Barroco

O Barroco (,; Francês: [baʁɔk]) é um estilo de arquitetura, música, dança, pintura, escultura, poesia e outras artes que floresceram na Europa desde o início do século XVII até a década de 1750. Nos territórios dos impérios espanhol e português, incluindo a Península Ibérica, continuou, juntamente com novos estilos, até a primeira década do século XIX. Seguiu a arte renascentista e o maneirismo e precedeu os estilos rococó (no passado, muitas vezes referido como "barroco tardio") e neoclássico. Foi incentivado pela Igreja Católica como um meio de combater a simplicidade e austeridade da arquitetura, arte e música protestantes, embora a arte barroca luterana também tenha se desenvolvido em partes da Europa.

O estilo barroco usava contraste, movimento, detalhes exuberantes, cores profundas, grandeza e surpresa para alcançar uma sensação de admiração. O estilo começou no início do século XVII em Roma, depois se espalhou rapidamente para a França, norte da Itália, Espanha e Portugal, depois para a Áustria, sul da Alemanha e Polônia. Na década de 1730, evoluiu para um estilo ainda mais extravagante, chamado rocaille ou Rococó, que apareceu na França e na Europa Central até meados do século XVIII.

Nas artes decorativas, o estilo emprega abundante e intrincada ornamentação. A saída do classicismo renascentista tem suas próprias formas em cada país. Mas uma característica geral é que em todos os lugares o ponto de partida são os elementos ornamentais introduzidos pelo Renascimento. O repertório clássico é lotado, denso, sobreposto, carregado, de modo a provocar efeitos de choque. Os novos motivos introduzidos pelo barroco são: a cartela, troféus e armas, cestos de frutas ou flores, e outros, feitos em marchetaria, estuque, ou talha.

Origem da palavra

Pendente na forma de uma sirene, feita de uma pérola barroca (o torso) com montagens de ouro esmaltadas com rubis, provavelmente por volta de 1860, no Metropolitan Museum of Art (New York City, Nova Iorque).

A palavra inglesa barroco vem diretamente do francês. Alguns estudiosos afirmam que a palavra francesa se originou do termo português barroco ("uma pérola falha"), apontando para o latim verruca, ("verruga"), ou a uma palavra com o sufixo -ǒccu (comum na Península Ibérica pré-romana). Outras fontes sugerem um termo latino medieval usado na lógica, baroco, como a fonte mais provável.

No século 16, a palavra latina medieval baroco foi além da lógica escolástica e passou a ser usada para caracterizar qualquer coisa que parecesse absurdamente complexa. O filósofo francês Michel de Montaigne (1533–1592) associou o termo barroco a "Bizarro e inutilmente complicado" Outras fontes antigas associam barroco com magia, complexidade, confusão e excesso.

A palavra barroco também foi associada a pérolas irregulares antes do século XVIII. O barroco francês e o barroco português eram termos frequentemente associados à joalheria. Um exemplo de 1531 usa o termo para descrever pérolas em um inventário dos tesouros de Carlos V da França. Mais tarde, a palavra aparece em uma edição de 1694 do Le Dictionnaire de l'Académie Française, que descreve o barroco como "usado apenas para pérolas imperfeitamente redondas".." Um dicionário português de 1728 descreve similarmente barroco como relacionado a uma "pérola grosseira e irregular".

Uma derivação alternativa da palavra barroco aponta para o nome do pintor italiano Federico Barocci (1528–1612).

No século 18, o termo começou a ser usado para descrever a música, e não de forma lisonjeira. Em uma crítica satírica anônima da estreia de Hippolyte et Aricie de Jean-Philippe Rameau em outubro de 1733, que foi impressa no Mercure de France em maio de 1734, o crítico escreveu que a novidade nesta ópera era "du barocque", reclamando que a música carecia de melodia coerente, era impiedosa com dissonâncias, tom e métrica constantemente alterados e percorria rapidamente todos os dispositivos composicionais.

Em 1762, Le Dictionnaire de l''Académie Française registrou que o termo poderia descrever figurativamente algo "irregular, bizarro ou desigual n#34;.

Jean-Jacques Rousseau, que foi músico e compositor, além de filósofo, escreveu na Encyclopédie em 1768: "A música barroca é aquela em que a harmonia se confunde, e carregado de modulações e dissonâncias. O canto é áspero e antinatural, a entonação difícil e o movimento limitado. Parece que o termo vem da palavra 'baroco' usado por lógicos."

Em 1788, Quatremère de Quincy definiu o termo na Encyclopédie Méthodique como "um estilo arquitetônico altamente adornado e atormentado".

Os termos franceses estilo barroco e musique barroco apareceram no Le Dictionnaire de l'Académie Française em 1835. Em meados do século XIX, críticos de arte e historiadores adotaram o termo "barroco" como forma de ridicularizar a arte pós-renascentista. Este era o sentido da palavra usada em 1855 pelo importante historiador de arte Jacob Burckhardt, que escreveu que os artistas barrocos "desprezavam e abusavam dos detalhes" porque lhes faltava "respeito pela tradição".

Em 1888, o historiador de arte Heinrich Wölfflin publicou o primeiro trabalho acadêmico sério sobre o estilo, Renaissance und Barock, que descrevia as diferenças entre a pintura, a escultura e a arquitetura do Renascimento e do Barroco.

Arquitetura: origens e características

Quadratura ou teto trompe-l'œil da Igreja do Gesù de Roma, por Giovanni Battista Gaulli, de 1673 a 1678

O estilo barroco de arquitetura foi resultado de doutrinas adotadas pela Igreja Católica no Concílio de Trento em 1545-63, em resposta à Reforma Protestante. A primeira fase da Contra-Reforma impôs um estilo severo e acadêmico à arquitetura religiosa, que atraiu os intelectuais, mas não a massa de fiéis. O Concílio de Trento decidiu, em vez disso, apelar para um público mais popular e declarou que as artes deveriam comunicar temas religiosos com envolvimento direto e emocional. Da mesma forma, a arte barroca luterana se desenvolveu como um marcador confessional de identidade, em resposta à Grande Iconoclastia dos calvinistas.

As igrejas barrocas foram projetadas com um grande espaço central, onde os fiéis podiam ficar perto do altar, com uma cúpula ou cúpula alta, permitindo que a luz iluminasse a igreja abaixo. A cúpula era uma das características simbólicas centrais da arquitetura barroca, ilustrando a união entre o céu e a terra. O interior da cúpula era ricamente decorado com pinturas de anjos e santos, e com estatuetas de anjos em estuque, dando a impressão aos que estavam embaixo de olhar para o céu. Outra característica das igrejas barrocas são as quadratura; pinturas trompe-l'œil no teto em molduras de estuque, reais ou pintadas, repletas de pinturas de santos e anjos e conectadas por detalhes arquitetônicos com as balaustradas e consoles. As pinturas de Quadratura dos Atlantes abaixo das cornijas parecem sustentar o teto da igreja. Ao contrário dos tetos pintados de Michelangelo na Capela Sistina, que combinavam diferentes cenas, cada uma com sua própria perspectiva, para serem vistas uma de cada vez, as pinturas barrocas do teto foram cuidadosamente criadas para que o observador no chão da igreja visse o teto inteiro na perspectiva correta, como se as figuras fossem reais.

Os interiores das igrejas barrocas tornaram-se cada vez mais ornamentados no Alto Barroco, centrando-se em torno do altar, geralmente colocado sob a cúpula. As obras decorativas barrocas mais célebres do Alto Barroco são a Cátedra de São Pedro (1647–1653) e o Baldachino de São Pedro (1623–1634), ambos de Gian Lorenzo Bernini, na Basílica de São Pedro em Roma. O Baldequin de São Pedro é um exemplo do equilíbrio dos opostos na arte barroca; as proporções gigantescas da peça, com a aparente leveza da copa; e o contraste entre as sólidas colunas retorcidas, bronze, ouro e mármore da peça com as cortinas esvoaçantes dos anjos no dossel. A Dresden Frauenkirche serve como um exemplo proeminente da arte barroca luterana, que foi concluída em 1743 após ser encomendada pelo conselho da cidade luterana de Dresden e foi "comparada por observadores do século XVIII a São Pedro em Roma". 34;.

A coluna torcida no interior das igrejas é uma das características marcantes do barroco. Dá uma sensação de movimento e também uma nova maneira dramática de refletir a luz.

