Dança
Dança é uma forma de arte que consiste em sequências de movimentos corporais com valor estético e muitas vezes simbólico, improvisados ou propositalmente selecionados. A dança pode ser categorizada e descrita por sua coreografia, por seu repertório de movimentos, feitos simultaneamente com música ou com instrumentos; ou por seu período histórico ou local de origem.
Uma distinção importante deve ser feita entre os contextos da dança teatral e dança participativa, embora essas duas categorias nem sempre sejam completamente separadas; ambos podem ter funções especiais, sejam elas sociais, cerimoniais, competitivas, eróticas, marciais, sagradas ou litúrgicas. Às vezes, diz-se que outras formas de movimento humano têm uma qualidade semelhante à dança, incluindo artes marciais, ginástica, líderes de torcida, patinação artística, nado sincronizado, bandas marciais e muitas outras formas de atletismo. A dança não se restringe apenas ao desempenho, pois a dança é usada como uma forma de exercício e, ocasionalmente, de treinamento para outros esportes e atividades. A própria dança também se tornou um esporte para alguns, com competições de dança encontradas em todo o mundo exibindo vários estilos e padrões diferentes.
A dança requer uma quantidade igual de foco cognitivo e força física. A forma de arte exigente, mas em evolução, permite que os indivíduos se expressem criativamente por meio do movimento, permitindo-lhes adaptar o movimento que possui um padrão rítmico e movimentos fluidos que atraem o público no palco ou no filme. A dança é considerada uma forma de arte esteticamente agradável.
Desempenho e participação
A dança teatral, também chamada de performance ou dança de concerto, destina-se principalmente a ser um espetáculo, geralmente uma performance em um palco por dançarinos virtuosos. Muitas vezes conta uma história, talvez usando mímica, figurino e cenário, ou então pode interpretar o acompanhamento musical, que muitas vezes é especialmente composto e executado em um cenário de teatro, mas não é um requisito. Exemplos são balé ocidental e dança moderna, dança clássica indiana, como Bharatanatyam, e dramas de dança e música chinesa e japonesa, como a dança do dragão. A maioria das formas clássicas é centrada apenas na dança, mas a dança performática também pode aparecer na ópera e em outras formas de teatro musical.
A dança participativa, por outro lado, seja uma dança folclórica, uma dança social, uma dança de grupo, como uma dança de linha, círculo, corrente ou quadrilha, ou uma dança de par, como é comum na dança de salão ocidental, é realizado principalmente para um propósito comum, como interação social ou exercício, ou construção de flexibilidade dos participantes, em vez de servir a qualquer benefício para os espectadores. Tal dança raramente tem qualquer narrativa. Uma dança de grupo e um corpo de balé, uma dança de parceiro social e um pas de deux, diferem profundamente. Mesmo uma dança solo pode ser realizada apenas para a satisfação do dançarino. Dançarinos participativos muitas vezes empregam os mesmos movimentos e passos, mas, por exemplo, na cultura rave da música eletrônica, grandes multidões podem se envolver em dança livre, descoordenada com aqueles ao seu redor. Por outro lado, algumas culturas estabelecem regras estritas quanto às danças particulares nas quais, por exemplo, homens, mulheres e crianças podem ou devem participar.
História
Evidências arqueológicas para a dança antiga incluem pinturas de 10.000 anos em Madhya Pradesh, Índia, nos Rock Shelters de Bhimbetka, e pinturas de túmulos egípcios retratando figuras dançantes, datadas de c. 3300 aC. Foi proposto que, antes da invenção das linguagens escritas, a dança era uma parte importante dos métodos orais e performáticos de transmissão de histórias de uma geração para outra. Acredita-se que o uso da dança em estados de transe extático e rituais de cura (como observado hoje em muitas culturas "primitivas" contemporâneas, da floresta tropical brasileira ao deserto de Kalahari) tenha sido outro fator inicial no desenvolvimento social de dança.
Referências à dança podem ser encontradas nos primeiros registros da história; A dança grega (horos) é referida por Platão, Aristóteles, Plutarco e Luciano. A Bíblia e o Talmud referem-se a muitos eventos relacionados à dança e contêm mais de 30 termos de dança diferentes. Na cerâmica chinesa desde o período neolítico, grupos de pessoas são retratados dançando em fila de mãos dadas, e a palavra chinesa mais antiga para "dança" é encontrado escrito nos ossos do oráculo. A dança é descrita mais detalhadamente no Lüshi Chunqiu. A dança primitiva na China antiga era associada a feitiçaria e rituais xamânicos.
