Cinema da China

O cinema da China é um dos três segmentos históricos distintos do cinema de língua chinesa, juntamente com o cinema de Hong Kong e o cinema de Taiwan.

O cinema foi introduzido na China em 1896 e o primeiro filme chinês, Dingjun Mountain, foi feito em 1905. Nas primeiras décadas, a indústria cinematográfica estava centrada em Xangai. A década de 1920 foi dominada por pequenos estúdios e filmes comerciais, especialmente no gênero de ação wuxia. O primeiro filme sonoro, Sing-Song Girl Red Peony, utilizando a tecnologia sound-on-disc, foi feito em 1931. A década de 1930, considerada o primeiro "Período Dourado" do cinema chinês, viu o advento do movimento cinematográfico de esquerda. A disputa entre nacionalistas e comunistas se refletiu nos filmes produzidos. Após a invasão japonesa da China e a ocupação de Xangai, a indústria na cidade foi severamente reduzida, com os cineastas se mudando para Hong Kong, Chungking (Chongqing) e outros lugares. Uma "Ilha Solitária" período começou em Xangai, onde os cineastas que ficaram trabalharam nas concessões estrangeiras. No final desse período, foi lançado Princess Iron Fan (1941), o primeiro longa-metragem de animação chinês. Influenciou a animação japonesa do tempo de guerra e mais tarde Osamu Tezuka. Depois de ser totalmente engolfada pela ocupação em 1941, e até o fim da guerra em 1945, a indústria cinematográfica da cidade ficou sob controle japonês.

Após o fim da guerra, ocorreu uma segunda era de ouro, com a retomada da produção em Xangai. Spring in a Small Town (1948) foi eleito o melhor filme em chinês no 24º Hong Kong Film Awards. Após a revolução comunista em 1949, os filmes nacionais que já haviam sido lançados e uma seleção de filmes estrangeiros foram proibidos em 1951, marcando um discurso de censura cinematográfica na China. Apesar disso, a frequência ao cinema aumentou acentuadamente. Durante a Revolução Cultural, a indústria cinematográfica foi severamente restringida, quase parando de 1967 a 1972. A indústria floresceu após o fim da Revolução Cultural, incluindo os "dramas da cicatriz" da década de 1980, como Evening Rain (1980), Legend of Tianyun Mountain (1980) e Hibiscus Town (1986), retratando a emoção traumas deixados pelo período. Começando em meados da década de 1980, com filmes como One and Eight (1983) e Yellow Earth (1984), a ascensão da Quinta Geração trouxe maior popularidade aos chineses cinema no exterior, especialmente entre o público de arte ocidental. Filmes como Red Sorghum (1987), The Story of Qiu Ju (1992) e Farewell My Concubine (1993) ganharam importantes prêmios internacionais. O movimento terminou parcialmente após os protestos e massacres da Praça da Paz Celestial em 1989. O período pós-1990 viu o surgimento da Sexta Geração e da pós-Sexta Geração, ambos fazendo filmes fora do principal sistema cinematográfico chinês, que exibiam principalmente no circuito internacional de festivais de cinema.

Após o sucesso comercial internacional de filmes como Crouching Tiger, Hidden Dragon (2000) e Hero (2002), o número de coproduções em língua chinesa o cinema aumentou e houve um movimento do cinema de língua chinesa em um domínio de influência internacional em larga escala. Após The Dream Factory (1997) ter demonstrado a viabilidade do modelo comercial e com o crescimento da bilheteria chinesa no novo milênio, os filmes chineses quebraram recordes de bilheteria e, a partir de janeiro de 2017, 5 dos 10 filmes de maior bilheteria na China são produções domésticas. Perdidos na Tailândia (2012) foi o primeiro filme chinês a alcançar ¥1 bilhão RMB nas bilheterias chinesas. Monster Hunt (2015) foi o primeiro a atingir ¥2 bilhões RMB. The Mermaid (2016) foi o primeiro a ¥3 bilhões RMB. Wolf Warrior 2 (2017) venceu-os e se tornou o filme de maior bilheteria na China.

A China abriga o maior complexo de produção de filmes e dramas e estúdios de cinema do mundo, o Oriental Movie Metropolis e o Hengdian World Studios, e em 2010 tinha a terceira maior indústria cinematográfica em número de longas-metragens produzidos anualmente. Em 2012, o país se tornou o segundo maior mercado do mundo em receita de bilheteria. Em 2016, a bilheteria bruta na China foi de ¥45,71 bilhões RMB (US$ 6,58 bilhões). O país tem o maior número de telas do mundo desde 2016 e deve se tornar o maior mercado teatral até 2019. A China também se tornou um importante centro de negócios para os estúdios de Hollywood.

Em novembro de 2016, a China aprovou uma lei de cinema que proíbe conteúdo considerado prejudicial à "dignidade, honra e interesses" da República Popular e incentivando a promoção dos "valores centrais socialistas", aprovados pelo Comitê Permanente do Congresso Nacional Popular. Devido aos regulamentos da indústria, os filmes normalmente podem permanecer nos cinemas por um mês. No entanto, os estúdios podem solicitar aos reguladores a extensão do limite.

Nos últimos anos, o público chinês tem se interessado cada vez mais por [filmes em língua chinesa] produzidos no país. Os valores de produção em filmes nacionais têm aumentado. De acordo com a empresa de pesquisa Ampere Analysis, os filmes nacionais representaram 85% da bilheteria da China em 2020. Aynne Kokas, professora de estudos de mídia da Universidade da Virgínia e autora do livro "Hollywood Made in China". #34; afirmou que, "Existem blockbusters chineses que os cineastas chineses estão fazendo que as pessoas querem assistir, e eles se sentem menos derivados do que aqueles feitos em Hollywood." Os altos ganhos de bilheteria de filmes chineses de 2021 como "Hi, Mom" e "A Batalha no Lago Changjin" indicou que a indústria cinematográfica doméstica chinesa alcançou a autossuficiência e não precisa do apelo do público internacional para produzir filmes de sucesso comercial.

Filmes patrióticos recentes foram rotulados como filmes de propaganda pela grande mídia ocidental. No entanto, Richard Peña, professor da Escola de Artes da Universidade de Columbia, em Nova York, disse à VOA em relação à alegação de "propaganda" rótulo de que era mais uma questão de perspectiva de "quem vê". Ian Huffer, professor sênior de estudos de mídia na Massey University, acrescentou que "os sucessos de bilheteria chineses mais recentes que foram caracterizados como propaganda pelo jornalismo ocidental são realmente mais parecidos com os filmes de Hollywood ao longo dos anos que usaram conflitos militares para evocar o sentimento ufanista". ou que mostram os EUA salvando o mundo de uma catástrofe global'.

Início

1926 Filme de Tianyi Senhora Meng Jiang, estrelando Hu Die

As imagens em movimento foram introduzidas na China em 1896. A China foi um dos primeiros países a ser exposto ao meio do filme, devido a Louis Lumière ter enviado seu cinegrafista a Xangai um ano depois de inventar a cinematografia. A primeira exibição registrada de um filme na China ocorreu em Xangai em 11 de agosto de 1896, como uma "ação" em uma conta de variedade. O primeiro filme chinês, uma gravação da ópera de Pequim, Dingjun Mountain, foi feito em novembro de 1905 em Pequim. Na década seguinte, as empresas de produção eram principalmente de propriedade estrangeira, e a indústria cinematográfica nacional estava centrada em Xangai, um próspero entreposto e a maior cidade do Extremo Oriente. Em 1913, o primeiro roteiro chinês independente, O Casal Difícil, foi filmado em Xangai por Zheng Zhengqiu e Zhang Shichuan. Zhang Shichuan então fundou a primeira produtora de filmes de propriedade chinesa em 1916. O primeiro longa-metragem foi Yan Ruisheng (閻瑞生) lançado em 1921. que era um docudrama sobre o assassinato de um Cortesã de Xangai, embora fosse um filme muito tosco para ser considerado um sucesso comercial. Durante a década de 1920, técnicos de cinema dos Estados Unidos treinaram técnicos chineses em Xangai, e a influência americana continuou a ser sentida lá pelas duas décadas seguintes. Como o cinema ainda estava em seus estágios iniciais de desenvolvimento, a maioria dos filmes mudos chineses da época eram apenas esquetes cômicos ou curtas-metragens operísticos, e o treinamento era mínimo em um aspecto técnico devido a este ser um período de filme experimental.

