Alfred Hitchcock

Sir Alfred Joseph Hitchcock KBE (13 de agosto de 1899 – 29 de abril de 1980) foi um cineasta inglês. Ele é amplamente considerado como uma das figuras mais influentes da história do cinema. Em uma carreira de seis décadas, dirigiu mais de 50 longas-metragens, muitos dos quais ainda hoje são amplamente vistos e estudados. Conhecido como o "Mestre do Suspense", ele se tornou tão conhecido quanto qualquer um de seus atores, graças a suas muitas entrevistas, participações especiais na maioria de seus filmes e como apresentador e produtor da antologia televisiva Alfred Hitchcock apresenta (1955–65). Seus filmes receberam 46 indicações ao Oscar, incluindo seis vitórias, embora ele nunca tenha ganhado o prêmio de Melhor Diretor, apesar de cinco indicações.

Hitchcock treinou inicialmente como balconista técnico e redator antes de entrar na indústria cinematográfica em 1919 como designer de cartões de título. Sua estreia na direção foi o filme mudo anglo-alemão The Pleasure Garden (1925). Seu primeiro filme de sucesso, The Lodger: A Story of the London Fog (1927), ajudou a moldar o gênero thriller, e Blackmail (1929) foi o primeiro filme britânico. 34;talkie". Seus thrillers The 39 Steps (1935) e The Lady Vanishes (1938) estão classificados entre os maiores filmes britânicos do século XX. Em 1939, ele tinha reconhecimento internacional e o produtor David O. Selznick o convenceu a se mudar para Hollywood. Seguiu-se uma série de filmes de sucesso, incluindo Rebecca (1940), Foreign Correspondent (1940), Suspicion (1941), Shadow of a Doubt (1943) e Notorious (1946). Rebecca ganhou o Oscar de Melhor Filme, com Hitchcock indicado como Melhor Diretor; ele também foi indicado por Lifeboat (1944) e Spellbound (1945). Após uma breve pausa comercial, ele voltou à forma com Strangers on a Train (1951) e Dial M for Murder (1954); ele então dirigiu quatro filmes frequentemente classificados entre os maiores de todos os tempos: Rear Window (1954), Vertigo (1958), North by Northwest i> (1959) e Psycho (1960), o primeiro e o último deles, rendendo-lhe indicações de Melhor Diretor. The Birds (1963) e Marnie (1964) também tiveram sucesso financeiro e são altamente considerados pelos historiadores do cinema.

O "Hitchcockiano" o estilo inclui o uso de edição e movimento de câmera para imitar o olhar de uma pessoa, transformando assim os espectadores em voyeurs e enquadrando fotos para maximizar a ansiedade e o medo. O crítico de cinema Robin Wood escreveu que o significado de um filme de Hitchcock "está no método, na progressão de plano a plano". Um filme de Hitchcock é um organismo, com o todo implícito em cada detalhe e cada detalhe relacionado ao todo”. Hitchcock fez vários filmes com algumas das maiores estrelas de Hollywood, incluindo quatro com Cary Grant nas décadas de 1940 e 1950, três com Ingrid Bergman na segunda metade da década de 1940, quatro com James Stewart ao longo de uma década começando em 1948 e três consecutivos com Grace Kelly em meados da década de 1950. Hitchcock tornou-se cidadão americano em 1955.

Em 2012, o thriller psicológico de Hitchcock Vertigo, estrelado por Stewart, desbancou Orson Welles; Cidadão Kane (1941) como o maior filme do British Film Institute já feito, com base em sua pesquisa mundial com centenas de críticos de cinema. Em 2021, nove de seus filmes foram selecionados para preservação no Registro Nacional de Filmes dos Estados Unidos, incluindo seu favorito pessoal, Shadow of a Doubt (1943). Ele recebeu o BAFTA Fellowship em 1971, o AFI Life Achievement Award em 1979 e foi nomeado cavaleiro em dezembro daquele ano, quatro meses antes de sua morte em 29 de abril de 1980.

Biografia

Infância: 1899–1919

Primeira infância e educação

William Hitchcock, provavelmente com seu primeiro filho, William, fora da loja de família em Londres, C. 1900; o sinal acima da loja diz "W. Hitchcock". Os Hitchcocks usaram o pônei para entregar compras.

Alfred Joseph Hitchcock nasceu em 13 de agosto de 1899 no apartamento acima da casa de seus pais. alugou uma quitanda em 517 High Road, Leytonstone, nos arredores do leste de Londres (então parte de Essex), o mais novo dos três filhos de Emma Jane (nascida Whelan; 1863–1942) e William Edgar Hitchcock (1862–1914), com um irmão, William Daniel (1890–1943) e uma irmã, Ellen Kathleen ("Nellie") (1892–1979). Seus pais eram ambos católicos romanos, com raízes parciais na Irlanda; Seu pai era verdureiro, assim como seu avô.

