Fagote
O fagote é um instrumento de sopro da família das palhetas duplas, que toca nas faixas de tenor e baixo. É composto por seis peças, e geralmente é feito de madeira. É conhecido por sua cor de tom distinta, ampla gama, versatilidade e virtuosismo. É um instrumento que não transpõe e normalmente sua música é escrita nas claves de baixo e tenor e, às vezes, nos agudos. Existem duas formas de fagote moderno: os sistemas Buffet (ou francês) e Heckel (ou alemão). Normalmente é tocado sentado usando uma alça de assento, mas pode ser tocado em pé se o músico tiver um arnês para segurar o instrumento. O som é produzido rolando ambos os lábios sobre a palheta e soprando pressão de ar direto para fazer a palheta vibrar. Seu sistema de digitação pode ser bastante complexo quando comparado aos de outros instrumentos. Aparecendo em sua forma moderna no século 19, o fagote figura com destaque na literatura orquestral, de bandas de concerto e de música de câmara, e também é ocasionalmente ouvido em ambientes pop, rock e jazz. Aquele que toca fagote é chamado de fagotista.
Etimologia
A palavra fagote vem do francês fagote e do italiano baixo (baixo com o aumentativo sufixo -one). No entanto, o nome italiano para o mesmo instrumento é fagotto, em espanhol, holandês e romeno é fagot, e em alemão Fagott. Fagot é uma palavra do francês antigo que significa feixe de gravetos. O dulcian passou a ser conhecido como fagotto na Itália. No entanto, a etimologia usual que equipara fagotto a "feixe de paus" é um pouco enganador, já que o último termo não entrou em uso geral até mais tarde. No entanto, uma variação antiga do inglês, "faget", foi usada já em 1450 para se referir a lenha, que é 100 anos antes do uso mais antigo registrado do dulcian (1550). Mais citações são necessárias para provar a falta de relação entre o significado "feixe de gravetos" e "fagotto" (italiano) ou variantes. Alguns pensam que pode se assemelhar aos fasces romanos, um estandarte de varas amarradas com um machado. Outra discrepância reside no fato de que o dulciano foi esculpido em um único bloco de madeira - em outras palavras, um único "pau" e não um pacote.
Características
Intervalo
(A)1) B?1– F5 (note o gráfico acima NÃO está correto)
A extensão do fagote começa em Si♭1 (o primeiro abaixo da pauta de baixo) e se estende para cima ao longo de três oitavas, aproximadamente até o E acima da pauta de agudos (E5). No entanto, a maioria das composições para fagote raramente exige notas acima de C5 ou D5; até mesmo o solo de abertura de Stravinsky em The Rite of Spring sobe apenas para D5. Notas mais altas do que isso são possíveis, mas raramente escritas, pois são difíceis de produzir (muitas vezes exigindo características de design de palheta específicas para garantir a confiabilidade) e, de qualquer forma, são bastante homogêneas em timbre com as mesmas alturas em cor anglais, que podem produzi-las. com relativa facilidade. O fagote francês tem maior facilidade no registro extremo agudo e, portanto, o repertório escrito para ele é mais provável de incluir notas muito agudas, embora o repertório para o sistema francês possa ser executado no sistema alemão sem alterações e vice-versa.
O extenso registro agudo do fagote e seu frequente papel como tenor lírico fizeram com que a clave de tenor fosse muito comumente empregada em sua literatura após o Barroco, em parte para evitar linhas de razão excessivas e, a partir do século XX, agudos clave também é visto por razões semelhantes.
Como outros instrumentos de sopro, a nota mais baixa é fixa, mas A1 é possível com uma extensão especial para o instrumento—consulte "Técnicas estendidas" abaixo.
Embora as afinações dos orifícios tonais primários sejam uma 5ª perfeita mais baixa do que outras madeiras ocidentais não transpostas (efetivamente uma oitava abaixo da trompa inglesa), o fagote não é transposto, o que significa que as notas tocadas correspondem à afinação escrita.
Construção
O bassoon desmonta em seis peças principais, incluindo a junção. O sino (6), estendendo para cima; a articulação do baixo (ou articulação longa) (5), conectando o sino e a bota; a bota (ou bunda) (4), na parte inferior do instrumento e dobrando sobre si mesmo; a articulação da asa (ou junção tenor) (3), que se estende da bota à bocal; e a bocal (ou crook) (2), um tubo de metal crooked que anexa a junta da asa a uma junção (1) (
Ouça.(help·info)).
Estrutura
O orifício do fagote é cônico, como o do oboé e do saxofone, e os dois orifícios adjacentes da junta da bota são conectados na parte inferior do instrumento com um conector de metal em forma de U. Os furos e os orifícios de tom são usinados com precisão e cada instrumento é finalizado à mão para afinação adequada. As paredes do fagote são mais grossas em vários pontos ao longo do furo; aqui, os orifícios de tom são perfurados em ângulo com o eixo do orifício, o que reduz a distância entre os orifícios no exterior. Isso garante cobertura pelos dedos da mão adulta média. A execução é facilitada fechando a distância entre os orifícios amplamente espaçados com um complexo sistema de trabalho de teclas, que se estende por quase todo o comprimento do instrumento. A altura total do fagote se estende até 1,34 m (4 pés 5 pol.) de altura, mas o comprimento total do som é de 2,54 m (8 pés 4 pol.), considerando que o tubo é dobrado sobre si mesmo. Existem também fagotes de curto alcance feitos para o benefício de músicos jovens ou pequenos.
Materiais
O fagote de um iniciante moderno geralmente é feito de bordo, com tipos de dureza média, como bordo de sicômoro e bordo de açúcar preferido. Modelos mais baratos também são feitos de materiais como polipropileno e ebonite, principalmente para estudantes e uso externo. Fagotes de metal foram feitos no passado, mas não foram produzidos por nenhum grande fabricante desde 1889.
Panhões
A arte da fabricação de palhetas tem sido praticada por várias centenas de anos, algumas das primeiras palhetas conhecidas foram feitas para o dulcian, um predecessor do fagote. Os métodos atuais de fabricação de palhetas consistem em um conjunto de métodos básicos; no entanto, os fagotistas individuais os estilos de tocar variam muito e, portanto, exigem que as palhetas sejam personalizadas para melhor atender seu respectivo fagotista. Jogadores avançados geralmente fazem suas próprias palhetas para esse fim. No que diz respeito às palhetas feitas comercialmente, muitas empresas e indivíduos oferecem palhetas pré-fabricadas para venda, mas os jogadores geralmente descobrem que essas palhetas ainda precisam de ajustes para se adequar ao seu estilo de jogo particular.