Mais tarde, após tentativa e erro, a China foi capaz de se inspirar em seus próprios valores tradicionais e começou a produzir filmes de artes marciais, sendo o primeiro Burning of Red Lotus Temple (1928). Burning of Red Lotus Temple teve tanto sucesso de bilheteria que a produção da Star Motion Pictures (Mingxing) filmou mais tarde 18 sequências, marcando o início dos estimados filmes de artes marciais da China. Muitos imitadores se seguiram, incluindo U. Lien (Youlian) Studio's Red Heroine (1929), que ainda existe. Foi durante esse período que algumas das produtoras mais importantes surgiram, notadamente a Mingxing e a produção dos irmãos Shaw. Tianyi ("Único"). Mingxing, fundada por Zheng Zhengqiu e Zhang Shichuan em 1922, inicialmente focada em curtas-metragens, incluindo o mais antigo filme chinês completo sobrevivente, Laborer's Love (1922). Isso logo mudou, no entanto, para longas-metragens e dramas familiares, incluindo Orphan Rescues Grandfather (1923). Enquanto isso, Tianyi mudou seu modelo para dramas folclóricos e também entrou em mercados estrangeiros; seu filme White Snake (1926) provou ser um exemplo típico de seu sucesso nas comunidades chinesas do Sudeste Asiático. Em 1931, foi feito o primeiro filme sonoro chinês Sing-Song Girl Red Peony, produto de uma cooperação entre a produção de imagens da Mingxing Film Company e a tecnologia de som da Pathé Frères. No entanto, o som foi gravado em disco, que foi reproduzido no cinema em sincronia com a ação na tela. O primeiro talkie sound-on-film feito na China foi Spring on Stage (歌場春色) de Tianyi, ou Clear Sky After Storm de Great China Studio e Jinan Studio. Filmes musicais, como Song at Midnight (1937) e Street Angels (1937), estrelado por Zhou Xuan, tornaram-se um dos gêneros cinematográficos mais populares na China.

Movimento de esquerda

Ruan Lingyu, de 20 anos, uma estrela durante a era do filme silencioso, em Amor e dever (1931).

No entanto, os primeiros filmes chineses verdadeiramente importantes foram produzidos a partir da década de 1930, com o advento do cinema "progressivo" ou "de esquerda" movimento, como Spring Silkworms de Cheng Bugao (1933), A Deusa de Wu Yonggang (1934) e A Grande Estrada, também conhecida como A Grande Estrada (1934). Esses filmes foram notados por sua ênfase na luta de classes e ameaças externas (ou seja, agressão japonesa), bem como por seu foco em pessoas comuns, como uma família de fazendeiros de seda em Spring Silkworms e uma prostituta em A Deusa. Em parte devido ao sucesso desses tipos de filmes, esta era pós-1930 é agora frequentemente referida como o primeiro "período de ouro" do cinema chinês. O movimento cinematográfico esquerdista geralmente girava em torno de Xangai, influenciada pelo Ocidente, onde os cineastas retratavam a classe baixa em dificuldades de uma cidade superpovoada.

Três empresas de produção dominaram o mercado no início e meados da década de 1930: a recém-formada Lianhua ("China Unida"), a mais antiga e maior Mingxing e a Tianyi. Tanto Mingxing quanto Lianhua se inclinaram para a esquerda (a administração de Lianhua talvez mais), enquanto Tianyi continuou a fazer uma tarifa menos socialmente consciente.

Jin Yan, um ator chinês nascido na Coreia, destaque em A estrada grande (1935), que ganhou fama durante a era dourada do cinema da China.

O período também produziu as primeiras grandes estrelas do cinema chinês, como Hu Die, Ruan Lingyu, Li Lili, Chen Yanyan, Zhou Xuan, Zhao Dan e Jin Yan. Outros grandes filmes do período incluem Love and Duty (1931), Little Toys (1933), New Women (1934), Song of the Fishermen (1934), Plunder of Peach and Plum (1934), Crossroads (1937) e Street Angel (1937). Ao longo da década de 1930, os nacionalistas e os comunistas lutaram pelo poder e controle sobre os grandes estúdios; sua influência pode ser vista nos filmes que os estúdios produziram nesse período.

Ocupação japonesa e Segunda Guerra Mundial

Zhou Xuan, uma cantora e atriz de cinema icônica chinesa.

A invasão japonesa da China em 1937, em particular a Batalha de Xangai, pôs fim a esta corrida de ouro do cinema chinês. Todas as produtoras, exceto a Xinhua Film Company ("Nova China"), fecharam as portas e muitos dos cineastas fugiram de Xangai, mudando-se para Hong Kong, a capital nacionalista do tempo de guerra, Chongqing, e outros lugares. A indústria cinematográfica de Xangai, embora severamente reduzida, não parou, levando assim à "Ilha Solitária" período (também conhecido como "Ilha Única" ou "Ilha Órfã"), com as concessões estrangeiras de Xangai servindo como uma "ilha" de produção no "mar" do território ocupado pelos japoneses. Foi nesse período que os artistas e diretores que permaneceram na cidade tiveram que caminhar sobre uma linha tênue entre permanecer fiéis às suas crenças esquerdistas e nacionalistas e às pressões japonesas. Hua Mu Lan, do diretor Bu Wancang, também conhecido como Mulan se junta ao exército (1939), com a história de um jovem camponês chinês lutando contra uma invasão estrangeira, foi um exemplo particularmente bom da produção cinematográfica contínua de Xangai em meio à guerra. Este período terminou quando o Japão declarou guerra aos aliados ocidentais em 7 de dezembro de 1941; a ilha solitária foi finalmente engolfada pelo mar da ocupação japonesa. Com a indústria de Xangai firmemente sob o controle japonês, foram produzidos filmes como Eternity (1943), promotor da Esfera de Co-Prosperidade do Grande Leste Asiático. No final da Segunda Guerra Mundial, uma das mais polêmicas empresas autorizadas pelo Japão, a Manchukuo Film Association, seria separada e integrada ao cinema chinês.

Segunda idade de ouro

Wang Danfeng no filme Música de New Fisherman's (1942)

A indústria cinematográfica continuou a se desenvolver depois de 1945. A produção em Xangai foi retomada novamente quando uma nova safra de estúdios ocupou o lugar que os estúdios Lianhua e Mingxing haviam ocupado na década anterior. Em 1945, Cai Chusheng voltou a Xangai para reviver o nome Lianhua como a "Lianhua Film Society com Shi Dongshan, Meng Junmou e Zheng Junli." Este, por sua vez, tornou-se o Kunlun Studios, que se tornaria um dos estúdios mais importantes da época (o Kunlun Studios se fundiu com sete outros estúdios para formar o estúdio de cinema de Xangai em 1949), lançando os clássicos The Spring River Flows East (1947), Miriad of Lights (1948), Crows and Sparrows (1949) e Wanderings of Three-Hairs the Orphan, também conhecido como San Mao, O Pequeno Vagabundo (1949). Muitos desses filmes mostraram a desilusão com o regime opressivo do Partido Nacionalista de Chiang Kai-shek e a luta contra a opressão da nação pela guerra. The Spring River Flows East, uma dupla de três horas de duração dirigida por Cai Chusheng e Zheng Junli, foi um sucesso particularmente forte. Sua descrição das lutas dos chineses comuns durante a Segunda Guerra Sino-Japonesa, repleta de comentários sociais e políticos mordazes, tocou o público da época.

