História do filme
A história do filme narra o desenvolvimento de uma forma de arte visual criada usando tecnologias cinematográficas que começaram no final do século 19. O advento do filme como meio artístico não está claramente definido. No entanto, a exibição comercial e pública de dez filmes dos irmãos Lumière; curtas-metragens em Paris em 28 de dezembro de 1895 podem ser considerados como o avanço dos filmes cinematográficos projetados. Houve resultados cinematográficos anteriores e exibições de outros como os irmãos Skladanowsky, que usaram seu próprio Bioscop para exibir o primeiro show de imagem em movimento para um público pagante em 1º de novembro de 1895 em Berlim, mas eles não tinham nem a qualidade, nem o apoio financeiro, resistência, ou a sorte de encontrar o ímpeto que impulsionou o cineasta Lumière ao sucesso mundial. Esses primeiros filmes eram em preto e branco, com menos de um minuto de duração, sem som gravado e consistiam em uma única tomada de uma câmera estável. empresas e estúdios estabelecidos em todo o mundo.
As convenções em direção a uma linguagem cinematográfica geral também se desenvolveram, com a edição de movimentos de câmera e outras técnicas cinematográficas contribuindo com papéis específicos na narrativa dos filmes.
As novas mídias populares, incluindo a televisão (popular desde a década de 1950), o vídeo doméstico (popular desde a década de 1980) e a internet (popular desde a década de 1990) influenciaram a distribuição e o consumo de filmes. A produção cinematográfica geralmente respondia com conteúdo adequado à nova mídia e com inovações técnicas (incluindo widescreen (popular desde a década de 1950), filmes 3D e 4D) e filmes mais espetaculares para manter as exibições teatrais atraentes.
Sistemas mais baratos e de fácil manuseio (incluindo filmes 8mm, câmeras de vídeo e smartphones) permitiram que um número cada vez maior de pessoas criasse filmes de qualidades variadas, para qualquer finalidade (incluindo filmes caseiros e videoarte). A qualidade técnica era geralmente inferior à dos filmes profissionais, mas melhorada com vídeo digital e câmeras digitais acessíveis de alta qualidade.
Melhorando ao longo do tempo, os métodos de produção digital tornaram-se cada vez mais populares durante a década de 1990, resultando em efeitos visuais cada vez mais realistas e populares animações de computador de longa duração.
Diferentes gêneros cinematográficos surgiram e tiveram graus variáveis de sucesso ao longo do tempo, com grandes diferenças entre, por exemplo, horror
Precursores
O uso do filme como forma de arte remonta a várias tradições anteriores nas artes, como narrativa (oral), literatura, teatro e artes visuais. Cantastoria e tradições antigas semelhantes combinavam a narrativa com uma série de imagens que eram mostradas ou indicadas uma após a outra. Os predecessores do cinema que já usavam luz e sombras para criar arte antes do advento da tecnologia cinematográfica moderna incluem shadowgraphy, fantoches de sombra, camera obscura e a lanterna mágica.
Shadowgraphy e fantoches de sombra representam os primeiros exemplos da intenção de usar imagens em movimento para entretenimento e narrativa. Acredita-se que tenha se originado no Extremo Oriente, a forma de arte usava sombras lançadas por mãos ou objetos para auxiliar na criação de narrativas. O teatro de sombras gozou de popularidade durante séculos em toda a Ásia, principalmente em Java, e eventualmente se espalhou para a Europa durante a Era do Iluminismo.
Por volta do século 16, os artistas costumavam conjurar imagens de aparições fantasmagóricas, utilizando técnicas como câmera escura e outras formas de projeção para aprimorar suas apresentações. Os shows de lanternas mágicas desenvolvidos na segunda metade do século XVII parecem ter continuado essa tradição com imagens de morte, monstros e outras figuras assustadoras. Por volta de 1790, essa prática foi desenvolvida em um tipo de show de fantasmas multimídia conhecido como fantasmagoria. Esses shows populares entretinham o público usando slides mecânicos, retroprojeção, projetores móveis, sobreposição, dissoluções, atores ao vivo, fumaça (na qual as projeções podem ter sido lançadas), odores, sons e até choques elétricos. Embora muitos dos primeiros shows de lanternas mágicas tivessem a intenção de assustar os espectadores, os avanços dos projecionistas permitiram uma narrativa criativa e até educacional que poderia atrair um público familiar mais amplo. Novas técnicas pioneiras, como o uso de visualizações em dissolução e o cromótropo, permitiram transições mais suaves entre duas imagens projetadas e ajudaram a fornecer narrativas mais fortes.
Em 1833, o estudo científico de uma ilusão estroboscópica em rodas raiadas por Joseph Plateau, Michael Faraday e Simon Stampfer levou à invenção do Fantascópio, também conhecido como disco estroboscópico ou fenakistiscópio, popular em vários países europeus por um tempo. Plateau pensou que poderia ser desenvolvido para uso em fantasmagoria e Stampfer imaginou um sistema para cenas mais longas com tiras em rolos, bem como uma versão transparente (provavelmente destinada a projeção). Plateau, Charles Wheatstone, Antoine Claudet e outros tentaram combinar a técnica com o estereoscópio (introduzido em 1838) e a fotografia (introduzida em 1839) para uma ilusão mais completa da realidade, mas durante décadas tais experimentos foram dificultados pela necessidade de longos tempos de exposição, com desfoque de movimento em torno de objetos que se moviam enquanto a luz refletida caía sobre os produtos químicos fotossensíveis. Algumas pessoas conseguiram obter resultados decentes com técnicas de stop motion, mas estas raramente eram comercializadas e nenhuma forma de fotografia animada teve muito impacto cultural antes do advento da cronofotografia.
A maioria das primeiras sequências fotográficas, conhecidas como cronofotografia, não foram inicialmente planejadas para serem vistas em movimento e foram tipicamente apresentadas como um método sério, até mesmo científico, de estudar a locomoção. As sequências envolviam quase exclusivamente humanos ou animais realizando um movimento simples na frente da câmera. Começando em 1878 com a publicação dos cartões de gabinete The Horse in Motion, o fotógrafo Eadweard Muybridge começou a fazer centenas de estudos cronofotográficos do movimento de animais e humanos em tempo real. Ele foi logo seguido por outros cronofotógrafos como Étienne-Jules Marey, Georges Demenÿ, Albert Londe e Ottomar Anschütz. Em 1879, Muybridge começou a dar palestras sobre locomoção animal e usou seu zoopraxiscópio para projetar animações dos contornos de suas gravações, traçadas em discos de vidro.
Em 1887, o inventor e fotógrafo alemão Ottomar Anschütz começou a apresentar suas gravações cronofotográficas em movimento, usando um dispositivo que ele chamou de Elektrischen Schnellseher (também conhecido como Eletrotaquiscópio), que exibia loops curtos em uma pequena tela de vidro leitoso. Em 1891, ele iniciou a produção em massa de um dispositivo de visualização de peep-box mais econômico e operado por moedas com o mesmo nome, exibido em exposições e feiras internacionais. Algumas máquinas foram instaladas por períodos mais longos, incluindo algumas no The Crystal Palace, em Londres, e em várias lojas dos Estados Unidos. Mudando o foco do meio de interesse técnico e científico em movimento para entretenimento para as massas, ele gravou lutadores, dançarinos, acrobatas e cenas da vida cotidiana. Quase 34.000 pessoas pagaram para ver seus shows no Parque de Exposições de Berlim no verão de 1892. Outros o viram em Londres ou na Feira Mundial de Chicago de 1893. Embora restem poucas evidências para a maioria dessas gravações, algumas cenas provavelmente retratam cenas cômicas encenadas cenas. Registros existentes sugerem que parte de sua produção influenciou diretamente trabalhos posteriores da Edison Company, como o filme de 1894 Fred Ott's Sneeze.
Os avanços nas tecnologias de projeção de filmes foram baseados na popularidade de lanternas mágicas, demonstrações cronofotográficas e outras formas de entretenimento projetado intimamente relacionadas, como canções ilustradas. De outubro de 1892 a março de 1900, o inventor Émile Reynaud exibiu seu sistema de filme Théâtre Optique ("Optical Theatre") no Musée Grévin em Paris. O dispositivo de Reynaud, que projetava uma série de histórias animadas como Pauvre Pierrot e Autour d'une cabine, foi exibido para mais de 500.000 visitantes ao longo do percurso de 12.800 shows. Em 25, 29 e 30 de novembro de 1894, Ottomar Anschütz projetou imagens em movimento de discos de eletrotaquiscópio em uma grande tela no escuro Grande Auditório de um prédio dos correios em Berlim. De 22 de fevereiro a 30 de março de 1895, um programa comercial de 1 hora e meia com 40 cenas diferentes foi exibido para um público de 300 pessoas no antigo Reichstag e recebeu cerca de 4.000 visitantes.
Era da novidade (década de 1890 - início da década de 1900)
Avanços em direção à projeção
Em junho de 1889, o inventor americano Thomas Edison designou um assistente de laboratório, William Kennedy Dickson, para ajudar a desenvolver um dispositivo que pudesse produzir visuais para acompanhar os sons produzidos pelo fonógrafo. Com base nas máquinas anteriores de Muybridge, Marey, Anschütz e outros, Dickson e sua equipe criaram o visualizador Kinetoscope peep-box, com loops de celulóide contendo cerca de meio minuto de entretenimento cinematográfico. Após uma prévia em 20 de maio de 1891, Edison apresentou a máquina em 1893. Muitos dos filmes apresentados no Kinetoscope exibiam atos de vaudeville conhecidos atuando no estúdio Black Maria de Edison. O Kinetoscope rapidamente se tornou uma sensação global com vários salões de exibição nas principais cidades em 1895. À medida que a novidade inicial das imagens passava, a Edison Company demorou a diversificar seu repertório de filmes e a diminuição do interesse público fez com que os negócios diminuíssem na primavera de 1895. Para remediar a queda nos lucros, experimentos, como o The Dickson Experimental Sound Film, foram realizados na tentativa de atingir o objetivo original do dispositivo de fornecer acompanhamento visual para gravações de som. Limitações na sincronização do som com o visual, no entanto, impediram a aplicação generalizada. Durante esse mesmo período, os inventores começaram a desenvolver tecnologias para a projeção de filmes que acabariam superando o formato peep-box de Edison.
Vários inventores, incluindo Wordsworth Donisthorpe, Louis Le Prince e William Friese-Greene, experimentaram protótipos de dispositivos de projeção de filmes na busca de criar e exibir filmes. As cenas desses experimentos eram geralmente filmadas com a família, amigos ou o trânsito como os sujeitos em movimento. A maioria desses filmes nunca passou do estágio experimental e seus esforços atraíram pouca atenção do público até que o cinema se tornasse um sucesso.
Na segunda metade de 1895, os irmãos Auguste e Louis Lumière filmaram várias cenas curtas com sua invenção, o Cinématographe. Em 28 de dezembro de 1895, os irmãos fizeram sua primeira exibição comercial em Paris (embora existam evidências de demonstrações do dispositivo para pequenas audiências já em outubro de 1895). A exibição consistiu em dez filmes e durou cerca de 20 minutos. O programa consistia principalmente em filmes de realidade como Workers Leaving the Lumière Factory como documentos verídicos do mundo, mas o show também incluiu a comédia encenada L'Arroseur Arrosé. A demonstração mais avançada de projeção de filmes até então, o Cinématographe foi um sucesso instantâneo, arrecadando uma média de 2.500 a 3.000 francos por dia no final de janeiro de 1896. Após a primeira exibição, a ordem e a seleção dos filmes foram alteradas com frequência.
Os irmãos Lumière' os principais interesses comerciais eram a venda de câmeras e equipamentos de filmagem para expositores, não a produção real de filmes. Apesar disso, os cineastas de todo o mundo foram inspirados pelo potencial do cinema à medida que os expositores traziam seus shows para novos países. Esta era do cinema, apelidada pelo historiador de cinema Tom Gunning como "o cinema das atrações", oferecia uma maneira relativamente barata e simples de fornecer entretenimento às massas. Em vez de se concentrar em histórias, Gunning argumenta, os cineastas confiaram principalmente na capacidade de encantar o público por meio do "poder ilusório" de visualizar sequências em movimento, da mesma forma que faziam na era do cinetoscópio que a precedeu. Apesar disso, experimentos iniciais com a produção de filmes de ficção (tanto no cinema quanto em outros gêneros) ocorreram. Os filmes eram exibidos principalmente em espaços temporários de vitrines, em tendas de expositores itinerantes em feiras ou como "burros" atua em programas de vaudeville. Nesse período, antes que o processo de pós-produção fosse claramente definido, os expositores podiam exercer sua liberdade criativa em suas apresentações. Para melhorar o desempenho dos espectadores experiência, algumas apresentações foram acompanhadas por músicos ao vivo em uma orquestra, um órgão de teatro, efeitos sonoros ao vivo e comentários falados pelo showman ou projecionista.