Durante o primeiro milênio aC na Índia, muitos textos foram compostos que tentavam codificar aspectos da vida cotidiana. O Natyashastra de Bharata Muni (literalmente "o texto da dramaturgia") é um dos textos anteriores. Trata principalmente do drama, no qual a dança desempenha um papel importante na cultura indiana. Ele categoriza a dança em quatro tipos - secular, ritual, abstrato e interpretativo - e em quatro variedades regionais. O texto elabora vários gestos de mão (mudras) e classifica os movimentos dos vários membros, passos e assim por diante. Desde então, uma forte tradição contínua de dança continuou na Índia, até os tempos modernos, onde continua a desempenhar um papel na cultura, no ritual e, principalmente, na indústria de entretenimento de Bollywood. Muitas outras formas de dança contemporânea também podem ser rastreadas até a dança histórica, tradicional, cerimonial e étnica.
Música
A dança é geralmente, mas não exclusivamente, executada com acompanhamento de música e pode ou não ser executada no ritmo de tal música. Algumas danças (como sapateado) podem fornecer seu próprio acompanhamento audível no lugar de (ou além) da música. Muitas formas iniciais de música e dança foram criadas uma para a outra e são frequentemente executadas juntas. Exemplos notáveis de combinações tradicionais de dança e música incluem o gabarito, a valsa, o tango, a discoteca e a salsa. Alguns gêneros musicais têm uma forma de dança paralela, como a música barroca e a dança barroca; outras variedades de dança e música podem compartilhar nomenclatura, mas desenvolvidas separadamente, como música clássica e balé clássico. A coreografia e a música andam de mãos dadas, pois se complementam para expressar uma história contada pelo coreógrafo e/ou bailarinos.
Ritmo
Ritmo e dança estão profundamente ligados na história e na prática. O dançarino americano Ted Shawn escreveu; "A concepção de ritmo que fundamenta todos os estudos da dança é algo sobre o qual poderíamos falar para sempre, e ainda não terminar." Um ritmo musical requer dois elementos principais; primeiro, um pulso que se repete regularmente (também chamado de "batida" ou "tactus") que estabelece o andamento e, segundo, um padrão de acentos e pausas que estabelece o caráter da métrica ou padrão rítmico básico. O pulso básico é aproximadamente igual em duração a um simples passo ou gesto.
As danças geralmente têm um andamento e um padrão rítmico característicos. O tango, por exemplo, costuma ser dançado em 2
4 tempo em aproximadamente 66 batimentos por minuto. O passo lento básico, chamado de "slow", dura uma batida, de modo que um passo completo "direita-esquerda" passo é igual a um 2
4 medida. O andar básico para frente e para trás da dança é contado - "devagar-lento" – enquanto muitos números adicionais são contados "lento – rápido-rápido.
Assim como os ritmos musicais (por exemplo, batidas de bateria) são definidos por um padrão de batidas fortes e fracas, os movimentos repetitivos do corpo geralmente dependem de movimentos "fortes" e "fraco" movimentos musculares. Dada essa alternância de esquerda-direita, de frente-trás e sobe-desce, junto com a simetria bilateral do corpo humano, é natural que muitas danças e muita música sejam em compasso duplo e quádruplo. Uma vez que alguns desses movimentos requerem mais tempo em uma fase do que na outra – como o tempo mais longo necessário para levantar um martelo do que para golpear – alguns ritmos de dança caem igualmente naturalmente no compasso triplo. Ocasionalmente, como nas danças folclóricas dos Bálcãs, as tradições de dança dependem fortemente de ritmos mais complexos. Além disso, danças complexas compostas por uma sequência fixa de passos sempre requerem frases e melodias de certa duração fixa para acompanhar essa sequência.
.jpg)
O próprio ato de dançar, os próprios passos, geram um "esqueleto inicial de batidas rítmicas" isso deve ter precedido qualquer acompanhamento musical separado, enquanto a dança em si, tanto quanto a música, requer manutenção do tempo, assim como movimentos repetitivos utilitários como andar, puxar e cavar assumem, à medida que se tornam refinados, algo da qualidade da dança.
O acompanhamento musical, portanto, surgiu na dança mais antiga, de modo que os antigos egípcios atribuíram a origem da dança ao divino Athotus, que teria observado que a música que acompanhava os rituais religiosos fazia com que os participantes se movessem ritmicamente e trouxesse esses movimentos em medida proporcional. A mesma ideia, de que a dança surge do ritmo musical, ainda é encontrada na Europa renascentista nas obras do mestre da dança Guglielmo Ebreo da Pesaro, que fala da dança como um movimento físico que surge e expressa o movimento interior e espiritual concordando com o &# 34;medidas e acordos perfeitos de harmonia" que caem sobre o ouvido humano, enquanto, antes, Mechthild de Magdeburg, apreendendo a dança como um símbolo da vida santa prenunciada na vida de Jesus; dizendo "eu toquei e você não dançou", escreve;
Não posso dançar a não ser que tu conduzas. Se me deres brotar, canta tu e eu brotarei, em amor e de amor ao conhecimento e do conhecimento ao êxtase acima de todo o sentido humano
O célebre tratado de dança Orchésographie de Thoinot Arbeau do século XVI, de fato, começa com definições de mais de oitenta ritmos de bateria distintos.