As palhetas modernas para fagote, feitas de cana Arundo donax, muitas vezes são feitas pelos próprios músicos, embora os fagotistas iniciantes tendam a comprar suas palhetas de fabricantes profissionais ou usar palhetas feitas por seus professores. As palhetas começam com um pedaço de tubo de cana que é dividido em três ou quatro pedaços usando uma ferramenta chamada divisor de cana. A cana é então cortada e goivada na espessura desejada, deixando a casca presa. Após a imersão, a cana goivada é cortada no formato adequado e moída na espessura desejada, ou perfilada, removendo o material do lado da casca. Isso pode ser feito manualmente com um arquivo; mais freqüentemente é feito com uma máquina ou ferramenta projetada para esse fim. Depois que a cana perfilada é novamente embebida, ela é dobrada ao meio. Antes da imersão, o fabricante de palhetas terá marcado levemente a casca com linhas paralelas com uma faca; isso garante que a cana assumirá uma forma cilíndrica durante o estágio de conformação.
Na parte da casca, o fabricante de palhetas liga uma, duas ou três bobinas ou laços de fio de latão para auxiliar no processo de conformação final. A colocação exata desses loops pode variar um pouco, dependendo do fabricante da palheta. O pedaço de palheta encadernado é então enrolado com algodão grosso ou fio de linho para protegê-lo, e um mandril de aço cônico (que às vezes foi aquecido em uma chama) é rapidamente inserido entre as lâminas. Usando um alicate especial, o fabricante de palhetas pressiona a cana para baixo, ajustando-a ao formato do mandril. (O vapor gerado pelo mandril aquecido faz com que a cana assuma permanentemente a forma do mandril.) A parte superior da cavidade assim criada é chamada de "garganta", e seu formato influencia no características de jogo da palheta. A parte inferior, principalmente cilíndrica, será alargada com uma ferramenta especial chamada escareador, permitindo que a palheta se encaixe no bocal.
Após a palheta secar, os fios são apertados em torno da palheta, que encolheu após a secagem ou foi substituída completamente. A parte inferior é selada (pode ser usado um cimento à base de nitrocelulose como o Duco) e depois enrolada com linha para garantir que nenhum ar vaze pelo fundo da palheta e que a palheta mantenha sua forma. O invólucro em si é frequentemente selado com Duco ou verniz transparente (esmalte). A fita isolante também pode ser usada como embalagem para fabricantes de palhetas amadores. A protuberância no invólucro às vezes é chamada de "cabeça do turco" - serve como uma alça conveniente ao inserir a palheta no bocal. Recentemente, mais jogadores estão escolhendo o tubo termorretrátil mais moderno, em vez do fio demorado e complicado. O enrolamento de linha (comumente conhecido como "Turbante" devido ao tecido cruzado) é ainda mais comum em palhetas vendidas comercialmente.
Para o acabamento da palheta, corta-se a ponta da palheta, originalmente no centro da cana desdobrada, criando uma abertura. As lâminas acima do primeiro fio agora têm aproximadamente 27–30 mm (1,1–1,2 pol.) De comprimento. Para a palheta tocar, deve-se criar um leve bisel na ponta com uma faca, embora também exista uma máquina que possa realizar essa função. Outros ajustes com a faca de palheta podem ser necessários, dependendo da dureza, do perfil da bengala e das exigências do tocador. A abertura da palheta também pode precisar ser ajustada apertando o primeiro ou o segundo fio com o alicate. Material adicional pode ser removido das laterais (os "canais") ou ponta para equilibrar a palheta. Além disso, se o "e" na pauta da clave de fá estiver caindo no tom, pode ser necessário "cortar" a palheta removendo 1–2 mm (0,039–0,079 in) de seu comprimento usando uma tesoura bem afiada ou equivalente.
História
Origem
Historiadores da música geralmente consideram o dúlciano o precursor do fagote moderno, já que os dois instrumentos compartilham muitas características: uma palheta dupla encaixada em um cajado de metal, orifícios de tom perfurados obliquamente e um orifício cônico que se dobra sobre si mesmo. As origens do dulcian são obscuras, mas em meados do século 16 ele estava disponível em até oito tamanhos diferentes, do soprano ao contrabaixo. Uma consorte completa de dulcians era uma raridade; sua função primária parece ter sido fornecer o baixo na banda de sopro típica da época, seja alto (shawms) ou suave (gravadores), indicando uma notável capacidade de variar a dinâmica para atender à necessidade. Caso contrário, a técnica dulciana era bastante primitiva, com oito orifícios para os dedos e duas chaves, indicando que poderia tocar apenas em um número limitado de armaduras de clave.
Evidências circunstanciais indicam que o fagote barroco era um instrumento recém-inventado, e não uma simples modificação do antigo dulciano. O dulcian não foi suplantado imediatamente, mas continuou a ser usado até o século 18 por Bach e outros; e, presumivelmente por razões de intercambialidade, é muito improvável que o repertório dessa época vá além da bússola menor do dulciano. O homem provavelmente responsável pelo desenvolvimento do verdadeiro fagote foi Martin Hotteterre (falecido em 1712), que também pode ter inventado a flûte traversière de três peças (flauta transversal) e a hautbois (oboé barroco). Alguns historiadores acreditam que em algum momento da década de 1650, Hotteterre concebeu o fagote em quatro seções (sino, junta do baixo, bota e junta da asa), um arranjo que permitia maior precisão na usinagem do furo em comparação com o dulcian de peça única. Ele também estendeu a bússola para B♭ adicionando duas chaves. Uma visão alternativa sustenta que Hotteterre foi um dos vários artesãos responsáveis pelo desenvolvimento do fagote inicial. Isso pode ter incluído membros adicionais da família Hotteterre, bem como outros fabricantes franceses ativos na mesma época. Nenhum fagote francês original desse período sobreviveu, mas se sobrevivesse, provavelmente se assemelharia aos primeiros fagotes existentes de Johann Christoph Denner e Richard Haka da década de 1680. Por volta de 1700, uma quarta tonalidade (G♯) foi adicionada, e foi para esse tipo de instrumento que compositores como Antonio Vivaldi, Bach e Georg Philipp Telemann escreveram sua exigente música. Uma quinta chave, para o baixo E♭, foi adicionada durante a primeira metade do século XVIII. Fabricantes notáveis do fagote barroco de 4 e 5 teclas incluem J.H. Eichentopf (c. 1678–1769), J. Poerschmann (1680–1757), Thomas Stanesby, Jr. (1668–1734), G.H. Scherer (1703–1778) e Prudent Thieriot (1732–1786).