Enquanto isso, empresas como a Wenhua Film Company ("Culture Films") afastaram-se da tradição esquerdista e exploraram a evolução e o desenvolvimento de outros gêneros dramáticos. Wenhua tratou os problemas do pós-guerra de maneira universalista e humanística, evitando a narrativa familiar e as fórmulas melodramáticas. Excelentes exemplos da tarifa de Wenhua são seus dois primeiros longas do pós-guerra, Love Everlasting (Bu liaoqing, 1947) e Fake Bride, Phony Bridegroom (1947). Outro filme memorável de Wenhua é Long Live the Missus (1947), como Love Everlasting com roteiro original da escritora Eileen Chang. O drama romântico de Wenhua Primavera em uma pequena cidade (1948), um filme do diretor Fei Mu pouco antes da revolução, é frequentemente considerado pelos críticos de cinema chineses como um dos filmes mais importantes da a história do cinema chinês, em 2005, o filme de Hong Kong premia-o como o melhor filme dos 100 anos. Ironicamente, foi justamente sua qualidade artística e aparente falta de "embasamento político" isso levou à sua rotulação pelos comunistas como direitista ou reacionário, e o filme foi rapidamente esquecido por aqueles no continente após a vitória comunista na China em 1949. No entanto, com a reabertura do Arquivo Cinematográfico da China após o Festival Cultural Revolution, uma nova impressão foi tirada do negativo original, permitindo que Primavera da Pequena Cidade encontrasse um novo e admirável público e influenciasse toda uma nova geração de cineastas. De fato, um aclamado remake foi feito em 2002 por Tian Zhuangzhuang. Um filme chinês de ópera de Pequim, Um casamento no sonho (1948), do mesmo diretor (Fei Mu), foi o primeiro filme colorido chinês.

Início da era comunista

Com a revolução comunista na China em 1949, o governo viu os filmes como uma importante forma de arte de produção em massa e uma ferramenta de propaganda. A partir de 1951, os filmes chineses anteriores a 1949, as produções de Hollywood e Hong Kong foram banidos, pois o Partido Comunista Chinês procurou aumentar o controle sobre a mídia de massa, produzindo filmes centrados em camponeses, soldados e trabalhadores, como Bridge (1949) e A Garota dos Cabelos Brancos (1950). Uma das bases de produção no meio de toda a transição foi o Changchun Film Studio.

Os estúdios privados em Xangai, incluindo Kunming, Wenhua, Guotai e Datong, foram encorajados a fazer novos filmes de 1949 a 1951. Eles fizeram aproximadamente 47 filmes durante este período, mas logo tiveram problemas, devido ao furor sobre o Drama produzido por Kunlun The Life of Wu Xun (1950), dirigido por Sun Yu e estrelado pelo veterano Zhao Dan. O recurso foi acusado em um artigo anônimo no Diário do Povo em maio de 1951 de espalhar ideias feudais. Depois que foi revelado que o artigo foi escrito por Mao Zedong, o filme foi banido, um Comitê Diretor do Filme foi formado para "reeducar" a indústria cinematográfica e em dois anos, esses estúdios privados foram todos incorporados ao estatal Shanghai Film Studio.

O regime comunista resolveu o problema da falta de salas de cinema construindo unidades móveis de projeção que podiam percorrer as regiões remotas da China, garantindo que até os mais pobres pudessem ter acesso aos filmes. Em 1965, havia cerca de 20.393 dessas unidades. O número de espectadores de cinema aumentou acentuadamente, em parte reforçado pelo fato de que os ingressos de cinema eram distribuídos às unidades de trabalho e a frequência era obrigatória, com ingressos subindo de 47 milhões em 1949 para 4,15 bilhões em 1959. Nos 17 anos entre a fundação da República Popular da China e da Revolução Cultural, foram produzidos 603 longas-metragens e 8.342 bobinas de documentários e cinejornais, patrocinados principalmente como propaganda comunista pelo governo. Por exemplo, em Guerrilla on the Railroad (铁道游击队), datado de 1956, o Partido Comunista Chinês foi retratado como a principal força de resistência contra os japoneses na guerra contra a invasão. Cineastas chineses foram enviados a Moscou para estudar o estilo de cinema do realismo socialista soviético. A Academia de Cinema de Pequim foi fundada em 1950 e, em 1956, a Academia de Cinema de Pequim foi oficialmente inaugurada. Um filme importante dessa época é This Life of Mine (1950), dirigido por Shi Hu, que segue um velho mendigo refletindo sobre sua vida passada como policial trabalhando para vários regimes desde 1911. O primeiro O filme chinês widescreen foi produzido em 1960. Filmes de animação usando uma variedade de artes folclóricas, como recortes de papel, jogos de sombras, marionetes e pinturas tradicionais, também eram muito populares para entreter e educar as crianças. O mais famoso deles, o clássico Havoc in Heaven (duas partes, 1961, 4), foi feito por Wan Laiming dos Wan Brothers e ganhou o prêmio de Melhor Filme no Festival Internacional de Cinema de Londres.

O degelo da censura em 1956-1957 (conhecido como a Campanha das Cem Flores) e o início dos anos 1960 levaram à produção de mais filmes chineses indígenas, menos dependentes de seus equivalentes soviéticos. Durante esta campanha, as críticas mais contundentes vieram das comédias satíricas de Lü Ban. Antes da chegada do novo diretor expõe as relações hierárquicas ocorridas entre os quadros, enquanto seu próximo filme, A Comédia Inacabada (1957), foi rotulado como uma "erva daninha venenosa& #34; durante o Movimento Anti-Direitista e Lü foi proibido de dirigir por toda a vida. A Comédia Inacabada só foi exibido após a morte de Mao. Outros filmes notáveis produzidos durante este período foram adaptações de clássicos literários, como Sang Hu's O Sacrifício de Ano Novo (1956; adaptado de uma história de Lu Xun) e Shui Hua' 39;s The Lin Family Shop (1959; adaptado de uma história de Mao Dun). O cineasta mais proeminente dessa época foi Xie Jin, cujos três filmes em particular, Woman Basketball Player No. 5 (1957), The Red Detachment of Women (1961) e Two Stage Sisters (1964), exemplifica o aumento da experiência da China em fazer filmes durante esse período. Os filmes feitos nesse período são polidos e exibem alto valor de produção e cenários elaborados. Embora Pequim e Xangai continuassem sendo os principais centros de produção, entre 1957 e 1960 o governo construiu estúdios regionais em Guangzhou, Xián e Chengdu para encorajar representações de minorias étnicas em filmes. O cinema chinês começou a abordar diretamente a questão dessas minorias étnicas durante o final dos anos 1950 e início dos anos 1960, em filmes como Five Golden Flowers (1959), Third Sister Liu (1960), Servos (1963), Ashima (1964).

Filmes da Revolução Cultural

Durante a Revolução Cultural, a indústria cinematográfica foi severamente restringida. Quase todos os filmes anteriores foram proibidos e apenas alguns novos foram produzidos, as chamadas "óperas modelo revolucionárias". O mais notável deles foi uma versão para balé da ópera revolucionária O Destacamento Vermelho das Mulheres, dirigida por Pan Wenzhan e Fu Jie em 1970. A produção de longas-metragens quase parou nos primeiros anos de 1967 a 1972. A produção de filmes reviveu depois de 1972 sob a estrita jurisdição da Gangue dos Quatro até 1976, quando foram derrubados. Os poucos filmes produzidos durante esse período, como Breaking with Old Ideas de 1975, foram altamente regulamentados em termos de enredo e caracterização.

Revolução Pós-Cultural

Boom de bilheteria após a Revolução Cultural

Nos anos que se seguiram à Revolução Cultural, a indústria cinematográfica voltou a florescer como um meio de entretenimento popular. A produção aumentou constantemente, de 19 longas em 1977 para 125 em 1986. Os filmes produzidos internamente foram exibidos para grandes audiências e os ingressos para festivais de cinema estrangeiros venderam rapidamente. A indústria tentou reviver as multidões, tornando os produtos mais inovadores e "exploratórios" filmes como suas contrapartes no Ocidente.