.jpg)
Como foi mostrado acima, a dança tem sido representada ao longo dos tempos como tendo surgido como uma resposta à música, mas, como Lincoln Kirstein sugeriu, é pelo menos tão provável que a música primitiva tenha surgido da dança. Shawn concorda, afirmando que a dança "foi a primeira arte da raça humana e a matriz a partir da qual todas as outras artes surgiram". e que mesmo o "metro em nossa poesia hoje é resultado dos acentos necessários ao movimento do corpo, já que a dança e a recitação eram executadas simultaneamente" – uma afirmação um pouco apoiada pelo uso comum do termo "pé" para descrever as unidades rítmicas fundamentais da poesia.
Scholes, não um dançarino, mas um músico, oferece suporte a essa visão, afirmando que as medidas constantes da música, de dois, três ou quatro tempos no compasso, suas frases iguais e equilibradas, cadências regulares, contrastes e repetições, tudo pode ser atribuído ao "incalculável" influência da dança sobre a música.
Émile Jaques-Dalcroze, principalmente músico e professor, relata como um estudo dos movimentos físicos dos pianistas o levou "à descoberta de que as sensações musicais de natureza rítmica exigem a resposta muscular e nervosa do todo organismo', para desenvolver "um treinamento especial projetado para regular as reações nervosas e efetuar uma coordenação dos músculos e nervos" e, finalmente, buscar as conexões entre "a arte da música e a arte da dança", que ele formulou em seu sistema de euritmia. Ele concluiu que "o ritmo musical é apenas a transposição para o som de movimentos e dinamismos que expressam emoção de forma espontânea e involuntária".
Portanto, embora sem dúvida, como afirma Shawn, "é perfeitamente possível desenvolver a dança sem música e... a música é perfeitamente capaz de se sustentar sem qualquer ajuda da dança", no entanto, as "duas artes sempre estarão relacionadas e a relação pode ser proveitosa tanto para a dança quanto para a música", sendo discutível a precedência de uma arte sobre a outra. Os compassos comuns das baladas de hinos e canções folclóricas levam o nome da dança, assim como a canção de natal, originalmente uma dança circular. Muitas peças puramente musicais foram chamadas de "valsa" ou "minueto", por exemplo, enquanto muitas danças de concerto foram produzidas com base em peças musicais abstratas, como 2 e 3 partes Inventions, Adams Violin Concerto e Andantino. Da mesma forma, os poemas são frequentemente estruturados e nomeados a partir de danças ou obras musicais, enquanto a dança e a música traçaram sua concepção de "medida" ou "metro" da poesia.
Shawn cita com aprovação a afirmação de Dalcroze de que, enquanto a arte do ritmo musical consiste em diferenciar e combinar durações de tempo, pausas e acentos "de acordo com a lei fisiológica", a do "ritmo plástico& #34; (isto é, dança) "é designar movimento no espaço, interpretar valores de tempo longos por movimentos lentos e curtos por movimentos rápidos, regular pausas por suas diversas sucessões e expressar acentuações sonoras em suas múltiplas nuances por acréscimos de peso corporal, por meio de inervações musculares".
No entanto, Shawn aponta que o sistema de tempo musical é uma "coisa artificial, feita pelo homem...;, sendo "o tempo de fluxo contínuo que nossas mentes humanas dividem em unidades convenientes", sugerindo que a música pode ser revivida por um retorno aos valores e à percepção do tempo da dança.
A dançarina americana do início do século 20, Helen Moller, afirmou que "é o ritmo e a forma mais do que a harmonia e a cor que, desde o início, uniu música, poesia e dança em uma união indissolúvel. "
Abordagens
Teatral
A dança de concerto, como a ópera, geralmente depende, para sua forma em grande escala, de uma estrutura narrativa dramática. Os movimentos e gestos da coreografia têm como objetivo principal imitar a personalidade e os objetivos dos personagens e sua parte na trama. Tais requisitos teatrais tendem a movimentos mais longos e livres do que os usuais em estilos de dança não narrativos. Por outro lado, o ballet blanc, desenvolvido no século XIX, permite interlúdios de dança rítmica que evoluíram para formas totalmente "sem enredo" balés do século XX e que permitiam passos de dança rápidos e rítmicos como os do petit allegro. Um exemplo bem conhecido é The Cygnets' Dance no segundo ato de O Lago dos Cisnes.