Configuração moderna
As demandas crescentes de capacidades de instrumentos e músicos no século 19 - particularmente salas de concerto maiores que exigiam maior volume e a ascensão de compositores-intérpretes virtuosos - estimularam um maior refinamento. O aumento da sofisticação, tanto nas técnicas de fabricação quanto no conhecimento acústico, possibilitou grandes melhorias na tocabilidade do instrumento.
O fagote moderno existe em duas formas primárias distintas, o sistema Buffet (ou "francês") e o sistema Heckel ("alemão"). A maior parte do mundo joga o sistema Heckel, enquanto o sistema Buffet é jogado principalmente na França, Bélgica e partes da América Latina. Vários outros tipos de fagotes foram construídos por vários fabricantes de instrumentos, como o raro Galandronome. Devido à onipresença do sistema Heckel em países de língua inglesa, as referências em inglês ao fagote contemporâneo sempre significam o sistema Heckel, com o sistema Buffet sendo explicitamente qualificado onde aparece.
Sistema Heckel (alemão)
O design do fagote moderno deve muito ao intérprete, professor e compositor Carl Almenräder. Auxiliado pelo pesquisador acústico alemão Gottfried Weber, ele desenvolveu o fagote de 17 teclas com um alcance de quatro oitavas. As melhorias de Almenräder no fagote começaram com um tratado de 1823 descrevendo maneiras de melhorar a entonação, a resposta e a facilidade técnica de tocar, aumentando e reorganizando o teclado. Os artigos subsequentes desenvolveram ainda mais suas ideias. Seu emprego na Schott deu a ele a liberdade de construir e testar instrumentos de acordo com esses novos projetos, e ele publicou os resultados em Caecilia, o jornal da casa de Schott. Almenräder continuou publicando e construindo instrumentos até sua morte em 1846, e o próprio Ludwig van Beethoven solicitou um dos instrumentos recém-fabricados após ouvir os papéis. Em 1831, Almenräder deixou a Schott para abrir sua própria fábrica com um sócio, Johann Adam Heckel.
Heckel e duas gerações de descendentes continuaram a refinar o fagote, e seus instrumentos se tornaram o padrão, seguido por outros fabricantes. Por causa de sua qualidade superior de tom de canto (uma melhoria em relação a uma das principais desvantagens dos instrumentos Almenräder), os instrumentos Heckel competiam por destaque com o sistema Wiener reformado, um fagote estilo Boehm e um instrumento completamente chaveado desenvolvido por Charles-Joseph Sax, pai de Adolphe Sax. F.W. Kruspe implementou uma tentativa tardia em 1893 para reformar o sistema de dedilhado, mas não conseguiu pegar. Outras tentativas de melhorar o instrumento incluíram um modelo de 24 teclas e um bocal de palheta única, mas ambos tiveram efeitos adversos no tom e foram abandonados.
Chegando ao século 20, o modelo de fagote alemão estilo Heckel dominou o campo. O próprio Heckel havia feito mais de 1.100 instrumentos na virada do século 20 (os números de série começam em 3.000), e os fabricantes britânicos' os instrumentos não eram mais desejáveis para os requisitos de mudança de tom da orquestra sinfônica, permanecendo principalmente no uso da banda militar.
Exceto por uma breve conversão durante a guerra em 1940 para a fabricação de rolamentos de esferas, a empresa Heckel produziu instrumentos continuamente até os dias atuais. Os fagotes Heckel são considerados por muitos como os melhores, embora uma variedade de instrumentos de estilo Heckel esteja disponível em vários outros fabricantes, todos com características de execução ligeiramente diferentes.
Como seu mecanismo é primitivo em comparação com a maioria dos instrumentos de sopro modernos, os fabricantes ocasionalmente tentam "reinventar" o fagote. Na década de 1960, Giles Brindley começou a desenvolver o que chamou de "fagote lógico", que visava melhorar a entonação e a uniformidade do tom por meio do uso de um mecanismo ativado eletricamente, tornando possíveis combinações de teclas complexas demais para a mão humana. gerenciar. O fagote lógico de Brindley nunca foi comercializado.
Sistema de buffet (francês)
O fagote do sistema Buffet alcançou suas propriedades acústicas básicas um pouco antes do Heckel. A partir daí, continuou a se desenvolver de maneira mais conservadora. Embora o início da história do fagote Heckel incluísse uma revisão completa do instrumento tanto na acústica quanto no tom, o desenvolvimento do sistema Buffet consistia principalmente em melhorias incrementais no trabalho do tom. Esta abordagem minimalista do Buffet privou-o de uma melhor consistência de entonação, facilidade de operação e maior potência, que é encontrada nos fagotes Heckel, mas o Buffet é considerado por alguns como tendo uma qualidade mais vocal e expressiva. O maestro John Foulds lamentou em 1934 o domínio do fagote de estilo Heckel, considerando-o muito homogêneo em som com a trompa. O sistema Buffet moderno possui 22 teclas com alcance igual ao do Heckel; embora os instrumentos Buffet tenham maior facilidade nos registros superiores, alcançando E5 e F5 com muito mais facilidade e menos resistência do ar.
Em comparação com o fagote Heckel, os fagotes do sistema Buffet têm um diâmetro mais estreito e um mecanismo mais simples, exigindo dedilhados diferentes e frequentemente mais complexos para muitas notas. Alternar entre Heckel e Buffet, ou vice-versa, requer um extenso retreinamento. Instrumentos de sopro franceses' o tom em geral exibe uma certa quantidade de "edge", com mais qualidade vocal do que o normal em outros lugares, e o fagote Buffet não é exceção. Este som tem sido utilizado de forma eficaz na escrita para o fagote Buffet, mas é menos inclinado a se misturar do que o tom do fagote Heckel. Tal como acontece com todos os fagotes, o tom varia consideravelmente, dependendo do instrumento individual, palheta e executante. Nas mãos de um músico inferior, o fagote Heckel pode soar plano e amadeirado, mas bons músicos conseguem produzir um tom vibrante e cantado. Por outro lado, um Buffet mal tocado pode soar com zumbido e nasal, mas bons músicos conseguem produzir um som caloroso e expressivo.