Havia uma grande família extensa, incluindo o tio John Hitchcock com sua casa vitoriana de cinco quartos em Campion Road, Putney, completa com empregada, cozinheira, motorista e jardineiro. Todo verão, seu tio alugava uma casa à beira-mar para a família em Cliftonville, Kent. Hitchcock disse que primeiro teve consciência de classe lá, percebendo as diferenças entre turistas e locais.

Descrevendo-se como um menino bem-comportado - seu pai o chamava de "cordeirinho sem mancha" - Hitchcock disse que não se lembrava de ter tido um companheiro de brincadeiras. Uma de suas histórias favoritas para os entrevistadores era sobre seu pai o mandando para a delegacia de polícia local com um bilhete quando ele tinha cinco anos; o policial olhou para o bilhete e o trancou em uma cela por alguns minutos, dizendo: 'Isso é o que fazemos com meninos travessos'. A experiência o deixou, disse ele, com um medo vitalício de policiais; em 1973, ele disse a Tom Snyder que estava "morrendo de medo de qualquer coisa... que tivesse a ver com a lei" e nem dirigiria um carro, caso recebesse uma multa de estacionamento.

Quando ele tinha seis anos, a família mudou-se para Limehouse e alugou duas lojas na Salmon Lane, 130 e 175, que administravam como uma loja de peixe com batatas fritas e uma peixaria. respectivamente; eles viviam acima do primeiro. Hitchcock frequentou sua primeira escola, o Howrah House Convent em Poplar, onde ingressou em 1907, aos 7 anos. Segundo o biógrafo Patrick McGilligan, ele permaneceu na Howrah House por no máximo dois anos. Ele também frequentou uma escola de freiras, a Wode Street School "para as filhas de cavalheiros e meninos", dirigida pelos Fiéis Companheiros de Jesus. Ele então frequentou uma escola primária perto de sua casa e por um curto período foi interno no Salesian College em Battersea.

Estação de gasolina no local de 517 High Road, Leytonstone, onde Hitchcock nasceu; mural comemorativo nos. 527–533 (direita)

A família mudou-se novamente quando ele tinha 11 anos, desta vez para Stepney, e em 5 de outubro de 1910 Hitchcock foi enviado para o St Ignatius College em Stamford Hill, Tottenham (incorporado ao novo bairro londrino de Haringey), uma escola secundária jesuíta com uma reputação de disciplina. Como punição corporal, os padres usavam uma ferramenta/arma chata, dura e elástica feita de guta-percha e conhecida como "ferula", que atingia toda a palma da mão; a punição era sempre no final do dia, então os meninos tinham que assistir às aulas antecipando a punição se tivessem sido escritos para isso. Mais tarde, ele disse que foi aqui que desenvolveu seu senso de medo. O registro escolar lista seu ano de nascimento como 1900, em vez de 1899; o biógrafo Donald Spoto diz que ele foi deliberadamente matriculado aos 10 anos porque estava um ano atrasado em seus estudos.

Enquanto o biógrafo Gene Adair relata que Hitchcock era "um aluno mediano ou ligeiramente acima da média", Hitchcock disse que ele estava "geralmente entre os quatro ou cinco primeiros da classe& #34;; no final de seu primeiro ano, seu trabalho em latim, inglês, francês e educação religiosa foi notado. Ele disse a Peter Bogdanovich: "Os jesuítas me ensinaram organização, controle e, até certo ponto, análise."

Sua matéria favorita era geografia, e ele se interessou por mapas e horários de ferrovias, bondes e ônibus; de acordo com John Russell Taylor, ele poderia recitar todas as paradas do Expresso do Oriente. Ele também tinha um interesse particular pelos bondes de Londres. A esmagadora maioria de seus filmes inclui cenas de trilhos ou bondes, em particular The Lady Vanishes, Strangers on a Train e Number Seventeen. Uma claquete mostra o número da cena e o número de tomadas, e Hitchcock costumava pegar os dois números na claquete e sussurrar os nomes das rotas do bonde de Londres. Por exemplo, se a claquete mostrasse a Cena 23; Tome 3; Hitchcock sussurraria "Woodford, Hampstead" - Woodford sendo o terminal do bonde da rota 23 e Hampstead o final da rota 3.

Henley's

Hitchcock disse a seus pais que queria ser engenheiro e, em 25 de julho de 1913, deixou St. Ignatius e se matriculou em aulas noturnas na London County Council School of Engineering and Navigation em Poplar. Em uma entrevista para o livro em 1962, ele disse a François Truffaut que havia estudado "mecânica, eletricidade, acústica e navegação". Então, em 12 de dezembro de 1914, seu pai, que sofria de enfisema e doença renal, morreu aos 52 anos. semana (£ 77 em 2021), como funcionário técnico na Henley Telegraph and Cable Company em Blomfield Street perto de London Wall. Ele continuou as aulas noturnas, desta vez em história da arte, pintura, economia e ciências políticas. Seu irmão mais velho administrava as lojas da família, enquanto ele e sua mãe continuaram morando em Salmon Lane.