O balé desenvolveu-se a partir de produções dramáticas da corte da França e da Itália dos séculos XVI e XVII e, por algum tempo, os dançarinos executaram danças desenvolvidas a partir daquelas familiares da suíte musical, todas definidas por ritmos definidos intimamente identificados com cada dança. Estes apareceram como danças de caráter na era do nacionalismo romântico.
O balé alcançou grande popularidade na era romântica, acompanhado por uma orquestra maior e concepções musicais grandiosas que não se prestavam facilmente à clareza rítmica e à dança que enfatizava a mímica dramática. Era necessário um conceito mais amplo de ritmo, o que Rudolf Laban chama de "ritmo e forma" de movimento que comunica caráter, emoção e intenção, enquanto apenas algumas cenas exigiam a sincronização exata de passo e música essenciais para outros estilos de dança, de modo que, para Laban, os europeus modernos pareciam totalmente incapazes de compreender o significado de "ritmo primitivo". movimentos', uma situação que começou a mudar no século 20 com produções como The Rite of Spring de Igor Stravinsky com sua nova linguagem rítmica evocando sentimentos primitivos de um passado primitivo.
Os estilos de dança clássica indiana, como o balé, são muitas vezes de forma dramática, de modo que existe uma complementaridade semelhante entre a expressão narrativa e a expressão "pura" dança. Nesse caso, os dois são definidos separadamente, embora nem sempre sejam executados separadamente. Os elementos rítmicos, que são abstratos e técnicos, são conhecidos como nritta. Tanto esta quanto a dança expressiva (nritya), porém, estão intimamente ligadas ao sistema rítmico (tala). Os professores adaptaram o sistema mnemônico rítmico falado chamado bol às necessidades dos dançarinos.
Os estilos de dança-teatro clássicos japoneses, como Kabuki e Noh, assim como a dança-drama indiana, distinguem entre produções de dança narrativas e abstratas. As três categorias principais de kabuki são jidaimono (histórico), sewamono (doméstico) e shosagoto (peças de dança). De maneira um tanto semelhante, Noh distingue entre Geki Noh, baseado no avanço do enredo e na narração da ação, e Furyū Noh, peças de dança envolvendo acrobacias, propriedades de palco, vários personagens e ação de palco elaborada.
Participativo e social
As danças sociais, aquelas destinadas à participação e não ao público, podem incluir várias formas de mímica e narrativa, mas normalmente são definidas muito mais próximas do padrão rítmico da música, de modo que termos como valsa e polca se referem tanto a peças musicais quanto à própria dança. O ritmo dos dançarinos os pés podem até formar uma parte essencial da música, como no sapateado. A dança africana, por exemplo, está enraizada em passos básicos fixos, mas também pode permitir um alto grau de interpretação rítmica: os pés ou o tronco marcam o pulso básico enquanto os ritmos cruzados são captados pelos ombros, joelhos ou cabeça, com o melhores bailarinos simultaneamente dando expressão plástica a todos os elementos do padrão polirrítmico.
Tradições culturais
África
.jpg)
A dança em África está profundamente integrada na sociedade e os grandes eventos de uma comunidade são frequentemente refletidos nas danças: danças são realizadas para nascimentos e funerais, casamentos e guerras. As danças tradicionais transmitem moral cultural, incluindo tradições religiosas e padrões sexuais; dar vazão a emoções reprimidas, como o luto; motivar os membros da comunidade a cooperar, seja lutando em guerras ou moendo grãos; realizar rituais espirituais; e contribuir para a coesão social.
Milhares de danças são realizadas em todo o continente. Estes podem ser divididos em estilos tradicionais, neotradicionais e clássicos: danças folclóricas de uma determinada sociedade, danças criadas mais recentemente na imitação de estilos tradicionais e danças transmitidas mais formalmente em escolas ou aulas particulares. A dança africana foi alterada por muitas forças, como missionários europeus e governos colonialistas, que muitas vezes suprimiram as tradições de dança locais como licenciosas ou perturbadoras. A dança nas culturas africanas contemporâneas ainda cumpre suas funções tradicionais em novos contextos; a dança pode celebrar a inauguração de um hospital, construir uma comunidade para migrantes rurais em cidades desconhecidas e ser incorporada às cerimônias da igreja cristã.
Ásia
Todas as danças clássicas indianas estão, em graus variados, enraizadas no Natyashastra e, portanto, compartilham características comuns: por exemplo, os mudras (posições das mãos), algumas posições do corpo, movimento das pernas e a inclusão de atuação dramática ou expressiva ou abhinaya. A música clássica indiana fornece acompanhamento e os dançarinos de quase todos os estilos usam sinos em volta dos tornozelos para contrapor e complementar a percussão.
