindo-se ao seu estilo de pintura no chão, Pollock afirmou: “Sinto-me mais próximo, mais parte da pintura, pois assim posso contorná-la, trabalhar pelos quatro lados e literalmente estar na pintura”. Isso é semelhante aos métodos dos pintores de areia indianos do Ocidente." Outras influências em sua técnica de gotejamento incluem os muralistas mexicanos e o automatismo surrealista. Pollock negou confiança no "acidente"; ele geralmente tinha uma ideia de como queria que uma determinada obra aparecesse. Sua técnica combinava o movimento de seu corpo, sobre o qual ele tinha controle, o fluxo viscoso da tinta, a força da gravidade e a absorção da tinta na tela. Foi uma mistura de fatores controláveis e incontroláveis. Arremessando, pingando, derramando e respingando, ele se movia energicamente pela tela, quase como se dançasse, e não parava até ver o que queria ver.
O artigo do artista austríaco Wolfgang Paalen sobre a arte totêmica dos povos indígenas da Colúmbia Britânica, no qual o conceito de espaço na arte totemista é considerado do ponto de vista de um artista, também influenciou Pollock; Pollock possuía uma cópia assinada e dedicada da revista Amerindian Number of Paalen's (DYN 4–5, 1943). Ele também tinha visto as pinturas surrealistas de Paalen em uma exposição em 1940. Outra forte influência deve ter sido a técnica surrealista de fumagem de Paalen, que atraiu pintores em busca de novas maneiras de representar o que foi chamado de "invisível" ou o "possível". A técnica já foi demonstrada na oficina de Matta, sobre a qual Steven Naifeh relata: "Uma vez, quando Matta estava demonstrando a técnica surrealista [Paalen's] Fumage, Jackson [Pollock] recorreu a (Peter) Busa e disse em um sussurro teatral: 'Eu posso fazer isso sem a fumaça.'" O amigo pintor de Pollock, Fritz Bultman, chegou a afirmar: "Foi Wolfgang Paalen quem começou tudo".
Em 1950, Hans Namuth, um jovem fotógrafo, queria tirar fotos – tanto fixas quanto em movimento – de Pollock trabalhando. Pollock prometeu começar uma nova pintura especialmente para a sessão fotográfica, mas quando Namuth chegou, Pollock se desculpou e disse que a pintura estava terminada.
Namuth disse que quando entrou no estúdio:
Uma lona molhada gotejadora cobriu todo o chão... O Pollock olhou para a pintura. Então, inesperadamente, ele pegou lata e pincel e começou a se mover em torno da tela. Era como se de repente percebesse que a pintura não estava terminada. Seus movimentos, lentos no início, gradualmente tornaram-se mais rápidos e mais dança como quando ele pintou tinta preta, branca e ferrugem colorida na tela. Ele esqueceu-se completamente de que eu e Lee estávamos lá; ele não parecia ouvir o clique do obturador da câmera... A minha sessão de fotografia durou enquanto continuasse a pintar, talvez meia hora. Em todo esse tempo, Pollock não parou. Como se pode manter este nível de atividade? Finalmente, ele disse: "É isto."
As melhores pinturas de Pollock... revelar que sua linha all-over não dá origem a áreas positivas ou negativas: não somos feitos para sentir que uma parte da tela exige ser lido como figura, abstrata ou representativa, contra outra parte da tela lida como terra. Não há dentro ou fora para a linha de Pollock ou o espaço através do qual se move.... Pollock conseguiu a linha livre não só de sua função de representar objetos no mundo, mas também de sua tarefa de descrever ou vincular formas ou figuras, quer abstratas ou representativas, na superfície da tela.
—Karmel, 132
Da nomenclatura à numeração
Continuando a fugir da busca do espectador por elementos figurativos em suas pinturas, Pollock abandonou os títulos e passou a numerar suas obras. Ele disse sobre isso, "[Olhe] passivamente e tente receber o que a pintura tem a oferecer e não traga um assunto ou ideia preconcebida do que eles devem estar procurando." Sua esposa disse: "Ele costumava dar títulos convencionais a seus quadros... mas agora ele simplesmente os numera. Os números são neutros. Eles fazem as pessoas olharem para uma imagem pelo que ela é - pura pintura."
Debate crítico
A obra de Pollock tem sido objeto de importantes debates críticos. O crítico Robert Coates certa vez ridicularizou várias obras de Pollock como "meras explosões desorganizadas de energia aleatória e, portanto, sem sentido". O Reynold's News, em uma manchete de 1959, dizia: "Isso não é arte - é uma piada de mau gosto". O pintor abstrato francês Jean Hélion, por outro lado, comentou ao ver pela primeira vez um Pollock: "Ele preenchia o espaço continuamente porque não tinha começo nem fim". Clement Greenberg apoiou o trabalho de Pollock em bases formais. Ele se encaixa bem na visão de Greenberg da história da arte como uma purificação progressiva na forma e eliminação do conteúdo histórico. Ele considerou o trabalho de Pollock a melhor pintura de sua época e o ponto culminante da tradição ocidental via cubismo e Cézanne a Manet.