Experiências em edição de filmes, efeitos especiais, construção narrativa e movimento de câmera durante esse período por cineastas na França, Inglaterra e Estados Unidos tornaram-se influentes no estabelecimento de uma identidade para o cinema daqui para frente. Nos estúdios Edison e Lumière, narrativas soltas, como o filme de Edison de 1895, Washday Troubles, estabeleceram dinâmicas de relacionamento curtas e histórias simples. Em 1896, La Fée aux Choux (A Fada das Couves) foi lançado pela primeira vez. Dirigido e editado por Alice Guy, a história é indiscutivelmente o primeiro filme narrativo da história, bem como o primeiro filme a ser dirigido por uma mulher. Naquele mesmo ano, a Edison Manufacturing Company lançou The May Irwin Kiss em maio, com amplo sucesso financeiro. O filme, que apresentou o primeiro beijo da história do cinema, levou aos primeiros pedidos conhecidos de censura cinematográfica.
Outro produtor de cinema pioneiro foi o Limelight Department da Austrália. A partir de 1898, foi operado pelo Exército de Salvação em Melbourne, Austrália. O Departamento Limelight produziu material evangelístico para uso do Exército de Salvação, incluindo slides de lanterna já em 1891, bem como contratos privados e governamentais. Em seus 19 anos de atuação, o Limelight Department produziu cerca de 300 filmes de diversas durações, tornando-se uma das maiores produtoras cinematográficas de sua época. O Limelight Department fez um filme de 1904 de Joseph Perry chamado Bushranging in North Queensland, que se acredita ser o primeiro filme sobre bushrangers.
Proliferação de atualidades e cinejornais
Em sua infância, o filme raramente era reconhecido como uma forma de arte por apresentadores ou público. Considerado pela classe alta como um "vulgar" e "lowbrow" Como forma de entretenimento barato, os filmes atraíam amplamente a classe trabalhadora e muitas vezes eram curtos demais para manter qualquer potencial narrativo forte. Os anúncios iniciais promoviam as tecnologias usadas para exibir os filmes, e não os próprios filmes. À medida que os dispositivos se tornaram mais familiares para o público, seu potencial para capturar e recriar eventos foi explorado principalmente na forma de noticiários e atualidades. Durante a criação desses filmes, os diretores de fotografia muitas vezes se valeram de valores estéticos estabelecidos por formas de arte do passado, como o enquadramento e a colocação intencional da câmera na composição de sua imagem. Em um artigo de 1955 para The Quarterly of Film Radio and Television, o produtor de cinema e historiador Kenneth Macgowan afirmou que a encenação intencional e a recriação de eventos para cinejornais "trouxe a narrativa para a tela".
Com a propaganda de tecnologias cinematográficas sobre o conteúdo, as realidades começaram inicialmente como uma "série de visualizações" que geralmente continham fotos de lugares bonitos e animados ou atos performáticos. Após o sucesso de sua exibição em 1895, os irmãos Lumière estabeleceram uma empresa e enviaram cinegrafistas por todo o mundo para capturar novos assuntos para apresentação. Depois que o diretor de fotografia filmava as cenas, eles frequentemente exibiam suas gravações localmente e depois eram enviadas de volta à fábrica da empresa em Lyon para fazer cópias duplicadas para vender a quem quisesse. No processo de filmar realidades, especialmente aquelas de eventos reais, os cineastas descobriram e experimentaram várias técnicas de câmera para acomodar sua natureza imprevisível. Devido à curta duração (geralmente apenas uma tomada) de muitas realidades, os registros do catálogo indicam que as produtoras comercializavam para os expositores promovendo várias realidades com assuntos relacionados que poderiam ser adquiridos para se complementarem. Expositores que compravam os filmes geralmente os apresentavam em um programa e ofereciam acompanhamento falado para explicar a ação na tela para o público.
O primeiro público pagante de um filme se reuniu no Madison Square Garden para ver uma realidade encenada que pretendia ser uma luta de boxe filmada por Woodville Latham usando um dispositivo chamado Eidoloscope em 20 de maio de 1895. Encomendado por Latham, o O inventor francês Eugene Augustin Lauste criou o dispositivo com a experiência adicional de William Kennedy Dickson e criou um mecanismo que veio a ser conhecido como loop Latham, que permitia tempos de execução contínuos mais longos e era menos abrasivo no filme de celulóide.
Nos anos seguintes, exibições de atualidades e cinejornais mostraram-se lucrativas. Em 1897, The Corbett-Fitzsimmons Fight foi lançado. O filme foi uma gravação completa de uma luta de boxe do campeonato mundial de pesos pesados em Carson City, Nevada. Gerou mais receita de bilheteria do que de ingressos ao vivo e foi o filme mais longo produzido na época. O público provavelmente foi atraído para o filme de Corbett-Fitzsimmons em massa porque James J. Corbett (também conhecido como Gentleman Jim) se tornou um ídolo da matinê desde que interpretou uma versão ficcional de si mesmo em uma peça de teatro.
A partir de 1910, cinejornais regulares foram exibidos e logo se tornaram uma forma popular de descobrir as notícias antes do advento da televisão - a Expedição Antártica Britânica ao Pólo Sul foi filmada para os cinejornais, assim como as manifestações das sufragistas que estavam acontecendo no mesmo tempo. F. Percy Smith foi um pioneiro do documentário sobre a natureza trabalhando para Charles Urban quando foi pioneiro no uso de lapso de tempo e micro cinematografia em seu documentário de 1910 sobre o crescimento das flores.
Experimentação com cinema narrativo
França: Georges Méliès, Pathé Frères, Gaumont Film Company
Após a exibição bem-sucedida do Cinématographe, o desenvolvimento de uma indústria cinematográfica acelerou rapidamente na França. Vários cineastas experimentaram a tecnologia enquanto trabalhavam para obter o mesmo sucesso que os irmãos Lumière tiveram com sua exibição. Esses cineastas estabeleceram novas empresas, como a Star Film Company, a Pathé Frères e a Gaumont Film Company.
O progenitor do cinema narrativo mais citado é o cineasta francês Georges Méliès. Méliès era um ilusionista que já havia usado projeções de lanternas mágicas para aprimorar seu ato mágico. Em 1895, Méliès assistiu à demonstração do Cinematógrafo e reconheceu o potencial do aparelho para auxiliar seu ato. Ele tentou comprar um aparelho dos irmãos Lumière, mas eles recusaram. Meses depois, comprou uma câmera de Robert W. Paul e iniciou experimentos com o aparelho criando realidades. Durante esse período de experimentação, Méliès descobriu e implementou vários efeitos especiais, incluindo o stop trick, a exposição múltipla e o uso de dissoluções em seus filmes. No final de 1896, Méliès fundou a Star Film Company e começou a produzir, dirigir e distribuir uma obra que acabaria por conter mais de 500 curtas-metragens. Reconhecendo o potencial narrativo proporcionado pela combinação de sua formação teatral com os efeitos recém-descobertos para a câmera, Méliès projetou um palco elaborado que continha alçapões e um sistema de mosca. As técnicas de montagem e montagem cênica permitiram o desenvolvimento de histórias mais complexas, como o filme de 1896, Le Manoir du Diable (A Casa do Diabo), considerado o primeiro no gênero de terror, e o filme de 1899 Cendrillon (Cinderela). Em Méliès' filmes, ele baseou a colocação da câmera na construção teatral do enquadramento do proscênio, o plano metafórico ou quarta parede que divide os atores e o público. Ao longo de sua carreira, Méliès consistentemente colocou a câmera em uma posição fixa e acabou caindo em desgraça com o público enquanto outros cineastas experimentavam técnicas mais complexas e criativas. Méliès é mais conhecido hoje por seu filme de 1902, Le Voyage Dans La Lune (Uma Viagem à Lua), onde usou sua experiência em efeitos e construção narrativa para criar o primeiro filme de ficção científica.
Em 1900, Charles Pathé inicia a produção cinematográfica sob a marca Pathé-Frères, sendo Ferdinand Zecca contratado para liderar o processo criativo. Antes desse foco na produção, Pathé havia se envolvido com a indústria exibindo e vendendo o que provavelmente eram versões falsificadas do Kinetoscope em sua loja de fonógrafos. Com a liderança criativa de Zecca e a capacidade de produzir cópias em massa dos filmes por meio de uma parceria com uma empresa francesa de ferramentas, Charles Pathé procurou fazer da Pathé-Frères a principal produtora cinematográfica do país. Nos anos seguintes, a Pathé-Frères tornou-se o maior estúdio de cinema do mundo, com escritórios satélites nas principais cidades e uma seleção cada vez maior de filmes disponíveis para apresentação. Os filmes da empresa eram variados em conteúdo, com diretores especializados em vários gêneros para apresentações em feiras ao longo do início dos anos 1900.
A Gaumont Film Company era a principal rival regional da Pathé-Frères. Fundada em 1895 por Léon Gaumont, a empresa inicialmente vendia equipamentos fotográficos e iniciou a produção de filmes em 1897, sob a direção de Alice Guy, a primeira diretora feminina da indústria. Seus filmes anteriores compartilham muitas características e temas com seus concorrentes contemporâneos, como os Lumières e Méliès. Ela explorou filmes de dança e viagens, muitas vezes combinando os dois, como Le Boléro interpretado por Miss Saharet (1905) e Tango (1905). Muitos dos primeiros filmes de dança de Guy eram populares em atrações de music-hall, como os filmes de dança serpentina - também um grampo dos catálogos de filmes de Lumières e Thomas Edison. Em 1906, ela fez A Vida de Cristo, uma produção de grande orçamento para a época, que incluiu 300 figurantes.
Inglaterra: Robert W Paul, Cecil Hepworth, The Brighton School
Tanto Cecil Hepworth quanto Robert W. Paul experimentaram o uso de diferentes técnicas de câmera em seus filmes. Paul's 'Cinematograph Camera No. 1' de 1895 foi a primeira câmera a apresentar acionamento reverso, o que permitia que o mesmo filme fosse exposto várias vezes, criando assim múltiplas exposições. Essa técnica foi usada pela primeira vez em seu filme de 1901 Scrooge, or, Marley's Ghost. Ambos os cineastas experimentaram as velocidades da câmera para gerar novos efeitos. Paul filmou cenas de On a Runaway Motor Car through Piccadilly Circus (1899) acionando o aparelho da câmera muito lentamente. Quando o filme foi projetado nos habituais 16 quadros por segundo, o cenário parecia estar passando em grande velocidade. Hepworth usou o efeito oposto em The Indian Chief and the Seidlitz Powder (1901). Os movimentos do Chief são acelerados ao acionar a câmera muito mais rápido do que 16 quadros por segundo, produzindo o que o público moderno chamaria de "câmera lenta". efeito.
Os primeiros filmes a passar de planos únicos para cenas sucessivas começaram por volta da virada do século XX. Devido à perda de muitos dos primeiros filmes, pode ser difícil determinar uma mudança conclusiva de tomadas singulares estáticas para uma série de cenas. Apesar dessas limitações, Michael Brooke, do British Film Institute, atribui a continuidade real do filme, envolvendo ação passando de uma sequência para outra, ao filme de Robert W. Paul de 1898, Come Along, Do!. Apenas uma foto da segunda foto permanece até hoje. Lançado em 1901, o filme britânico Attack on a China Mission foi um dos primeiros filmes a mostrar uma continuidade de ação em várias cenas. O uso do intertítulo para explicar ações e diálogos na tela começou no início do século XX. Os intertítulos filmados foram usados pela primeira vez no filme de Robert W. Paul, Scrooge, or Marley's Ghost. Na maioria dos países, os intertítulos gradualmente passaram a ser usados para fornecer diálogo e narração para o filme, dispensando assim a necessidade de narração fornecida pelos exibidores.