Hitchcock era muito jovem para se alistar quando a Primeira Guerra Mundial começou em julho de 1914, e quando atingiu a idade exigida de 18 anos em 1917, recebeu uma classificação C3 ("livre de doença orgânica grave, capaz de suportar condições de serviço em guarnições em casa ... apenas adequado para trabalho sedentário"). Ele se juntou a um regimento de cadetes dos Engenheiros Reais e participou de briefings teóricos, exercícios de fim de semana e exercícios. John Russell Taylor escreveu que, em uma sessão de exercícios práticos no Hyde Park, Hitchcock foi obrigado a usar perneiras. Ele nunca conseguiu enrolá-los em suas pernas, e eles caíam repetidamente em torno de seus tornozelos.

Após a guerra, Hitchcock se interessou pela escrita criativa. Em junho de 1919, ele se tornou o editor fundador e gerente de negócios da publicação interna de Henley, The Henley Telegraph (seis pence a cópia), para a qual enviou vários contos. A Henley's o promoveu ao departamento de publicidade, onde escreveu textos e desenhou gráficos para anúncios de cabos elétricos. Ele gostava do trabalho e ficava até tarde no escritório para examinar as provas; ele disse a Truffaut que este era seu "primeiro passo em direção ao cinema". Gostava de assistir a filmes, principalmente cinema americano, e desde os 16 anos lia jornais comerciais; ele assistiu Charlie Chaplin, D. W. Griffith e Buster Keaton, e gostou particularmente de Der müde Tod de Fritz Lang (1921).

Carreira entre guerras: 1919–1939

Jogadores famosos-Lasky

Hitchcock (direita) durante a fabricação de Número 13 em Londres

Enquanto ainda estava na Henley's, ele leu em um jornal comercial que a Famous Players-Lasky, braço de produção da Paramount Pictures, estava abrindo um estúdio em Londres. Eles estavam planejando filmar The Sorrows of Satan de Marie Corelli, então ele produziu alguns desenhos para os cartões de título e enviou seu trabalho para o estúdio. Eles o contrataram e, em 1919, ele começou a trabalhar para o Islington Studios em Poole Street, Hoxton, como designer de cartões de título.

Donald Spoto escreveu que a maioria dos funcionários eram americanos com especificações rígidas de trabalho, mas os trabalhadores ingleses foram encorajados a tentar qualquer coisa, o que significa que Hitchcock ganhou experiência como co-roteirista, diretor de arte e gerente de produção em menos 18 filmes mudos. The Times escreveu em fevereiro de 1922 sobre o "departamento especial de títulos de arte sob a supervisão do Sr. A. J. Hitchcock". Seu trabalho incluiu Número 13 (1922), também conhecido como Sra. Peabody; foi cancelado por problemas financeiros - as poucas cenas finalizadas foram perdidas - e Always Tell Your Wife (1923), que ele e Seymour Hicks terminaram juntos quando Hicks estava prestes a desistir em cima dele. Hicks escreveu mais tarde sobre ter sido ajudado por "um jovem gordo encarregado da sala de propriedades ... [n] ninguém menos que Alfred Hitchcock".

Gainsborough Pictures e trabalho na Alemanha

Hitchcock escultura no local de Gainsborough Pictures, Poole Street, Hoxton, norte de Londres

Quando a Paramount saiu de Londres em 1922, Hitchcock foi contratado como assistente de direção por uma nova empresa dirigida no mesmo local por Michael Balcon, mais tarde conhecido como Gainsborough Pictures. Hitchcock trabalhou em Woman to Woman (1923) com o diretor Graham Cutts, desenhando o cenário, escrevendo o roteiro e produzindo. Ele disse: "Foi o primeiro filme em que realmente coloquei minhas mãos." A editora e "roteirista" em Woman to Woman estava Alma Reville, sua futura esposa. Ele também trabalhou como assistente de Cutts em The White Shadow (1924), The Passionate Adventure (1924), The Blackguard (1925), e A queda de Prude (1925). The Blackguard foi produzido no Babelsberg Studios em Potsdam, onde Hitchcock assistiu parte da produção de The Last Laugh (1924) de F. W. Murnau. Ele ficou impressionado com o trabalho de Murnau e mais tarde usou muitas de suas técnicas de cenografia em suas próprias produções.

No verão de 1925, Balcon pediu a Hitchcock para dirigir The Pleasure Garden (1925), estrelado por Virginia Valli, uma coprodução de Gainsborough e da empresa alemã Emelka no estúdio Geiselgasteig perto de Munique. Reville, então noiva de Hitchcock, era diretor-editor assistente. Embora o filme tenha sido um fracasso comercial, Balcon gostou do trabalho de Hitchcock; uma manchete do Daily Express o chamou de "jovem com uma mente genial". A produção de The Pleasure Garden encontrou obstáculos com os quais Hitchcock aprenderia mais tarde: ao chegar a Brenner Pass, ele não declarou seu estoque de filmes à alfândega e foi confiscado; uma atriz não pôde entrar na água para uma cena porque estava menstruada; estouros de orçamento significaram que ele teve que pedir dinheiro emprestado aos atores. Hitchcock também precisava de um tradutor para dar instruções ao elenco e à equipe.