Existem agora muitas variedades regionais de dança clássica indiana. Danças como "Odra Magadhi", que após décadas de debate, foram atribuídas aos dias atuais de Mithila, a forma de dança de Odissi (Orissi) da região de Odisha, indicam influência das danças nas interações culturais entre diferentes regiões.
A área de Punjab que se sobrepõe à Índia e ao Paquistão é o local de origem de Bhangra. É amplamente conhecido como um estilo de música e dança. Está principalmente relacionado a antigas celebrações de colheita, amor, patriotismo ou questões sociais. Sua música é coordenada por um instrumento musical chamado 'Dhol'. Bhangra não é apenas música, mas uma dança, uma celebração da colheita onde as pessoas batem o dhol (tambor), cantam Boliyaan (letras) e dançam. Desenvolveu-se ainda mais com o festival Vaisakhi dos Sikhs.
As danças do Sri Lanka incluem as danças do diabo (yakun natima), um ritual cuidadosamente elaborado que remonta ao passado pré-budista do Sri Lanka que combina o antigo "Ayurvédico& #34; conceitos de causação de doenças com manipulação psicológica e combina muitos aspectos, incluindo a cosmologia cingalesa. Sua influência pode ser vista nas danças clássicas do Sri Lanka.
As danças indonésias refletem a riqueza e a diversidade dos grupos étnicos e culturas indonésias. Existem mais de 1.300 grupos étnicos na Indonésia, isso pode ser visto nas raízes culturais dos povos austronésios e melanésios e várias influências culturais da Ásia e do Ocidente. As danças na Indonésia são originárias de movimentos rituais e cerimônias religiosas, esse tipo de dança geralmente começa com rituais, como danças de guerra, danças xamãs para curar ou afastar doenças, danças para chamar a chuva e outros tipos de danças. Com a aceitação da religião dharma no século I na Indonésia, o hinduísmo e os rituais budistas foram celebrados em várias apresentações artísticas. Épicos hindus como o Ramayana, o Mahabharata e também o Panji se tornaram a inspiração para serem exibidos em um drama de dança chamado "Sendratari" semelhante ao "balé" na tradição ocidental. Um método de dança elaborado e altamente estilizado foi inventado e sobreviveu até hoje, especialmente nas ilhas de Java e Bali. A dança javanesa Wayang wong leva imagens dos episódios do Ramayana ou Mahabharata, mas esta dança é muito diferente da versão indiana, as danças indonésias não prestam tanta atenção aos "mudras" como danças indianas: ainda mais para mostrar as formas locais. Acredita-se que a sagrada dança ritual javanesa Bedhaya remonte ao período Majapahit no século 14 ou mesmo antes, esta dança se originou de danças rituais realizadas por meninas virgens para adorar deuses hindus como Shiva, Brahma e Vishnu. Em Bali, a dança tornou-se parte integrante dos rituais sagrados do Dharma Hindu. Alguns especialistas acreditam que a dança balinesa vem de uma tradição de dança mais antiga de Java. Relevos de templos em Java Oriental do século 14 apresentam coroas e cocares semelhantes aos usados na dança balinesa hoje. O Islã começou a se espalhar pelo arquipélago indonésio quando as danças indígenas e as danças do dharma ainda eram populares. Artistas e dançarinos ainda usam estilos da época anterior, substituindo histórias por interpretações mais islâmicas e roupas mais fechadas de acordo com os ensinamentos islâmicos.
As danças do Oriente Médio são geralmente as formas tradicionais de dança circular que foram modernizadas até certo ponto. Eles incluiriam dabke, tamzara, dança folclórica assíria, dança curda, dança armênia e dança turca, entre outras. Todas essas formas de dança geralmente envolvem os participantes se envolvendo segurando as mãos ou os braços (dependendo do estilo da dança). Eles faziam movimentos rítmicos com as pernas e ombros enquanto se curvavam pela pista de dança. A cabeça da dança geralmente segurava uma bengala ou lenço.
Europa e América do Norte
As danças folclóricas variam em toda a Europa e podem datar de centenas ou milhares de anos, mas muitas têm características em comum, como a participação em grupo liderada por um chamador, segurar as mãos ou ligar os braços entre os participantes e formas musicais fixas conhecidas como caroles. Algumas, como a dança do mastro, são comuns a muitas nações, enquanto outras, como o céilidh e a polca, estão profundamente enraizadas em uma única cultura. Algumas danças folclóricas européias, como a quadrilha, foram trazidas para o Novo Mundo e posteriormente se tornaram parte da cultura americana.