O desenvolvimento de ação contínua em várias tomadas foi promovido na Inglaterra por um grupo vagamente associado de pioneiros do cinema denominados coletivamente "a Escola de Brighton". Esses cineastas incluíam George Albert Smith e James Williamson, entre outros. Smith e Williamson experimentaram a continuidade da ação e provavelmente foram os primeiros a incorporar o uso de inserções e close-ups entre as tomadas. Uma técnica básica para truques cinematográficos era a dupla exposição do filme na câmera. O efeito foi introduzido por Smith no filme de 1898, Fotografando um fantasma. De acordo com os registros do catálogo de Smith, o filme (agora perdido) narra a luta de um fotógrafo para capturar um fantasma na câmera. Utilizando a dupla exposição do filme, Smith sobrepôs uma figura fantasmagórica transparente ao fundo de maneira cômica para provocar o fotógrafo. Smith's The Corsican Brothers foi descrito no catálogo da Warwick Trading Company em 1900: "Através de uma fotografia extremamente cuidadosa, o fantasma parece *bastante transparente*. Depois de indicar que foi morto por um golpe de espada e apelar por vingança, ele desaparece. Uma 'visão' então aparece mostrando o duelo fatal na neve." Smith também iniciou a técnica de efeitos especiais de movimento reverso. Ele fez isso repetindo a ação uma segunda vez, enquanto a filmava com uma câmera invertida, e então unindo a cauda do segundo negativo à do primeiro. Os primeiros filmes feitos com este dispositivo foram Tipsy, Topsy, Turvy e The Awkward Sign Painter. O exemplo mais antigo dessa técnica é The House That Jack Built de Smith, feito antes de setembro de 1900. Cecil Hepworth levou essa técnica adiante imprimindo os negativos do movimento para frente em reverso quadro a quadro., produzindo uma impressão em que a ação original foi exatamente invertida. Para fazer isso, ele construiu uma impressora especial na qual o negativo que passava por um projetor era projetado no portão de uma câmera por meio de uma lente especial, fornecendo uma imagem do mesmo tamanho. Esse arranjo passou a ser chamado de "impressora de projeção" e, eventualmente, de "impressora óptica".
Em 1898, George Albert Smith experimentou close-ups, filmando cenas de um homem bebendo cerveja e uma mulher cheirando tabaco. No ano seguinte, Smith realizou O Beijo no Túnel, sequência composta por três planos: um trem entrando em um túnel; um homem e uma mulher trocam um breve beijo na escuridão e depois voltam para seus lugares; o trem sai do túnel. Smith criou o cenário em resposta ao sucesso de um gênero conhecido como passeio fantasma. Em um filme de passeio fantasma, as câmeras capturavam o movimento e os arredores da frente de um trem em movimento. As tomadas separadas, quando editadas juntas, formavam uma sequência distinta de eventos e estabeleciam causalidade de uma tomada para a seguinte. Seguindo The Kiss in the Tunnel, Smith experimentou mais definitivamente a continuidade da ação em planos sucessivos e começou a utilizar inserções em seus filmes, como Grandma's Reading Glass e Acidente de Mary Jane. Em 1900, Smith fez As Seen Through a Telescope. A cena principal mostra uma cena de rua com um jovem amarrando o cadarço e acariciando o pé de sua namorada, enquanto um velho observa através de um telescópio. Em seguida, há um corte para close das mãos no pé da garota mostradas dentro de uma máscara circular preta e, em seguida, um corte para a continuação da cena original.
James Williamson aperfeiçoou as técnicas de construção narrativa em seu filme de 1900, Attack on a China Mission. O filme, que o historiador do cinema John Barnes mais tarde descreveu como tendo "a narrativa mais desenvolvida de qualquer filme feito na Inglaterra até aquela época", começa quando a primeira cena mostra rebeldes boxeadores chineses no portão; em seguida, corta para a família missionária no jardim, onde começa uma briga. A esposa sinaliza para os marinheiros britânicos da varanda, que vêm resgatá-los. O filme também usou o primeiro "ângulo reverso" corte na história do cinema. No ano seguinte, Williamson criou The Big Swallow. No filme. um homem fica irritado com a presença do cineasta e "engole" a câmera e seu operador através do uso de close-ups interpolados. Ele combinou esses efeitos, juntamente com sobreposições, uso de transições de limpeza para denotar uma mudança de cena e outras técnicas para criar uma linguagem cinematográfica, ou "gramática cinematográfica". O uso de ação contínua por James Williamson em seu filme de 1901, Stop Thief!, estimulou um gênero de filme conhecido como "filme de perseguição". No filme, um vagabundo rouba uma perna de carneiro do filho de um açougueiro na primeira cena, é perseguido pelo filho do açougueiro e vários cães na cena seguinte e finalmente é pego pelos cachorros na cena seguinte. o terceiro tiro.
Estados Unidos: The Edison Company e Edwin S. Porter
A Execução de Mary Stuart, produzida em 1895 pela Edison Company para visualização com o Kinetoscope, mostrava Mary Queen of Scots sendo executada em plena visão da câmera. O efeito, conhecido como truque de parada, foi obtido substituindo o ator por um manequim para a tomada final. A técnica usada no filme é vista como um dos primeiros usos conhecidos de efeitos especiais no cinema.
O cineasta americano Edwin S. Porter começou a fazer filmes para a Edison Company em 1901. Ex-projecionista contratado por Thomas Edison para desenvolver seu novo modelo de projeção conhecido como Vitascope, Porter inspirou-se em parte nas obras de Méliès, Smith, e Williamson e basearam-se em suas técnicas recém-criadas para promover o desenvolvimento da narrativa contínua por meio da edição. Quando começou a fazer filmes mais longos em 1902, ele colocou uma dissolução entre cada plano, assim como Georges Méliès já fazia, e frequentemente repetia a mesma ação nas dissoluções.
Em 1902, Porter filmou Life of an American Fireman para a Edison Manufacturing Company e distribuiu o filme no ano seguinte. No filme, Porter combinou filmagens de filmes anteriores de Edison com filmagens recém-filmadas e as uniu para transmitir uma história dramática do resgate de uma mulher e seu filho por bombeiros heróicos.
O filme de Porter, The Great Train Robbery (1903), teve uma duração de doze minutos, com vinte tomadas separadas e dez locações internas e externas diferentes. O filme é visto como o primeiro no gênero de filme de faroeste e é significativo pelo uso de planos que sugerem ação simultânea ocorrendo em diferentes locais. O uso de Porter de ambientes externos reais e encenados ajudou a criar uma sensação de espaço, enquanto o posicionamento da câmera em uma tomada mais ampla estabeleceu a profundidade e permitiu uma duração prolongada do movimento na tela. The Great Train Robbery serviu como um dos veículos que lançariam o meio cinematográfico em popularidade em massa. Nesse mesmo ano, os Miles Brothers abriram a primeira bolsa de filmes do país, que permitia aos exibidores permanentes alugar filmes da empresa a um custo menor do que os produtores que vendiam seus filmes à vista.
John P. Harris abriu o primeiro teatro permanente dedicado exclusivamente à apresentação de filmes, o nickelodeon, em 1905 em Pittsburgh, Pensilvânia. A ideia decolou rapidamente e, em 1908, havia cerca de 8.000 cinemas Nickelodeon em todo o país. Com a chegada do nickelodeon, a demanda do público por uma quantidade maior de filmes de histórias com uma variedade de assuntos e locações levou à necessidade de contratar mais talentos criativos e fez com que os estúdios investissem em cenografias mais elaboradas.
Em 1908, Thomas Edison liderou a criação de um fundo corporativo entre as principais empresas cinematográficas da América, conhecido como Motion Picture Patents Company (MPPC), para limitar a violação de suas patentes. Os membros da confiança controlavam todos os aspectos do processo de filmagem, desde a criação do estoque de filmes, a produção de filmes e a distribuição aos cinemas por meio de acordos de licenciamento. A confiança levou ao aumento da qualidade cinematográfica estimulada pela competição interna e impôs limites à quantidade de filmes estrangeiros para incentivar o crescimento da indústria cinematográfica americana, mas também desencorajou a criação de longas-metragens. Em 1915, o MPPC havia perdido a maior parte de seu controle sobre a indústria cinematográfica à medida que as empresas avançavam para uma produção mais ampla de longas-metragens.
Crescimento internacional contínuo (1900-1910)
Novos países produtores de filmes
Com o boom mundial do cinema, mais países se juntaram à Grã-Bretanha, França, Alemanha e Estados Unidos na produção de filmes sérios. Em Itália, a produção distribuiu-se por vários centros, Turim foi o primeiro grande centro de produção cinematográfica e Milão e Nápoles deram origem às primeiras revistas cinematográficas. Em Turim, a Ambrosio foi a primeira empresa do ramo em 1905, e manteve-se como a maior do país durante esse período. Seu rival mais substancial era o Cines in Rome, que começou a produzir em 1906. A grande força da indústria italiana eram os épicos históricos, com grandes elencos e cenários enormes. Já em 1911, o filme de dois rolos de Giovanni Pastrone La Caduta di Troia (A Queda de Tróia) causou grande impressão em todo o mundo, seguido por produções ainda maiores como Quo Vadis? (1912), de 90 minutos, e Cabiria de Pastrone, de 1914, de duas horas e meia.
As empresas italianas também tiveram uma linha forte na comédia pastelão, com atores como André Deed, conhecido localmente como "Cretinetti", e em outros lugares como "Foolshead" e "Gribouille", alcançando fama mundial com suas piadas quase surrealistas.
O país produtor de filmes mais importante do norte da Europa até a Primeira Guerra Mundial era a Dinamarca. A empresa Nordisk foi fundada ali em 1906 por Ole Olsen, um feirante, e após um breve período imitando os sucessos de cineastas franceses e britânicos, em 1907 produziu 67 filmes, a maioria dirigidos por Viggo Larsen, com temas sensacionais como Den hvide Slavinde (The White Slave), Isbjørnejagt (Polar Bear Hunt) e Løvejagten (The Lion Hunt). Em 1910, novas empresas dinamarquesas menores começaram a ingressar no negócio e, além de fazer mais filmes sobre o comércio de escravos brancos, contribuíram com outros novos assuntos. A mais importante dessas descobertas foi Asta Nielsen em Afgrunden (The Abyss), dirigido por Urban Gad para Kosmorama, que combinou circo, sexo, ciúme e assassinato, tudo colocado com grande convicção e empurrado os outros cineastas dinamarqueses ainda mais nessa direção. Em 1912, as empresas cinematográficas dinamarquesas estavam se multiplicando rapidamente.
A indústria cinematográfica sueca era menor e mais lenta para começar do que a indústria dinamarquesa. Aqui, Charles Magnusson, um cinegrafista de noticiários da rede de cinemas Svenskabiografteatern, iniciou a produção de filmes de ficção para eles em 1909, dirigindo ele mesmo vários filmes. A produção aumentou em 1912, quando a empresa contratou Victor Sjöström e Mauritz Stiller como diretores. Eles começaram imitando os temas preferidos pela indústria cinematográfica dinamarquesa, mas em 1913 já estavam produzindo seu próprio trabalho original, que vendia muito bem.
A Rússia começou sua indústria cinematográfica em 1908 com a Pathé filmando alguns temas de ficção lá, e então a criação de verdadeiras companhias cinematográficas russas por Aleksandr Drankov e Aleksandr Khanzhonkov. A empresa Khanzhonkov rapidamente se tornou a maior empresa cinematográfica russa, e assim permaneceu até 1918.
Na Alemanha, Oskar Messter esteve envolvido com a produção de filmes desde 1896, mas não fez um número significativo de filmes por ano até 1910. Quando o boom mundial do cinema começou, ele e as poucas outras pessoas no cinema alemão negócio, continuou a vender cópias de seus próprios filmes, o que os colocou em desvantagem. Foi somente quando Paul Davidson, proprietário de uma rede de cinemas, trouxe Asta Nielsen e Urban Gad da Dinamarca para a Alemanha em 1911 e montou uma produtora, a Projektions-AG "Union" (PAGU), que se iniciou a passagem para o aluguer de impressões. Messter respondeu com uma série de filmes mais longos estrelados por Henny Porten, mas embora tenham se saído bem no mundo de língua alemã, não tiveram muito sucesso internacional, ao contrário dos filmes de Asta Nielsen. Outro dos crescentes produtores de filmes alemães pouco antes da Primeira Guerra Mundial foi a filial alemã da empresa francesa Éclair, Deutsche Éclair. Este foi expropriado pelo governo alemão e se transformou em DECLA quando a guerra começou. Mas, no total, os produtores alemães tinham apenas uma pequena parte do mercado alemão em 1914.