Depois que a Revolução Cultural terminou em 1976, o cinema chinês cresceu significativamente no final dos anos 1970. Em 1979, as bilheterias anuais atingiram um pico de 29,3 bilhões de ingressos vendidos, equivalente a uma média de 30 filmes por pessoa. O cinema chinês continuou a prosperar no início dos anos 1980. Em 1980, a bilheteria anual ficou em 23,4 bilhões de ingressos vendidos, equivalente a uma média de 29 filmes por pessoa. Em termos de bilheteria, esse período representou o pico de bilheteria da história da bilheteria chinesa. As altas vendas de ingressos foram impulsionadas pelos baixos preços dos ingressos, com um ingresso de cinema custando normalmente entre ¥0,1 ($0,06) e ¥0,3 ($0.19) na época.

Vários filmes durante esse período atraíram centenas de milhões de ingressos nas bilheterias. O filme de maior bilheteria da China em bilheteria foi Legend of the White Snake (1980), com uma estimativa de 700 milhões de ingressos, seguido por In-Laws (Full House of Joy) [zh] (1981) e The Undaunted Wudang (1983) com mais de 600 milhões de ingressos vendidos cada. O filme estrangeiro de maior bilheteria foi o filme japonês Kimi yo Fundo no Kawa o Watare (1976), lançado em 1978 e vendeu mais de 330 milhões ingressos, seguido pelo filme indiano Caravana (1971) que foi lançado em 1979 e vendeu cerca de 300 milhões de ingressos.

No final da década de 1980, a indústria cinematográfica passou por tempos difíceis, enfrentando o duplo problema da competição de outras formas de entretenimento e a preocupação por parte das autoridades de que muitos dos populares filmes de suspense e artes marciais eram socialmente inaceitáveis. Em janeiro de 1986, a indústria cinematográfica foi transferida do Ministério da Cultura para o recém-formado Ministério do Rádio, Cinema e Televisão, para colocá-la sob "controle e gestão mais rígidos". e "reforçar a supervisão sobre a produção."

"Dramas de cicatrizes"

O fim da Revolução Cultural trouxe o lançamento de "dramas de cicatriz" (傷痕剧 shānghén jù), que retratava os traumas emocionais deixados por esse período. O mais conhecido deles é provavelmente Hibiscus Town de Xie Jin (1986), embora eles possam ser vistos até a década de 1990 com The Blue Kite" de Tian Zhuangzhuang. (1993). Na década de 1980, a crítica aberta de certas políticas anteriores do Partido Comunista foi encorajada por Deng Xiaoping como uma forma de revelar os excessos da Revolução Cultural e da campanha anti-direita anterior, também ajudando a legitimar as novas políticas de Deng de " 34;reforma e abertura." Por exemplo, o prêmio de Melhor Filme no Golden Rooster Awards de 1981 foi concedido a dois "dramas de cicatrizes", Evening Rain (Wu Yonggang, Wu Yigong, 1980) e Lenda da Montanha Tianyun (Xie Jin, 1980).

Muitos dramas de cicatrizes foram feitos por membros da Quarta Geração cujas próprias carreiras ou vidas sofreram durante os eventos em questão, enquanto os diretores mais jovens da Quinta Geração, como Tian, tendiam a se concentrar em assuntos menos controversos do presente imediato ou distante passado. O entusiasmo oficial por dramas de cicatrizes diminuiu na década de 1990, quando os cineastas mais jovens começaram a confrontar os aspectos negativos da era Mao. The Blue Kite, embora compartilhando um assunto semelhante aos dramas de cicatrizes anteriores, tinha um estilo mais realista e foi feito apenas ofuscando seu roteiro real. Exibido no exterior, foi proibido de ser lançado na China continental, enquanto o próprio Tian foi proibido de fazer qualquer filme por quase uma década depois. Após os protestos e massacres da Praça Tiananmen em 1989, poucos ou nenhum drama de cicatriz foi lançado internamente na China continental.

Ascensão da quinta geração

Cinemas em Chengyang (Qingdao, Shandong)

A partir de meados da década de 1980, a ascensão da chamada quinta geração de cineastas chineses aumentou a popularidade do cinema chinês no exterior. A maioria dos cineastas que compunham a Quinta Geração formou-se na Academia de Cinema de Pequim em 1982 e incluía Zhang Yimou, Tian Zhuangzhuang, Chen Kaige, Zhang Junzhao, Li Shaohong, Wu Ziniu e outros. Esses graduados constituíram o primeiro grupo de cineastas a se formar desde a Revolução Cultural e logo abandonaram os métodos tradicionais de contar histórias e optaram por uma abordagem simbólica mais livre e heterodoxa. Depois que a chamada literatura de cicatrizes na ficção abriu caminho para uma discussão franca, Um e Oito de Zhang Junzhao (1983) e Terra Amarela de Chen Kaige i> (1984), em particular, foram tomadas para marcar o início da Quinta Geração. Os diretores mais famosos da Quinta Geração, Chen Kaige e Zhang Yimou, produziram obras célebres como King of the Children (1987), Ju Dou (1989), Raise the Red Lantern (1991) e Farewell My Concubine (1993), que foram aclamados não apenas pelos cinéfilos chineses, mas também pelo público da arte ocidental. Os filmes de Tian Zhuangzhuang, embora menos conhecidos pelos espectadores ocidentais, foram bem observados por diretores como Martin Scorsese. Foi durante esse período que o cinema chinês começou a colher os frutos da atenção internacional, incluindo o Urso de Ouro de 1988 por Red Sorghum, o Leão de Ouro de 1992 por A História de Qiu Ju, a Palma de Ouro de 1993 por Farewell My Concubine e três indicações ao Oscar de Melhor Filme Estrangeiro. Todos esses filmes premiados estrelaram a atriz Gong Li, que se tornou a estrela mais reconhecida da Quinta Geração, especialmente para o público internacional.

Diversos em estilo e assunto, os diretores da Quinta Geração' os filmes variaram da comédia negra (The Black Cannon Incident, de Huang Jianxin, 1985) ao esotérico (Life on a String, de Chen Kaige, 1991)., mas eles compartilham uma rejeição comum da tradição socialista-realista trabalhada pelos primeiros cineastas chineses na era comunista. Outros diretores notáveis da Quinta Geração incluem Wu Ziniu, Hu Mei, Li Shaohong e Zhou Xiaowen. Os cineastas da Quinta Geração reagiram contra a pureza ideológica do cinema da Revolução Cultural. Ao se mudar para estúdios regionais, eles começaram a explorar a realidade da cultura local de uma forma um tanto documental. Em vez de histórias retratando lutas militares heróicas, os filmes foram construídos a partir do drama da vida cotidiana das pessoas comuns. Eles também mantiveram a vantagem política, mas visavam explorar questões em vez de reciclar políticas aprovadas. Enquanto os filmes da Revolução Cultural usavam personagens, os diretores mais jovens favoreciam a profundidade psicológica nos moldes do cinema europeu. Eles adotaram enredos complexos, simbolismo ambíguo e imagens evocativas. Algumas de suas obras mais ousadas com conotações políticas foram proibidas pelas autoridades chinesas.

Esses filmes vieram com um gênero criativo de histórias, um novo estilo de filmagem também, os diretores utilizaram muitas cores e planos gerais para apresentar e explorar a história e a estrutura da cultura nacional. Como os novos filmes eram tão intrincados, os filmes eram para um público mais educado do que qualquer coisa. O novo estilo foi lucrativo para alguns e ajudou os cineastas a progredir nos negócios. Permitia aos realizadores fugir da realidade e mostrar o seu sentido artístico.