O balé desenvolveu-se primeiro na Itália e depois na França a partir de luxuosos espetáculos da corte que combinavam música, drama, poesia, canto, figurinos e dança. Membros da nobreza da corte participaram como artistas. Durante o reinado de Luís XIV, ele próprio dançarino, a dança tornou-se mais codificada. Dançarinos profissionais começaram a ocupar o lugar dos amadores da corte e os mestres de balé foram licenciados pelo governo francês. A primeira academia de balé foi a Académie Royale de Danse (Royal Dance Academy), inaugurada em Paris em 1661. Pouco tempo depois, foi formada a primeira trupe de balé institucionalizada, associada à Academia; esta trupe começou como um conjunto exclusivamente masculino, mas em 1681 passou a incluir também mulheres.
A dança de concerto do século XX trouxe uma explosão de inovação no estilo de dança caracterizada por uma exploração da técnica mais livre. Os primeiros pioneiros do que ficou conhecido como dança moderna incluem Loie Fuller, Isadora Duncan, Mary Wigman e Ruth St. Denis. A relação da música com a dança serve de base para a Eurhythmics, idealizada por Emile Jaques-Dalcroze, que influenciou o desenvolvimento da dança moderna e do balé moderno por meio de artistas como Marie Rambert. A euritmia, desenvolvida por Rudolf Steiner e Marie Steiner-von Sivers, combina elementos formais reminiscentes da dança tradicional com o novo estilo mais livre e introduziu um novo vocabulário complexo para dançar. Na década de 1920, importantes fundadoras do novo estilo, como Martha Graham e Doris Humphrey, iniciaram seus trabalhos. Desde então, uma grande variedade de estilos de dança foi desenvolvida; ver Dança moderna.
A dança afro-americana desenvolveu-se em espaços quotidianos, mais do que em estúdios de dança, escolas ou companhias. Tap dance, disco, jazz dance, swing dance, hip hop dance, o lindy hop com sua relação com o rock and roll e o rock and roll dance tiveram uma influência global. Estilos de dança que fundem a técnica do balé clássico com a dança afro-americana também surgiram no século 21, incluindo o Hiplet.
América Latina
A dança é fundamental para a vida social e a cultura latino-americana. O samba brasileiro, o tango argentino e a salsa cubana são danças parceiras internacionalmente populares, e outras danças nacionais - merengue, cueca, plena, jarabe, joropo, marinera, cumbia, bachata e outras - são componentes importantes de seus respectivos países. culturas. As tradicionais festas carnavalescas incorporam essas e outras danças em grandes festejos.
A dança desempenhou um papel importante na formação de uma identidade coletiva entre os muitos grupos culturais e étnicos da América Latina. A dança serviu para unir os muitos povos africanos, europeus e indígenas da região. Certos gêneros de dança, como a capoeira, e movimentos corporais, especialmente as características quebradas ou balanços da pelve, foram banidos e celebrados de várias maneiras ao longo da história da América Latina.
Educação
Os estudos de dança são oferecidos através dos programas de artes e humanidades de muitas instituições de ensino superior. Algumas universidades oferecem bacharelado em artes e graus acadêmicos superiores em dança. Um currículo de estudo de dança pode abranger uma gama diversificada de cursos e tópicos, incluindo prática e performance de dança, coreografia, etnocoreologia, cinesiologia, notação de dança e terapia de dança. Mais recentemente, a terapia de dança e movimento foi integrada em algumas escolas em aulas de matemática para alunos com dificuldades de aprendizagem, deficiências emocionais ou comportamentais, bem como para aqueles com transtorno de déficit de atenção e hiperatividade (TDAH).
Ocupações
Dançarinos
Dançarinos profissionais geralmente são empregados por contrato ou para apresentações ou produções específicas. A vida profissional de um bailarino é geralmente uma situação de trabalho em constante mudança, forte pressão competitiva e baixos salários. Conseqüentemente, os dançarinos profissionais geralmente precisam complementar sua renda para alcançar a estabilidade financeira. Nos Estados Unidos, muitos dançarinos profissionais pertencem a sindicatos (como o American Guild of Musical Artists, Screen Actors Guild e Actors' Equity Association) que estabelecem condições de trabalho e salários mínimos para seus membros. Dançarinos profissionais devem possuir grande capacidade atlética. Para ter uma carreira de sucesso, é vantajoso ser versátil em vários estilos de dança, ter uma sólida formação técnica e usar outras formas de treinamento físico para se manter em forma e saudável.