Na Alemanha, Hitchcock observou as nuances do cinema e do cinema alemães que o influenciaram muito. Quando não estava trabalhando, visitava as galerias de arte, shows e museus de Berlim. Ele também se encontraria com atores, escritores e produtores para construir conexões. Balcon pediu-lhe para dirigir um segundo filme em Munique, The Mountain Eagle (1926), baseado em uma história original intitulada Fear o' Deus. O filme está perdido e Hitchcock o chamou de "um filme muito ruim". Um ano depois, Hitchcock escreveu e dirigiu O Chamado; embora o roteiro tenha sido creditado apenas em seu nome, Elliot Stannard o ajudou na escrita. The Ring recebeu críticas positivas; o crítico da revista Bioscope chamou-o de "o mais magnífico filme britânico já feito".

Quando voltou para a Inglaterra, Hitchcock foi um dos primeiros membros da London Film Society, recém-formada em 1925. Através da Sociedade, ele ficou fascinado pelo trabalho dos cineastas soviéticos: Dziga Vertov, Lev Kuleshov, Sergei Eisenstein, e Vsevolod Pudovkin. Ele também se socializava com outros cineastas ingleses Ivor Montagu e Adrian Brunel, e Walter C. Mycroft.

Hitchcock estabeleceu-se como um diretor de renome com seu primeiro thriller, The Lodger: A Story of the London Fog (1927). O filme trata da caçada a um serial killer estilo Jack, o Estripador, que, vestindo uma capa preta e carregando uma bolsa preta, está assassinando jovens loiras em Londres, e apenas às terças-feiras. Uma senhoria suspeita que seu inquilino seja o assassino, mas ele é inocente. Para transmitir a impressão de que passos estavam sendo ouvidos em um andar superior, Hitchcock mandou fazer um piso de vidro para que o espectador pudesse ver o inquilino andando de um lado para o outro em seu quarto acima da senhoria. Hitchcock queria que o protagonista fosse culpado, ou que o filme pelo menos terminasse de forma ambígua, mas a estrela era Ivor Novello, um ídolo da matinê, e o "star system" significava que Novello não poderia ser o vilão. Hitchcock disse a Truffaut: "Você tem que soletrar claramente em letras grandes: 'Ele é inocente.'" (Ele teve o mesmo problema anos depois com Cary Grant em Suspicion (1941).) Lançado em janeiro de 1927, The Lodger foi um sucesso comercial e de crítica no Reino Unido. Após seu lançamento, o jornal comercial Bioscope escreveu: "É possível que este filme seja a melhor produção britânica já feita". Hitchcock disse a Truffaut que o filme foi o primeiro dele a ser influenciado pelo expressionismo alemão: "Na verdade, você quase pode dizer que O inquilino foi meu primeiro filme". Ele fez sua primeira aparição no filme, sentado em uma redação.

Casamento

Os Hitchcocks em seu dia de casamento, Brompton Oratory, 2 de dezembro de 1926

Em 2 de dezembro de 1926, Hitchcock se casou com a roteirista inglesa Alma Reville no Brompton Oratory em South Kensington. O casal passou a lua de mel em Paris, Lago Como e St. Moritz, antes de retornar a Londres para morar em um apartamento alugado nos dois últimos andares da 153 Cromwell Road, Kensington. Reville, que nasceu poucas horas depois de Hitchcock, converteu-se do protestantismo ao catolicismo, aparentemente por insistência da mãe de Hitchcock; ela foi batizada em 31 de maio de 1927 e confirmada na Catedral de Westminster pelo cardeal Francis Bourne em 5 de junho.

Em 1928, quando souberam que Reville estava grávida, os Hitchcock compraram "Winter's Grace", uma fazenda Tudor situada em 11 acres em Stroud Lane, Shamley Green, Surrey, por £ 2.500 . Sua filha e filha única, Patricia Alma Hitchcock, nasceu em 7 de julho daquele ano. Patricia morreu em 9 de agosto de 2021 aos 93 anos.

Reville tornou-se o colaborador mais próximo de seu marido; Charles Champlin escreveu em 1982: "O toque de Hitchcock tinha quatro mãos e duas eram de Alma". Quando Hitchcock aceitou o AFI Life Achievement Award em 1979, ele disse que queria mencionar "quatro pessoas que me deram o maior carinho, apreço e encorajamento e colaboração constante". A primeira das quatro é montadora de filmes, a segunda é roteirista, a terceira é mãe de minha filha, Pat, e a quarta é a melhor cozinheira que já realizou milagres em uma cozinha doméstica. E seus nomes são Alma Reville." Reville escreveu ou co-escreveu muitos dos filmes de Hitchcock, incluindo Shadow of a Doubt, Suspicion e The 39 Steps.