No geral, por volta de 1910, os filmes americanos detinham a maior fatia do mercado em todos os países europeus, exceto na França, e mesmo na França, os filmes americanos haviam acabado de tirar a produção local do primeiro lugar às vésperas da Primeira Guerra Mundial A Pathé Frères expandiu e moldou significativamente o negócio cinematográfico americano, criando muitos "primeiros" na indústria cinematográfica, como adicionar títulos e legendas a filmes pela primeira vez, lançar pergaminhos pela primeira vez, apresentar pôsteres de filmes pela primeira vez, produzir imagens coloridas pela primeira vez, tirar contas comerciais pela primeira vez, entrando em contato com os expositores e estudando suas necessidades pela primeira vez. O maior fornecedor de filmes do mundo, Pathé, está limitado ao mercado dos EUA, que atingiu um nível de saturação, então os EUA buscam lucros adicionais nos mercados estrangeiros. Os filmes são definidos como "puros" Fenômeno americano nos Estados Unidos.
Técnica de filme
Novas técnicas de filme que foram introduzidas neste período incluem o uso de iluminação artificial, efeitos de fogo e iluminação discreta (ou seja, iluminação em que a maior parte do quadro é escura) para melhorar a atmosfera durante cenas sinistras.
A continuidade da ação de plano a plano também foi refinada, como em le Cheval emballé (O Cavalo em Fuga) (1907) de Pathé, onde o corte transversal entre ações paralelas é usado. D. W. Griffith também começou a usar o crosscutting no filme The Fatal Hour, feito em julho de 1908. Outro desenvolvimento foi o uso do ponto de vista, usado pela primeira vez em 1910 no Vitagraph's De Volta à Natureza. As tomadas de inserção também foram usadas para fins artísticos; o filme italiano La mala planta (The Evil Plant), dirigido por Mario Caserini, teve uma tomada de inserção de uma cobra deslizando sobre a "Planta do Mal". Em 1914, era amplamente aceito na indústria cinematográfica americana que o corte transversal era geralmente mais útil porque tornava possível a eliminação de partes desinteressantes da ação que não desempenhavam nenhum papel no avanço do drama.
Em 1909, 35 mm torna-se o medidor de filme teatral reconhecido internacionalmente.
À medida que os filmes cresciam, escritores especializados eram contratados para simplificar histórias mais complexas derivadas de romances ou peças teatrais em uma forma que pudesse ser contida em um rolo. Os gêneros começaram a ser usados como categorias; a divisão principal era em comédia e drama, mas essas categorias foram subdivididas.
Intertítulos contendo linhas de diálogo começaram a ser usados de forma consistente a partir de 1908, como em An Auto Heroine; ou, A corrida para a Vitagraph Cup e como ela foi conquistada. O diálogo acabou sendo inserido no meio da cena e tornou-se comum em 1912. A introdução de títulos de diálogo transformou a natureza da narrativa cinematográfica. Quando os títulos dos diálogos passaram a ser sempre cortados em uma cena logo após o personagem começar a falar e, em seguida, deixados com um corte para o personagem pouco antes de terminarem de falar, então havia algo que era efetivamente o equivalente a um filme sonoro atual.
Durante a Primeira Guerra Mundial e a indústria
Os anos da Primeira Guerra Mundial foram um período de transição complexo para a indústria cinematográfica. A exibição de filmes mudou de programas curtos de um rolo para longas-metragens. Os locais de exibição tornaram-se maiores e começaram a cobrar preços mais altos.
Nos Estados Unidos, essas mudanças trouxeram destruição para muitas empresas cinematográficas, sendo a empresa Vitagraph uma exceção. A produção de filmes começou a mudar para Los Angeles durante a Primeira Guerra Mundial. A Universal Film Manufacturing Company foi formada em 1912 como uma empresa guarda-chuva. Os novos participantes incluíram a Jesse Lasky Feature Play Company e a Famous Players, ambas formadas em 1913 e posteriormente fundidas na Famous Players-Lasky. O maior sucesso desses anos foi O nascimento de uma nação de David Wark Griffith (1915). Griffith seguiu com o ainda maior Intolerance (1916), mas, devido à alta qualidade dos filmes produzidos nos Estados Unidos, o mercado para seus filmes era alto.
Na França, a produção cinematográfica foi interrompida devido à mobilização militar geral do país no início da guerra. Embora a produção de filmes tenha começado novamente em 1915, foi em escala reduzida e as maiores empresas gradualmente se retiraram da produção. A produção cinematográfica italiana se manteve melhor, embora os chamados "filmes de diva", estrelados por protagonistas femininas angustiadas, tenham sido um fracasso comercial. Na Dinamarca, a empresa Nordisk aumentou tanto sua produção em 1915 e 1916 que não conseguiu vender todos os seus filmes, o que levou a um declínio muito acentuado na produção dinamarquesa e ao fim da importância da Dinamarca no cenário cinematográfico mundial..
A indústria cinematográfica alemã foi seriamente enfraquecida pela guerra. O mais importante dos novos produtores de cinema da época era Joe May, que fez uma série de filmes de suspense e aventura durante os anos de guerra, mas Ernst Lubitsch também ganhou destaque com uma série de comédias e dramas de muito sucesso.
Novas técnicas
Naquela época, os estúdios eram escurecidos para permitir que as filmagens não fossem afetadas pela mudança da luz do sol. Isso foi substituído por holofotes e holofotes. A adoção generalizada de irising-in e out para começar e terminar as cenas pegou neste período. Esta é a revelação de um filme rodado em uma máscara circular, que vai aumentando gradativamente até se expandir para além do quadro. Outras fendas foram usadas, incluindo aberturas verticais e diagonais.
Uma nova ideia derivada da fotografia estática foi o "foco suave". Isso começou em 1915, com algumas tomadas intencionalmente fora de foco para efeito expressivo, como no filme estrelado por Mary Pickford Fanchon the Cricket.
Foi durante esse período que os efeitos de câmera destinados a transmitir os sentimentos subjetivos dos personagens de um filme realmente começaram a ser estabelecidos. Isso agora pode ser feito como tomadas de Ponto de Vista (POV), como em A História da Luva de Sidney Drew (1915), onde uma tomada manual vacilante de uma porta e seu buraco da fechadura representa o ponto de vista de um homem bêbado. O uso de imagens anamórficas (no sentido geral de forma distorcida) aparece pela primeira vez nesses anos, quando Abel Gance dirigiu la Folie du Docteur Tube (A Loucura do Dr. Tube). Neste filme, o efeito de uma droga administrada a um grupo de pessoas foi sugerido pela filmagem das cenas refletidas em um espelho distorcido do tipo parque de diversões.
Efeitos simbólicos retirados da tradição literária e artística convencional continuaram a fazer algumas aparições em filmes durante esses anos. Em The Avenging Conscience (1914), de D. W. Griffith, o título "O nascimento do pensamento maligno" precede uma série de três planos do protagonista olhando para uma aranha e formigas comendo um inseto. A arte e a literatura simbolistas da virada do século também tiveram um efeito mais geral em um pequeno número de filmes feitos na Itália e na Rússia. A aceitação supina da morte resultante da paixão e dos anseios proibidos era uma característica importante dessa arte, e os estados de delírio prolongados também eram importantes.
O uso de tomadas de inserção, ou seja, close-ups de objetos que não sejam rostos, já havia sido estabelecido pela escola de Brighton, mas raramente era usado antes de 1914. É realmente apenas com The Avenging de Griffith Consciência de que se inicia uma nova fase no uso do Insert Shot. Além das inserções simbólicas já mencionadas, o filme também fez uso extensivo de um grande número de closes de mãos agarradas e pés batendo como meio de enfatizar essas partes do corpo como indicadores de tensão psicológica.
Os insertos atmosféricos foram desenvolvidos na Europa no final da década de 1910. Esse tipo de plano é aquele em uma cena que não contém nenhum dos personagens da história, nem é um ponto de vista visto por um deles. Um dos primeiros exemplos é quando Maurice Tourneur dirigiu The Pride of the Clan (1917), no qual há uma série de planos de ondas batendo em uma costa rochosa para demonstrar a dura vida dos pescadores. Nelson de Maurice Elvey; The Story of England's Immortal Naval Hero (1919) tem uma sequência simbólica que se dissolve de uma imagem do Kaiser Wilhelm II para um pavão e depois para um navio de guerra.
Em 1914, o cinema de continuidade era o modo estabelecido de cinema comercial. Uma das técnicas avançadas de continuidade envolvia uma transição precisa e suave de uma tomada para outra. Cortar para ângulos diferentes dentro de uma cena também se tornou uma técnica bem estabelecida para dissecar uma cena em planos nos filmes americanos. Se a direção do tiro mudar em mais de noventa graus, isso é chamado de corte de ângulo reverso. A figura principal no pleno desenvolvimento do corte em ângulo reverso foi Ralph Ince em seus filmes, como The Right Girl e His Phantom Sweetheart.
O uso de estruturas de flashback continuou a se desenvolver neste período, com a forma usual de entrar e sair de um flashback através de uma dissolução. O filme O homem que poderia ter sido (William J. Humphrey, 1914), da empresa Vitagraph, é ainda mais complexo, com uma série de devaneios e flashbacks que contrastam a vida do protagonista. a verdadeira passagem de sua vida com o que poderia ter sido, se seu filho não tivesse morrido.
Depois de 1914, o cruzamento entre ações paralelas passou a ser usado - mais nos filmes americanos do que nos europeus. O corte transversal foi usado para obter novos efeitos de contraste, como a sequência de corte transversal em The Whispering Chorus de Cecil B. DeMille (1918), em que um marido supostamente morto está tendo uma ligação com uma prostituta chinesa em um antro de ópio, enquanto simultaneamente sua esposa desconhecida está se casando novamente na igreja.
O tingimento de filmes mudos também ganhou popularidade durante esses períodos. A tonalidade âmbar significava dia ou noite iluminada com vivacidade, as tonalidades azuis significavam o amanhecer ou a noite mal iluminada, a tonalidade vermelha representava cenas de incêndio, a tonalidade verde significava uma atmosfera misteriosa e as tonalidades marrons (também conhecidas como tom sépia) eram usadas geralmente para filmes completos em vez de cenas individuais. D.W. Griffiths' épico inovador, O Nascimento de uma Nação, o famoso filme de 1920, Dr. Jekyll e Mr. Hyde, e o épico de Robert Wiene do mesmo ano, O Gabinete do Dr. Caligari, são alguns exemplos notáveis de filmes mudos coloridos.
O Fotodrama da Criação, exibido pela primeira vez ao público em 1914, foi o primeiro grande roteiro a incorporar som sincronizado, filme em movimento e slides coloridos. Até 1927, a maioria dos filmes era produzida sem som. Este período é comumente referido como a era do cinema mudo.
Arte cinematográfica
A tendência geral no desenvolvimento do cinema, liderada a partir dos Estados Unidos, foi no sentido de usar os dispositivos especificamente fílmicos recém-desenvolvidos para a expressão do conteúdo narrativo das histórias do filme, e combiná-lo com as estruturas dramáticas padrão já em uso nos comerciais teatro. D. W. Griffith tinha a posição mais alta entre os diretores americanos da indústria, por causa da emoção dramática que transmitia ao público por meio de seus filmes. Cecil B. DeMille's The Cheat (1915), trouxe à tona os dilemas morais que seus personagens enfrentam de uma forma mais sutil do que Griffith. DeMille também estava em contato mais próximo com a realidade da vida americana contemporânea. Maurice Tourneur também se destacou pela beleza pictórica de seus filmes, aliada à sutileza no manejo da fantasia, ao mesmo tempo em que foi capaz de obter maior naturalidade de seus atores em momentos oportunos, como em A Girl& #39;s Loucura (1917).
Sidney Drew foi o líder no desenvolvimento de "comédia polida", enquanto a pastelão foi refinada por Fatty Arbuckle e Charles Chaplin, que começaram na empresa Keystone de Mack Sennett. Eles reduziram o ritmo frenético habitual dos filmes de Sennett para dar ao público a chance de apreciar a sutileza e sutileza de seus movimentos e a esperteza de suas piadas. Em 1917, Chaplin também estava introduzindo enredos mais dramáticos em seus filmes e misturando comédia com sentimento.
Na Rússia, Yevgeni Bauer colocou uma intensidade lenta de atuação combinada com conotações simbolistas no filme de uma maneira única.
Na Suécia, Victor Sjöström fez uma série de filmes que combinavam a realidade da vida das pessoas com o meio envolvente de uma forma impressionante, enquanto Mauritz Stiller desenvolvia comédias sofisticadas a um novo nível.
Na Alemanha, Ernst Lubitsch inspirou-se na obra teatral de Max Reinhardt, tanto na comédia burguesa como no espectáculo, e aplicou-a aos seus filmes, culminando no seu die Puppe ( The Doll), die Austernprinzessin (The Oyster Princess) e Madame DuBarry.