A cartela era outro elemento característico da decoração barroca. Eram grandes placas esculpidas em mármore ou pedra, geralmente ovais e de superfície arredondada, que continham imagens ou textos em letras douradas, e eram colocadas como decoração de interiores ou acima das portas dos edifícios, transmitindo mensagens aos que estavam abaixo. Eles mostraram uma grande variedade de invenções e foram encontrados em todos os tipos de edifícios, desde catedrais e palácios até pequenas capelas.

Arquitetos barrocos às vezes usavam perspectiva forçada para criar ilusões. Para o Palazzo Spada em Roma, Borromini usou colunas de tamanho reduzido, um piso estreito e uma estátua em miniatura no jardim além para criar a ilusão de que uma passagem tinha trinta metros de comprimento, quando na verdade tinha apenas sete metros de comprimento. Uma estátua no final da passagem parece ser em tamanho natural, embora tenha apenas sessenta centímetros de altura. Borromini projetou a ilusão com a ajuda de um matemático.

Barroco italiano

Basílica de São Pedro (Roma), concluída em 1615, por Donato Bramante, Michelangelo, Carlo Maderno e outros

O primeiro edifício em Roma a ter uma fachada barroca foi a Igreja do Gesù em 1584; era simples para os padrões barrocos posteriores, mas marcava uma ruptura com as tradicionais fachadas renascentistas que a precederam. O interior desta igreja manteve-se muito austero até ao alto barroco, altura em que foi ricamente ornamentado.

Em Roma, em 1605, Paulo V tornou-se o primeiro de uma série de papas que encomendou basílicas e igrejas projetadas para inspirar emoção e admiração por meio de uma proliferação de formas e riqueza de cores e efeitos dramáticos. Entre os monumentos mais influentes do início do barroco estavam a fachada da Basílica de São Pedro (1606-1619) e a nova nave e loggia que ligavam a fachada à cúpula de Michelangelo na igreja anterior. O novo projeto criou um contraste dramático entre a cúpula elevada e a fachada desproporcionalmente larga, e o contraste na própria fachada entre as colunas dóricas e a grande massa do pórtico.

Em meados do século XVII, o estilo atingiu seu auge, mais tarde chamado de Alto Barroco. Muitas obras monumentais foram encomendadas pelos Papas Urbano VIII e Alexandre VII. O escultor e arquiteto Gian Lorenzo Bernini projetou uma nova colunata quádrupla em torno da Praça de São Pedro (1656 a 1667). As três galerias de colunas em uma elipse gigante equilibram a cúpula de grandes dimensões e conferem à Igreja e à praça uma unidade e a sensação de um teatro gigante.

San Carlo alle Quattro Fontane - Frente

Outro grande inovador do alto barroco italiano foi Francesco Borromini, cuja principal obra foi a Igreja de San Carlo alle Quattro Fontane ou São Carlos das Quatro Fontes (1634-1646). A sensação de movimento é dada não pela decoração, mas pelas próprias paredes, que ondulam e por elementos côncavos e convexos, incluindo uma torre oval e varanda inserida em uma travessa côncava. O interior era igualmente revolucionário; o espaço principal da igreja era oval, sob uma cúpula oval.

Tetos pintados, repletos de anjos e santos e efeitos arquitetônicos trompe-l'oeil, eram uma característica importante do alto barroco italiano. As principais obras incluem A entrada de Santo Inácio no paraíso de Andrea Pozzo (1685–1695) na Igreja de Santo Inácio em Roma e O triunfo do nome de Jesus de Giovanni Battista Gaulli na Igreja do Gesù em Roma (1669-1683), que apresentava figuras saindo da moldura e dramática iluminação oblíqua e contrastes claro-escuro.

O estilo se espalhou rapidamente de Roma para outras regiões da Itália: apareceu em Veneza na igreja de Santa Maria della Salute (1631-1687) por Baldassare Longhena, uma forma octogonal altamente original coroada com uma enorme cúpula. Apareceu também em Turim, principalmente na Capela do Santo Sudário (1668–1694), de Guarino Guarini. O estilo também começou a ser usado em palácios; Guarini projetou o Palazzo Carignano em Turim, enquanto Longhena projetou o Ca' Rezzonico no Grande Canal, (1657), finalizado por Giorgio Massari e decorado com pinturas de Giovanni Battista Tiepolo. Uma série de grandes terremotos na Sicília exigiu a reconstrução da maioria deles e vários foram construídos no exuberante estilo barroco tardio ou rococó.

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  Santa Maria della Salute (Veneza), 1631-1687, de Baldassare Longhena

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  Fontana dei Quattro Fiumi (Roma), 1648-1651, de Gian Lorenzo Bernini

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  Praça de São Pedro (Roma), 1656-1667, de Gian Lorenzo Bernini

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  Santa Maria della Pace (Roma), 1656–1667, de Pietro da Cortona

Barroco espanhol

A Igreja Católica na Espanha, e particularmente os Jesuítas, foram a força motriz da arquitetura barroca espanhola. A primeira grande obra neste estilo foi a Capela de San Isidro em Madrid, iniciada em 1643 por Pedro de la Torre. Contrastou uma extrema riqueza ornamental no exterior com a simplicidade no interior, dividida em múltiplos espaços e usando efeitos de luz para criar uma sensação de mistério. A Catedral de Santiago de Compostela foi modernizada com uma série de acréscimos barrocos a partir do final do século XVII, começando com uma torre sineira altamente ornamentada (1680), depois ladeada por duas torres ainda mais altas e ornamentadas, chamadas de Obradorio, acrescentado entre 1738 e 1750 por Fernando de Casas Novoa. Outro marco do barroco espanhol é a torre da capela do Palácio de San Telmo, em Sevilha, de Leonardo de Figueroa.

Granada só foi conquistada aos mouros no século XV, e tinha a sua própria variedade distinta de barroco. O pintor, escultor e arquiteto Alonso Cano projetou o interior barroco da Catedral de Granada entre 1652 e sua morte em 1657. Apresenta contrastes dramáticos das enormes colunas brancas e decoração dourada.

A arquitetura mais ornamental e luxuosamente decorada do barroco espanhol é chamada de estilo churrigueresco, em homenagem aos irmãos Churriguera, que trabalharam principalmente em Salamanca e Madri. Suas obras incluem os edifícios da praça principal da cidade, a Plaza Mayor de Salamanca (1729). Este estilo barroco altamente ornamental influenciou muitas igrejas e catedrais construídas pelos espanhóis nas Américas.

Outros notáveis arquitetos barrocos espanhóis do barroco tardio incluem Pedro de Ribera, aluno de Churriguera, que projetou o Hospício Real de San Fernando, em Madri, e Narciso Tomé, que projetou o célebre retábulo El Transparente na Catedral de Toledo (1729– 32) que dá a ilusão, sob certa luz, de flutuar para cima.

Os arquitetos do barroco espanhol tiveram um efeito muito além da Espanha; seu trabalho teve grande influência nas igrejas construídas nas colônias espanholas na América Latina e nas Filipinas. A Igreja construída pelos jesuítas para um colégio em Tepotzotlán, com sua fachada e torre barroca ornamentada, é um bom exemplo.

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  Palácio de San Telmo, Sevilha, Espanha, 1682–1796, de Leonardo de Figueroa

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  Vestry of the Granada Charterhouse, Granada, Espanha, 1727–1764, de Narciso Tomé

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  Palácio Real de Madrid, Madrid, Espanha, 1735-1764, por Jean Bautista Sachetti

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  Fachada da Catedral de Santiago de Compostela, Espanha, 1738, de Fernando de Casas Novoa

Europa Central

Karlskirche, Viena, Áustria, 1715-1737, de Johann Bernhard Fischer von Erlach

De 1680 a 1750, muitas catedrais, abadias e igrejas de peregrinação altamente ornamentadas foram construídas na Europa Central, na Baviera, Áustria, Boêmia e sudoeste da Polônia. Alguns eram em estilo rococó, um estilo distinto, mais extravagante e assimétrico que emergiu do barroco, depois o substituiu na Europa Central na primeira metade do século XVIII, até ser substituído por sua vez pelo classicismo.

Os príncipes da multidão de estados daquela região também escolheram o barroco ou o rococó para seus palácios e residências, e muitas vezes usaram arquitetos treinados na Itália para construí-los. Arquitetos notáveis incluíram Johann Fischer von Erlach, Lukas von Hildebrandt e Dominikus Zimmermann na Baviera, Balthasar Neumann em Bruhl e Matthäus Daniel Pöppelmann em Dresden. Na Prússia, Frederico II da Prússia inspirou-se no Grande Trianon do Palácio de Versalhes e usou-o como modelo para sua residência de verão, Sanssouci, em Potsdam, projetada para ele por Georg Wenzeslaus von Knobelsdorff (1745–1747). Outra obra da arquitetura palaciana barroca é o Zwinger em Dresden, o antigo orangerie do palácio dos duques da Saxônia no século XVIII.