Primeiros filmes sonoros

Publicidade Chantagem (1929)

Hitchcock começou a trabalhar em seu décimo filme, Chantagem (1929), quando sua produtora, a British International Pictures (BIP), converteu seus estúdios de Elstree para o som. O filme foi o primeiro "talkie"; isso seguiu o rápido desenvolvimento de filmes sonoros nos Estados Unidos, desde o uso de breves segmentos de som em The Jazz Singer (1927) até o primeiro longa-metragem completo Lights of New York (1928). Chantagem deu início à tradição de Hitchcock de usar marcos famosos como pano de fundo para sequências de suspense, com o clímax ocorrendo na cúpula do Museu Britânico. Também apresenta uma de suas aparições mais longas, que o mostra sendo incomodado por um menino enquanto lê um livro no metrô de Londres. Na série da PBS The Men Who Made The Movies, Hitchcock explicou como usou a gravação de som inicial como um elemento especial do filme, enfatizando a palavra "faca" em uma conversa com a mulher suspeita de assassinato. Durante este período, Hitchcock dirigiu segmentos para uma revista BIP, Elstree Calling (1930), e dirigiu um curta-metragem, An Elastic Affair (1930), apresentando dois Vencedores da bolsa Film Weekly. An Elastic Affair é um dos filmes perdidos.

Em 1933, Hitchcock assinou um contrato multifilme com a Gaumont-British, trabalhando novamente para Michael Balcon. Seu primeiro filme para a empresa, The Man Who Knew Too Much (1934), foi um sucesso; seu segundo, The 39 Steps (1935), foi aclamado no Reino Unido e lhe rendeu reconhecimento nos Estados Unidos. Também estabeleceu a quintessência da "loira de Hitchcock" (Madeleine Carroll) como modelo para sua sucessão de protagonistas frias e elegantes. O roteirista Robert Towne comentou: "Não é exagero dizer que todo entretenimento escapista contemporâneo começa com Os 39 Passos". Este filme foi um dos primeiros a apresentar o "MacGuffin" dispositivo de enredo, termo cunhado pelo roteirista inglês Angus MacPhail. O MacGuffin é um item ou objetivo que o protagonista está perseguindo, que de outra forma não tem valor narrativo; em Os 39 Passos, o MacGuffin é um conjunto roubado de planos de design.

Alma Reville, Joan Harrison, Hitchcock e Patricia Hitchcock, 24 de agosto de 1937

Hitchcock lançou dois thrillers de espionagem em 1936. Sabotage foi vagamente baseado no romance de Joseph Conrad, The Secret Agent (1907), sobre uma mulher que descobre que seu marido é um terrorista, e Agente Secreto, baseado em duas histórias em Ashenden: Ou o Agente Britânico (1928) de W. Somerset Maugham.

Nessa época, Hitchcock também se tornou conhecido por suas pegadinhas contra o elenco e a equipe. Essas piadas variavam de simples e inocentes a loucas e maníacas. Por exemplo, ele organizou um jantar onde tingiu toda a comida de azul porque alegou que não havia comida azul suficiente. Ele também mandou entregar um cavalo no camarim de seu amigo, o ator Gerald du Maurier.

Hitchcock seguiu com Young and Innocent em 1937, um thriller policial baseado no romance de 1936 A Shilling for Candles de Josephine Tey. Estrelando Nova Pilbeam e Derrick De Marney, o filme foi relativamente agradável para o elenco e a equipe fazer. Para atender aos propósitos de distribuição na América, o tempo de execução do filme foi cortado e isso incluiu a remoção de uma das cenas favoritas de Hitchcock: um chá infantil que se torna ameaçador para os protagonistas.

O próximo grande sucesso de Hitchcock foi The Lady Vanishes (1938), "um dos maiores filmes de trem da era de ouro do gênero", segundo para Philip French, no qual Miss Froy (May Whitty), uma espiã britânica que se faz passar por governanta, desaparece em uma viagem de trem pelo fictício país europeu de Bandrika. O filme viu Hitchcock receber o Prêmio do Círculo de Críticos de Cinema de Nova York de 1938 de Melhor Diretor. Benjamin Crisler, do New York Times, escreveu em junho de 1938: "Três instituições únicas e valiosas que os britânicos têm e que nós na América não temos: Magna Carta, a Tower Bridge e Alfred Hitchcock, o maior diretor de melodramas de tela do mundo." O filme foi baseado no romance A Roda Gira (1936) escrito por Ethel Lina White.