Década de 1920
Anos dourados do cinema alemão, triunfante em Hollywood
No início da Primeira Guerra Mundial, os cinemas francês e italiano eram os mais populares globalmente. A guerra veio como uma interrupção devastadora para as indústrias cinematográficas europeias.
Ao longo do início do século 20, os artistas de tela continuaram a aprender como trabalhar com câmeras e criar ilusões usando o espaço e o tempo em suas tomadas. Essa forma recém-introduzida de criatividade abriu caminho para todo um novo grupo de pessoas ser apresentado ao estrelato, incluindo David W. Griffith, que fez seu nome com seu filme de 1915, O Nascimento de uma Nação. Em 1920, houve duas grandes mudanças na indústria cinematográfica: a introdução do som e a criação de sistemas de estúdio. Na década de 1920, talentos que trabalhavam de forma independente começaram a ingressar em estúdios e trabalhar com outros atores e diretores. Em 1927, The Jazz Singer foi lançado, trazendo som para a indústria cinematográfica.
O cinema alemão, marcado por essa época, viu a era do movimento cinematográfico expressionista alemão. Berlim era seu centro com o Filmstudio Babelsberg, que é o estúdio de cinema em grande escala mais antigo do mundo. Os primeiros filmes expressionistas compensaram a falta de orçamentos generosos usando cenografias com ângulos descontroladamente não realistas e geometricamente absurdos, juntamente com desenhos pintados em paredes e pisos para representar luzes, sombras e objetos. Os enredos e histórias dos filmes expressionistas frequentemente lidavam com loucura, insanidade, traição e outras questões "intelectuais" temas desencadeados pelas experiências da Primeira Guerra Mundial. Filmes como O Gabinete do Dr. Caligari (1920), Nosferatu (1922) e M (1931), à semelhança do movimento de que faziam parte, teve um impacto histórico no próprio cinema.
Filmes como Metropolis (1927) e Woman in the Moon (1929) criaram em parte o gênero de filmes de ficção científica e Lotte Reiniger tornou-se pioneira na animação, produzindo longas-metragens como As Aventuras do Príncipe Achmed, o mais antigo filme de animação europeu sobrevivente e mais antigo.
Muitos diretores, atores, escritores e outros alemães e residentes na Alemanha emigraram para os EUA quando os nazistas chegaram ao poder, dando a Hollywood e à indústria cinematográfica americana a vantagem final em sua competição com outros países produtores de filmes.
A indústria americana, ou "Hollywood", como foi ficando conhecida após seu novo centro geográfico na Califórnia, conquistou a posição que mais ou menos ocupa desde então: fábrica de filmes para o mundo e exportando seu produto para a maioria dos países do mundo.
Na década de 1920, os Estados Unidos atingiram o que ainda é sua era de maior produção, produzindo uma média de 800 longas filmes anualmente, ou 82% do total global (Eyman, 1997). As comédias de Charlie Chaplin e Buster Keaton, as aventuras de fanfarrão de Douglas Fairbanks e os romances de Clara Bow, para citar apenas alguns exemplos, fizeram desses artistas o melhor do mundo. rostos bem conhecidos em todos os continentes. A norma visual ocidental que se tornaria a edição de continuidade clássica foi desenvolvida e exportada – embora sua adoção tenha sido mais lenta em alguns países não ocidentais sem fortes tradições realistas na arte e no drama, como o Japão.
Esse desenvolvimento foi contemporâneo ao crescimento do sistema de estúdio e seu maior método de publicidade, o sistema de estrelas, que caracterizou o cinema americano nas décadas seguintes e forneceu modelos para outras indústrias cinematográficas. Os estúdios' O controle eficiente de cima para baixo sobre todos os estágios de seu produto permitiu um novo e crescente nível de produção luxuosa e sofisticação técnica. Ao mesmo tempo, a arregimentação comercial do sistema e o foco no escapismo glamouroso desencorajavam a ousadia e a ambição além de um certo grau, um excelente exemplo sendo a breve, mas ainda lendária carreira de direção do iconoclasta Erich von Stroheim no final da adolescência e o 1920.
Em 1924, Sam Goldwyn, Louis B. Mayer e a Metro Pictures Corporation criam a MGM.
1930
Era do som
No final de 1927, a Warners lançou The Jazz Singer, que era praticamente mudo, mas continha o que geralmente é considerado o primeiro diálogo sincronizado (e canto) em um longa-metragem; mas esse processo foi realmente realizado primeiro por Charles Taze Russell em 1914 com o longo filme O Fotodrama da Criação. Este drama consistia em slides de imagens e imagens em movimento sincronizadas com registros fonográficos de palestras e música. Os primeiros processos de som em disco, como Vitaphone, logo foram substituídos por métodos de som em filme, como Fox Movietone, DeForest Phonofilm e RCA Photophone. A tendência convenceu os industriais relutantes de que os "filmes falados" ou "talkies" eram o futuro. Muitas tentativas foram feitas antes do sucesso de The Jazz Singer, que pode ser conferido na Lista de aparelhagens de filmes. E em 1926, a Warner Bros. Estreia o filme Don Juan com efeitos sonoros e música sincronizados.
A mudança foi notavelmente rápida. No final de 1929, Hollywood era quase totalmente falada, com vários sistemas de som concorrentes (que logo seriam padronizados). A transição total foi ligeiramente mais lenta no resto do mundo, principalmente por razões económicas. Razões culturais também foram um fator em países como China e Japão, onde o silêncio coexistiu com sucesso com o som até a década de 1930, de fato produzindo o que seriam alguns dos clássicos mais reverenciados nesses países, como Wu Yonggang's A Deusa (China, 1934) e I Was Born, But... de Yasujirō Ozu (Japão, 1932). Mas mesmo no Japão, uma figura como o benshi, o narrador ao vivo que era uma parte importante do cinema mudo japonês, descobriu que sua carreira de ator estava chegando ao fim.
O som intensificou ainda mais o domínio dos grandes estúdios em vários países: as enormes despesas com a transição sobrepujaram os concorrentes menores, enquanto a novidade do som atraiu audiências muito maiores para os produtores que permaneceram. No caso dos Estados Unidos, alguns historiadores atribuem ao som a salvação do sistema de estúdios de Hollywood diante da Grande Depressão (Parkinson, 1995). Assim começou o que agora é frequentemente chamado de "A Era de Ouro de Hollywood", que se refere aproximadamente ao período que começou com a introdução do som até o final dos anos 1940. O cinema americano atingiu seu pico de glamour fabricado com eficiência e apelo global durante esse período. Os principais atores da época são agora considerados as estrelas clássicas do cinema, como Clark Gable, Katharine Hepburn, Humphrey Bogart, Greta Garbo e a maior atração de bilheteria da década de 1930, a atriz mirim Shirley Temple.
Impacto criativo do som
Criativamente, no entanto, a rápida transição foi difícil e, de certa forma, o cinema voltou brevemente às condições de seus primeiros dias. O final dos anos 20 foi cheio de falas estáticas e teatrais, enquanto os artistas na frente e atrás das câmeras lutavam com as estritas limitações dos primeiros equipamentos de som e sua própria incerteza sobre como usar o novo meio. Muitos artistas de palco, diretores e escritores foram apresentados ao cinema quando os produtores procuravam pessoal com experiência em contar histórias baseadas em diálogos. Muitos grandes cineastas e atores mudos não conseguiram se ajustar e tiveram suas carreiras severamente reduzidas ou até encerradas.
Esse período difícil durou pouco. 1929 foi um ano divisor de águas: William Wellman com Chinatown Nights e The Man I Love, Rouben Mamoulian com Aplausos, Alfred Hitchcock com Chantagem (primeiro longa-metragem da Grã-Bretanha), estiveram entre os diretores a trazer maior fluidez aos filmes falados e experimentar o uso expressivo do som (Eyman, 1997). Nisso, ambos se beneficiaram e impulsionaram os avanços técnicos em microfones e câmeras e recursos para edição e pós-sincronização de som (em vez de gravar todo o som diretamente no momento da filmagem).
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Filmes sonoros enfatizaram a história negra e beneficiaram diferentes gêneros em maior medida do que os mudos. Obviamente, o filme musical nasceu; o primeiro musical de estilo clássico de Hollywood foi The Broadway Melody (1929), e a forma encontraria seu primeiro grande criador no coreógrafo/diretor Busby Berkeley (42nd Street, 1933, Damas, 1934). Na França, o diretor vanguardista René Clair fez uso surreal da música e da dança em comédias como Sob os telhados de Paris (1930) e Le Million (1931). A Universal Pictures começou a lançar filmes de terror gótico como Dracula e Frankenstein (ambos de 1931). Em 1933, a RKO Pictures lançou o clássico "monstro gigante" de Merian C. Cooper. filme King Kong. A tendência prosperou melhor na Índia, onde a influência do tradicional drama de música e dança do país fez do musical a forma básica da maioria dos filmes sonoros (Cook, 1990); praticamente despercebido pelo mundo ocidental por décadas, esse cinema popular indiano se tornaria, no entanto, o mais prolífico do mundo. (Veja também Bollywood.)
Nessa época, filmes de gângsteres americanos como Little Caesar e The Public Enemy de Wellman (ambos de 1931) se tornaram populares. O diálogo agora tinha precedência sobre o pastelão nas comédias de Hollywood: as brincadeiras espirituosas e rápidas de The Front Page (1931) ou Aconteceu naquela noite (1934), o duplo sexual entrendres de Mae West (She Done Him Wrong, 1933), ou a conversa sem sentido muitas vezes subversivamente anárquica dos Irmãos Marx (Duck Soup, 1933). Walt Disney, que já havia atuado no ramo de curtas-metragens, entrou no mercado de longas-metragens com o primeiro longa-metragem de animação em inglês Branca de Neve e os Sete Anões, lançado pela RKO Pictures em 1937. 1939, um grande sucesso ano para o cinema americano, trouxe filmes como O Mágico de Oz e E o Vento Levou.
Cor no cinema
Anteriormente, acreditava-se que os filmes coloridos foram projetados pela primeira vez em 1909 no Palace Theatre em Londres (o principal problema com a cor é que a técnica, criada por George Smith, (Kinemacolor) usava apenas duas cores: verde e vermelho, que foram misturados aditivamente). Mas, na verdade, foi em 1901 que o primeiro filme colorido da história foi criado. Este filme sem título foi dirigido pelo fotógrafo Edward Raymond Turner e seu patrono Frederick Marshall Lee. A maneira como eles fizeram isso foi usar rolos de filme preto e branco, mas com filtros verde, vermelho e azul passando pela câmera individualmente enquanto ela filmava. Para completar o filme, eles juntaram a filmagem original e os filtros em um projetor especial. No entanto, tanto a rodagem do filme quanto sua projeção sofreram de grandes problemas não relacionados que, eventualmente, afundaram a ideia.
Posteriormente, em 1916, chegou a técnica tecnicolor (procedimento tricromático (verde, vermelho, azul). Seu uso exigia uma tripla impressão fotográfica, incorporação de filtros cromáticos e câmeras de enormes dimensões. A primeira peça audiovisual totalmente realizada com essa técnica foi o curta de Walt Disney "Flowers and Trees", dirigido por Burt Gillett em 1932. Mesmo assim, o primeiro filme a ser realizado com essa técnica será "The Vanities Fair" (1935) de Rouben Mamoulian. Mais tarde, o tecnicolor foi estendido principalmente no campo musical como "O Mágico de Oz" ou "Cantando' na Chuva", em filmes como como "As Aventuras de Robin Hood" ou o filme de animação, "Branca de Neve e os Sete Anões".
Em 1937, nasceu o primeiro filme Technicolor rodado inteiramente no local The Trail of the Lonesome Pine.
1940
Segunda Guerra Mundial e suas consequências
O desejo de propaganda de guerra contra a oposição criou um renascimento na indústria cinematográfica na Grã-Bretanha, com dramas de guerra realistas como 49th Parallel (1941), Went the Day Well? (1942), The Way Ahead (1944) e o célebre filme naval de Noël Coward e David Lean In Which We Serve em 1942, que ganhou uma Academia especial Prêmio. Eles existiram ao lado de filmes mais extravagantes como Michael Powell e A Vida e Morte do Coronel Blimp de Emeric Pressburger (1943), A Canterbury Tale (1944) e A Matter of Life and Death (1946), bem como o filme Henry V de Laurence Olivier, de 1944, baseado na história de Shakespeare Henry V. O sucesso de Branca de Neve e os Sete Anões permitiu à Disney fazer mais desenhos animados como Pinóquio (1940), Fantasia (1940), Dumbo (1941) e Bambi (1942).