Um dos melhores exemplos de uma igreja rococó é a Basilika Vierzehnheiligen, ou Basílica dos Catorze Santos Auxiliares, uma igreja de peregrinação localizada perto da cidade de Bad Staffelstein perto de Bamberg, na Baviera, sul da Alemanha. A Basílica foi projetada por Balthasar Neumann e foi construída entre 1743 e 1772, seu plano uma série de círculos interligados em torno de um oval central com o altar colocado exatamente no centro da igreja. O interior desta igreja ilustra o ápice da decoração rococó. Outro exemplo notável do estilo é a Igreja de Peregrinação de Wies (em alemão: Wieskirche). Foi desenhado pelos irmãos J. B. e Dominikus Zimmermann. Está localizado no sopé dos Alpes, no município de Steingaden no distrito de Weilheim-Schongau, Baviera, Alemanha. A construção ocorreu entre 1745 e 1754, e o interior foi decorado com afrescos e estuque na tradição da Escola Wessobrunner. Agora é um Patrimônio Mundial da UNESCO.

Outro exemplo notável é a Igreja de São Nicolau (Malá Strana) em Praga (1704–55), construída por Christoph Dientzenhofer e seu filho Kilian Ignaz Dientzenhofer. A decoração cobre todas as paredes do interior da igreja. O altar situa-se na nave abaixo da cúpula central, e rodeado por capelas, a luz desce da cúpula superior e das capelas circundantes. O altar é inteiramente circundado por arcos, colunas, balaustradas curvas e pilastras de pedra colorida, ricamente decoradas com estatuária, criando uma confusão deliberada entre a arquitectura real e a decoração. A arquitetura se transforma em um teatro de luz, cor e movimento.

Na Polônia, o barroco polonês de inspiração italiana durou do início do século XVII até meados do século XVIII e enfatizou a riqueza de detalhes e cores. O primeiro edifício barroco na atual Polônia e provavelmente um dos mais reconhecidos é a Igreja de São Pedro e São Paulo em Cracóvia, projetada por Giovanni Battista Trevano. A Coluna de Sigismundo em Varsóvia, erguida em 1644, foi o primeiro monumento barroco secular do mundo construído em forma de coluna. O estilo de residência palaciana foi exemplificado pelo Palácio Wilanów, construído entre 1677 e 1696. O mais renomado arquiteto barroco ativo na Polônia foi o holandês Tylman van Gameren e suas obras notáveis incluem a Igreja St. Anne's em Cracóvia e Branicki Palace em Bialystok. No entanto, a obra mais célebre do barroco polonês é a Igreja Fara em Poznań, com detalhes de Pompeo Ferrari. Depois de Trinta Anos' Guerra sob os acordos da Paz de Vestfália, duas estruturas barrocas únicas de pau-a-pique foram construídas: Igreja da Paz em Jawor, Igreja da Santíssima Trindade da Paz em Świdnica o maior templo barroco de madeira da Europa.

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  Poznań Fara, Poznań, Polônia, 1651–1732, de Bartłomiej Nataniel Wąsowski, Giovanni Catenazzi, Pompeo Ferrari

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  Wilanów Palace, Varsóvia, Polónia, 1677-1679, arquiteto desconhecido

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  Coluna de Praga, Viena, Áustria, 1682 e 1694, por Matthias Rauchmiller e Johann Bernhard Fischer von Erlach

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  Igreja de São Nicolau, Praga, República Checa, 1703–1711, por Christoph Dientzenhofer

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  Upper Belvedere, Viena, 1717–1723, de Johann Lukas von Hildebrandt

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  Rogalin Palace, Rogalin, Polônia, 1768–1774

Barroco francês

Vários ornamentos barrocos franceses e elementos arquitetônicos

O barroco na França desenvolveu-se de forma bastante diferente das versões locais ornamentadas e dramáticas do barroco da Itália, Espanha e do resto da Europa. Parece severo, mais distante e contido em comparação, antecipando-se ao neoclassicismo e à arquitetura do Iluminismo. Ao contrário dos edifícios italianos, os edifícios barrocos franceses não têm frontões quebrados ou fachadas curvilíneas. Mesmo os edifícios religiosos evitavam o intenso drama espacial que se encontra na obra de Borromini. O estilo está intimamente associado às obras construídas para Luís XIV (reinado de 1643 a 1715) e, por isso, também é conhecido como estilo Luís XIV. Luís XIV convidou o mestre do barroco, Bernini, a apresentar um projeto para a nova ala do Louvre, mas o rejeitou em favor de um projeto mais clássico de Claude Perrault e Louis Le Vau.

Os principais arquitetos do estilo incluem François Mansart (1598–1666), Pierre Le Muet (Igreja de Val-de-Grace, 1645–1665) e Louis Le Vau (Vaux-le-Vicomte, 1657–1661). Mansart foi o primeiro arquiteto a introduzir o estilo barroco, principalmente o uso frequente de uma ordem aplicada e a rusticação pesada, no vocabulário arquitetônico francês. O telhado de mansarda não foi inventado por Mansart, mas ficou associado a ele, pois o usava com frequência.

O grande projeto real do período foi a ampliação do Palácio de Versalhes, iniciada em 1661 por Le Vau com decoração do pintor Charles Le Brun. Os jardins foram desenhados por André Le Nôtre especificamente para complementar e ampliar a arquitetura. A Galerie des Glaces (Salão dos Espelhos), a peça central do castelo, com pinturas de Le Brun, foi construída entre 1678 e 1686. Mansart concluiu o Grand Trianon em 1687. A capela, projetada por de Cotte, foi concluída em 1710. Após a morte de Luís XIV, Luís XV acrescentou o mais intimista Petit Trianon e o altamente ornamentado teatro. As fontes nos jardins foram projetadas para serem vistas do interior e para aumentar o efeito dramático. O palácio foi admirado e copiado por outros monarcas da Europa, particularmente Pedro, o Grande da Rússia, que visitou Versalhes no início do reinado de Luís XV e construiu sua própria versão no Palácio de Peterhof, perto de São Petersburgo, entre 1705 e 1725.

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  Château de Maisons (França), por François Mansart, 1630-1651

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  Frente leste do Louvre (Paris), 1665–1680, por Claude Perrault e Louis Le Vau

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  Capela do Palácio de Versalhes (Versailles, França), 1696–1710

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  Porte Saint-Denis (Paris), 1672, de François Blondel

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  Dôme des Invalides (Paris), 1677–1706, de Jules Hardouin-Mansart

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  Palácio de Versalhes, 1678-1684

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  fachada de jardim do Palácio de Versalhes, 1678-1688, de Jules Hardouin-Mansart

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  O Tribunal de Mármore do Palácio de Versalhes, 1680

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  Place Vendôme (Paris), 1699–1706, de Jules Hardouin-Mansart

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  Hôtel de Rothelin-Charolais (Paris), 1700–1704, de Pierre Cailleteau

Barroco português

A arquitetura barroca em Portugal durou cerca de dois séculos (final do século XVII e século XVIII). Os reinados de D. João V e D. José I aumentaram as importações de ouro e diamantes, num período denominado Absolutismo Real, que permitiu o florescimento do barroco português.

A arquitectura barroca em Portugal goza de uma situação especial e cronológica diferente do resto da Europa.

Está condicionada por vários fatores políticos, artísticos e económicos, que originam várias fases, e diferentes tipos de influências externas, resultando numa mistura única, muitas vezes incompreendida por quem procura a arte italiana, mas encontra formas e características específicas que conferem-lhe uma variedade exclusivamente portuguesa. Outro fator fundamental é a existência da arquitetura jesuítica, também chamada de "estilo simples" (Estilo Chão ou Estilo Plano) que tal como o nome evoca, é mais simples e apresenta-se algo austero.

Os edifícios são basílicas de uma só divisão, capela-mor profunda, capelas laterais (com portinholas de comunicação), sem decoração interior e exterior, portal simples e janelas. É um edifício prático, podendo ser construído em todo o império com pequenos ajustes, e preparado para ser decorado posteriormente ou quando houver recursos económicos disponíveis.

Na verdade, o primeiro barroco português não falta em construção porque o "estilo simples" é fácil de ser transformada, por meio da decoração (pintura, azulejaria, etc.), transformando áreas vazias em pomposos e elaborados cenários barrocos. O mesmo pode ser aplicado ao exterior. Posteriormente, é fácil adaptar o edifício ao gosto da época e do local, acrescentando-lhe novas funcionalidades e pormenores. Prático e econômico.