Embora o Reino Unido tenha favorecido o sistema francês, os instrumentos do sistema Buffet não são mais fabricados lá e o último jogador britânico proeminente do sistema francês se aposentou na década de 1980. No entanto, com o uso contínuo em algumas regiões e seu tom distinto, o Buffet continua a ter um lugar no fagote moderno, principalmente na França, onde se originou. Os fagotes modelo buffet são atualmente fabricados em Paris pelo Buffet Crampon e pelo atelier Ducasse (Romainville, França). A Selmer Company interrompeu a fabricação de fagotes do sistema francês por volta do ano de 2012. Alguns músicos, por exemplo, o falecido Gerald Corey no Canadá, aprenderam a tocar os dois tipos e irão alternar entre eles dependendo do repertório.
Uso em conjuntos
Conjuntos anteriores ao século XX
Pré-1760
Antes de 1760, o ancestral do fagote era o dúlcio. Foi usado para reforçar a linha de baixo em conjuntos de sopro chamados consortes. No entanto, seu uso em orquestras de concerto foi esporádico até o final do século XVII, quando palhetas duplas começaram a fazer parte da instrumentação padrão. O uso crescente do dulciano como instrumento baixo contínuo fez com que ele passasse a ser incluído em orquestras de ópera, em obras como as de Reinhard Keizer e Jean-Baptiste Lully. Enquanto isso, à medida que o dulciano avançava tecnologicamente e era capaz de alcançar mais virtuosismo, compositores como Joseph Bodin de Boismortier, Johann Ernst Galliard, Johann Friedrich Fasch e Georg Philipp Telemann escreveram solos exigentes e música de conjunto para o instrumento. Antonio Vivaldi trouxe-o à proeminência ao apresentá-lo em trinta e nove concertos.
C. 1760-1830
Enquanto o fagote ainda era frequentemente usado para dar clareza à linha de baixo devido ao seu registro sonoro grave, as capacidades dos instrumentos de sopro cresceram à medida que a tecnologia avançava durante a era clássica. Isso permitiu que o instrumento tocasse em mais tons do que o dulciano. Joseph Haydn aproveitou isso em sua Sinfonia nº 45 ("Farewell Symphony"), na qual o fagote toca em fá sustenido menor. Seguindo com esses avanços, os compositores também começaram a explorar o fagote por sua cor única, flexibilidade e capacidade virtuosística, ao invés de sua capacidade superficial de dobrar a linha do baixo. Aqueles que fizeram isso incluem Ludwig van Beethoven em seus três Duos para Clarinete e Fagote (WoO 27) para clarinete e fagote e Niccolo Paganini em seus duetos para violino e fagote. Em seu Concerto para Fagote em Si bemol maior, K. 191, W. A. Mozart utilizou todos os aspectos da expressividade do fagote com seus contrastes no registro, reprodução em staccato e som expressivo, e foi especialmente notado por sua qualidade de canto no segundo movimento. Este concerto é frequentemente considerado uma das obras mais importantes de todo o repertório do fagote, ainda hoje.
A semelhança do fagote com a voz humana, além de sua recém-descoberta habilidade virtuosística, foi outra qualidade que muitos compositores aproveitaram durante a era clássica. Depois de 1730, o alcance do fagote alemão aumentou até B♭4, e muito mais alto com o instrumento francês. Os avanços tecnológicos também fizeram com que o som do registro de tenor do fagote se tornasse mais ressonante, e tocar neste registro cresceu em popularidade, especialmente no mundo musical austro-germânico. Pedagogos como Josef Frohlich instruíam os alunos a praticar escalas, terças e quartas como os alunos vocais fariam. Em 1829, ele escreveu que o fagote era capaz de expressar "o digno, o viril, o solene, o grande, o sublime, a compostura, a suavidade, a intimidade, a emoção, o desejo, a sinceridade, a reverência e o ardor comovente". #34; Em G. F. A interpretação de Brandt do Concerto para Fagote em Fá Maior de Carl Maria von Weber, Op. 75 (J. 127) também foi comparada à voz humana. Na França, Pierre Cugnier descreveu o papel do fagote como abrangendo não apenas a parte do baixo, mas também acompanhar a voz e a harpa, tocar em pares com clarinetes e trompas em Harmonie e tocar em "quase todos os tipos de música," incluindo concertos, que eram muito mais comuns do que as sonatas da era anterior. Tanto Cugnier quanto Étienne Ozi enfatizaram a importância da semelhança do fagote com a voz cantada.
O papel do fagote na orquestra variava de país para país. Na orquestra vienense, o instrumento oferecia um som tridimensional ao conjunto, duplicando outros instrumentos, como violinos, como ouvido na abertura de Mozart para As Bodas de Fígaro, K 492. desempenha um papel bastante técnico ao lado das cordas. Ele também escreveu para o fagote mudar seu timbre dependendo de qual instrumento estava emparelhado; mais quente com clarinetes, oco com flautas e escuro e digno com violinos. Na Alemanha e nos países escandinavos, as orquestras normalmente apresentavam apenas dois fagotes. Mas na França, as orquestras aumentaram o número para quatro na segunda metade do século XIX. Na Inglaterra, o papel do fagotista variava de acordo com o conjunto. Johann Christian Bach escreveu dois concertos para fagote solo, e também apareceu em papéis de maior apoio, como acompanhamento de coros de igrejas depois que a revolução puritana destruiu a maioria dos órgãos da igreja. Nas colônias americanas, o fagote era normalmente visto em um ambiente de câmara. Após a Guerra Revolucionária, os fagotistas foram encontrados em bandas de sopro que faziam apresentações públicas. Em 1800, havia pelo menos um fagote na United States Marine Band. Na América do Sul, o fagote também apareceu em pequenas orquestras, bandas e música militar (semelhante aos conjuntos Harmonie).
C. 1830-1900
O papel do fagote durante a era romântica variou entre um papel como um instrumento baixo de apoio e um papel como um instrumento solista virtuoso e expressivo. Na verdade, era considerado um instrumento que poderia ser usado em quase todas as circunstâncias. A comparação do som do fagote com a voz humana continuou durante esse tempo, já que grande parte da pedagogia envolvia emular esse som. Giuseppe Verdi usou a voz lírica e cantante do instrumento para evocar emoção em peças como sua Messa da Requiem. Eugene Jancourt comparou o uso do vibrato no fagote ao dos cantores, e Luigi Orselli escreveu que o fagote combinava bem com a voz humana. Ele também observou a função do fagote na orquestra francesa da época, que servia para apoiar o som da viola, reforçar o som staccato e dobrar o contrabaixo, clarinete, flauta e oboé. A ênfase também começou a ser colocada no som único do staccato do fagote, que pode ser descrito como bastante curto e agressivo, como na Symphonie fantastique de Hector Berlioz, Op. 14 no quinto movimento. Paul Dukas utilizou o staccato para retratar a imagem de duas vassouras ganhando vida em O Aprendiz de Feiticeiro.