O início do envolvimento dos EUA na Segunda Guerra Mundial também trouxe uma proliferação de filmes como patriotismo e propaganda. Os filmes de propaganda americanos incluíam Desperate Journey (1942), Mrs. Miniver (1942), Forever and a Day (1943) e Objective, Burma! (1945). Filmes americanos notáveis dos anos de guerra incluem o antinazista Watch on the Rhine (1943), com roteiro de Dashiell Hammett; Shadow of a Doubt (1943), direção de Hitchcock de um roteiro de Thornton Wilder; o filme biográfico de George M. Cohan, Yankee Doodle Dandy (1942), estrelado por James Cagney, e o imensamente popular Casablanca, com Humphrey Bogart. Bogart estrelaria 36 filmes entre 1934 e 1942, incluindo The Maltese Falcon de John Huston (1941), um dos primeiros filmes agora considerado um clássico filme noir. Em 1941, a RKO Pictures lançou Cidadão Kane feito por Orson Welles. Muitas vezes é considerado o maior filme de todos os tempos. Isso prepararia o cenário para o cinema moderno, uma vez que revolucionou a narrativa cinematográfica.
As restrições do tempo de guerra também trouxeram um interesse por assuntos mais fantásticos. Isso incluiu os melodramas de Gainsborough da Grã-Bretanha (incluindo The Man in Grey e The Wicked Lady) e filmes como Here Comes Mr. Jordan, Heaven Can Wait, I Married a Witch e Blithe Spirit. Val Lewton também produziu uma série de filmes de terror atmosféricos e influentes de baixo orçamento, alguns dos exemplos mais famosos sendo Cat People, Isle of the Dead e The Body Apanhador. A década provavelmente também viu as chamadas "fotos femininas", como Now, Voyager, Random Harvest e Mildred Pierce no auge de sua popularidade.
As restrições do tempo de guerra também trouxeram um interesse por assuntos mais fantásticos. Isso incluiu os melodramas de Gainsborough da Grã-Bretanha (incluindo The Man in Grey e The Wicked Lady) e filmes como Here Comes Mr. Jordan, Heaven Can Wait, I Married a Witch e Blithe Spirit. Val Lewton também produziu uma série de filmes de terror atmosféricos e influentes de baixo orçamento, alguns dos exemplos mais famosos sendo Cat People, Isle of the Dead e The Body Apanhador. A década provavelmente também viu as chamadas "fotos femininas", como Now, Voyager, Random Harvest e Mildred Pierce no auge de sua popularidade.
Em 1943, Ossessione foi exibido na Itália, marcando o início do neorrealismo italiano. Os principais filmes desse tipo durante a década de 1940 incluíram Ladrões de Bicicletas, Roma, Cidade Aberta e La Terra Trema. Em 1952 foi lançado Umberto D, geralmente considerado o último filme desse tipo.
No final dos anos 1940, na Grã-Bretanha, Ealing Studios embarcou em sua série de comédias célebres, incluindo Whisky Galore!, Passport to Pimlico, Kind Hearts e Coronets e The Man in the White Suit, e Carol Reed dirigiu seus influentes thrillers Odd Man Out, The Fallen Idol e O terceiro homem. David Lean também estava rapidamente se tornando uma força no cinema mundial com Brief Encounter e suas adaptações de Dickens Great Expectations e Oliver Twist, e Michael Powell e Emeric Pressburger experimentaria o melhor de sua parceria criativa com filmes como Black Narcissus e The Red Shoes.
Década de 1950
O Comitê de Atividades Antiamericanas da Câmara investigou Hollywood no início dos anos 1950. Protestadas pelo Hollywood Ten perante o comitê, as audiências resultaram na inclusão de muitos atores, escritores e diretores na lista negra, incluindo Chayefsky, Charlie Chaplin e Dalton Trumbo, e muitos deles fugiram para a Europa, especialmente o Reino Unido.
O zeitgeist da era da Guerra Fria se traduziu em um tipo de quase paranóia manifestada em temas como exércitos invasores de alienígenas do mal (Invasão dos Ladrões de Corpos, A Guerra dos Mundos) e quintos colunistas comunistas (O Candidato da Manchúria).
Durante os anos imediatos do pós-guerra, a indústria cinematográfica também foi ameaçada pela televisão, e a crescente popularidade do meio significou que algumas salas de cinema iriam à falência e fechariam. O fim do "sistema de estúdio" estimulou o autocomentário de filmes como Sunset Boulevard (1950) e The Bad and the Beautiful (1952).
Em 1950, os vanguardistas letristas causaram tumulto no Festival de Cinema de Cannes, quando foi exibido o Tratado sobre o Limo e a Eternidade de Isidore Isou. Após suas críticas a Charlie Chaplin e a ruptura com o movimento, os ultraletristas continuaram a causar transtornos ao mostrar suas novas técnicas hipergráficas. O filme mais notório é Howls for Sade, de Guy Debord, de 1952. Aflitos com o número crescente de teatros fechados, estúdios e companhias buscavam novas e inovadoras formas de trazer o público de volta. Isso incluiu tentativas de ampliar seu apelo com novos formatos de tela. Cinemascope, que permaneceria uma distinção da 20th Century Fox até 1967, foi anunciado com The Robe de 1953. VistaVision, Cinerama e Todd-AO ostentavam um "maior é melhor" abordagem de marketing de filmes para um público cada vez menor nos Estados Unidos. Isso resultou no renascimento de filmes épicos para aproveitar os novos formatos de tela grande. Alguns dos exemplos mais bem-sucedidos desses espetáculos bíblicos e históricos incluem Os Dez Mandamentos (1956), Os Vikings (1958), Ben-Hur (1959), Spartacus (1960) e El Cid (1961). Também durante este período, uma série de outros filmes significativos foram produzidos em Todd-AO, desenvolvidos por Mike Todd pouco antes de sua morte, incluindo Oklahoma! (1955), Around the World in 80 Days (1956), Pacífico Sul (1958) e Cleópatra (1963) e muitos outros.
Os truques também proliferaram para atrair o público. A moda do filme 3-D duraria apenas dois anos, 1952–1954, e ajudou a vender House of Wax e Creature from the Black Lagoon. O produtor William Castle promoveria filmes com "Emergo" "Percepto", o primeiro de uma série de truques que continuariam sendo ferramentas de marketing populares para Castle e outros ao longo dos anos 1960.
Durante este período, um grande sucesso ocorreu a uma fêmea negra. Em 1954, Dorothy Dandridge foi indicada ao Oscar de melhor atriz por seu papel no filme Carman Jones. Ela se tornou a primeira mulher negra a ser indicada para este prêmio.
Nos EUA, uma tendência pós-Segunda Guerra Mundial de questionar o estabelecimento e as normas sociais e o ativismo inicial do movimento pelos direitos civis se refletiu em filmes de Hollywood como Blackboard Jungle (1955), On the Waterfront (1954), Marty de Paddy Chayefsky e 12 Angry Men de Reginald Rose (1957). A Disney continuou fazendo filmes de animação, principalmente; Cinderela (1950), Peter Pan (1953), A Dama e o Vagabundo (1955) e A Bela Adormecida (1959). Ele começou, no entanto, a se envolver mais em filmes de ação ao vivo, produzindo clássicos como 20.000 Léguas Submarinas (1954) e Old Yeller (1957). A televisão começou a competir seriamente com os filmes projetados nos cinemas, mas, surpreendentemente, promoveu mais idas ao cinema em vez de reduzi-la.
Limelight é provavelmente um filme único em pelo menos um aspecto interessante. Seus dois protagonistas, Charlie Chaplin e Claire Bloom, estiveram na indústria em nada menos que três séculos diferentes. No século 19, Chaplin fez sua estreia teatral aos oito anos de idade, em 1897, em uma trupe de tamancos, The Eight Lancaster Lads. No século 21, Bloom ainda desfruta de uma carreira plena e produtiva, tendo aparecido em dezenas de filmes e séries de televisão produzidas até 2022, inclusive. Ela recebeu elogios especiais por seu papel em O Discurso do Rei (2010).
Era de ouro do cinema asiático
Após o fim da Segunda Guerra Mundial na década de 1940, a década seguinte, a década de 1950, marcou uma 'era de ouro' para o cinema mundial não inglês, especialmente para o cinema asiático. Muitos dos filmes asiáticos mais aclamados pela crítica de todos os tempos foram produzidos durante esta década, incluindo Tokyo Story (1953) de Yasujirō Ozu, The Apu Trilogy (1955–1959) e Jalsaghar (1958), Ugetsu de Kenji Mizoguchi (1954) e Sansho the Bailiff (1954), Raj Kapoor's Awaara (1951), Mikio Naruse's Floating Clouds (1955), Guru Dutt's Pyaasa (1957) e Kaagaz Ke Phool (1959), e os filmes de Akira Kurosawa Rashomon (1950), Ikiru (1952), Sete Samurais (1954) e Trono de Sangue (1957).
Durante a 'Era de Ouro'do cinema japonês; da década de 1950, filmes de sucesso incluem Rashomon (1950), Seven Samurai (1954) e The Hidden Fortress (1958) de Akira Kurosawa, como bem como Tokyo Story de Yasujirō Ozu (1953) e Godzilla de Ishirō Honda (1954). Esses filmes tiveram uma profunda influência no cinema mundial. Em particular, Seven Samurai de Kurosawa foi refeito várias vezes como filmes de faroeste, como The Magnificent Seven (1960) e Battle Beyond the Stars (1980), e também inspirou vários filmes de Bollywood, como Sholay (1975) e China Gate (1998). Rashomon também foi refeito como The Outrage (1964) e inspirou filmes com o "efeito Rashomon" métodos de contar histórias, como Andha Naal (1954), The Usual Suspects (1995) e Hero (2002). The Hidden Fortress também foi uma inspiração por trás da obra de George Lucas. Guerra nas Estrelas (1977). Outros cineastas japoneses famosos deste período incluem Kenji Mizoguchi, Mikio Naruse, Hiroshi Inagaki e Nagisa Oshima. O cinema japonês mais tarde se tornou uma das principais inspirações por trás do movimento New Hollywood dos anos 1960 a 1980.
Durante a 'Era de Ouro' da década de 1950, produzia 200 filmes anualmente, enquanto os filmes independentes indianos ganhavam maior reconhecimento por meio de festivais internacionais de cinema. Um dos mais famosos foi The Apu Trilogy (1955–1959), do aclamado diretor de cinema bengali Satyajit Ray, cujos filmes tiveram uma profunda influência no cinema mundial, com diretores como Akira Kurosawa, Martin Scorsese, James Ivory, Abbas Kiarostami, Elia Kazan, François Truffaut, Steven Spielberg, Carlos Saura, Jean-Luc Godard, Isao Takahata, Gregory Nava, Ira Sachs, Wes Anderson e Danny Boyle sendo influenciados por seu estilo cinematográfico. De acordo com Michael Sragow, do The Atlantic Monthly, os "dramas juvenis sobre a maioridade que inundaram as casas de arte desde meados dos anos 50 devem muito à trilogia Apu". A técnica cinematográfica de Subrata Mitra de iluminação refletida também se origina de The Apu Trilogy. Outros cineastas indianos famosos desse período incluem Guru Dutt, Ritwik Ghatak, Mrinal Sen, Raj Kapoor, Bimal Roy, K. Asif e Mehboob Khan.
O cinema da Coreia do Sul também viveu uma 'Era de Ouro' na década de 1950, começando com o remake tremendamente bem-sucedido do diretor Lee Kyu-hwan de Chunhyang-jon (1955). Naquele ano também foi lançado Província de Yangsan do renomado diretor Kim Ki-young, marcando o início de sua produtiva carreira. Tanto a qualidade quanto a quantidade de produção de filmes aumentaram rapidamente no final da década de 1950. Os filmes sul-coreanos, como a comédia de Lee Byeong-il de 1956 Sijibganeun nal (O Dia do Casamento), começaram a ganhar prêmios internacionais. Em contraste com o início da década de 1950, quando apenas 5 filmes eram feitos por ano, 111 filmes foram produzidos na Coreia do Sul em 1959.
A década de 1950 também foi uma 'Era de Ouro' para o cinema filipino, com o surgimento de filmes mais artísticos e maduros, e uma melhora significativa nas técnicas cinematográficas entre os cineastas. O sistema de estúdio produziu uma atividade frenética na indústria cinematográfica local, pois muitos filmes eram feitos anualmente e vários talentos locais começaram a ganhar reconhecimento no exterior. Os principais diretores filipinos da época incluíam Gerardo de Leon, Gregorio Fernández, Eddie Romero, Lamberto Avellana e Cirio Santiago.