Com mais habitantes e melhores recursos económicos, o Norte, em particular as zonas do Porto e Braga, conheceu uma renovação arquitetónica, visível no extenso rol de igrejas, conventos e palácios construídos pela aristocracia.

O Porto é a cidade do Barroco em Portugal. Seu centro histórico faz parte da Lista do Patrimônio Mundial da UNESCO.

Muitas das obras barrocas da zona histórica da cidade e não só, pertencem a Nicolau Nasoni arquitecto italiano radicado em Portugal, que desenha edifícios originais com implantação cenográfica como a igreja e torre dos Clérigos, a logia da Sé do Porto, a igreja da Misericórdia, o Paço de São João Novo, o Paço do Freixo, o Paço Episcopal (Português: Paço Episcopal do Porto) entre muitos outros.

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  Biblioteca Universitária (Universidade de Coimbra, Coimbra, Portugal), 1716-1728, de Gaspar Ferreira

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  Palácio de Mafra (Mafra, Portugal), 1717-1755, de João Frederico Ludovice

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  Azulejo nos claustros do Mosteiro de São Vicente de Fora (Lisboa, Portugal), com uma cena baseada em uma impressão de Jean Le Pautre, 1730-1735, arquiteto desconhecido

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  Grande Escadaria da Igreja da Peregrinação do Bom Jesus do Monte (Braga, Portugal), C.1784, por Carlos Luís Ferreira Amarante e outros

Barroco Russo

A estreia do barroco russo, ou barroco petrino, seguiu-se a uma longa visita de Pedro, o Grande, à Europa Ocidental em 1697-1698, onde visitou os castelos de Fontainebleau e Versalhes, bem como outros monumentos arquitetônicos. Ele decidiu, em seu retorno à Rússia, construir monumentos semelhantes em São Petersburgo, que se tornou a nova capital da Rússia em 1712. Os principais monumentos iniciais do barroco petrino incluem a Catedral de Pedro e Paulo e o Palácio Menshikov.

Durante o reinado da imperatriz Anna e Elizaveta Petrovna, a arquitetura russa foi dominada pelo luxuoso estilo barroco do italiano Bartolomeo Rastrelli, que se desenvolveu no barroco isabelino. Os edifícios exclusivos de Rastrelli incluem o Palácio de Inverno, o Palácio de Catarina e a Catedral Smolny. Outros monumentos distintivos do barroco isabelino são a torre sineira da Troitse-Sergiyeva Lavra e o Portão Vermelho.

Em Moscou, o barroco de Naryshkin se espalhou, especialmente na arquitetura das igrejas ortodoxas orientais no final do século XVII. Era uma combinação do barroco da Europa Ocidental com estilos folclóricos tradicionais russos.

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  Peterhof Gardens (São Petersburgo, Rússia), 1746–1758

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  Smolny Convent (São Petersburgo), 1748, por Francesco Bartolomeo Rastrelli

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  Tsarskoe Selo (Pushkin, Rússia), 1749–1756, de Francesco Bartolomeo Rastrelli

Barroco nas Américas coloniais espanhola e portuguesa

Fachada da Igreja Jesuíta de Arequipa (Peru), 1595–1698, de Diego de Adrián e outros

Preservado pintura de parede colonial de 1802 retratando o inferno, por Tadeo Escalante, dentro da Igreja de San Juan Bautista em Huaro (Peru)

Devido à colonização das Américas por países europeus, o barroco deslocou-se naturalmente para o Novo Mundo, encontrando terreno especialmente favorável nas regiões dominadas por Espanha e Portugal, ambos países monarquias centralizadas e irredutivelmente católicas, por extensão sujeitas a Roma e adeptos do Barroco Contra-reformista mais típico. Artistas europeus migraram para a América e fizeram escola, e junto com a ampla penetração de missionários católicos, muitos dos quais eram artistas qualificados, criaram um barroco multiforme, muitas vezes influenciado pelo gosto popular. Os artesãos crioulos e indígenas fizeram muito para dar a este barroco características únicas. Os principais centros de cultivo do barroco americano, ainda de pé, são (nessa ordem) México, Peru, Brasil, Equador, Cuba, Colômbia, Bolívia, Guatemala, Panamá e Porto Rico.

Digno de nota é o chamado "Barroco Missionário", desenvolvido no âmbito das reduções espanholas em áreas que se estendem desde o México e partes do sudoeste dos atuais Estados Unidos até o sul da Argentina e Chile, assentamentos indígenas organizados por missionários católicos espanhóis para convertê-los à fé cristã e aculturá-los na vida ocidental, formando um barroco híbrido influenciado pela cultura indígena, onde floresceram crioulos e muitos artesãos e músicos indígenas, até alfabetizados, alguns de grande habilidade e talento próprios. Missionários' os relatos frequentemente repetem que a arte ocidental, especialmente a música, teve um impacto hipnótico sobre os silvicultores, e as imagens dos santos eram vistas como tendo grandes poderes. Muitos indígenas se converteram e criou-se uma nova forma de devoção, de intensidade apaixonada, carregada de misticismo, superstição e teatralidade, que se deliciava com missas festivas, concertos sacros e mistérios.

A arquitetura barroca colonial na América espanhola é caracterizada por uma decoração profusa (portal da Igreja La Profesa, Cidade do México; fachadas cobertas com azulejos de estilo Puebla, como na Igreja de San Francisco Acatepec em San Andrés Cholula e Igreja do Convento de San Francisco de Puebla), que será exacerbado no chamado estilo churrigueresco (Fachada do Tabernáculo da Catedral da Cidade do México, de Lorenzo Rodríguez; Igreja de San Francisco Javier, Tepotzotlán; Igreja de Santa Prisca de Taxco). No Peru, as construções desenvolvidas principalmente nas cidades de Lima, Cusco, Arequipa e Trujillo, desde 1650 apresentam características originais que avançam até o barroco europeu, como no uso de paredes almofadadas e colunas salomônicas (Igreja da Compañía de Jesús, Cusco; Basílica e Convento de San Francisco, Lima). Outros países incluem: a Catedral Metropolitana de Sucre na Bolívia; Catedral Basílica de Esquipulas na Guatemala; Catedral de Tegucigalpa em Honduras; Catedral de León na Nicarágua; a Igreja da Companhia de Jesus em Quito, Equador; a Igreja de San Ignacio em Bogotá, Colômbia; a Catedral de Caracas na Venezuela; o Cabildo de Buenos Aires, na Argentina; a Igreja de Santo Domingo em Santiago, Chile; e a Catedral de Havana em Cuba. Vale lembrar também a qualidade das igrejas das missões jesuítas espanholas na Bolívia, das missões jesuíticas espanholas no Paraguai, das missões espanholas no México e das missões franciscanas espanholas na Califórnia.

No Brasil, como na metrópole, Portugal, a arquitetura tem uma certa influência italiana, geralmente de tipo borrominesco, como pode ser visto na Co-Catedral do Recife (1784) e na Igreja de Nossa Senhora da Glória do Outeiro no Rio de Janeiro (1739). Na região de Minas Gerais, destaque para a obra de Aleijadinho, autor de um conjunto de igrejas que se destacam pela planimetria curva, fachadas com efeitos dinâmicos côncavo-convexos e tratamento plástico de todos os elementos arquitetônicos (Igreja de São Francisco de Assis em Ouro Preto, 1765-1788).

Igreja de São Francisco de Assis (Ouro Preto, Minas Gerais) 1765-1788

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  Basílica de São Francisco de Asís (Havana, Cuba), 1548–1738

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  Igreja de São Francisco Acatepec (San Andrés Cholula, México), séculos XVII e XVIII

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  Igreja de San Lorenzo de Carangas (Potosí, Bolívia), meados do século XVI–C.1744

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  Igreja de Santo Domingo (Santiago, Chile), 1747–1808

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  Igreja de Santa Prisca de Taxco (Taxco, México), 1751–1758, de Diego Durán e Cayetano Sigüenza

Barroco na Ásia colonial espanhola e portuguesa

Nas colónias portuguesas da Índia (Goa, Damão e Diu) floresceu um estilo arquitetónico de formas barrocas misturadas com elementos hindus, como a Catedral de Goa e a Basílica do Bom Jesus de Goa, que alberga o túmulo de São Francisco Xavier. O conjunto de igrejas e conventos de Goa foi declarado Património da Humanidade em 1986.