Professores
Professores de dança geralmente se concentram no ensino de apresentações de dança ou no treinamento de dançarinos competitivos ou em ambos. Eles normalmente têm experiência em performance nos tipos de dança que ensinam ou treinam. Por exemplo, professores e treinadores de esportes de dança geralmente são dançarinos de torneios ou ex-artistas de esportes de dança. Os professores de dança podem ser autônomos ou empregados por escolas de dança ou instituições de educação geral com programas de dança. Alguns trabalham para programas universitários ou outras escolas associadas à dança clássica profissional (por exemplo, balé) ou companhias de dança moderna. Outros são empregados por escolas de dança privadas menores que oferecem treinamento de dança e treinamento de desempenho para vários tipos de dança.
Coreógrafos
Os coreógrafos são os que concebem os movimentos de dança dentro de uma dança, muitas vezes têm formação universitária e são normalmente empregados para projetos específicos ou, mais raramente, podem trabalhar por contrato como coreógrafo residente para uma companhia de dança específica.
Competições
Uma competição de dança é um evento organizado no qual os competidores executam danças perante um juiz ou juízes para prêmios e, em alguns casos, prêmios em dinheiro. Existem vários tipos principais de competições de dança, distinguidos principalmente pelo estilo ou estilos de danças executadas. As competições de dança são um cenário excelente para construir conexões com professores, jurados, coreógrafos e outros dançarinos líderes da indústria de estúdios concorrentes. Uma competição de dança típica para bailarinos pré-profissionais mais jovens pode durar entre dois e quatro dias, dependendo se é uma competição regional ou nacional.
O objetivo das competições de dança é proporcionar um local divertido e educativo para os dançarinos e dar-lhes a oportunidade de realizar suas rotinas coreografadas de sua atual temporada de dança no palco. Muitas vezes, as competições acontecem em um ambiente profissional ou podem variar para espaços não performáticos, como um teatro de colégio. Os resultados dos dançarinos são então ditados por um painel de juízes credível e são avaliados em seu desempenho do que recebem uma pontuação. No que diz respeito às categorias competitivas, a maioria das competições baseia suas categorias de acordo com o estilo de dança, idade, nível de experiência e número de dançarinos que competem na coreografia. Os principais tipos de competições de dança incluem:
- Dançasport, que é focado exclusivamente em salão de baile e dança latina.
- Dança competitiva, em que uma variedade de estilos de dança de teatro, como acrobacias, ballet, jazz, hip-hop, lírico, pisando e tap, são permitidos.
- Dança comercial, consistindo de como hip hop, jazz, bloqueio, popping, breakdancing, contemporâneo etc.
- Estilo único competições, tais como; dança highland, equipe de dança e dança irlandesa, que só permitem um único estilo de dança.
- Abrir competições, que permitem uma grande variedade de estilos de dança. Um exemplo disso é o programa de TV Então você acha que pode dançar.
- Olimpíadas, Dance tem tentado fazer parte do esporte olímpico desde 1930.
Competições de dança televisionadas
Existem inúmeros programas de competição de dança apresentados na televisão e outros meios de comunicação de massa, incluindo NBC's World Of Dance, NBC's Dancing With Myself, Dancing With The Stars, etc.
Diplomacia da dança
Durante as décadas de 1950 e 1960, o intercâmbio cultural da dança era uma característica comum da diplomacia internacional, especialmente entre as nações do leste e sul da Ásia. A República Popular da China, por exemplo, desenvolveu uma fórmula para a diplomacia da dança que buscava aprender e expressar respeito pelas tradições estéticas de estados recém-independentes que foram ex-colônias europeias, como Indonésia, Índia e Birmânia, como uma demonstração de solidariedade anticolonial.
Saúde
Calçado
Na maioria das modalidades de dança o pé é a fonte do movimento, sendo necessário em alguns casos calçados específicos para auxiliar na saúde, segurança e habilidade do bailarino, dependendo do tipo de dança, da intensidade dos movimentos, e da superfície que será dançada.
Os calçados de dança podem ser potencialmente favoráveis e/ou restritivos ao movimento do dançarino. A eficácia do calçado está relacionada com a sua capacidade de ajudar o pé a fazer algo para o qual não se destina, ou de facilitar um movimento difícil. Tais efeitos dizem respeito à saúde e à segurança devido ao funcionamento do equipamento como antinatural à mobilidade habitual do corpo.
Balé
O balé se destaca pelos riscos de lesões devido à biomecânica do tornozelo e dos dedos como principal suporte para o restante dos movimentos. Com a sapatilha de ponta, o design traz especificamente todos os dedos juntos para permitir que os dedos fiquem em pé por longos períodos de tempo.
Existem acessórios associados às sapatilhas de ponta que ajudam a mitigar lesões e aliviar a dor durante a dança, incluindo coisas como biqueiras, fita adesiva e almofadas.