Em um artigo de 1952 no ARTnews, Harold Rosenberg cunhou o termo "action painting" e escreveu que "o que deveria ir para a tela não era uma imagem, mas um evento. O grande momento chegou quando se decidiu pintar 'só por pintar'. O gesto na tela foi um gesto de libertação do valor – político, estético, moral”. Muitas pessoas presumiram que ele havia modelado seu "pintor de ação" paradigma em Pollock.
O Congress for Cultural Freedom, uma organização para promover a cultura e os valores americanos, apoiada pela Agência Central de Inteligência (CIA), patrocinou exposições do trabalho de Pollock. Alguns estudiosos de esquerda, incluindo Eva Cockcroft, argumentaram que o governo dos Estados Unidos e a elite rica adotaram Pollock e o expressionismo abstrato para colocar os Estados Unidos na vanguarda da arte global e desvalorizar o realismo socialista. Cockcroft escreveu que Pollock se tornou uma "arma da Guerra Fria".
Pollock descreveu sua arte como "o movimento torna memórias visíveis, presas no espaço".
Legado
Influência
A coloração de Pollock em tela crua foi adaptada pelos pintores do Color Field Helen Frankenthaler e Morris Louis. Frank Stella fez "composição total" marca registrada de suas obras da década de 1960. O artista dos Happenings Allan Kaprow, os escultores Richard Serra e Eva Hesse e muitos artistas contemporâneos mantiveram a ênfase de Pollock no processo de criação; eles foram influenciados por sua abordagem do processo, e não pela aparência de seu trabalho.
Em 2004, One: Number 31, 1950 foi classificada como a oitava obra de arte moderna mais influente em uma pesquisa com 500 artistas, curadores, críticos e marchands.
Na cultura pop e na mídia
Em 1960, o álbum de Ornette Coleman Free Jazz: A Collective Improvisation apresentava uma pintura de Pollock, White Light, como arte de capa.
No início dos anos 1990, três grupos de cineastas estavam desenvolvendo projetos biográficos de Pollock, cada um baseado em uma fonte diferente. O projeto que a princípio parecia mais avançado era uma joint venture entre a Barwood Films de Barbra Streisand e a TriBeCa Productions de Robert De Niro (os pais de De Niro eram amigos de Krasner e Pollock). O roteiro, de Christopher Cleveland, seria baseado na biografia oral de Jeffrey Potter de 1985, To a Violent Grave, uma coleção de reminiscências dos amigos de Pollock. Streisand faria o papel de Lee Krasner, e De Niro interpretaria Pollock. Um segundo seria baseado em Love Affair (1974), um livro de memórias de Ruth Kligman, que foi amante de Pollock seis meses antes de sua morte. Isso seria dirigido por Harold Becker, com Al Pacino interpretando Pollock.
Em 2000, foi lançado o filme biográfico Pollock, baseado na biografia vencedora do Prêmio Pulitzer, Jackson Pollock: An American Saga, dirigido e estrelado por Ed Harris.. Marcia Gay Harden ganhou o Oscar de Melhor Atriz Coadjuvante por sua interpretação de Lee Krasner. O filme foi o projeto de Harris, que foi indicado ao Oscar de Melhor Ator. O próprio Harris pintou as obras vistas no filme. A Fundação Pollock-Krasner não autorizou nem colaborou com nenhuma produção.
Em setembro de 2009, o historiador de arte Henry Adams afirmou na revista Smithsonian que Pollock havia escrito seu nome em sua famosa pintura Mural (1943). A pintura está agora segurada por US$ 140 milhões. Em 2011, o deputado estadual republicano de Iowa, Scott Raecker, apresentou um projeto de lei para forçar a venda da obra de arte, mantida pela Universidade de Iowa, para financiar bolsas de estudos, mas seu projeto de lei criou tanta polêmica que foi rapidamente retirado.
Mercado de arte
Em 1973, o Número 11, 1952 (também conhecido como Blue Poles) foi comprado pelo governo australiano de Whitlam para a National Gallery of Australia por US$ 2 milhões (A US$ 1,3 milhão no momento do pagamento). Na época, esse foi o preço mais alto já pago por uma pintura moderna. A pintura é agora uma das exposições mais populares da galeria. Foi uma peça central da retrospectiva de 1998 do Museu de Arte Moderna de Nova York, a primeira vez que a pintura foi exibida na América desde sua compra.