Nas Filipinas, colónia espanhola durante mais de três séculos, conserva-se um grande número de construções barrocas. Quatro deles, bem como a cidade barroca e neoclássica de Vigan, são ambos Patrimônios Mundiais da UNESCO; e embora não tenham classificação formal, a cidade murada de Manila, juntamente com a cidade de Tayabas, contém uma extensão significativa da arquitetura da era barroca.

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  São Paulo (Macau, China), 1601

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  São Paulo (Diu, Índia), 1601

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  Igreja de San Agustín (Manila, Filipinas), 1586-1606

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  Pulpit (Basilica of Bom Jesus, Goa, Índia), século XVIII

Pintura

Las Meninas; por Diego Velázquez; 1656; óleo sobre tela; 3.18 cm × 2.76 m; Museo del Prado (Madrid, Espanha)

Os pintores barrocos trabalharam deliberadamente para se diferenciarem dos pintores do Renascimento e do período maneirista posterior. Na sua paleta, utilizaram cores intensas e quentes, tendo como predominância as cores primárias vermelho, azul e amarelo, colocando frequentemente as três em estreita proximidade. Eles evitavam a iluminação uniforme da pintura renascentista e usavam fortes contrastes de luz e escuridão em certas partes do quadro para direcionar a atenção para as ações ou figuras centrais. Em sua composição, evitavam as cenas tranquilas das pinturas renascentistas e escolhiam os momentos de maior movimento e drama. Ao contrário dos rostos tranquilos das pinturas renascentistas, os rostos das pinturas barrocas expressavam claramente suas emoções. Freqüentemente, eles usavam a assimetria, com a ação ocorrendo longe do centro da imagem, e criavam eixos que não eram nem verticais nem horizontais, mas inclinados para a esquerda ou para a direita, dando uma sensação de instabilidade e movimento. Eles potencializaram essa impressão de movimento fazendo com que os figurinos dos personagens fossem soprados pelo vento, ou movidos por seus próprios gestos. As impressões gerais foram movimento, emoção e drama. Outro elemento essencial da pintura barroca era a alegoria; cada pintura contava uma história e tinha uma mensagem, muitas vezes criptografada em símbolos e personagens alegóricos, que se esperava que um observador instruído conhecesse e lesse.

Os primeiros indícios das ideias barrocas italianas na pintura ocorreram em Bolonha, onde Annibale Carracci, Agostino Carracci e Ludovico Carracci procuraram devolver as artes visuais ao Classicismo ordenado do Renascimento. Sua arte, no entanto, também incorporou ideias centrais da Contra-Reforma; estes incluíam emoções intensas e imagens religiosas que atraíam mais o coração do que o intelecto.

Outro pintor influente da era barroca foi Michelangelo Merisi da Caravaggio. Sua abordagem realista da figura humana, pintada diretamente da vida e dramaticamente iluminada contra um fundo escuro, chocou seus contemporâneos e abriu um novo capítulo na história da pintura. Outros grandes pintores intimamente associados ao estilo barroco incluem Artemisia Gentileschi, Elisabetta Sirani, Giovanna Garzoni, Guido Reni, Domenichino, Andrea Pozzo e Paolo de Matteis na Itália; Francisco de Zurbarán, Bartolomé Esteban Murillo e Diego Velázquez na Espanha; Adam Elsheimer na Alemanha; e Nicolas Poussin e Georges de La Tour na França (embora Poussin tenha passado a maior parte de sua vida profissional na Itália). Poussin e La Tour adotaram uma abordagem "clássica" Estilo barroco com menos ênfase na emoção e maior atenção à linha das figuras na pintura do que à cor.

Peter Paul Rubens foi o pintor mais importante do estilo barroco flamengo. Rubens' composições altamente carregadas fazem referência a aspectos eruditos da história clássica e cristã. Seu estilo barroco único e imensamente popular enfatizava o movimento, a cor e a sensualidade, que seguiam o estilo artístico imediato e dramático promovido na Contra-Reforma. Rubens se especializou em fazer retábulos, retratos, paisagens e pinturas históricas de temas mitológicos e alegóricos.

Um domínio importante da pintura barroca era a Quadratura, ou pinturas em trompe-l'œil, que literalmente "enganavam os olhos". Estes eram geralmente pintados no estuque de tetos ou paredes superiores e balaustradas, e davam a impressão aos que estavam no chão olhando para cima que estavam vendo os céus povoados por multidões de anjos, santos e outras figuras celestiais, contra céus pintados e arquitetura imaginária.

Na Itália, os artistas frequentemente colaboravam com arquitetos na decoração de interiores; Pietro da Cortona foi um dos pintores do século XVII que empregou essa forma ilusionista de pintar. Entre suas encomendas mais importantes estão os afrescos que pintou para o Palácio da família Barberini (1633-1639), para glorificar o reinado do Papa Urbano VIII. As composições de Pietro da Cortona foram os maiores afrescos decorativos executados em Roma desde a obra de Michelangelo na Capela Sistina.

François Boucher foi uma figura importante no estilo rococó francês mais delicado, que apareceu durante o período barroco tardio. Ele desenhou tapeçarias, tapetes e decoração de teatro, bem como pintura. Seu trabalho foi extremamente popular com Madame Pompadour, a amante do rei Luís XV. Suas pinturas apresentavam temas mitológicos, românticos e levemente eróticos.

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  Ressurreição de Cristo; por Annibale Carracci; 1593; óleo sobre tela; 217 x 160 cm; Louvre

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  Triumph de Bacchus e Adriane (parte de Os Amores dos Deuses); por Annibale Carracci; C.1597–1600; afresco; comprimento (galaria): 20.2 m; Palazzo Farnese (Roma)

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  A Chamada de São Mateus; por Caravaggio; C.1602–1604; óleo sobre tela; 3 x 2 m; San Luigi dei Francesi (Roma)

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  Auto-retrato com Isabella Brant; por Peter Paul Rubens; C.1609-1610; óleo sobre tela; 1.78 x 1.37 m; Alte Pinakothek (Munique, Alemanha)

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  Os quatro continentes; por Peter Paul Rubens; C.1615; óleo sobre tela; 209 x 284 cm; Museu Kunsthistorisches (Viena, Áustria)

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  O Rapo das Mulheres Sabinas; por Nicolas Poussin; 1634–1635; óleo sobre tela; 1.55 × 2.1 m; Metropolitan Museum of Art (New York City)

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  O relógio noturno; por Rembrandt; 1642; óleo sobre tela; 3.63 × 4.37 m; Rijksmuseum (Amsterdam, Holanda)

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  A Embarcação da Rainha de Sabá; por Claude Lorrain; 1648; óleo sobre tela; 149.1 × 196.7 cm; Galeria Nacional (Londres)

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  O Triunfo de Bacchus; por Michaelina Wautier; antes de 1659; óleo sobre tela; 270 x 354 cm; Museu Kunsthistorisches

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  Vanitas Still Life; por Maria van Oosterwijck; 1668; óleo sobre tela; 73 x 88.5 cm; Museu Kunsthistorisches

América Hispânica

Exemplo de pintura boliviana (parte da Escola de Cusco): um Anjo Arquebusier; por Mestre de Calamarca; século XVII

Na América hispânica, as primeiras influências foram do tenebrismo sevilhano, principalmente de Zurbarán —algumas das suas obras ainda se conservam no México e no Peru— como se pode constatar na obra dos mexicanos José Juárez e Sebastián López de Arteaga, e o boliviano Melchor Pérez de Holguín. A Escola de pintura de Cusco surgiu após a chegada do pintor italiano Bernardo Bitti em 1583, que introduziu o maneirismo nas Américas. Destacou a obra de Luis de Riaño, discípulo do italiano Angelino Medoro, autor dos murais da Igreja de San Pedro de Andahuaylillas. Destacou também os pintores índios (quechuas) Diego Quispe Tito e Basilio Santa Cruz Pumacallao, além de Marcos Zapata, autor das cinquenta grandes telas que cobrem os arcos altos da Catedral de Cusco. No Equador, formou-se a Escola de Quito, representada principalmente pelo mestiço Miguel de Santiago e pelo criollo Nicolás Javier de Goríbar.

No século XVIII os retábulos escultóricos começaram a ser substituídos por pinturas, desenvolvendo-se notadamente a pintura barroca nas Américas. Da mesma forma, cresceu a demanda por obras civis, principalmente retratos das classes aristocráticas e da hierarquia eclesiástica. A principal influência foi o murillesco e, em alguns casos – como no criollo Cristóbal de Villalpando – o de Valdés Leal. A pintura desta época tem um tom mais sentimental, com formas doces e suaves. Destaque para Gregorio Vásquez de Arce na Colômbia, e Juan Rodríguez Juárez e Miguel Cabrera no México.