Era comum haver apenas dois fagotes nas orquestras alemãs. Bandas militares austríacas e britânicas também carregavam apenas dois fagotes e eram usadas principalmente para acompanhamento e execução fora do ritmo. Na França, Hector Berlioz também tornou moda o uso de mais de dois fagotes; ele frequentemente marcava três ou quatro, e às vezes escrevia para até oito, como em seu l'Imperiale.
Neste ponto, os compositores esperavam que os fagotes fossem tão virtuosos quanto os outros instrumentos de sopro, já que frequentemente escreviam solos desafiando o alcance e a técnica do instrumento. Exemplos disso incluem o solo de fagote de Nikolai Rimsky-Korsakov e a cadência seguindo o clarinete em Sheherazade, Op. 35 e no Tannhäuser de Richard Wagner, que exigia que o fagotista triplicasse a língua e também tocasse até o topo de sua extensão em um E5. Wagner também usou o fagote por sua habilidade em staccato em seu trabalho, e muitas vezes escreveu suas três partes de fagote em terças para evocar um som mais escuro com cor de tom perceptível. Em Night on Bald Mountain de Modest Mussorgsky, os fagotes tocam fortissimo ao lado de outros instrumentos de baixo para evocar "a voz do diabo".
Conjuntos dos séculos XX e XXI
Nesse momento, o desenvolvimento do fagote desacelerou. Ao invés de dar grandes saltos em melhorias tecnológicas, pequenas imperfeições na função do instrumento foram corrigidas. O instrumento tornou-se bastante versátil ao longo do século XX; o instrumento neste ponto era capaz de tocar três oitavas, uma variedade de trinados diferentes e mantinha uma entonação estável em todos os registros e níveis dinâmicos. A pedagogia entre os fagotistas variou entre os diferentes países e, portanto, o próprio instrumento geral desempenhou uma variedade de papéis. Como era um tema comum em épocas anteriores, o fagote foi valorizado pelos compositores por sua voz única, e seu uso aumentou no tom. Um exemplo famoso disso está em A Sagração da Primavera de Igor Stravinsky, em que o fagote deve tocar em seu registro mais alto para imitar o dudka russo. Os compositores também escreveram para o registro médio do fagote, como em "Berceuse" em The Firebird e Symphony No. 5 em Mi bemol maior, op. 82 de Jean Sibelius. Eles também continuaram a destacar o som staccato do fagote, como ouvido no Humorous Scherzo de Sergei Prokofiev. Em Pedro e o Lobo, de Sergei Prokofiev, o papel do avô é desempenhado pelo fagote.
Em ambientes orquestrais, a maioria das orquestras desde o início do século XX até o presente tem três ou quatro fagotistas, com o quarto cobrindo também o contrafagote. Uma maior ênfase no uso de timbre, vibrato e fraseado começou a aparecer na pedagogia do fagote, e muitos seguiram a filosofia de Marcel Tabuteau no fraseado musical. O vibrato passou a ser usado em conjunto, dependendo do fraseado da música. Esperava-se e espera-se que o fagote seja fluente com outros instrumentos de sopro em termos de virtuosismo e técnica. Exemplos disso incluem a cadência para fagotes na Rapsodie espagnole de Maurice Ravel e os trinados de vários dedos usados no Octeto de Stravinsky.
No século XX, o fagote era menos um solista de concerto e, quando o era, o conjunto de acompanhamento tornava-se mais suave e silencioso. Além disso, não era mais usado em bandas marciais, embora ainda existisse em bandas de concerto com uma ou duas delas. O repertório orquestral permaneceu praticamente a mesma tradição austro-germânica na maioria dos países ocidentais. Apareceu principalmente em configurações solo, de câmara e sinfônicas. Em meados dos anos 1900, a popularidade da transmissão e gravação cresceu, permitindo novas oportunidades para os fagotistas e levando a um lento declínio das apresentações ao vivo. Grande parte da nova música para fagote no final do século XX e início do século XXI, muitas vezes incluiu técnicas estendidas e foi escrita para solo ou configurações de câmara. Uma peça que incluía técnicas estendidas era a Sequenza XII de Luciano Berio, que exigia dedilhados microtonais, glissandos e trinados timbrosos. Tonguing duplo e triplo, flutter tonguing, multifônicos, quartos de tom e canto são todos utilizados nas Concertazioni de Bruno Bartolozzi. como as Five Sacred Trees de John Williams e a Sonata para fagote e piano de André Previn. Houve também "desempenho" peças como a Sonata Abassoonata de Peter Schickele, que exigia que o fagotista fosse músico e ator. O quarteto de fagotes ganhou destaque nessa época, com peças como It Takes Four to Tango de Daniel Dorff.
Jazz
O fagote é raramente usado como instrumento de jazz e raramente é visto em um conjunto de jazz. Começou a aparecer na década de 1920, quando Garvin Bushell começou a incorporar o fagote em suas apresentações. Chamadas específicas para seu uso ocorreram no grupo de Paul Whiteman, nos octetos incomuns de Alec Wilder e em algumas outras aparições em sessões. Nas décadas seguintes, o instrumento foi usado apenas esporadicamente, já que o jazz sinfônico caiu em desuso, mas a década de 1960 viu artistas como Yusef Lateef e Chick Corea incorporarem o fagote em suas gravações. A instrumentação diversa e eclética de Lateef viu o fagote como uma adição natural (ver, por exemplo, The Centaur and the Phoenix (1960), que apresenta o fagote como parte de uma seção de sopro de 6 homens, incluindo alguns solos), enquanto Corea empregou o fagote em combinação com o flautista Hubert Laws.
Mais recentemente, Illinois Jacquet, Ray Pizzi, Frank Tiberi e Marshall Allen dobraram no fagote, além de suas apresentações no saxofone. A fagotista Karen Borca, intérprete de free jazz, é uma das poucas jazzistas a tocar apenas fagote; Michael Rabinowitz, o fagotista espanhol Javier Abad, e James Lassen, americano residente em Bergen, na Noruega, são outros. Katherine Young toca fagote nos conjuntos de Anthony Braxton. Lindsay Cooper, Paul Hanson, o fagotista brasileiro Alexandre Silvério, Trent Jacobs e Daniel Smith também utilizam atualmente o fagote no jazz. Os fagotistas franceses Jean-Jacques Decreux e Alexandre Ouzounoff gravaram jazz, explorando a flexibilidade do instrumento do sistema Buffet com bons resultados.