Imagem corporal
Dançarinos são publicamente considerados muito preocupados com sua imagem corporal para se adequar a um certo molde na indústria. A pesquisa indica que os dançarinos têm maior dificuldade em controlar seus hábitos alimentares, pois muitos lutam pela massa corporal ideal da forma de arte. Alguns dançarinos costumam recorrer a táticas abusivas para manter uma certa imagem. Cenários comuns incluem dançarinos abusando de laxantes para controle de peso e acabam caindo em distúrbios alimentares pouco saudáveis. Estudos mostram que uma grande quantidade de bailarinos utiliza pelo menos um método de controle de peso incluindo excesso de exercícios e restrição alimentar. A pressão para que os dançarinos mantenham um peso abaixo da média afeta seus comportamentos alimentares e de controle de peso e seu estilo de vida. Devido à sua natureza artística, os dançarinos tendem a ter muitas tendências autocríticas hostis. Comumente visto em artistas, é provável que uma variedade de indivíduos possa ser resistente a conceitos de autocompaixão.
Transtornos Alimentares
Distúrbios alimentares em dançarinos geralmente são muito comuns publicamente. Por meio da análise de dados e estudos publicados, foram extraídos dados suficientes sobre a porcentagem e a precisão que os dançarinos têm de cair realisticamente em hábitos alimentares desordenados não saudáveis ou no desenvolvimento de um distúrbio alimentar. Dançarinos, em geral, têm um risco maior de desenvolver transtornos alimentares do que o público em geral, caindo principalmente em anorexia nervosa e EDNOS. A pesquisa ainda não distinguiu uma correlação direta em relação aos dançarinos com maior risco de desenvolver bulimia nervosa. Estudos concluíram que os dançarinos em geral têm um risco três vezes maior de desenvolver distúrbios alimentares, mais especificamente anorexia nervosa e EDNOS.
Mídia social
TikTok
A dança tornou-se um aspecto fundamental do aplicativo popular e uma categoria primária que influencia a cultura jovem de hoje. Os desafios de dança se tornaram uma forma popular de conteúdo em muitas plataformas de mídia social, incluindo o TikTok. Durante 2020, as danças do TikTok ofereceram uma fuga para indivíduos isolados brincarem e se conectarem por meio do formato virtual. Com a fácil acessibilidade do TikTok a uma variedade de filtros e efeitos especiais diferentes, o aplicativo tornou a filmagem de si mesmo dançando ao som de uma música divertida e fácil. Desde sua estreia em 2017, o aplicativo atraiu um público pequeno, mas crescente, de dançarinos profissionais entre 20 e 30 anos. Embora a maioria desse grupo demográfico esteja mais acostumada a se apresentar no palco, este aplicativo introduziu uma nova era de dança na tela.
Galeria
Dança folclórica – um trio de Stepdancers irlandeses realizando em competição
Dança popular na Estónia
Uma dançarina contemporânea executa um salto de divisão de veado.
Parceiro de dança – um dançarino masculino ajuda uma dançarina feminina na realização de um arabesco, como parte de um pas deux clássico.
Dança acrobática – um dançarino acro executa uma antena frontal.
Uma dançarina executa uma "subida de dedo do pé", na qual ela se levanta de uma posição ajoelhada a uma posição de pé no topo de seus pés.
Dança social – dançarinos em uma dança conjunta juke o Jitterbug, uma dança do início do século 20 que iria continuar a influenciar o swing, jive e dança do jazz.
Dançarinos de salão de baile latim realizam o Tango.
A dança de Gumboot evoluiu dos sinais de estomping usados como comunicação codificada entre trabalhadores em minas sul-africanas.
Harlequin e Columbina do teatro de mímicas em Copenhaga, Dinamarca
Uma dançarina de hip-hop demonstra aparecer.
Dança erótica – uma dançarina de pólo executa uma rotina.
Dança profissional – uma performance de dançarino de fogo
Dança moderna – uma dançarina feminina realiza uma separação de perna enquanto equilibrada na parte de trás de seu parceiro.
Dança do palco – uma dançarina profissional no Teatro Bolshoi
Uma representação do artista do século XIX de um dançarino flamenco
Dança ritual – Os dançarinos do povo armênio celebram um ano novo neo-pagan.
Um casal de salão de baile de latim realiza uma rotina de Samba em um evento de dança.
Dança folclórica – algumas tradições de dança viajam com comunidades imigrantes, como com esta dança do festival realizada por uma comunidade polonesa na Turquia.
Um bailarino realiza uma separação de pé.
Dança de rua – um Breakdancer executa um truque de mão.
Dançarina clássica indiana
Ballet classe de jovens meninas vestindo leotards e saias em 2017
Kebagh dança de Pagar Alam, Indonésia
Dança balinesa
.jpg)
.jpeg)
Contenido relacionado
Lista de pintores poloneses
Afresco
Django Reinhardt