Escultura

A figura dominante na escultura barroca foi Gian Lorenzo Bernini. Sob o patrocínio do Papa Urbano VIII, ele fez uma notável série de estátuas monumentais de santos e figuras cujos rostos e gestos expressavam vividamente suas emoções, bem como bustos de retratos de excepcional realismo e obras altamente decorativas para o Vaticano, como a imponente Cátedra de São Pedro sob a cúpula da Basílica de São Pedro. Além disso, ele projetou fontes com grupos monumentais de escultura para decorar as principais praças de Roma.

A escultura barroca foi inspirada na estatuária romana antiga, particularmente na famosa estátua de Laocoonte do primeiro século EC, que foi desenterrada em 1506 e exposta na galeria do Vaticano. Quando visitou Paris em 1665, Bernini dirigiu-se aos alunos da academia de pintura e escultura. Ele aconselhou os alunos a trabalhar a partir de modelos clássicos, e não da natureza. Ele disse aos alunos: "Quando tive problemas com minha primeira estátua, consultei o Antinous como um oráculo". Essa estátua de Antinous é conhecida hoje como o Hermes do Museu Pio-Clementino.

Os notáveis escultores do barroco francês tardio incluem Étienne Maurice Falconet e Jean Baptiste Pigalle. Pigalle foi contratado por Frederico, o Grande, para fazer estátuas para a versão de Versalhes do próprio Frederico em Sanssouci, em Potsdam, Alemanha. Falconet também recebeu uma importante comissão estrangeira, criando a famosa estátua de Pedro, o Grande, a cavalo, encontrada em São Petersburgo.

Em Espanha, o escultor Francisco Salzillo trabalhou exclusivamente temas religiosos, utilizando madeira policromada. Alguns dos melhores artesanatos esculturais barrocos foram encontrados nos altares de estuque dourado das igrejas das colônias espanholas do Novo Mundo, feitos por artesãos locais; exemplos incluem a Capela do Rosário da Igreja de Santo Domingo em Oaxaca (México), 1724–1731.

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  Saint Veronica; por Francesco Mochi; 1629–1639; mármore de Carrara; altura: 5 m; Basílica de São Pedro (cidade de Veneza)

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  Ecstasy de Santa Teresa; por Gian Lorenzo Bernini; 1647–1652; mármore; altura: 3.5 m; Santa Maria della Vittoria (Roma)

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  The King's Fame Riding Pegasus; por Antoine Coysevox; 1698-1702; mármore de Carrara; altura: 3.15 m; Louvre

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  Vénus dando armas para Eneas; por Jean Cornu; 1704; terracota e madeira pintada; altura: 108 cm; Metropolitan Museum of Art (New York City)

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  A morte de Adonis; por Giuseppe Mazzuoli; 1710s; mármore; altura: 193 cm; Hermitage Museum (Saint Petersburg, Russia)

Móveis

Os principais motivos utilizados são: chifres da fartura, festões, anjinhos, cabeças de leão segurando um anel de metal na boca, rostos femininos rodeados por guirlandas, cartelas ovais, folhas de acanto, colunas clássicas, cariátides, frontões e outros elementos de arquitetura clássica esculpidos em algumas partes de móveis, cestas com frutas ou flores, conchas, armaduras e troféus, cabeças de Apolo ou Baco e volutas em forma de C.

Durante o primeiro período do reinado de Luís XIV, os móveis seguiam o estilo anterior de Luís XIII, eram maciços e profusamente decorados com esculturas e dourados. Depois de 1680, graças em grande parte ao designer de móveis André Charles Boulle, surgiu um estilo mais original e delicado, às vezes conhecido como trabalho de Boulle. Foi baseado na incrustação de ébano e outras madeiras raras, uma técnica usada pela primeira vez em Florença no século XV, que foi refinada e desenvolvida por Boulle e outros que trabalhavam para Luís XIV. A mobília era incrustada com placas de ébano, cobre e madeiras exóticas de diversas cores.

Apareceram novos e muitas vezes duradouros tipos de móveis; a cômoda, com duas a quatro gavetas, substituiu o antigo café, ou cômoda. O canapé, ou sofá, surgiu na forma de uma combinação de duas ou três poltronas. Novos tipos de poltronas apareceram, incluindo o fauteuil en confessionale ou "poltrona Confessional", que tinha almofadas acolchoadas em ambos os lados do encosto da cadeira. A mesa do console também fez sua primeira aparição; foi projetado para ser colocado contra uma parede. Outro novo tipo de móvel foi a table à gibier, uma mesa com tampo de mármore para colocar os pratos. Surgiram as primeiras variedades de escrivaninhas; a escrivaninha Mazarin tinha uma seção central recuada, colocada entre duas colunas de gavetas, com quatro pés em cada coluna.

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  Cama de quatro camas do Château d'Effiat; C.1650; noz natural, seda cinzelada de Genoa veludo e sedas bordados; 295 cm; Louvre

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  Tabela do cais; 1685–1690; madeira esculpida, gessoada e dourada, com um tampo de mármore; 83,6 × 128,6 × 71.6 cm; Instituto de Arte de Chicago (EUA)

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  Cupboard; de André Charles Boulle; C.1700; folheado de ébano e amaranto, madeiras policromáticas, latão, estanho, concha e marchetaria de chifre em um quadro de carvalho, gilt-bronze; 255.5 x 157.5 cm; Louvre

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  Commode; de André Charles Boulle; C.1710-1732; noz folheado com ebony e marquetry de latão gravado e tortoiseshell, gilt-bronze montagens, topo de mármore antigo; 87.6 x 128.3 x 62.9 cm; Metropolitan Museum of Art (New York City)

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  Escadaria alemã; por Heinrich Ludwig Rohde ou Ferdinand Plitzner; C.1715–1725; marquês com bordo, amaranto, mogno e noz em abeto e carvalho; 90 × 84 × 44,5 cm; Art Institute of Chicago

Música

Antonio Vivaldi, (1678–1741)

O termo Barroco também é usado para designar o estilo de música composto durante um período que se sobrepõe ao da arte barroca. Os primeiros usos do termo 'barroco' para a música eram críticas. Em uma crítica anônima e satírica da estreia em outubro de 1733 de Hippolyte et Aricie, de Rameau, impressa no Mercure de France em maio de 1734, o crítico insinuou que a novidade desta ópera foi "du barocque" reclamando que a música carecia de melodia coerente, estava cheia de dissonâncias incessantes, tom e métrica constantemente alterados e percorria rapidamente todos os dispositivos de composição. Jean-Jacques Rousseau, que era músico e compositor notável, além de filósofo, fez uma observação muito semelhante em 1768 na famosa Encyclopédie de Denis Diderot: "A música barroca é aquela em que o a harmonia é confusa e carregada de modulações e dissonâncias. O canto é áspero e antinatural, a entonação difícil e o movimento limitado. Parece que o termo vem da palavra 'baroco' usado por lógicos."

O uso comum do termo para a música do período começou apenas em 1919, por Curt Sachs, e foi somente em 1940 que foi usado pela primeira vez em inglês em um artigo publicado por Manfred Bukofzer.

O barroco foi um período de experimentação e inovação musical o que explica a quantidade de ornamentos e improvisações executadas pelos músicos. Novas formas foram inventadas, incluindo o concerto e a sinfonia. A ópera nasceu na Itália no final do século XVI (com a quase perdida Dafne de Jacopo Peri, produzida em Florença em 1598) e logo se espalhou pelo resto da Europa: Luís XIV criou o primeira Royal Academy of Music, Em 1669, o poeta Pierre Perrin abriu uma academia de ópera em Paris, o primeiro teatro de ópera na França aberto ao público, e estreou Pomone, a primeira grande ópera em francês, com música de Robert Cambert, com cinco atos, maquinário de palco elaborado e um balé. Heinrich Schütz na Alemanha, Jean-Baptiste Lully na França e Henry Purcell na Inglaterra ajudaram a estabelecer suas tradições nacionais no século XVII.

Vários novos instrumentos, incluindo o piano, foram introduzidos durante este período. A invenção do piano é creditada a Bartolomeo Cristofori (1655–1731) de Pádua, Itália, que trabalhava para Ferdinando de' Medici, Grande Príncipe da Toscana, como o Guardião dos Instrumentos. Cristofori nomeou o instrumento un cimbalo di cipresso di piano e forte ("um teclado de cipreste com suave e alto"), abreviado ao longo do tempo como pianoforte, fortepiano, e depois, simplesmente, piano.