Música popular
Em conjunto com o uso de captadores eletrônicos e amplificação, o instrumento começou a ser usado mais em configurações de jazz e rock. No entanto, o fagote ainda é bastante raro como membro regular de bandas de rock. Vários sucessos da música pop dos anos 1960 apresentam o fagote, incluindo "The Tears of a Clown" de Smokey Robinson and the Miracles (o fagotista era Charles R. Sirard), "Jennifer Juniper" por Donovan, "59th Street Bridge Song" de Harpers Bizarre, e o fagote oompah subjacente à "Catedral de Winchester" da The New Vaudeville Band. De 1974 a 1978, o fagote foi tocado por Lindsay Cooper na banda de vanguarda britânica Henry Cow. A canção de Leonard Nimoy "The Ballad of Bilbo Baggins" apresenta o fagote. Na década de 1970 foi tocada, na banda britânica de rock medieval/progressivo Gryphon, por Brian Gulland, bem como pela banda americana Ambrosia, onde foi tocada pelo baterista Burleigh Drummond. A banda belga de rock em oposição Univers Zero também é conhecida pelo uso do fagote.
Mais recentemente, o álbum Hidden de These New Puritans, de 2010, faz uso intenso do instrumento; seu principal compositor, Jack Barnett, afirmou repetidamente estar "escrevendo muita música para fagote" na preparação para sua gravação. A banda de rock Better Than Ezra tirou seu nome de uma passagem de A Moveable Feast de Ernest Hemingway, na qual o autor comenta que ouvir uma pessoa irritantemente falante ainda é "melhor do que Ezra". aprendendo a tocar fagote, referindo-se a Ezra Pound.
A banda britânica de rock psicodélico/progressivo Knifeworld apresenta o fagote de Chloe Herrington, que também toca para a orquestra experimental de rock de câmara Chrome Hoof.
Fiona Apple apresentou o fagote na faixa de abertura de seu álbum de 2004 Extraordinary Machine.
Em 2016, o fagote foi destaque no álbum Gang Signs and Prayers do UK ”grime" artista Stormzy. Tocado pela fagotista britânica Louise Watson, o fagote é ouvido nas faixas "Cold" e "Sr. Skeng" como um complemento para as linhas de baixo de sintetizador eletrônico tipicamente encontradas neste gênero.
Técnica
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O fagote é segurado diagonalmente à frente do músico, mas ao contrário da flauta, oboé e clarinete, não pode ser facilmente sustentado apenas pelas mãos do músico. Geralmente é necessário algum meio de suporte adicional; os mais comuns são uma alça de assento presa à base da articulação do porta-malas, que é colocada no assento da cadeira antes de se sentar, ou uma alça de pescoço ou alça de ombro presa ao topo da articulação do porta-malas. Ocasionalmente, uma ponta semelhante à usada para o violoncelo ou o clarinete baixo é presa à parte inferior da junta do porta-malas e fica apoiada no chão. É possível jogar em pé se o jogador usar uma alça de pescoço ou arnês semelhante, ou se a alça do assento estiver amarrada ao cinto. Às vezes, um dispositivo chamado cabide de equilíbrio é usado ao jogar em pé. Este é instalado entre o instrumento e a alça de pescoço, e desloca o ponto de apoio para mais próximo do centro de gravidade, ajustando a distribuição de peso entre as duas mãos.
O fagote é tocado com as duas mãos em posição estacionária, a esquerda acima da direita, com cinco orifícios principais para os dedos na frente do instrumento (mais próximo do público) mais um sexto que é acionado por uma tecla aberta. Cinco teclas adicionais na frente são controladas pelos dedinhos de cada mão. A parte de trás do instrumento (mais próxima do músico) tem doze ou mais teclas para serem controladas pelos polegares, o número exato variando dependendo do modelo.
Para estabilizar a mão direita, muitos fagotistas usam um aparelho ajustável em forma de vírgula chamado "muleta", ou um descanso de mão, que é montado na articulação da bota. A muleta é fixada com um parafuso de polegar, que também permite ajustar a distância que se projeta do fagote. Os jogadores descansam a curva da mão direita onde o polegar se junta à palma contra a muleta. A muleta também evita que a mão direita se canse e permite que o músico mantenha as almofadas dos dedos planas nos orifícios dos dedos e nas teclas.
Um aspecto da técnica do fagote não encontrado em nenhum outro instrumento de sopro é chamado de flicking. Envolve o polegar da mão esquerda pressionando momentaneamente ou "batendo" as teclas A, C e D altas no início de certas notas na oitava intermediária para obter uma ligadura limpa de uma nota mais baixa. Isso elimina rachaduras ou breves multifônicos que acontecem sem o uso dessa técnica. O método alternativo é "desabafar", que exige que a chave de registro seja usada como parte do dedilhado completo, em vez de ser aberta momentaneamente no início da nota. Isso às vezes é chamado de "estilo europeu"; a ventilação aumenta ligeiramente a entonação das notas e pode ser vantajosa ao sintonizar frequências mais altas. Alguns fagotistas tocam A e B♭ quando articulado, para clareza de articulação, mas sacudir (ou desabafar) é praticamente onipresente para calúnias.
Enquanto o flicking é usado para aumentar as notas mais altas, a tecla sussurro é usada para notas mais baixas. Do A♭ logo abaixo Dó central e inferior, a tecla do sussurro é pressionada com o polegar esquerdo e mantida durante a nota. Isso evita rachaduras, pois as notas baixas às vezes podem quebrar em uma oitava mais alta. Tanto o toque rápido quanto o uso da tecla sussurrada são especialmente importantes para garantir que as notas falem corretamente durante a lentidão entre os registros agudos e graves.
Embora os fagotes sejam geralmente afinados de fábrica, o músico ainda assim tem um grande grau de flexibilidade de controle de afinação através do uso de suporte de respiração, embocadura e perfil de palheta. Os músicos também podem usar dedilhados alternativos para ajustar o tom de muitas notas. Semelhante a outros instrumentos de sopro, o comprimento do fagote pode ser aumentado para diminuir o tom ou diminuído para aumentar o tom. No fagote, isso é feito preferencialmente trocando o bocal por um de comprimento diferente (os comprimentos são indicados por um número no bocal, geralmente começando em 0 para o comprimento mais curto e 3 para o mais longo, mas existem alguns fabricantes quem usará outros números), mas é possível empurrar o bocal para dentro ou para fora ligeiramente para ajustar grosseiramente o tom.