Em 1938, Hitchcock percebeu que havia atingido seu pico na Grã-Bretanha. Ele havia recebido inúmeras ofertas de produtores nos Estados Unidos, mas recusou todas porque não gostou das obrigações contratuais ou achou os projetos repulsivos. No entanto, o produtor David O. Selznick ofereceu a ele uma proposta concreta para fazer um filme baseado no naufrágio do RMS Titanic, que acabou sendo arquivado, mas Selznick convenceu Hitchcock a vir para Hollywood. Em julho de 1938, Hitchcock voou para Nova York e descobriu que já era uma celebridade; ele apareceu em revistas e deu entrevistas para estações de rádio. Em Hollywood, Hitchcock conheceu Selznick pela primeira vez. Selznick ofereceu a ele um contrato de quatro filmes, aproximadamente $ 40.000 para cada filme (equivalente a $ 770.000 em 2021).

Primeiros anos de Hollywood: 1939–1945

Contrato Selznick

Selznick assinou com Hitchcock um contrato de sete anos começando em abril de 1939, e os Hitchcocks se mudaram para Hollywood. Os Hitchcock moravam em um apartamento espaçoso no Wilshire Boulevard e aos poucos se acostumaram com a área de Los Angeles. Ele e sua esposa Alma eram discretos e não se interessavam em ir a festas ou ser celebridades. Hitchcock descobriu seu gosto por boa comida em West Hollywood, mas ainda continuou seu estilo de vida na Inglaterra. Ele ficou impressionado com a cultura cinematográfica de Hollywood, orçamentos expansivos e eficiência, em comparação com os limites que muitas vezes enfrentou na Grã-Bretanha. Em junho daquele ano, a revista Life o chamou de "maior mestre do melodrama da história da tela".

Embora Hitchcock e Selznick se respeitassem, seus arranjos de trabalho às vezes eram difíceis. Selznick sofria de constantes problemas financeiros, e Hitchcock costumava ficar insatisfeito com o controle criativo e a interferência de Selznick em seus filmes. Selznick também não gostou do método de Hitchcock de filmar apenas o que estava no roteiro, e nada mais, o que significava que o filme não poderia ser cortado e refeito de forma diferente posteriormente. Além de reclamar do "maldito corte de quebra-cabeça" de Hitchcock, suas personalidades eram incompatíveis: Hitchcock era reservado, enquanto Selznick era extravagante. Eventualmente, Selznick generosamente emprestou Hitchcock para os maiores estúdios de cinema. Selznick fez apenas alguns filmes por ano, assim como seu colega produtor independente Samuel Goldwyn, então ele nem sempre tinha projetos para Hitchcock dirigir. Goldwyn também negociou com Hitchcock um possível contrato, apenas para ser superado por Selznick. Em uma entrevista posterior, Hitchcock disse: “[Selznick] era o Grande Produtor. ... O produtor era rei. A coisa mais lisonjeira que o Sr. Selznick já disse sobre mim - e isso mostra a quantidade de controle - ele disse que eu era o 'único diretor' ele 'confiaria um filme'."

Hitchcock abordou o cinema americano com cautela; seu primeiro filme americano foi ambientado na Inglaterra em que a "americanidade" dos personagens foi incidental: Rebecca (1940) foi ambientado em uma versão hollywoodiana da Cornualha da Inglaterra e baseado em um romance da romancista inglesa Daphne du Maurier. Selznick insistiu em uma adaptação fiel do livro e discordou de Hitchcock quanto ao uso do humor. O filme, estrelado por Laurence Olivier e Joan Fontaine, trata de uma jovem ingênua que se casa com um aristocrata viúvo. Ela mora em sua grande casa de campo inglesa e luta com a reputação persistente de sua elegante e mundana primeira esposa, Rebecca, que morreu em circunstâncias misteriosas. O filme ganhou o prêmio de Melhor Filme no 13º Oscar; a estatueta foi entregue ao produtor Selznick. Hitchcock recebeu sua primeira indicação de Melhor Diretor, a primeira de cinco indicações.

O segundo filme americano de Hitchcock foi o thriller Foreign Correspondent (1940), ambientado na Europa, baseado no livro História Pessoal de Vincent Sheean ( 1935) e produzido por Walter Wanger. Foi indicado a Melhor Filme naquele ano. Hitchcock se sentia desconfortável vivendo e trabalhando em Hollywood enquanto a Grã-Bretanha estava em guerra; sua preocupação resultou em um filme que apoiava abertamente o esforço de guerra britânico. Filmado em 1939, foi inspirado pelos eventos em rápida mudança na Europa, cobertos por um repórter de jornal americano interpretado por Joel McCrea. Ao misturar imagens de cenas europeias com cenas filmadas em um backlot de Hollywood, o filme evitou referências diretas ao nazismo, Alemanha nazista e alemães, para cumprir o Código de Produção Cinematográfica da época.