A Quarta Geração também voltou à proeminência. Dado seu título após a ascensão da Quinta Geração, esses eram diretores cujas carreiras foram paralisadas pela Revolução Cultural e que foram treinados profissionalmente antes de 1966. Wu Tianming, em particular, fez contribuições notáveis ajudando a financiar os principais diretores da Quinta Geração sob o sob os auspícios do Xi'an Film Studio (que assumiu em 1983), continuando a fazer filmes como Old Well (1986) e The King of Masks (1996).

O movimento da Quinta Geração terminou em parte após os protestos e massacres da Praça Tiananmen em 1989, embora seus principais diretores continuassem a produzir obras notáveis. Vários de seus cineastas foram para o exílio auto-imposto: Wu Tianming mudou-se para os Estados Unidos (mas depois voltou), Huang Jianxin partiu para a Austrália, enquanto muitos outros foram para trabalhos relacionados à televisão.

Dramas melódicos principais

Durante um período em que os dramas socialistas começavam a perder audiência, o governo chinês começou a se envolver mais profundamente no mundo da cultura popular e do cinema, criando o gênero oficial da "melodia principal" (主旋律 zhǔxuánlǜ), inspirado nos avanços de Hollywood em dramas musicais. Em 1987, o Ministério do Rádio, Cinema e Televisão emitiu uma declaração incentivando a produção de filmes que enfatizam a melodia principal para "revigorar o espírito nacional e o orgulho nacional". A expressão melodia principal refere-se ao termo musical leitmotif, que se traduz no 'tema de nossos tempos', que os estudiosos sugerem ser representativo da China's clima sócio-político e contexto cultural do cinema popular. Esses filmes de melodia principal, ainda produzidos regularmente nos tempos modernos, tentam emular o mainstream comercial pelo uso de música ao estilo de Hollywood e efeitos especiais. Uma característica significativa desses filmes é a incorporação de uma "canção vermelha", que é uma música escrita como propaganda para apoiar a República Popular da China. Ao girar o filme em torno do tema de uma canção vermelha, o filme é capaz de ganhar força nas bilheterias, já que as canções são geralmente consideradas mais acessíveis do que um filme. Teoricamente, uma vez que a canção vermelha domine as paradas, ela despertará o interesse pelo filme que a acompanha.

Os dramas melódicos principais geralmente são subsidiados pelo estado e têm livre acesso ao governo e aos militares. O governo chinês gasta entre "um e dois milhões de RMBs" anualmente para apoiar a produção de filmes no gênero melodia principal. O August 1st Film Studio, o braço de produção de filmes e TV do Exército Popular de Libertação, é um estúdio que produz cinema de melodia principal. Os filmes de melodia principal, que muitas vezes retratam combates militares anteriores ou são cinebiografias de líderes de primeira geração do PCCh, ganharam vários prêmios de Melhor Filme no Golden Rooster Awards. Alguns dos dramas de melodia principal mais famosos incluem o épico de dez horas Decisive Engagement (大决战, 1991), dirigido por Cai Jiawei, Yang Guangyuan e Wei Lian; A Guerra do Ópio (1997), dirigido por Xie Jin; e A Fundação de uma República (2009), dirigido por Han Sanping e o diretor da Quinta Geração, Huang Jianxin. A Fundação de um Exército (2017) foi encomendado pelo governo para comemorar o 90º aniversário do Exército Popular de Libertação e é o terceiro capítulo da série A Fundação de uma República. O filme contou com muitos jovens cantores pop chineses que já estão bem estabelecidos na indústria, incluindo Li Yifeng, Liu Haoran e Lay Zhang, para aumentar a reputação do filme como um drama melódico principal.

A sexta geração

A era pós-1990 foi rotulada como o "retorno do cineasta amador" como as políticas de censura do estado após as manifestações da Praça da Paz Celestial produziram um movimento cinematográfico underground ousado vagamente referido como a Sexta Geração. Devido à falta de financiamento e apoio do estado, esses filmes foram rodados de forma rápida e barata, usando materiais como filme de 16 mm e vídeo digital e principalmente atores e atrizes não profissionais, produzindo uma sensação de documentário, muitas vezes com tomadas longas, câmeras portáteis., e som ambiente; mais parecido com o neorrealismo italiano e o cinéma vérité do que as produções muitas vezes exuberantes e muito mais ponderadas da Quinta Geração. Ao contrário da Quinta Geração, a Sexta Geração traz uma visão de vida mais individualista e anti-romântica e presta muito mais atenção à vida urbana contemporânea, especialmente afetada pela desorientação, rebelião e insatisfação com as tensões econômicas e sociais contemporâneas da China. fundo cultural abrangente. Muitos foram feitos com um orçamento extremamente baixo (um exemplo é Jia Zhangke, que filma em vídeo digital e anteriormente em 16 mm; The Days (1993) de Wang Xiaoshuai foi feito por US$ 10.000). O título e os assuntos de muitos desses filmes refletem as preocupações da Sexta Geração. A Sexta Geração tem interesse em indivíduos marginalizados e nas franjas menos representadas da sociedade. Por exemplo, o livro portátil de Zhang Yuan, Beijing Bastards (1993), enfoca a subcultura punk jovem, apresentando artistas como Cui Jian, Dou Wei e He Yong, desaprovados por muitas autoridades estaduais, enquanto Jia O filme de estreia de Zhangke, Xiao Wu (1997), trata de um batedor de carteiras provinciano.

À medida que a Sexta Geração ganhou exposição internacional, muitos filmes subsequentes foram joint ventures e projetos com patrocinadores internacionais, mas permaneceram resolutamente discretos e de baixo orçamento. A Platform de Jia (2000) foi parcialmente financiada pela produtora de Takeshi Kitano, enquanto sua Still Life foi filmada em vídeo HD. Still Life foi uma adição surpresa e vencedor do Leão de Ouro do Festival Internacional de Cinema de Veneza de 2006. Still Life, que diz respeito aos trabalhadores provinciais da região das Três Gargantas, contrasta fortemente com as obras dos diretores chineses da Quinta Geração, como Zhang Yimou e Chen Kaige, que na época produziam House of Flying Daggers (2004) e A promessa (2005). Não apresentava nenhuma estrela de renome internacional e era representado principalmente por não profissionais.

Muitos filmes da Sexta Geração destacaram os atributos negativos da entrada da China no mercado capitalista moderno. Blind Shaft de Li Yang (2003), por exemplo, é um relato de dois vigaristas assassinos na não regulamentada e notoriamente perigosa indústria de mineração do norte da China. (Li recusou o título de Sexta Geração, embora admitisse que não era da Quinta Geração). Já The World (2004), de Jia Zhangke, enfatiza o vazio da globalização no cenário de um parque de diversões com temática internacional.

Alguns dos diretores mais prolíficos da Sexta Geração que surgiram são Wang Xiaoshuai (The Days, Beijing Bicycle, So Long, My Son), Zhang Yuan (Bastardos de Pequim, Palácio Leste, Palácio Oeste), Jia Zhangke (Xiao Wu, Prazeres Desconhecidos, Plataforma, O mundo, Um toque de pecado, Montanhas podem partir, As cinzas são o mais puro branco ), He Jianjun (Carteiro) e Lou Ye (Rio Suzhou, Palácio de Verão). Um diretor de sua geração que não compartilha a maioria das preocupações da Sexta Geração é Lu Chuan (Kekexili: Mountain Patrol, 2004; City of Life and Death, 2010).