Embocadura e produção de som
A embocadura do fagote é um aspecto muito importante na produção de um som completo, redondo e rico no instrumento. Os lábios estão enrolados sobre os dentes, muitas vezes com o lábio superior mais para frente em uma "sobremordida". Os lábios fornecem pressão micromuscular em toda a circunferência da palheta, que controla grosseiramente a entonação e a excitação harmônica e, portanto, deve ser constantemente modulada a cada mudança de nota. A distância ao longo da palheta em que os lábios são colocados afeta tanto o tom (com menos palheta na boca, tornando o som mais afiado ou "reedy", e mais palheta tornando-o suave e menos projétil) quanto a maneira como a palheta irá responder à pressão.
A musculatura empregada em uma embocadura de fagote é principalmente em torno dos lábios, que pressionam a palheta nas formas necessárias para o som desejado. A mandíbula é levantada ou abaixada para ajustar a cavidade oral para um melhor controle da palheta, mas os músculos da mandíbula são usados muito menos para pressão vertical ascendente do que em palhetas simples, sendo substancialmente empregados apenas no registro muito alto. No entanto, os alunos de palheta dupla geralmente "mordem" a palheta com esses músculos porque o controle e o tom dos músculos labiais e outros ainda estão se desenvolvendo, mas isso geralmente torna o som agudo e "abafado" enquanto contrai a abertura da palheta e abafa a vibração de suas lâminas.
Além da embocadura propriamente dita, os alunos também devem desenvolver tônus muscular substancial e controle no diafragma, garganta, pescoço e parte superior do tórax, que são todos empregados para aumentar e direcionar a pressão do ar. A pressão do ar é um aspecto muito importante do tom, entonação e projeção de instrumentos de palheta dupla, afetando essas qualidades tanto ou mais do que a embocadura.
Atacar uma nota no fagote com quantidades imprecisas de força muscular ou pressão de ar para a afinação desejada resultará em entonação ruim, rachaduras ou multifônicos, produzindo acidentalmente a parcial incorreta ou a palheta não falando nada. Esses problemas são agravados pelas qualidades individuais das palhetas, que são categoricamente inconsistentes no comportamento por razões inerentes e exerentes.
Os requisitos musculares e a variabilidade das palhetas significam que leva algum tempo para os fagotistas (e oboístas) desenvolverem uma embocadura que exiba um controle consistente em todas as palhetas, dinâmicas e ambientes de execução.
Dedilhado moderno
A técnica de digitação do fagote varia mais entre os músicos, por uma ampla margem, do que a de qualquer outro instrumento de sopro orquestral. O mecanismo e a acústica complexos significam que o fagote carece de dedilhados simples de boa qualidade de som ou entonação para algumas notas (especialmente na faixa mais alta), mas, inversamente, há uma grande variedade de dedilhados superiores, mas geralmente mais complicados para eles. Normalmente, os dedilhados mais simples para tais notas são usados como dedilhados alternativos ou trinados, e o fagotista usará como "dedilhado completo" uma ou várias das execuções mais complexas possíveis, para uma qualidade de som ideal. Os dedilhados usados ficam a critério do fagotista e, para passagens específicas, ele ou ela pode experimentar encontrar novos dedilhados alternativos que sejam idiomáticos para o músico.
Esses elementos resultaram em "completos" e dedilhados alternativos que diferem extensivamente entre os fagotistas, e são ainda informados por fatores como a diferença cultural em que som é procurado, como as palhetas são feitas e a variação regional nas frequências de afinação (necessitando dedilhados mais agudos ou mais planos). Enclaves regionais de fagotistas tendem a ter alguma uniformidade na técnica, mas em escala global, a técnica difere tanto que dois fagotistas podem não compartilhar dedilhados para certas notas. Devido a esses fatores, a onipresente técnica do fagote só pode ser notada parcialmente.
O polegar esquerdo opera nove teclas: B♭1, B1, C2, D2, D5 , C5 (também B4), duas teclas quando combinadas criam A4 e a tecla sussurrada. A tecla sussurrada deve ser pressionada para notas entre F2 e G< span class="music-sharp">♯3 e algumas outras notas; pode ser omitido, mas o tom se desestabilizará. Notas adicionais podem ser criadas com as teclas do polegar esquerdo; o R2 e a tecla inferior acima da tecla sussurrante na junta tenor (C< span class="music-sharp">♯ chave) juntos criam ambos C ♯3 e C♯4. A mesma tecla de junta tenor inferior também é usada, com dedilhado adicional, para criar E5 e F5. D5 e C5 juntos criam C♯5. Quando as duas teclas na junta tenor para criar A4 são usadas com dedilhado ligeiramente alterado na junta de inicialização, B♭4 foi criado. A tecla sussurrada também pode ser usada em determinados pontos do registro agudo do instrumento, juntamente com outros dedilhados, para alterar a qualidade do som conforme desejado.
O polegar direito opera quatro teclas. A tecla superior é usada para produzir B♭< /span>2 e B♭ 3, e pode ser usado em B4,F♯4, C5, D5, F5 e E♭5. A grande tecla circular, também conhecida como "tecla de panqueca", é pressionada para todas as notas mais baixas de E2 até B♭1. Também é usado, como a tecla do sussurro, em dedilhados adicionais para silenciar o som. Por exemplo, no "Boléro" de Ravel, o fagote é solicitado a tocar o ostinato em Sol4. Isso é fácil de executar com o dedilhado normal para G4, mas Ravel orienta que o músico também deve pressionar a tecla E2 (tecla de panqueca) para silenciar o som (este sendo escrito com o sistema Buffet em mente; o dedilhado G que envolve a tecla Bb - às vezes chamado de "Francês" G em Heckel). A próxima tecla operada pelo polegar direito é conhecida como "tecla de espátula": seu uso principal é produzir F♯2 e F♯3. A tecla mais baixa é usada com menos frequência: é usada para produzir A ♭2 (G♯2) e A♭3 (G♯3), de forma a evitar deslizar o quarto dedo direito de outra nota.