Primeiros anos da guerra

Em setembro de 1940, os Hitchcock compraram o Rancho Cornwall de 200 acres (0,81 km²) perto de Scotts Valley, Califórnia, nas montanhas de Santa Cruz. Sua residência principal era uma casa de estilo inglês em Bel Air, comprada em 1942. Os filmes de Hitchcock foram diversos durante esse período, desde a comédia romântica Mr. & Sra. Smith (1941) para o sombrio filme noir A Sombra de uma Dúvida (1943).

Cary Grant e Joan Fontaine em um tiro publicitário para Suspeita (1941)

Suspicion (1941) marcou o primeiro filme de Hitchcock como produtor e diretor. É ambientado na Inglaterra; Hitchcock usou a costa norte de Santa Cruz para a sequência da costa inglesa. O filme é o primeiro de quatro em que Cary Grant foi escalado por Hitchcock, e é uma das raras ocasiões em que Grant interpreta um personagem sinistro. Grant interpreta Johnnie Aysgarth, um vigarista inglês cujas ações levantam suspeitas e ansiedade em sua tímida e jovem esposa inglesa, Lina McLaidlaw (Joan Fontaine). Em uma cena, Hitchcock colocou uma luz dentro de um copo de leite, talvez envenenado, que Grant está trazendo para sua esposa; a luz garante que a atenção do público esteja no vidro. O personagem de Grant é na verdade um assassino, conforme escrito no livro Before the Fact de Francis Iles, mas o estúdio sentiu que a imagem de Grant seria manchada por isso. Hitchcock, portanto, optou por um final ambíguo, embora preferisse terminar com o assassinato da esposa. Fontaine ganhou o prêmio de Melhor Atriz por sua atuação.

Sabotador (1942) é o primeiro de dois filmes que Hitchcock fez para a Universal Studios durante a década. Hitchcock foi forçado pela Universal a contratar o jogador Robert Cummings e Priscilla Lane, uma freelancer que assinou um contrato de um filme com o estúdio, ambos conhecidos por seu trabalho em comédias e dramas leves. A história retrata um confronto entre um suposto sabotador (Cummings) e um verdadeiro sabotador (Norman Lloyd) no topo da Estátua da Liberdade. Hitchcock fez uma excursão de três dias pela cidade de Nova York para procurar por Sabotadores's locais de filmagem. Ele também dirigiu Have You Heard? (1942), uma dramatização fotográfica para a revista Life sobre os perigos dos rumores durante a guerra. Em 1943, ele escreveu uma história de mistério para a revista Look, "The Murder of Monty Woolley", uma sequência de fotos legendadas convidando o leitor a encontrar pistas sobre a identidade do assassino. identidade; Hitchcock escalou os artistas como eles mesmos, como Woolley, Doris Merrick e o maquiador Guy Pearce.

De volta à Inglaterra, a mãe de Hitchcock, Emma, estava gravemente doente; ela morreu em 26 de setembro de 1942 aos 79 anos. Hitchcock nunca falou publicamente sobre sua mãe, mas seu assistente disse que a admirava. Quatro meses depois, em 4 de janeiro de 1943, seu irmão William morreu de overdose aos 52 anos. Hitchcock não era muito próximo de William, mas sua morte tornou Hitchcock consciente de seus próprios hábitos alimentares e de bebida. Ele estava acima do peso e sofria de dores nas costas. Sua resolução de ano novo em 1943 foi levar a dieta a sério com a ajuda de um médico. Em janeiro daquele ano, foi lançado Shadow of a Doubt, do qual Hitchcock tinha boas lembranças de ter feito. No filme, Charlotte "Charlie" Newton (Teresa Wright) suspeita que seu amado tio Charlie Oakley (Joseph Cotten) seja um serial killer. Hitchcock filmou extensivamente no local, desta vez na cidade de Santa Rosa, no norte da Califórnia.

Na 20th Century Fox, Hitchcock abordou John Steinbeck com uma ideia para um filme, que registrava as experiências dos sobreviventes de um ataque de submarino alemão. Steinbeck começou a trabalhar no roteiro do que se tornaria Lifeboat (1944). No entanto, Steinbeck não gostou do filme e pediu que seu nome fosse retirado dos créditos, sem sucesso. A ideia foi reescrita como um conto de Harry Sylvester e publicada na Collier's em 1943. As sequências de ação foram filmadas em um pequeno barco na caixa d'água do estúdio. O local apresentou problemas para a aparição tradicional de Hitchcock; foi resolvido fazendo com que a imagem de Hitchcock aparecesse em um jornal que William Bendix está lendo no barco, mostrando o diretor em um anúncio antes e depois de "Reduco-Obesity Slayer". Ele disse a Truffaut em 1962:

Na época, eu estava em uma dieta extenuante, dolorosamente trabalhando meu caminho de trezentos a duzentas libras. Então eu decidi imortalizar minha perda e obter minha parte de bit, posando para "antes" e "depois" imagens. ... Eu estava literalmente submerso por cartas de pessoas gordas que queriam saber onde e como eles poderiam obter Reduco.