Década de 1960
Durante a década de 1960, o sistema de estúdio em Hollywood declinou, porque muitos filmes agora eram feitos em locações em outros países ou usando estúdios no exterior, como Pinewood no Reino Unido e Cinecittà em Roma. "Hollywood" os filmes ainda eram amplamente voltados para o público familiar, e muitas vezes eram os filmes mais antiquados que produziam o sucesso dos estúdios. maiores sucessos. Produções como Mary Poppins (1964), My Fair Lady (1964) e The Sound of Music (1965) estavam entre os maiores produtores de dinheiro da década. O crescimento de produtores e produtoras independentes e o aumento do poder de atores individuais também contribuíram para o declínio da produção tradicional dos estúdios de Hollywood.
Houve também uma consciência crescente do cinema em língua estrangeira na América durante este período. Durante o final dos anos 1950 e 1960, os diretores da Nouvelle Vague francesa, como François Truffaut e Jean-Luc Godard, produziram filmes como Les quatre cents coups, Breathless e Jules et Jim que quebrou as regras da estrutura narrativa do cinema hollywoodiano. Além disso, o público estava tomando conhecimento de filmes italianos como La Dolce Vita (1960) de Federico Fellini, 8½ (1963) e os dramas austeros da Suécia.;s Ingmar Bergman.
Na Grã-Bretanha, o "Free Cinema" de Lindsay Anderson, Tony Richardson e outros levam a um grupo de dramas realistas e inovadores, incluindo Saturday Night and Sunday Morning, A Kind of Loving e This Sporting Life. Outros filmes britânicos como Repulsion, Darling, Alfie, Blowup e Georgy Girl (todos em 1965–1966) ajudaram a reduzir as proibições de sexo e nudez na tela, enquanto o sexo casual e a violência dos filmes de James Bond, começando com Dr. Não em 1962 tornaria a série popular em todo o mundo.
Durante a década de 1960, Ousmane Sembène produziu vários filmes em francês e wolof e se tornou o "pai" do Cinema Africano. Na América Latina, o domínio da "Hollywood" modelo foi contestado por muitos cineastas. Fernando Solanas e Octavio Getino clamaram por um Terceiro Cinema politicamente engajado em contraste com Hollywood e o cinema de autor europeu.
No Egito, a era de ouro do cinema egípcio continuou na década de 1960 nas mãos de muitos diretores, e o cinema egípcio valorizava muito as mulheres da época, como Soad Hosny. Os irmãos Zulfikar; Ezz El-Dine Zulfikar, Salah Zulfikar e Mahmoud Zulfikar estavam em um encontro com muitas produções, incluindo Ezz El Dine Zulfikar's The River of Love (1960), Mahmoud Zulfikar's Soft Hands (1964) e Dearer Than My Life (1965), estrelado por Salah Zulfikar e produção da Salah Zulfikar Films; Minha esposa, o diretor-geral (1966) e Saladino de Youssef Chahine (1963).
Além disso, a paranóia nuclear da época e a ameaça de uma troca nuclear apocalíptica (como o confronto com a URSS em 1962 durante a Crise dos Mísseis de Cuba) provocaram uma reação dentro da comunidade cinematográfica também. Filmes como Dr. Strangelove e Fail Safe com Henry Fonda foram produzidos em uma Hollywood que já foi conhecida por seu patriotismo aberto e propaganda de guerra.
No cinema documentário, os anos 60 viram o florescimento do Cinema Direto, um estilo observacional de fazer filmes, bem como o advento de filmes mais abertamente partidários como No Ano do Porco sobre a Guerra do Vietnã, de Emile de Antonio. No final dos anos 1960, no entanto, os cineastas de Hollywood começaram a criar filmes mais inovadores e inovadores que refletiam a revolução social que tomou conta de grande parte do mundo ocidental, como Bonnie and Clyde (1967), The Graduate (1967), 2001: Uma Odisséia no Espaço (1968), O Bebê de Rosemary (1968), Midnight Cowboy (1969), Easy Rider (1969) e The Wild Bunch (1969). Bonnie e Clyde é muitas vezes considerado o início da chamada Nova Hollywood.
No cinema japonês, o diretor vencedor do Oscar Akira Kurosawa produziu Yojimbo (1961), que, como seus filmes anteriores, também teve uma profunda influência em todo o mundo. A influência deste filme é mais aparente em A Fistful of Dollars de Sergio Leone (1964) e Last Man Standing de Walter Hill (1996). Yojimbo também foi a origem do "Homem Sem Nome" tendência.
Década de 1970
A Nova Hollywood foi o período que se seguiu ao declínio do sistema de estúdio durante as décadas de 1950 e 1960 e ao fim do código de produção (que foi substituído em 1968 pelo sistema de classificação de filmes da MPAA). Durante a década de 1970, os cineastas representavam cada vez mais conteúdo sexual explícito e mostravam cenas de tiroteio e batalha que incluíam imagens gráficas de mortes sangrentas - um exemplo notável disso é A Última Casa à Esquerda de Wes Craven (1972).
O cinema pós-clássico é a mudança nos métodos de contar histórias dos produtores da Nova Hollywood. Os novos métodos de drama e caracterização jogaram sobre as expectativas do público adquiridas durante o período clássico/Golden Age: a cronologia da história pode ser embaralhada, os enredos podem apresentar "finais reviravoltas" inquietantes, os personagens principais podem se comportar de maneira moralmente ambígua, e as linhas entre o antagonista e o protagonista podem ser tênues. O início da narrativa pós-clássica pode ser visto nos filmes noir das décadas de 1940 e 1950, em filmes como Rebel Without a Cause (1955) e em Psycho de Hitchcock. eu>. 1971 marcou o lançamento de filmes polêmicos como Cães de Palha, Laranja Mecânica, A Conexão Francesa e Dirty Harry. Isso gerou polêmica acalorada sobre a percepção da escalada de violência no cinema.
Durante a década de 1970, surgiu um novo grupo de cineastas americanos, como Martin Scorsese, Francis Ford Coppola, George Lucas, Woody Allen, Terrence Malick e Robert Altman. Isso coincidiu com a crescente popularidade da teoria do autor na literatura cinematográfica e na mídia, que postulava que os filmes de um diretor de cinema expressam sua visão pessoal e percepções criativas. O desenvolvimento do estilo autoral de filmagem ajudou a dar a esses diretores um controle muito maior sobre seus projetos do que seria possível em épocas anteriores. Isso levou a alguns grandes sucessos comerciais e de crítica, como Taxi Driver de Scorsese, os filmes O Poderoso Chefão de Coppola, O Exorcista, Nashville de Altman, Annie Hall de Allen e Manhattan, Malick' s Badlands e Days of Heaven, e Chinatown do imigrante polonês Roman Polanski. No entanto, também resultou em alguns fracassos, incluindo At Long Last Love de Peter Bogdanovich e o épico faroeste extremamente caro de Michael Cimino Heaven's Gate i>, que ajudou a causar o fim de seu patrocinador, a United Artists.
O desastre financeiro de Heaven's Gate marcou o fim do visionário "auteur" diretores da "Nova Hollywood", que tinham liberdade criativa e financeira desenfreada para desenvolver filmes. O sucesso fenomenal na década de 1970 de Jaws de Spielberg originou o conceito do moderno "blockbuster". No entanto, o enorme sucesso de George Lucas' O filme de 1977 Guerra nas Estrelas levou a muito mais do que apenas a popularização do cinema de grande sucesso. O uso revolucionário do filme de efeitos especiais, edição de som e música o levou a ser amplamente considerado um dos filmes mais importantes da história do meio, bem como o filme mais influente da década de 1970.. Os estúdios de Hollywood se concentraram cada vez mais em produzir um número menor de filmes de grande orçamento com marketing massivo e campanhas promocionais. Essa tendência já havia sido prenunciada pelo sucesso comercial de filmes-catástrofe como The Poseidon Adventure e The Towering Inferno.
Em meados da década de 1970, mais teatros pornográficos, eufemisticamente chamados de "cinemas para adultos", foram estabelecidos e a produção legal de filmes pornográficos hardcore começou. Filmes pornográficos como Garganta Profunda e sua estrela Linda Lovelace se tornaram uma espécie de fenômeno da cultura popular e resultaram em uma série de filmes de sexo semelhantes. Os cinemas pornográficos finalmente desapareceram durante a década de 1980, quando a popularização do videocassete doméstico e das fitas de vídeo pornográficas permitiu que o público assistisse a filmes de sexo em casa. No início dos anos 1970, o público de língua inglesa tornou-se mais consciente do novo cinema da Alemanha Ocidental, com Werner Herzog, Rainer Werner Fassbinder e Wim Wenders entre seus principais expoentes.
No cinema mundial, a década de 1970 viu um aumento dramático na popularidade dos filmes de artes marciais, em grande parte devido à sua reinvenção por Bruce Lee, que partiu do estilo artístico dos filmes tradicionais de artes marciais chinesas e acrescentou um senso de realismo muito maior para eles com seu estilo Jeet Kune Do. Isso começou com The Big Boss (1971), que foi um grande sucesso em toda a Ásia. No entanto, ele não ganhou fama no mundo ocidental até pouco depois de sua morte em 1973, quando Enter the Dragon foi lançado. O filme se tornou o filme de artes marciais de maior sucesso na história do cinema, popularizou o gênero de filmes de artes marciais em todo o mundo e consolidou o status de Bruce Lee como um ícone cultural. O cinema de ação de Hong Kong, no entanto, estava em declínio devido a uma onda de "Bruceploitation" filmes. Essa tendência acabou em 1978 com os filmes de comédia de artes marciais, Snake in the Eagle's Shadow e Drunken Master, dirigidos por Yuen Woo-ping e estrelado por Jackie Chan, lançando as bases para a ascensão do cinema de ação de Hong Kong na década de 1980.
Embora o gênero de filme musical tenha declinado em Hollywood nessa época, os filmes musicais estavam rapidamente ganhando popularidade no cinema da Índia, onde o termo "Bollywood" foi cunhado para a crescente indústria cinematográfica hindi em Bombaim (agora Mumbai), que acabou dominando o cinema do sul da Ásia, ultrapassando em popularidade a indústria cinematográfica bengali mais aclamada pela crítica. Os cineastas hindus combinaram a fórmula musical de Hollywood com as convenções do antigo teatro indiano para criar um novo gênero de filme chamado "Masala", que dominou o cinema indiano no final do século XX. Estes "Masala" filmes retratados ação, comédia, drama, romance e melodrama de uma só vez, com "filmi" rotinas de música e dança incluídas. Essa tendência começou com filmes dirigidos por Manmohan Desai e estrelados por Amitabh Bachchan, que continua sendo uma das estrelas de cinema mais populares do sul da Ásia. O filme indiano mais popular de todos os tempos foi Sholay (1975), um filme de "Masala" filme inspirado em um bandido da vida real, bem como Seven Samurai de Kurosawa e os Spaghetti Westerns.
O final da década viu o primeiro grande marketing internacional do cinema australiano, como os filmes de Peter Weir Picnic at Hanging Rock e The Last Wave e Fred The Chant of Jimmie Blacksmith de Schepisi foi aclamado pela crítica. Em 1979, o cineasta australiano George Miller também atraiu a atenção internacional por seu filme de ação violento e de baixo orçamento Mad Max.
Década de 1980
Durante a década de 1980, o público começou a assistir cada vez mais a filmes em seus videocassetes domésticos. No início daquela década, os estúdios de cinema tentaram uma ação legal para proibir a posse de videocassetes como violação de direitos autorais, que não teve sucesso. Com o tempo, a venda e o aluguel de filmes em vídeo caseiro tornaram-se um importante "segundo local" para exibição de filmes, e uma fonte adicional de receita para as indústrias cinematográficas. Os mercados direto para vídeo (nicho) geralmente ofereciam produções baratas e de qualidade inferior que não eram consideradas muito adequadas para o público em geral de lançamentos de televisão e cinema.