Os quatro dedos da mão esquerda podem ser usados em duas posições diferentes. A tecla normalmente operada pelo dedo indicador é usada principalmente para E5, servindo também para trinados no registro inferior. Sua principal atribuição é o orifício de tom superior. Este orifício pode ser fechado totalmente ou parcialmente rolando o dedo para baixo. Essa técnica de meio furo é usada para exagerar F♯3, G3 e G♯3. O dedo médio normalmente fica no orifício central da junta tenor. Ele também pode se mover para uma alavanca usada para E♭5, também uma tonalidade trinado. O dedo anelar opera, na maioria dos modelos, uma tecla. Alguns fagotes têm um Mi alternativo♭ chave acima do orifício de tom, predominantemente para trinados, mas muitos não. O dedo mínimo opera duas teclas laterais na articulação do baixo. A tecla inferior é normalmente usada para C♯< /span>2, mas pode ser usado para abafar ou abafar notas no registro de tenor. A tecla superior é usada para E♭2, E4, F4, F♯4, A4, B♭4, B4, C5, C♯5 e D5; ele nivela G3 e é o dedilhado padrão para ele em muitos lugares que afinam em níveis de Hertz mais baixos, como A440.
Os quatro dedos da mão direita têm pelo menos uma atribuição cada. O dedo indicador fica sobre um buraco, exceto quando E♭< /span>5 uma tecla lateral na parte superior da bota é usada (essa tecla também fornece um C♯3 trinado, embora sustenido em Ré). O dedo médio permanece estacionário sobre o orifício com um anel em volta dele, e este anel e outras almofadas são levantadas quando o dedo mínimo da mão direita empurra uma alavanca. O dedo anelar normalmente permanece estacionário na tecla inferior do dedo anelar. No entanto, a tecla do dedo anelar superior pode ser usada, normalmente para B♭2 e B♭3, no lugar da chave de polegar superior na frente da junta do porta-malas; essa tonalidade vem do oboé, e alguns fagotes não a possuem porque o dedilhado do polegar é praticamente universal. O dedo mínimo opera três teclas. A última, mais próxima do fagotista, é mantida pressionada durante a maior parte do registro do baixo. F♯4 pode ser criado com esta chave, assim como G4, B♭4, B4 e C5 (os três últimos empregando-o apenas para achatar e estabilizar o tom). A tecla mais baixa para o dedo mínimo da mão direita é usada principalmente para A♭2 (G♯2) e A♭3 (G♯3), mas pode ser usado para melhorar D5, E♭5 e F5. A tecla da frente é usada, além da tecla do polegar, para criar G♭2 e G♭3; em muitos fagotes, esta tecla opera um orifício de tom diferente da tecla do polegar e produz um Fá ligeiramente mais abafado♯ ("F duplicado♯"); algumas técnicas usam uma como padrão para ambas as oitavas e a outra para utilidade, mas outras usam a tecla do polegar para a inferior e o quarto dedo para a superior.
Técnicas estendidas
Muitas técnicas estendidas podem ser executadas no fagote, como multifônicos, vibração da língua, respiração circular, língua dupla e harmônicos. No caso do fagote, a vibração da língua pode ser realizada por "gargarejo" na parte de trás da garganta, bem como pelo método convencional de enrolar Rs. Os multifônicos no fagote são abundantes e podem ser alcançados usando dedilhados alternativos específicos, mas geralmente são fortemente influenciados pela posição da embocadura. Além disso, novamente usando certos dedilhados, notas podem ser produzidas no instrumento que soam mais baixas do que a extensão real do instrumento. Essas notas tendem a soar muito graves e desafinadas, mas tecnicamente soam abaixo do Si grave♭.
O fagotista também pode produzir notas mais graves do que o Si grave ♭ estendendo o comprimento do sino. Isso pode ser obtido inserindo uma "extensão A baixa" no sino, mas também pode ser obtido com um pequeno tubo de papel ou borracha ou um sino de clarinete/cor inglês dentro do sino do fagote (embora a nota possa tender aguda). O efeito disso é converter o Si menor♭ para uma nota mais baixa, quase sempre Lá natural; isso reduz amplamente a afinação do instrumento (mais perceptivelmente no registro mais baixo) e frequentemente converte o si mais baixo em si♭ (e torna o C vizinho muito plano). A ideia de usar lá baixo foi iniciada por Richard Wagner, que queria estender o alcance do fagote. Muitas passagens em suas óperas posteriores requerem o lá grave, bem como o si bemol imediatamente acima dele - isso é possível em um fagote normal usando uma extensão que também nivela o si bemol para si ♭, mas todas as extensões para o sino têm efeitos significativos na entonação e na qualidade do som no registro inferior do instrumento, e passagens como esta são mais frequentemente realizadas com relativa facilidade pelo contrafagote.
Alguns fagotes foram feitos especialmente para permitir que os fagotistas realizem passagens semelhantes. Estes fagotes são feitos com um "Wagner bell" que é um sino estendido com uma chave tanto para o lá grave quanto para o si bemol grave, mas eles não são generalizados; fagotes com sinos de Wagner sofrem problemas entoacionais semelhantes aos de um fagote com uma extensão A comum, e um fagote deve ser construído especificamente para acomodar um, tornando a opção de extensão muito menos complicada. Estender o alcance do fagote ainda mais baixo do que o A, embora possível, teria efeitos ainda mais fortes no tom e tornaria o instrumento efetivamente inutilizável.
Apesar das dificuldades logísticas da nota, Wagner não foi o único compositor a escrever o Lá grave. Outro compositor que exigiu que o fagote fosse cromático até o Lá grave é Gustav Mahler. Richard Strauss também pede o Lá grave em sua ópera Intermezzo. Algumas obras têm As baixo opcional, como no Quinteto de sopros de Carl Nielsen, op. 43, que inclui um Lá grave opcional para a cadência final da obra.
Aprendendo o fagote
O dedilhado complicado e o problema das palhetas tornam o fagote mais difícil de aprender do que alguns dos outros instrumentos de sopro. O custo é outro grande fator na decisão de uma pessoa de buscar o fagote. Os preços variam de US$ 7.000 a mais de US$ 45.000 para um instrumento de boa qualidade. Na América do Norte, os alunos normalmente pegam o fagote somente depois de começar em outro instrumento de palheta, como clarinete ou saxofone.
Estudantes na América geralmente começam a buscar o estudo da performance e técnica do fagote nos anos intermediários de sua educação musical. Os alunos geralmente recebem um instrumento escolar e são incentivados a buscar aulas com instrutores particulares. Os alunos normalmente recebem instruções sobre postura adequada, posição da mão, embocadura e produção de tom.
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