Em novembro de 2006, Pollock's No. 5, 1948 tornou-se a pintura mais cara do mundo, quando foi vendida em particular a um comprador não revelado pela soma de US$ 140 milhões. Outro recorde do artista foi estabelecido em 2004, quando No. 12 (1949), uma pintura de gotejamento de tamanho médio que foi exibida no Pavilhão dos Estados Unidos na Bienal de Veneza de 1950, arrecadou US $ 11,7 milhões na Christie's, em Nova York. Em 2012, Número 28, 1951, uma das combinações do artista de pingos e pinceladas em tons de cinza prateado com vermelho, amarelo e remates de azul e branco, também vendido na Christie' 39;s, Nova York, por US$ 20,5 milhões – US$ 23 milhões com taxas – dentro de sua faixa estimada de US$ 20 milhões a US$ 30 milhões.
Em 2013, Pollock's Number 19 (1948) foi vendido pela Christie's por US$ 58.363.750 durante um leilão que atingiu US$ 495 milhões em vendas totais em uma noite, que a Christie's relata como um recorde até o momento como o leilão mais caro de arte contemporânea.
Em fevereiro de 2016, a Bloomberg News informou que Kenneth C. Griffin havia comprado a pintura de Jackson Pollock de 1948 Número 17A por US$ 200 milhões, de David Geffen.
Problemas de autenticidade
O Pollock-Krasner Authentication Board foi criado pela Fundação Pollock-Krasner em 1990 para avaliar trabalhos recém-encontrados para um futuro suplemento do catálogo de 1978. No passado, porém, a Fundação Pollock-Krasner recusou-se a se envolver em casos de autenticação.
Em 2006, foi feito um documentário, Who the *$&% Is Jackson Pollock?, sobre Teri Horton, um motorista de caminhão que comprou uma pintura abstrata por cinco dólares em um brechó em Califórnia em 1992. Este trabalho pode ser uma pintura perdida de Pollock, mas sua autenticidade é debatida.
Untitled 1950, que a Knoedler Gallery, com sede em Nova York, vendeu em 2007 por US$ 17 milhões para Pierre Lagrange, um multimilionário de fundos de hedge de Londres, foi objeto de um processo de autenticidade perante o Distrito dos Estados Unidos Tribunal do Distrito Sul de Nova York. Feito no estilo clássico de gotejamento e respingo do pintor e assinado "J. Pollock", a pintura de tamanho modesto (15 por 28 1/2 pol.) continha pigmentos de tinta amarela não disponíveis comercialmente até cerca de 1970. O processo foi encerrado em um acordo confidencial em 2012.
Análise de computador fractal
Em 1999, o físico e artista Richard Taylor usou a análise de computador para mostrar semelhanças entre os padrões pintados de Pollock e os fractais (padrões que se repetem em várias escalas de tamanho) encontrados em cenários naturais, refletindo as próprias palavras de Pollock: "Eu sou a natureza". Sua equipe de pesquisa rotulou o estilo fractal de Pollock como expressionismo.
Em 2003, 24 pinturas e desenhos pollockescos foram encontrados em um armário em Wainscott, Nova York. Em 2005, a Fundação Pollock-Krasner solicitou que uma análise fractal fosse usada pela primeira vez em uma disputa de autenticidade. Pesquisadores da Universidade de Oregon usaram a técnica para identificar diferenças entre os padrões nas seis pinturas disputadas analisadas e os de 14 Pollocks estabelecidos. A análise de pigmentos das pinturas por pesquisadores da Universidade de Harvard mostrou a presença em uma pintura de um pigmento sintético que não foi patenteado até a década de 1980, e materiais em outras duas que não estavam disponíveis durante a vida de Pollock.
Em 2007, uma exposição itinerante das pinturas em um museu foi montada e foi acompanhada por um livro abrangente, Pollock Matters, escrito por Ellen G. Landau, um dos quatro estudiosos titulares do antigo Pollock Painel de autenticação da Fundação Krasner dos anos 1990, e Claude Cernuschi, estudioso do Expressionismo Abstrato. No livro, Landau demonstra as muitas conexões entre a família proprietária das pinturas e Jackson Pollock durante sua vida para colocar as pinturas no que ela acredita ser seu contexto histórico adequado. Landau também apresenta as descobertas forenses da Universidade de Harvard e apresenta possíveis explicações para as inconsistências forenses encontradas em três das 24 pinturas. No entanto, o cientista que inventou um dos pigmentos modernos descartou a possibilidade de Pollock ter usado essa tinta como sendo "improvável ao ponto da fantasia".