A combinação Lucas-Spielberg dominaria "Hollywood" cinema durante grande parte da década de 1980, e levou a muita imitação. Duas sequências de Star Wars, três de Jaws e três filmes de Indiana Jones ajudaram a tornar as sequências de filmes de sucesso mais uma expectativa do que nunca antes. Lucas também lançou a THX Ltd, uma divisão da Lucasfilm em 1982, enquanto Spielberg desfrutou de um dos maiores sucessos da década em E.T. o Extraterrestre no mesmo ano. 1982 também viu o lançamento de Tron da Disney, que foi um dos primeiros filmes de um grande estúdio a usar computação gráfica extensivamente. O cinema independente americano lutou mais durante a década, embora Raging Bull (1980), After Hours (1985), de Martin Scorsese, e The King of Comedy (1983) ajudou a estabelecê-lo como um dos cineastas americanos mais aclamados pela crítica da época. Também em 1983 foi lançado Scarface, que foi muito lucrativo e resultou em fama ainda maior para seu ator principal Al Pacino. Provavelmente, o filme de maior sucesso comercial foi a versão de 1989 de Tim Burton da criação de Bob Kane, Batman, que quebrou recordes de bilheteria. A representação de Jack Nicholson do demente Coringa rendeu a ele um total de $ 60.000.000 depois de calcular sua porcentagem do bruto.
O cinema britânico recebeu um impulso no início dos anos 1980 com a chegada da empresa Goldcrest Films, de David Puttnam. Os filmes Carruagens de Fogo, Gandhi, The Killing Fields e A Room with a View atraíram um &# 34;sobrancelha mediana" público cada vez mais ignorado pelos grandes estúdios de Hollywood. Embora os filmes da década de 1970 tenham ajudado a definir os filmes de sucesso de bilheteria modernos, a maneira como "Hollywood" lançou seus filmes agora mudaria. Os filmes, em sua maioria, estreariam em um número maior de cinemas, embora, até hoje, alguns filmes ainda estreem usando a rota do sistema de lançamento limitado/roadshow. Contra algumas expectativas, a ascensão do cinema multiplex não permitiu que filmes menos convencionais fossem exibidos, mas simplesmente permitiu que os grandes sucessos de bilheteria tivessem um número ainda maior de exibições. No entanto, os filmes que haviam sido esquecidos nos cinemas recebiam cada vez mais uma segunda chance no vídeo doméstico.
Durante a década de 1980, o cinema japonês experimentou um renascimento, em grande parte devido ao sucesso dos filmes de anime. No início da década de 1980, Space Battleship Yamato (1973) e Mobile Suit Gundam (1979), ambos malsucedidos como séries de televisão, foram refeitos como filmes e se tornaram enorme sucesso no Japão. Em particular, Mobile Suit Gundam deu início à franquia Gundam do anime mecha Real Robot. O sucesso de Macross: Do You Remember Love? também deu início a uma franquia Macross de anime mecha. Esta também foi a década em que o Studio Ghibli foi fundado. O estúdio produziu os primeiros filmes de fantasia de Hayao Miyazaki, Nausicaä of the Valley of the Wind (1984) e Castle in the Sky (1986), além de Isao Grave of the Fireflies de Takahata (1988), todos os quais tiveram muito sucesso no Japão e receberam aclamação da crítica mundial. Os filmes de animação em vídeo original (OVA) também começaram nesta década; o mais influente desses primeiros filmes OVA foi o filme cyberpunk de Noboru Ishiguro Megazone 23 (1985). O filme de anime mais famoso desta década foi o filme cyberpunk de Katsuhiro Otomo Akira (1988), que embora inicialmente malsucedido nos cinemas japoneses, se tornou um sucesso internacional.
O cinema de ação de Hong Kong, que estava em declínio devido aos intermináveis filmes de Bruceploitation após a morte de Bruce Lee, também experimentou um renascimento na década de 1980, em grande parte devido à reinvenção do gênero de filmes de ação por Jackie Chan. Ele já havia combinado os gêneros de filmes de comédia e de artes marciais com sucesso nos filmes de 1978 Snake in the Eagle's Shadow e Drunken Master. O próximo passo que ele deu foi combinar esse gênero de comédia de artes marciais com uma nova ênfase em acrobacias elaboradas e altamente perigosas, reminiscentes da era do cinema mudo. O primeiro filme nesse novo estilo de cinema de ação foi Projeto A (1983), que viu a formação da equipe de acrobacias de Jackie Chan, bem como dos "Três Irmãos" (Chan, Sammo Hung e Yuen Biao). O filme acrescentou acrobacias elaboradas e perigosas às lutas e humor pastelão, e se tornou um grande sucesso em todo o Extremo Oriente. Como resultado, Chan continuou essa tendência com filmes de ação de artes marciais contendo acrobacias ainda mais elaboradas e perigosas, incluindo Wheels on Meals (1984), Police Story (1985), Armour of God (1986), Project A Part II (1987), Police Story 2 (1988) e Dragons Forever i> (1988). Outras novas tendências que começaram na década de 1980 foram as "garotas com armas" subgênero, pelo qual Michelle Yeoh ganhou fama; e especialmente o "derramamento de sangue heróico" gênero, girando em torno de tríades, em grande parte iniciado por John Woo e pelo qual Chow Yun-fat se tornou famoso. Essas tendências de ação de Hong Kong foram posteriormente adotadas por muitos filmes de ação de Hollywood nas décadas de 1990 e 2000.
No cinema indiano, outro ator de destaque, considerado por muitos o ator mais natural do cinema indiano, Mohanlal atuou em seu primeiro filme. Durante os anos 80, ele se tornou uma superestrela do cinema indiano. O cinema indiano como um todo estava mudando em uma nova onda de filmes e diretores.
Década de 1990
O início dos anos 1990 viu o desenvolvimento de um cinema independente comercialmente bem-sucedido nos Estados Unidos. Embora o cinema fosse cada vez mais dominado por filmes de efeitos especiais como Terminator 2: Judgment Day (1991), Jurassic Park (1993) e Titanic (1997), este último se tornando o filme de maior bilheteria de todos os tempos até Avatar (2009), também dirigido por James Cameron, filmes independentes como Steven Soderbergh's Sex, Lies, and Videotape (1989) e Reservoir Dogs de Quentin Tarantino (1992) tiveram sucesso comercial significativo tanto no cinema quanto em home video.
Os cineastas associados ao movimento cinematográfico dinamarquês Dogme 95 apresentaram um manifesto destinado a purificar o cinema. Seus primeiros filmes ganharam aclamação da crítica mundial, após o que o movimento lentamente desapareceu.
Os Bons Companheiros de Scorsese foi lançado em 1990. É considerado por muitos como um dos melhores filmes já feitos, principalmente no gênero gangster. É considerado o ponto mais alto da carreira de Scorsese.
Grandes estúdios americanos começaram a criar seus próprios estúdios "independentes" empresas de produção para financiar e produzir pratos não convencionais. Um dos independentes de maior sucesso da década de 1990, a Miramax Films, foi comprada pela Disney um ano antes do lançamento do grande sucesso de Tarantino, Pulp Fiction, em 1994. O mesmo ano marcou o início do cinema. e distribuição de vídeo online. Os filmes de animação voltados para o público familiar também recuperaram sua popularidade, com A Bela e a Fera da Disney (1991), Aladdin (1992) e O Leão Rei (1994). Em 1995, o primeiro longa-metragem animado por computador, Toy Story, foi produzido pela Pixar Animation Studios e lançado pela Disney. Após o sucesso de Toy Story, a animação por computador cresceria e se tornaria a técnica dominante para animação de longa-metragem, o que permitiria que empresas cinematográficas concorrentes, como DreamWorks, 20th Century Fox e Warner Bros., competissem efetivamente com a Disney com seus próprios filmes de sucesso.. Durante o final dos anos 1990, outra transição cinematográfica começou, do estoque de filme físico para a tecnologia de cinema digital. Enquanto isso, os DVDs se tornaram o novo padrão para vídeo de consumo, substituindo as fitas VHS.
Anos 2000
Desde o final dos anos 2000, plataformas de streaming de mídia como o YouTube forneceram meios para qualquer pessoa com acesso à internet e câmeras (um recurso padrão dos smartphones) publicar vídeos para o mundo. Também competindo com a crescente popularidade dos videogames e outras formas de entretenimento doméstico, a indústria mais uma vez começou a tornar os lançamentos teatrais mais atraentes, com novas tecnologias 3D e filmes épicos (fantasia e super-heróis) se tornando um dos pilares dos cinemas.
O documentário também surgiu como um gênero comercial talvez pela primeira vez, com o sucesso de filmes como A Marcha dos Pinguins e Bowling for Columbine e Fahrenheit 9/11. Um novo gênero foi criado com Martin Kunert e Eric Manes'; Vozes do Iraque, quando 150 câmeras DV baratas foram distribuídas pelo Iraque, transformando pessoas comuns em cineastas colaborativos. O sucesso de Gladiador levou a um renascimento do interesse pelo cinema épico, e Moulin Rouge! renovou o interesse pelo cinema musical. Os sistemas de home theater tornaram-se cada vez mais sofisticados, assim como alguns dos DVDs de edição especial projetados para serem exibidos neles. A trilogia O Senhor dos Anéis foi lançada em DVD tanto na versão teatral quanto em uma versão estendida especial destinada apenas ao público de home cinema.
Em 2001, a série de filmes Harry Potter começou e, ao seu final em 2011, tornou-se a franquia de filmes de maior bilheteria de todos os tempos, até que o Universo Cinematográfico da Marvel a ultrapassou em 2015.
Mais filmes também foram lançados simultaneamente ao cinema IMAX, o primeiro foi na animação da Disney de 2002 Treasure Planet; e a primeira ação ao vivo foi em The Matrix Revolutions de 2003 e um relançamento de The Matrix Reloaded. No final da década, O Cavaleiro das Trevas foi o primeiro grande longa-metragem a ter sido pelo menos parcialmente filmado na tecnologia IMAX.
Houve uma crescente globalização do cinema durante esta década, com filmes em língua estrangeira ganhando popularidade nos mercados de língua inglesa. Exemplos de tais filmes incluem Crouching Tiger, Hidden Dragon (mandarim), Amélie (francês), Lagaan (hindi), A Viagem de Chihiro (japonês), Cidade de Deus (português do Brasil), A Paixão de Cristo (aramaico), Apocalypto (maia) e Bastardos Inglórios (vários idiomas europeus). A Itália é o país mais premiado no Oscar de Melhor Filme Estrangeiro, com 14 prêmios conquistados, 3 Prêmios Especiais e 31 indicações.
Em 2003, houve um renascimento na popularidade do filme 3D, sendo o primeiro Ghosts of the Abyss de James Cameron, que foi lançado como o primeiro longa-metragem 3-D IMAX filmado com o sistema de câmera de realidade. Este sistema de câmera usou as mais recentes câmeras de vídeo HD, não filme, e foi construído para Cameron pelo diretor de fotografia indicado ao Emmy, Vince Pace, de acordo com suas especificações. O mesmo sistema de câmera foi usado para filmar Spy Kids 3D: Game Over (2003), Aliens of the Deep IMAX (2005) e As Aventuras de Sharkboy e Lavagirl em 3-D (2005).
Depois que o filme 3D de James Cameron Avatar se tornou o filme de maior bilheteria de todos os tempos, os filmes 3D ganharam uma breve popularidade com muitos outros filmes sendo lançados em 3D, com o melhor desempenho crítico e financeiro sucessos no campo da animação de longa-metragem, como Despicable Me da Universal Pictures/Illumination Entertainment e How To Train Your Dragon da DreamWorks Animation, Shrek Forever After e Megamind. Avatar também é notável por ser pioneiro no uso altamente sofisticado da tecnologia de captura de movimento e por influenciar vários outros filmes, como A Origem do Planeta dos Macacos.
2010
Em 2011, as maiores indústrias cinematográficas em número de longas-metragens produzidos eram as da Índia, Estados Unidos, China, Nigéria e Japão.
Em 2010, apareceu a primeira mulher a ganhar o prêmio de Melhor Diretor na história do Oscar. The Hurt Locker, de Kathryn Bigelow, ganhou seis prêmios.
Em Hollywood, os filmes de super-heróis aumentaram muito em popularidade e sucesso financeiro, com filmes baseados nos quadrinhos da Marvel e da DC sendo lançados regularmente todos os anos até o presente. Em 2019, o gênero super-herói tem sido o gênero mais dominante no que diz respeito às receitas de bilheteria americanas. O filme de super-heróis de 2019, Avengers: Endgame, foi o filme de maior sucesso de bilheteria de todos os tempos.
Em 2020, Parasita se tornou o primeiro filme internacional a ganhar o Oscar de Melhor Filme.
2020
Pandemia de COVID-19
A pandemia do COVID-19 resultou no fechamento de cinemas em todo o mundo em resposta a bloqueios regionais e nacionais. Muitos filmes com lançamento previsto para o início de 2020 enfrentaram atrasos no desenvolvimento, produção e distribuição, com outros sendo lançados em serviços de streaming com pouca ou nenhuma janela de cinema.
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