Diretores notáveis da sexta geração

No Festival de Cinema de Cannes de 2018, dois cineastas da sexta geração da China, Jia Zhangke e Zhang Meng – cujos trabalhos sombrios transformaram o cinema chinês na década de 1990 – foram exibidos na Riviera Francesa. Embora ambos os diretores representem o cinema chinês, seus perfis são bem diferentes. Jia, de 49 anos, montou o Festival Internacional de Cinema de Pingyao em 2017 e, por outro lado, é Zhang, um professor de escola de cinema de 56 anos que passou anos trabalhando em comissões do governo e programas de TV domésticos depois de lutar com seus próprios projetos.. Apesar de seus perfis diferentes, eles marcam uma importante pedra angular no cinema chinês e ambos são creditados por trazer filmes chineses para a tela grande internacional. O mais recente filme do diretor chinês Jia Zhangke, Ash Is Purest White, foi selecionado para competir na competição oficial da Palma de Ouro do 71º Festival de Cinema de Cannes, o maior prêmio concedido em o festival de cinema. É o quinto filme de Jia, um drama de vingança de gângsteres que é seu filme mais caro e popular até hoje. Em 2013, Jia ganhou o prêmio de Melhor Roteiro por A Touch of Sin, após indicações para Prazeres Desconhecidos em 2002 e 24 City em 2008. Em 2014, foi membro do júri oficial e no ano seguinte o seu filme Mountains May Depart foi nomeado. De acordo com o site de entretenimento Variety, um número recorde de filmes chineses foi inscrito este ano, mas apenas o drama romântico de Jia foi selecionado para concorrer à Palma de Ouro. Enquanto isso, Zhang fará sua estreia em Cannes com The Pluto Moment, um drama de relacionamento lento sobre uma equipe de cineastas em busca de locações e talentos musicais no interior rural da China. O filme é a produção de maior destaque de Zhang até agora, pois é estrelado pelo ator Wang Xuebing no papel principal. O filme foi parcialmente financiado pela iQiyi, a empresa por trás de um dos sites de compartilhamento de navegação de vídeo online mais populares da China. Diao Yinan também é um membro notável da sexta geração, cujos trabalhos incluem Black Coal Thin Ice, Wild Goose Lake, Night Train e Uniform, que estrearam em festivais como Cannes e foram aclamados no exterior.

Outros diretores

He Ping é um diretor de filmes de faroeste ambientados na China. Seus Swordsmen in Double Flag Town (1991) e Sun Valley (1995) exploram narrativas ambientadas no terreno esparso do oeste da China, perto do deserto de Gobi. Seu drama histórico Red Firecracker, Green Firecracker (1994) ganhou uma infinidade de prêmios no país e no exterior.

No cinema recente, diretores de fotografia chineses dirigiram alguns filmes aclamados. Além de Zhang Yimou, Lü Yue fez Sr. Zhao (1998), um filme de humor negro bem recebido no exterior. O épico minimalista de Gu Changwei, Peacock (2005), sobre uma família chinesa tranquila e comum com três irmãos muito diferentes na era pós-Revolução Cultural, levou para casa o prêmio Urso de Prata do Festival Internacional de Berlim de 2005 Festival de Cinema. Hou Yong é outro diretor de fotografia que fez filmes (Jasmine Women, 2004) e séries de TV. Existem atores que ocupam os papéis duplos de atuar e dirigir. Xu Jinglei, uma popular atriz chinesa, fez seis filmes até hoje. Seu segundo filme, Carta de uma Mulher Desconhecida (2004), lhe rendeu o prêmio de Melhor Diretor do Festival Internacional de Cinema de San Sebastián. Outra atriz e diretora popular é Zhao Wei, cuja estreia na direção So Young (2013) foi um grande sucesso de bilheteria e crítica.

O ator-diretor chinês mais conceituado é, sem dúvida, Jiang Wen, que dirigiu vários filmes aclamados pela crítica enquanto seguia sua carreira de ator. Sua estreia na direção, In the Heat of the Sun (1994) foi o primeiro filme da RPC a ganhar o prêmio de Melhor Filme no Golden Horse Film Awards realizado em Taiwan. Seus outros filmes, como Devils on the Doorstep (2000, Grande Prêmio de Cannes) e Let the Bullets Fly (2010), foram igualmente bem recebidos. No início de 2011, Let the Bullets Fly havia se tornado o filme doméstico de maior bilheteria da história da China.

Movimento independente de DGeneration

Há um número crescente de cineastas independentes de sétima ou pós-sexta geração fazendo filmes com orçamentos extremamente baixos e usando equipamentos digitais. São os chamados dGeneration (para digital). Esses filmes, como os dos cineastas da Sexta Geração, são feitos principalmente fora do sistema cinematográfico chinês e são exibidos principalmente no circuito internacional de festivais de cinema. Ying Liang e Jian Yi são dois desses cineastas de geração. Ying's Taking Father Home (2005) e The Other Half (2006) são ambos representativos das tendências de geração do longa-metragem. Liu Jiayin realizou dois longas-metragens dGeneration, Oxhide (2004) e Oxhide II (2010), confundindo a linha entre documentário e filme narrativo. Oxhide, feito por Liu quando ela era estudante de cinema, enquadra ela e seus pais em seu claustrofóbico apartamento em Pequim em uma narrativa elogiada pela crítica. Um Elefante Sentado, considerado uma das maiores estreias do cinema chinês, é também o único filme do falecido Hu Bo.

Novo movimento documental

Duas décadas de reforma e comercialização trouxeram mudanças sociais dramáticas na China continental, refletidas não apenas no cinema de ficção, mas também em um crescente movimento documental. Os 70 minutos de Wu Wenguang Bumming in Beijing: The Last Dreamers (1990) é agora visto como uma das primeiras obras deste "Novo Movimento Documentário" (NDM) na China. Bumming, realizado entre 1988 e 1990, contém entrevistas com cinco jovens artistas que ganham a vida em Pequim, sujeitos a tarefas autorizadas pelo Estado. Filmado com uma filmadora, o documentário termina com quatro dos artistas se mudando para o exterior após os protestos e massacres da Praça da Paz Celestial em 1989. Dance with the Farm Workers (2001) é outro documentário de Wu.

Outro documentário aclamado internacionalmente é o conto de nove horas de desindustrialização de Wang Bing Tie Xi Qu: West of the Tracks (2003). Os documentários subsequentes de Wang, He Fengming (2007), Crude Oil (2008), Man with no name (2009), Três Irmãs (2012) e Feng ai (2013), consolidaram sua reputação como um dos principais documentaristas do movimento.

Li Hong, a primeira mulher no NDM, em Out of Phoenix Bridge (1997) relata a história de quatro jovens mulheres, que se mudaram das áreas rurais para as grandes cidades como milhões de outros homens e mulheres, vieram para Pequim para ganhar a vida.

O Movimento do Novo Documentário nos últimos tempos se sobrepôs ao cinema dGeneration, com a maioria dos documentários sendo filmados de forma barata e independente no formato digital. Xu Xin's Karamay (2010), Zhao Liang's Behemoth, Huang Weikai's Disorder (2009), Zhao Dayong's Ghost Town (2009), Du Haibing's 1428 (2009), Xu Tong's Fortune Teller (2009) e Tape de Li Ning (2010) foram todos filmados em formato digital. Todos marcaram presença no cenário documental internacional e o uso do formato digital permite obras de maior duração.

Animação

Antes da década de 1950

Inspirados no sucesso da animação Disney, os pioneiros autodidatas irmãos Wan, Wan Laiming e Wan Guchan, realizaram o primeiro curta de animação chinês na década de 1920, inaugurando assim a história da animação chinesa. (Chen Yuanyuan 175) Muitos filmes de ação ao vivo da era republicana também incluíam sequências animadas.

Em 1937, os irmãos Wan decidiram produzir 《铁扇公主》 Princess Iron Fan, que foi o primeiro longa-metragem de animação chinês e o quarto, depois dos longas americanos Branca de Neve , As viagens de Gulliver e As aventuras de Pinóquio. Foi nessa época que a animação chinesa como forma de arte ganhou destaque no cenário mundial. Concluído em 1941, o filme foi lançado pela China United Pictures e despertou uma grande repercussão na Ásia. O animador japonês Shigeru Tezuka disse uma vez que desistiu da medicina depois de assistir ao desenho animado e decidiu seguir a animação.

1950–1980

Durante esta era de ouro, a animação chinesa desenvolveu uma variedade de estilos, incluindo animação a tinta, animação de jogo de sombras, animação de marionetes e assim por diante. Algumas das obras mais representativas são 《大闹天宫》 Revolta no Céu, 《哪吒闹海》 Rebelião de Nezha no Mar e 《天书奇谈》 Heavenly Book, que também ganhou elogios e inúmeros prêmios em todo o mundo.