Posteriormente, mais de 10 grupos científicos realizaram análises fractais em mais de 50 trabalhos de Pollock. Um estudo de 2015 que usou a análise fractal como uma de suas técnicas alcançou uma taxa de sucesso de 93%, distinguindo Pollocks reais de falsos. A pesquisa atual do Expressionismo Fractal se concentra na resposta humana à visualização de fractais. Neurocientistas cognitivos mostraram que os fractais de Pollock induzem a mesma redução de estresse em observadores que os fractais gerados por computador e os fractais de ocorrência natural.
Arquivos
Lee Krasner doou os papéis de Pollock para o Archives of American Art em 1983. Mais tarde, eles foram arquivados com seus próprios papéis. Os Arquivos de Arte Americana também abrigam os papéis de Charles Pollock, que incluem correspondência, fotografias e outros arquivos relacionados a seu irmão Jackson.
Uma organização separada, a Fundação Pollock-Krasner, foi estabelecida em 1985. A fundação funciona como patrimônio oficial de Pollock e de sua viúva, mas também sob os termos do testamento de Krasner, serve a " para ajudar artistas individuais de mérito com necessidade financeira". O representante de direitos autorais dos EUA para a Fundação Pollock-Krasner é a Artists Rights Society.
A Pollock-Krasner House and Studio pertence e é administrada pela Stony Brook Foundation, uma afiliada sem fins lucrativos da Stony Brook University. Visitas regulares à casa e ao estúdio ocorrem de maio a outubro.
Lista das principais obras
- (1942) Masculino e Feminino Filadélfia Museu de Arte
- (1942) Figura estenográfico Museu de Arte Moderna
- (1942) A mulher da lua Coleção Peggy Guggenheim
- (1943) Mural Universidade de Iowa Museu de Arte, dada por Peggy Guggenheim
- (1943) O Prateleira Museu de Arte Moderna (Veja à direita)
- (1943) Azul (Moby Dick) Museu de Arte de Ohara
- (1945) Mistério da Noite Museu de Arte Norton
- (1945) Rainha perturbada Museu de Belas Artes, Boston
- (1946) Olhos no calor Peggy Guggenheim Collection, Veneza
- (1946) A chave Instituto de Arte de Chicago
- (1946) A Taça do Chá Coleção Frieder Burda
- (1946) Substância Shimmering, de Os sons na grama Museu de Arte Moderna
- (1947) Retrato de H.M. Museu de Arte da Universidade de Iowa, dado por Peggy Guggenheim.
- (1947) Fathom completo Cinco Museu de Arte Moderna
- (1947) Catedral Museu de Arte de Dallas
- (1947) Floresta encantada Coleção Peggy Guggenheim
- (1947) Lúcifer A Coleção Anderson na Universidade Stanford
- (1947) Mudança do mar Museu de Arte de Seattle, dado por Peggy Guggenheim
- (1948) Pintura
- (1948) Número 5 (4 ft x 8 ft) Colecção privada
- (1948) Número 8 Museu Neuburger na Universidade Estadual de Nova York na compra
- (1948) Número 13A: Arabesque Yale University Art Gallery, New Haven, Connecticut
- (1948) Composição (branco, preto, azul e vermelho em branco) Museu de Arte de Nova Orleans
- (1948) Tempo de verão: Número 9A Tate Modern
- (1948) "Número 19"
- (1949) Número 1 Museu de Arte Contemporânea, Los Angeles
- (1949) Número 3 Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, Washington, D.C.
- (1949) Número 10 Museu de Belas Artes, Boston
- (1949) Número 11 Indiana University Art Museum Bloomington, Indiana
- (1950) Número 1, 1950 (Lavender Mist) Galeria Nacional de Arte
- (1950) Mural on Indian red ground, 1950 Museu de Arte Contemporânea de Teerão
- (1950) Outono Ritmo (30 de novembro), 1950 Museu Metropolitano de Arte
- (1950) Número 29, 1950 Galeria Nacional do Canadá
- (1950) Número 32, Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen, Düsseldorf, BRD
- (1950) Um: Número 31, 1950 Museu de Arte Moderna
- (1951) Número 7 Galeria Nacional de Arte
- (1951) Preto e Branco (6 de novembro) Museu de Arte Moderna de São Francisco
- (1952) Convergência Galeria de Arte de Albright-Knox
- (1952) Pólos azuis: No. 11, 1952 Galeria Nacional da Austrália
- (1952) Número 12, 1952 Governador Nelson A. Rockefeller Empire State Plaza Art Collection
- (1953) Retrato e um sonho Museu de Arte de Dallas
- (1953) Páscoa e totem O Museu de Arte Moderna
- (1953) Cinza do Oceano Museu Solomon R. Guggenheim
- (1953) A profundidade Centro Georges Pompidou
Homenagem
Em 28 de janeiro de 2019, o Google Doodle comemorou o aniversário de Jackson Pollock.
Contenido relacionado
Gary Snyder
Kate Bush
Barroco