Compositores e exemplos

• Giovanni Gabrieli (c. 1554/1557–1612) Sonata pian' e forte (1597) Em Ecclesiis (de Sinfonia sacrae livro 2, 1615)
• Giovanni Girolamo Kapsperger (c. 1580–1651) Libro primo di villanelle, 20 (1610)
• Claudio Monteverdi (1567–1643), L'Orfeo, favola em música (1610)
• Heinrich Schütz (1585–1672), Revisão de Musikalische (1629, 1647, 1650)
• Francesco Cavalli (1602–1676), L'Egisto (1643), Ercole amante (1662), Cipião affricano (1664)
  

  JS Bach (1685–1750)
• Jean-Baptiste Lully (1632–1687), Armário (1686)
• Marc-Antoine Charpentier (1643–1704), Te Deum (1688–1698)
• Heinrich Ignaz Franz Biber (1644–1704), Sonatas do Mistério (1681)
• John Blow (1649–1708), Vénus e Adonis (1680–1687)
• Johann Pachelbel (1653–1706), Canon in D (1680)
• Arcangelo Corelli (1653–1713), 12 concertos brutos, Op. 6 (1714)
• Marin Marais (1656–1728), Sonnerie de Ste-Geneviève du Mont-de-Paris (1723)
• Henry Purcell (1659–1695), Dido e Aeneas (1688)
• Alessandro Scarlatti (1660–1725), L'honestà negli amori (1680), Il Pompeo (1683), Mitridate Eupatore (1707)
• François Couperin (1668–1733), Les barricades mystérieuses (1717)
• Tomaso Albinoni (1671–1751), A sério? (1724)
• Antonio Vivaldi (1678–1741), As quatro estações (1725)
• Jan Dismas Zelenka (1679–1745), Il Serpente de Bronzo (1730), Missa Sanctissimae Trinitatis (1736)
• Georg Philipp Telemann (1681–1767), Marca de produtos (1762)
• Johann David Heinichen (1683–1729)
• Jean-Philippe Rameau (1683–1764), Dardanus (1739)
• George Frideric Handel (1685–1759), Música da Água (1717), Messias (1741)
• Domenico Scarlatti (1685–1757), Sonatas para o cravo
• Johann Sebastian Bach (1685–1750), Toccata e Fugue em D menor (1703–1707), Concertos de Brandenburgo (1721), Paixão de São Mateus (1727)
• Nicola Porpora (1686–1768), Peças de reposição para máquinas em Porto Rico (1729)
• Giovanni Battista Pergolesi (1710–1736), Stabat Mater (1736)

Dança

O balé clássico também teve origem na era barroca. O estilo de dança da corte foi trazido para a França por Marie de Medici, e no início os próprios membros da corte eram os dançarinos. O próprio Luís XIV se apresentou em público em vários balés. Em março de 1662, a Académie Royale de Danse, foi fundada pelo rei. Foi a primeira escola e companhia profissional de dança e estabeleceu os padrões e o vocabulário do balé em toda a Europa durante o período.

Teoria literária

Heinrich Wölfflin foi o primeiro a transferir o termo barroco para a literatura. Os conceitos-chave da teoria literária barroca, como “presunção” (concetto), “wit” (acutezza, ingegno) e “maravilha ” (meraviglia), não foram totalmente desenvolvidos na teoria literária até a publicação de Il Cannocchiale aristotelico de Emanuele Tesauro em 1654. Este tratado seminal - inspirado no épico Adone de Giambattista Marino e na obra do filósofo jesuíta espanhol Baltasar Gracián - desenvolveu uma teoria da metáfora como uma linguagem universal de imagens e como um ato intelectual supremo, ao mesmo tempo uma artifício e um modo epistemologicamente privilegiado de acesso à verdade.

Teatro

Design de conjunto para Andromed por Pierre Corneille, (1650)

Design para um conjunto de teatro criado por Giacomo Torelli para o ballet Os Noces de Thétis, de Decorações e máquinas aprestées aux nopces de Tétis, Ballet Royal

O período barroco foi uma época de ouro para o teatro na França e na Espanha; dramaturgos incluíram Corneille, Racine e Molière na França; e Lope de Vega e Pedro Calderón de la Barca na Espanha.

Durante o período barroco, a arte e o estilo do teatro evoluíram rapidamente, juntamente com o desenvolvimento da ópera e do balé. O projeto de teatros mais novos e maiores, a invenção do uso de maquinário mais elaborado, o uso mais amplo do arco do proscênio, que emoldurava o palco e escondia o maquinário do público, encorajou mais efeitos cênicos e espetáculo.

O Barroco teve um caráter católico e conservador na Espanha, seguindo um modelo literário italiano durante o Renascimento. O teatro barroco hispânico visava um conteúdo público com uma realidade ideal que manifestasse três sentimentos fundamentais: religião católica, monarquista e orgulho e honra nacional provenientes do mundo cavalheiresco.

Do teatro barroco espanhol são conhecidos dois períodos, com a divisão a ocorrer em 1630. O primeiro período é representado principalmente por Lope de Vega, mas também por Tirso de Molina, Gaspar Aguilar, Guillén de Castro, Antonio Mira de Amescua, Luis Vélez de Guevara, Juan Ruiz de Alarcón, Diego Jiménez de Enciso, Luis Belmonte Bermúdez, Felipe Godínez, Luis Quiñones de Benavente ou Juan Pérez de Montalbán. O segundo período é representado por Pedro Calderón de la Barca e seus colegas dramaturgos Antonio Hurtado de Mendoza, Álvaro Cubillo de Aragón, Jerónimo de Cáncer, Francisco de Rojas Zorrilla, Juan de Matos Fragoso, Antonio Coello y Ochoa, Agustín Moreto e Francisco Bances Candamo. Essas classificações são frouxas porque cada autor tinha seu próprio caminho e ocasionalmente podia aderir à fórmula estabelecida por Lope. Pode até ser que o "jeito" era mais liberal e estruturado que o de Calderón.

Lope de Vega introduziu através da sua Arte nuevo de hacer comedias en este tiempo (1609) a nova comédia. Ele estabeleceu uma nova fórmula dramática que quebrou as três unidades de Aristóteles da escola italiana de poesia (ação, tempo e lugar) e uma quarta unidade de Aristóteles que é sobre estilo, misturando elementos trágicos e cômicos mostrando diferentes tipos de versos e estrofes sobre o que é representado. Embora Lope tenha um grande conhecimento das artes plásticas, não as utilizou durante a maior parte de sua carreira, nem no teatro ou na cenografia. A comédia de Lope concedeu um segundo papel aos aspectos visuais da representação teatral.

Tirso de Molina, Lope de Vega e Calderón foram os dramaturgos mais importantes da Espanha da Era de Ouro. Suas obras, conhecidas por sua inteligência sutil e compreensão profunda da humanidade de uma pessoa, podem ser consideradas uma ponte entre a comédia primitiva de Lope e a comédia mais elaborada de Calderón. Tirso de Molina é mais conhecido por duas obras, As suspeitas condenadas e O Malandro de Sevilha, uma das primeiras versões do mito de Don Juan.

Ao chegar a Madrid, Cosimo Lotti trouxe para a corte espanhola as técnicas teatrais mais avançadas da Europa. Suas técnicas e conhecimentos mecânicos foram aplicados em exposições palacianas chamadas "Fiestas" e em exibições luxuosas de rios ou fontes artificiais chamadas "Naumaquias". Foi responsável pela estilização dos Jardins do Bom Retiro, da Zarzuela e de Aranjuez e pela construção do edifício teatral do Coliseo do Bom Retiro. As fórmulas de Lope começam com um verso que não condiz com a fundação do teatro palaciano e com o nascimento de novos conceitos que iniciaram a carreira de alguns dramaturgos como Calderón de la Barca. Marcando as principais inovações da Nova Comédia Lopesiana, o estilo de Calderón marcou muitas diferenças, com muito cuidado construtivo e atenção à sua estrutura interna. A obra de Calderón está na perfeição formal e numa linguagem muito lírica e simbólica. A liberdade, a vitalidade e a abertura de Lope deram um passo à reflexão intelectual e à precisão formal de Calderón. Em sua comédia refletia suas intenções ideológicas e doutrinárias, acima da paixão e da ação, a obra de Autos sacramentales alcançou altos níveis. O gênero da Comédia é político, multiartístico e, em certo sentido, híbrido. O texto poético entrelaçado com mídias e recursos oriundos da arquitetura, música e pintura libertando a decepção que está na comédia lopesiana foi feito a partir da falta de cenário e engajando o diálogo da ação.