1980–1990

Após o período de reforma de Deng Xiaoping e a "abertura" da China, os filmes《葫芦兄弟》 Calabash Brothers, 《黑猫警长》Black Cat Sheriff, 《阿凡提》Avanti Story e outros filmes de animação impressionantes foram lançados. No entanto, nessa época, a China ainda favorecia as obras de animação japonesas mais exclusivas, com influência americana e europeia, em detrimento das domésticas menos avançadas.

1990–2010

Na década de 1990, os métodos de produção digital substituíram os métodos manuais de desenho à mão; no entanto, mesmo com o uso de tecnologia avançada, nenhuma das obras de animação foi considerada um filme inovador. Filmes de animação que tentaram atender a todas as faixas etárias, como Lanterna de Lótus e Resolução de Tempestade, não atraíram muita atenção. As únicas obras de animação que pareciam alcançar popularidade eram as destinadas a crianças, como Pleasant Goat e Big Big Wolf《喜羊羊与灰太狼》.

2010–presente

Durante este período, o nível técnico da produção de animação doméstica chinesa foi estabelecido de forma abrangente e os filmes de animação 3D se tornaram o mainstream. No entanto, à medida que mais e mais filmes estrangeiros (como os do Japão, Europa e Estados Unidos) estão sendo importados para a China, as obras de animação chinesas são deixadas nas sombras desses filmes de animação estrangeiros.

Foi apenas com o lançamento de 《西游记之大圣归来》Monkey King: Hero is Back em 2015, um filme de animação por computador, que as animações chinesas retomaram o controle. O filme foi um grande sucesso e quebrou o recorde de filmes de animação domésticos chineses com CN¥956 milhões nas bilheterias da China. Após o sucesso de Journey to the West, vários outros filmes de animação de alta qualidade foram lançados, como《大鱼海棠》 Big Fish and Begonia e 《白蛇缘起》 White Cobra. Embora nenhum desses filmes tenha avançado em termos de bilheteria, eles fizeram com que os cineastas se interessassem cada vez mais por obras de animação.

Tudo isso mudou com o inovador filme de animação, 《哪吒之魔童降世》Ne Zha. Lançado em 2019, tornou-se o segundo filme de animação de maior bilheteria de todos os tempos na China, o filme de animação não inglês de maior bilheteria e o filme de animação de maior bilheteria em um único território. Foi com esse filme que os filmes de animação chineses, como meio, finalmente quebraram a noção na China de que os filmes de animação domésticos são apenas para crianças. Com Nezha e um spin-off, Jiang Ziya, a animação chinesa passou a ser conhecida como uma verdadeira fonte de entretenimento para todas as idades.

Novos modelos e o novo cinema chinês

Sucessos comerciais

Com a liberalização da China no final dos anos 1970 e sua abertura aos mercados estrangeiros, as considerações comerciais tiveram seu impacto no cinema pós-1980. Tradicionalmente, os filmes de arte exibidos raramente rendem o suficiente para empatar. Um exemplo é The Horse Thief (1986), do diretor da Quinta Geração, Tian Zhuangzhuang, um filme narrativo com o mínimo de diálogo sobre um ladrão de cavalos tibetano. O filme, apresentando paisagens exóticas, foi bem recebido pelo público chinês e por alguns ocidentais, mas teve um desempenho ruim nas bilheterias. Mais tarde, O Guerreiro e o Lobo de Tian (2010) foi um fracasso comercial semelhante. Antes disso, havia exemplos de filmes comerciais de sucesso no período pós-liberalização. Um deles foi o filme de romance Romance on the Lu Mountain (1980), que foi um sucesso entre os chineses mais velhos. O filme quebrou o Guinness Book of Records como o filme mais antigo em uma primeira execução. A estreia cinematográfica de Jet Li, Shaolin Temple (1982), foi um sucesso instantâneo no país e no exterior (no Japão e no Sudeste Asiático, por exemplo). Outro filme comercial de sucesso foi Murder in 405 (405谋杀案, 1980), um thriller de assassinato.

Feng Xiaogang's The Dream Factory (1997) foi anunciado como um ponto de virada na indústria cinematográfica chinesa, um hesui pian (filme exibido no Ano Novo Chinês) que demonstrou a viabilidade do modelo comercial na economia de mercado socialista da China. Feng tornou-se um dos diretores comerciais de maior sucesso na era pós-1997. Quase todos os seus filmes obtiveram altos retornos no mercado interno, enquanto ele usava co-estrelas de etnia chinesa como Rosamund Kwan, Jacqueline Wu, Rene Liu e Shu Qi para impulsionar a popularidade de seus filmes. apelo.

Na década seguinte a 2010, devido ao influxo de filmes de Hollywood (embora o número exibido a cada ano seja reduzido), o cinema doméstico chinês enfrenta desafios crescentes. A indústria está crescendo e os filmes nacionais estão começando a alcançar o impacto de bilheteria dos grandes sucessos de bilheteria de Hollywood. No entanto, nem todos os filmes nacionais são bem-sucedidos financeiramente. Em janeiro de 2010, Avatar de James Cameron foi retirado dos cinemas não 3D para a cinebiografia de Hu Mei Confucius, mas esse movimento levou a uma reação negativa O filme de Hu. O Sunflower de Zhang Yang em 2005 também rendeu pouco dinheiro, mas seu anterior Spicy Love Soup (1997), de baixo orçamento, arrecadou dez vezes seu orçamento de 3 milhões de ienes. Da mesma forma, o Crazy Stone de 2006, um grande sucesso, foi feito por apenas 3 milhões de HKD/US$ 400.000. Em 2009-11, Aftershock (2009) de Feng e Let the Bullets Fly (2010) de Jiang Wen se tornaram a maior bilheteria da China. filmes nacionais, com Aftershock arrecadando ¥670 milhões (US$ 105 milhões) e Let the Bullets Fly ¥674 milhões (US$ 110 milhões). Perdidos na Tailândia (2012) tornou-se o primeiro filme chinês a atingir ¥ 1 bilhão nas bilheterias chinesas e Monster Hunt (2015) tornou-se o primeiro a atingir ¥2 bilhões RMB. Em 2021, 9 dos 10 filmes de maior bilheteria na China são produções domésticas. Em 8 de fevereiro de 2016, a bilheteria chinesa estabeleceu um novo recorde de bilheteria em um único dia, com ¥660 milhões RMB, superando o recorde anterior de ¥425 milhões RMB em 18 de julho de 2015. Também em fevereiro de 2016, A Sereia, dirigido por Stephen Chow, se tornou o filme de maior bilheteria na China, ultrapassando Caça ao Monstro. É também o primeiro filme a atingir ¥3 bilhões RMB.

Sob a influência dos filmes de ficção científica de Hollywood como Prometheus, publicado em 8 de junho de 2012, esses gêneros, especialmente os filmes de ciência espacial, cresceram rapidamente no mercado cinematográfico chinês nos últimos anos. Em 5 de fevereiro de 2019, o filme The Wandering Earth dirigido por Frant Kwo alcançou $ 699,8 milhões em todo o mundo, tornando-se o terceiro filme de maior bilheteria da história do cinema chinês.

Cinema internacional chinês e sucessos no exterior

Director Jia Zhangke no Skip City International D-Cinema Festival em Kawaguchi, Saitama, Japão, 22 de julho de 2005

Huang Xiaoming, um ator, cantor e modelo chinês.

Desde o final dos anos 1980 e progressivamente nos anos 2000, os filmes chineses tiveram considerável sucesso de bilheteria no exterior. Anteriormente visto apenas pelos cineastas, seu apelo global aumentou após a bilheteria internacional e o sucesso de crítica do filme wuxia de época de Ang Lee Crouching Tiger, Hidden Dragon, que ganhou o Oscar de Melhor Filme Estrangeiro em 2000. Esta produção multinacional aumentou seu apelo ao apresentar estrelas de todas as partes do mundo de língua chinesa. Ele forneceu uma introdução ao cinema chinês (e especialmente ao gênero wuxia) para muitos e aumentou a popularidade de muitos filmes chineses anteriores. Até hoje, Crouching Tiger continua sendo o filme em língua estrangeira de maior sucesso comercial da história dos Estados Unidos.

Da mesma forma, em 2002, Hero de Zhang Yimou foi outro sucesso de bilheteria internacional. Seu elenco contou com atores famosos da China Continental e Hong Kong que também eram conhecidos até certo ponto no Ocidente, incluindo Jet Li, Zhang Ziyi, Maggie Cheung e Tony Leung Chiu-Wai. Apesar das críticas de alguns de que esses dois filmes atendem ao gosto ocidental, Hero foi um sucesso fenomenal na maior parte da Ásia e liderou as bilheterias dos EUA por duas semanas, ganhando o suficiente apenas nos EUA para cobrir a produção. custos.

Outros filmes como Farewell My Concubine, 2046, Suzhou River, The Road Home e House of Flying Daggers foram aclamados pela crítica em todo o mundo. O Hengdian World Studios pode ser visto como a "Hollywood chinesa", com uma área total de até 330 ha. e 13 bases de tiro, incluindo uma cópia 1:1 da Cidade Proibida.

Jiang Qinqin na Cerimônia de Abertura do Festival Internacional de Cinema de Tóquio 2016.

Os sucessos de Crouching Tiger, Hidden Dragon e Hero tornam difícil demarcar a fronteira entre "Chinês Continental" cinema e um "cinema de língua chinesa" Crouching Tiger, por exemplo, foi dirigido por um diretor americano nascido em Taiwan (Ang Lee) que trabalha frequentemente em Hollywood. Seus protagonistas pan-chineses incluem atores e atrizes da China Continental (Zhang Ziyi), Hong Kong (Chow Yun-Fat), Taiwan (Chang Chen) e Malásia (Michelle Yeoh); o filme foi co-produzido por uma série de empresas cinematográficas chinesas, americanas, de Hong Kong e Taiwan. Da mesma forma, Lust, Caution (2007) em chinês de Lee atraiu uma equipe e elenco da China continental, Hong Kong e Taiwan, e inclui uma partitura orquestral do compositor francês Alexandre Desplat. Esta fusão de pessoas, recursos e conhecimentos das três regiões e da Ásia Oriental mais ampla e do mundo, marca o movimento do cinema de língua chinesa em um domínio de influência internacional em larga escala. Outros exemplos de filmes neste molde incluem The Promise (2005), The Banquet (2006), Fearless (2006), The Warlords (2007), Bodyguards and Assassins (2009) e Red Cliff (2008-09). A facilidade com que atrizes e atores de etnia chinesa se espalham pelo continente e Hong Kong aumentou significativamente o número de coproduções no cinema de língua chinesa. Muitos desses filmes também apresentam atores sul-coreanos ou japoneses para atrair seus vizinhos do leste asiático. Alguns artistas originários do continente, como Hu Jun, Zhang Ziyi, Tang Wei e Zhou Xun, obtiveram residência em Hong Kong sob o Quality Migrant Admission Scheme e atuaram em muitas produções de Hong Kong.

Indústria

Bilheteria e telas

Em 2010, o cinema chinês foi a terceira maior indústria cinematográfica em número de longas-metragens produzidos anualmente. Em 2013, a bilheteria bruta da China foi de ¥ 21,8 bilhões (US $ 3,6 bilhões), o segundo maior mercado de filmes do mundo em receita de bilheteria. Em janeiro de 2013, Lost in Thailand (2012) se tornou o primeiro filme chinês a atingir ¥ 1 bilhão de bilheteria. Em maio de 2013, 7 dos 10 filmes de maior bilheteria na China eram produções domésticas. A partir de 2014, cerca de metade de todos os ingressos foram vendidos online, com os maiores sites de venda de ingressos sendo Maoyan.com (82 milhões), Gewara.com (45 milhões) e Wepiao.com (28 milhões). Em 2014, os filmes chineses renderam ¥ 1,87 bilhão fora da China. Em dezembro de 2013, havia 17.000 telas no país. Em 6 de janeiro de 2014, havia 18.195 telas no país. A Grande China tem cerca de 251 cinemas IMAX. Eram 299 redes de cinemas (252 rurais, 47 urbanas), 5.813 salas de cinema e 24.317 telas no país em 2014.

O país adicionou cerca de 8.035 telas em 2015 (uma média de 22 novas telas por dia, aumentando seu total em cerca de 40% para cerca de 31.627 telas, cerca de 7.373 a menos do que o número de telas nos Estados Unidos. Chinese os filmes representaram 61,48% das vendas de ingressos em 2015 (acima de 54% no ano passado), com mais de 60% das vendas de ingressos sendo feitas on-line. O preço médio dos ingressos caiu cerca de 2,5% para US$ 5,36 em 2015. ingressos, com 1,26 bilhão de pessoas comprando ingressos para o cinema em 2015. Os filmes chineses arrecadaram US$ 427 milhões no exterior em 2015. Durante a semana do Ano Novo Chinês de 2016, o país estabeleceu um novo recorde de maior bilheteria durante uma semana em um território com US$ 548 milhões, ultrapassando o recorde anterior de US$ 529,6 milhões de 26 de dezembro de 2015 a 1º de janeiro de 2016 nos Estados Unidos e Canadá. Os filmes chineses arrecadaram ¥3,83 bilhões RMB (US$ 550 milhões) em mercados estrangeiros em 2016.

Empresas cinematográficas

Em abril de 2015, a maior empresa cinematográfica chinesa em valor era a Alibaba Pictures (US$ 8,77 bilhões). Outras grandes empresas incluem Huayi Brothers Media (US$ 7,9 bilhões), Enlight Media (US$ 5,98 bilhões) e Bona Film Group (US$ 542 milhões). Os maiores distribuidores por participação de mercado em 2014 foram: China Film Group (32,8%), Huaxia Film (22,89%), Enlight Pictures (7,75%), Bona Film Group (5,99%), Wanda Media (5,2%), Le Vision Pictures (4,1%), Huayi Brothers (2,26%), United Exhibitor Partners (2%), Heng Ye Film Distribution (1,77%) e Beijing Anshi Yingna Entertainment (1,52%). As maiores redes de cinema em 2014 em bilheteria foram: Wanda Cinema Line (US$ 676,96 milhões), China Film Stellar (393,35 milhões), Dadi Theatre Circuit (378,17 milhões milhões), Shanghai United Circuit (355,07 milhões), Guangzhou Jinyi Zhujiang (335,39 milhões), China Film South Cinema Circuit (318,71 milhões), Zhejiang Time Cinema (190,53 milhões), China Film Group Digital Cinema Line (177,42 milhões), Hengdian Cinema Line (170,15 milhões) e Beijing New Film Association (163,09 milhões).

Grandes empresas cinematográficas independentes (não estatais)

A Huayi Brothers é a empresa de entretenimento independente (ou seja, não estatal) mais poderosa da China, a Huayi Brothers, com sede em Pequim, é uma empresa diversificada envolvida na produção, distribuição e exibição teatral de filmes e TV, bem como na gestão de talentos. Filmes notáveis incluem Kung Fu Hustle de 2004; e Aftershock de 2010, que teve uma classificação de 91% no Rotten Tomatoes.

Beijing Enlight Media concentra-se nos gêneros de ação e romance. Enlight geralmente coloca vários filmes entre os 20 maiores bilheterias da China. A Enlight também é um player importante nos negócios de produção e distribuição de séries de TV da China. Sob a liderança de seu CEO, Wang Changtian, a empresa de capital aberto com sede em Pequim alcançou uma capitalização de mercado de quase US$ 1 bilhão.