O dramaturgo alemão mais conhecido foi Andreas Gryphius, que utilizou o modelo jesuíta dos holandeses Joost van den Vondel e Pierre Corneille. Houve também Johannes Velten que combinou as tradições dos comediantes ingleses e da commedia dell'arte com o teatro clássico de Corneille e Molière. Sua companhia de turismo foi talvez a mais significativa e importante do século XVII.

O principal trágico barroco italiano foi Federico Della Valle. A sua actividade literária resume-se nas quatro peças que escreveu para o teatro da corte: a tragicomédia Adelonda di Frigia (1595) e sobretudo as suas três tragédias, Judith (1627)., Esther (1627) e La reina di Scotia (1628). Della Valle teve muitos imitadores e seguidores que combinaram em suas obras o gosto barroco e os objetivos didáticos dos jesuítas (Pallavicino, Graziani, etc.)

América colonial espanhola

Acompanhando a evolução marcada desde Espanha, no final do século XVI, as companhias de comediantes, essencialmente transumantes, começaram a profissionalizar-se. Com a profissionalização vieram a regulamentação e a censura: como na Europa, o teatro oscilou entre a tolerância e até a proteção do governo e a rejeição (com exceções) ou perseguição da Igreja. O teatro servia às autoridades como instrumento de divulgação dos comportamentos e modelos desejados, respeito pela ordem social e pela monarquia, escola de dogmas religiosos.

Os currales eram administrados em benefício de hospitais que compartilhavam os benefícios das representações. As companhias itinerantes (ou "da liga"), que transportavam o teatro em palcos improvisados ao ar livre pelas regiões que não tinham locais fixos, exigiam licença vice-real para funcionar, cujo preço ou pinción era destinada a esmolas e obras piedosas. Para as empresas que atuavam de forma estável nas capitais e grandes cidades, uma de suas principais fontes de renda era a participação nas festividades do Corpus Christi, o que lhes proporcionava não apenas benefícios econômicos, mas também reconhecimento e prestígio social. As representações no palácio do vice-rei e nas mansões da aristocracia, onde representavam tanto as comédias de seu repertório quanto produções especiais com grandes efeitos de luz, cenário e palco, também foram uma importante fonte de trabalho bem remunerado e prestigiado.

Nascido no Vice-Reino da Nova Espanha, mas depois estabelecido na Espanha, Juan Ruiz de Alarcón é a figura mais proeminente do teatro barroco da Nova Espanha. Apesar de sua adaptação à nova comédia de Lope de Vega, seu "secularismo acentuado", sua discrição e moderação e uma grande capacidade de "penetração psicológica" como características distintivas de Alarcón contra seus contemporâneos espanhóis foram notadas. Destaca-se entre suas obras La verdad sospechosa, uma comédia de personagens que refletia seu constante propósito moralizador. A produção dramática de Sor Juana Inés de la Cruz a coloca como a segunda figura do teatro barroco hispano-americano. Entre suas obras, destacam-se o auto sacramental El divino Narciso e a comédia Los empeños de una casa.

Jardins

O jardim barroco, também conhecido como jardin à la française ou jardim formal francês, apareceu pela primeira vez em Roma no século XVI e depois ficou mais famoso na França no século XVII nos jardins de Vaux le Vicomte e o Palácio de Versalhes. Os jardins barrocos foram construídos por reis e príncipes na Alemanha, Holanda, Áustria, Espanha, Polônia, Itália e Rússia até meados do século XVIII, quando começaram a ser refeitos pelo jardim paisagístico inglês mais natural.

O objetivo do jardim barroco era ilustrar o poder do homem sobre a natureza e a glória de seu construtor. Os jardins barrocos foram dispostos em padrões geométricos, como os cômodos de uma casa. Eles geralmente eram mais bem vistos de fora e olhando para baixo, de um castelo ou terraço. Os elementos de um jardim barroco incluíam canteiros de flores ou sebes baixas aparadas em desenhos barrocos ornamentados, e vielas retas e vielas de cascalho que dividiam e cruzavam o jardim. Terraços, rampas, escadarias e cascatas foram colocados onde havia diferenças de elevação e forneceram pontos de vista. Lagoas circulares ou retangulares ou bacias de água eram os cenários para fontes e estátuas. Bosquets ou bosques cuidadosamente aparados ou linhas de árvores idênticas davam a aparência de paredes de vegetação e eram pano de fundo para estátuas. Nas bordas, os jardins costumavam ter pavilhões, laranjais e outras estruturas onde os visitantes pudessem se abrigar do sol ou da chuva.

Os jardins barrocos exigiam um grande número de jardineiros, podas contínuas e água abundante. Na parte final do período barroco, os elementos formais começaram a ser substituídos por características mais naturais, incluindo caminhos sinuosos, bosques de árvores variadas deixados para crescer sem poda; arquitetura rústica e estruturas pitorescas, como templos romanos ou pagodes chineses, bem como "jardins secretos" nas bordas do jardim principal, repleto de vegetação, onde os visitantes podiam ler ou conversar tranquilamente. Em meados do século XVIII, a maioria dos jardins barrocos foi parcial ou totalmente transformada em variações do jardim paisagístico inglês.

Além de Versalhes e Vaux-le-Vicomte, os célebres jardins barrocos que ainda mantêm muito de sua aparência original incluem o Palácio Real de Caserta, perto de Nápoles; Palácio Nymphenburg e Palácios Augustusburg e Falkenlust, Brühl na Alemanha; Palácio Het Loo, Holanda; o Palácio Belvedere em Viena; Palácio Real de La Granja de San Ildefonso, Espanha; e Palácio de Peterhof em São Petersburgo, Rússia.

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  Jardins em Vaux-le-Vicomte (França), 1657-1661, de André Le Nôtre

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  Jardins de Versalhes, iniciados em 1661, por André Le Nôtre

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  Jardins do Palácio Het Loo, Países Baixos, 1689

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  Jardim do Palácio de Tessin (Stockholm, Suécia), 1692-1700, por Nicodemus Tessin the Younger

Diferenças entre o Rococó e o Barroco

São características que o Rococó tem e o Barroco não tem:

• O abandono parcial da simetria, sendo tudo composto por linhas graciosas e curvas, semelhantes às Art Nouveau
• A enorme quantidade de curvas assimétricas e volutas em forma de C
• O uso muito amplo de flores em ornamentação, um exemplo sendo festões feitos de flores
• Motivos chineses e japoneses
• Cores de pastel quentes (amarelo, cinzas de pérolas coloridas, muito azuis claros)

Fim do estilo, condenação e redescoberta acadêmica

Madame de Pompadour, amante de Luís XV, contribuiu para o declínio do estilo barroco e rococó. Em 1750 ela enviou seu sobrinho, Abel-François Poisson de Vandières, em uma missão de dois anos para estudar desenvolvimentos artísticos e arqueológicos na Itália. Ele foi acompanhado por vários artistas, incluindo o gravador Nicolas Cochin e o arquiteto Soufflot. Eles voltaram para Paris com uma paixão pela arte clássica. Vandiéres tornou-se o Marquês de Marigny e foi nomeado Diretor Real de edifícios em 1754. Ele transformou a arquitetura oficial francesa em direção ao neoclássico. Cochin tornou-se um importante crítico de arte; ele denunciou o pequeno estilo de Boucher e pediu um grande estilo com uma nova ênfase na antiguidade e na nobreza nas academias de pintura e arquitetura.

O pioneiro historiador de arte e arqueólogo alemão Johann Joachim Winckelmann também condenou o estilo barroco e elogiou os valores superiores da arte e arquitetura clássicas. No século 19, o barroco era alvo de ridículo e crítica. O crítico neoclássico Francesco Milizia escreveu: "Borrominini na arquitetura, Bernini na escultura, Pietro da Cortona na pintura... No século XIX, a crítica foi ainda mais longe; o crítico britânico John Ruskin declarou que a escultura barroca não era apenas ruim, mas também moralmente corrupta.

O historiador de arte suíço Heinrich Wölfflin (1864–1945) iniciou a reabilitação da palavra barroco em seu Renaissance und Barock (1888); Wölfflin identificou o barroco como "movimento importado para a massa", uma arte antitética à arte renascentista. Ele não fez as distinções entre maneirismo e barroco que os escritores modernos fazem e ignorou a fase posterior, o barroco acadêmico que durou até o século XVIII. A arte e a arquitetura barrocas tornaram-se moda no período entre guerras e permaneceram amplamente em favor da crítica. O termo "Barroco" ainda pode ser usado, geralmente de forma pejorativa, descrevendo obras de arte, artesanato ou design que se acredita terem ornamentação excessiva ou complexidade de linha.