O jantar típico de Hitchcock antes de sua perda de peso era um frango assado, presunto cozido, batatas, pão, legumes, condimentos, salada, sobremesa, uma garrafa de vinho e um pouco de conhaque. Para perder peso, sua dieta consistia em café preto no café da manhã e no almoço e bife e salada no jantar, mas era difícil de manter; Donald Spoto escreveu que seu peso flutuou consideravelmente nos 40 anos seguintes. No final de 1943, apesar da perda de peso, a Occidental Insurance Company de Los Angeles recusou seu pedido de seguro de vida.

Filmes de não ficção de guerra

Hitchcock voltou ao Reino Unido para uma longa visita no final de 1943 e início de 1944. Enquanto estava lá, ele fez dois curtas-metragens de propaganda, Bon Voyage (1944) e Aventure Malgache (1944), para o Ministério da Informação. Em junho e julho de 1945, Hitchcock atuou como "consultor de tratamento" em um documentário do Holocausto que usou imagens das Forças Aliadas da libertação dos campos de concentração nazistas. O filme foi montado em Londres e produzido por Sidney Bernstein, do Ministério da Informação, que trouxe Hitchcock (um amigo dele) a bordo. Foi originalmente planejado para ser transmitido para os alemães, mas o governo britânico considerou muito traumático para ser mostrado a uma população chocada do pós-guerra. Em vez disso, foi transferido em 1952 dos cofres de filmes do British War Office para o Imperial War Museum de Londres e permaneceu inédito até 1985, quando uma versão editada foi transmitida como um episódio de PBS Frontline, sob o título que o Museu Imperial da Guerra lhe dera: Memória dos Campos. A versão completa do filme, Pesquisa factual dos campos de concentração alemães, foi restaurada em 2014 por estudiosos do Imperial War Museum.

Anos pós-guerra de Hollywood: 1945–1953

Filmes posteriores de Selznick

Gregory Peck e Ingrid Bergman em Lançamento (1945)

Hitchcock voltou a trabalhar para David Selznick quando dirigiu Spellbound (1945), que explora a psicanálise e apresenta uma sequência onírica desenhada por Salvador Dalí. A sequência do sonho, conforme aparece no filme, é dez minutos mais curta do que o inicialmente previsto; Selznick editou para torná-lo "tocar" mais efetivamente. Gregory Peck interpreta o amnésico Dr. Anthony Edwardes sob o tratamento da analista Dra. Peterson (Ingrid Bergman), que se apaixona por ele enquanto tenta desvendar seu passado reprimido. Duas tomadas de ponto de vista foram obtidas com a construção de uma grande mão de madeira (que pareceria pertencer ao personagem cujo ponto de vista a câmera capturou) e acessórios de tamanho grande para ela segurar: um copo de leite do tamanho de um balde e uma grande arma de madeira. Para maior novidade e impacto, o tiro climático foi colorido à mão de vermelho em algumas cópias do filme em preto e branco. A partitura original de Miklós Rózsa faz uso do teremim, e parte dela foi posteriormente adaptada pelo compositor para o Concerto para Piano Op. de Rozsa. 31 (1967) para piano e orquestra.

O filme de espionagem Notorious veio em seguida em 1946. Hitchcock disse a François Truffaut que Selznick o vendeu, Ingrid Bergman, Cary Grant e o roteiro de Ben Hecht, para a RKO Radio Pictures como um & #34;pacote" por $ 500.000 (equivalente a $ 6,9 milhões em 2021) por causa dos custos excedentes em Duel in the Sun de Selznick (1946). Notorious é estrelado por Bergman e Grant, ambos colaboradores de Hitchcock, e apresenta uma trama sobre nazistas, urânio e a América do Sul. Seu uso presciente de urânio como um dispositivo de conspiração o levou a ser brevemente colocado sob vigilância do Federal Bureau of Investigation. De acordo com Patrick McGilligan, por volta de março de 1945, Hitchcock e Hecht consultaram Robert Millikan, do Instituto de Tecnologia da Califórnia, sobre o desenvolvimento de uma bomba de urânio. Selznick reclamou que a noção era "ficção científica", apenas para ser confrontado com a notícia da detonação de duas bombas atômicas em Hiroshima e Nagasaki, no Japão, em agosto de 1945.

Fotos transatlânticas

Um tiro típico de Rolo (1948) com James Stewart voltando para a câmera fixa

Hitchcock formou uma produtora independente, a Transatlantic Pictures, com seu amigo Sidney Bernstein. Ele fez dois filmes com a Transatlantic, um dos quais foi seu primeiro filme colorido. Com Rope (1948), Hitchcock experimentou organizar o suspense em um ambiente confinado, como havia feito anteriormente com Lifeboat. O filme aparece como um número muito limitado de tomadas contínuas, mas na verdade foi filmado em 10, variando de 4 a 1⁄ 2 a 10 minutos cada; um filme de 10 minutos era o máximo que a revista de filmes de uma câmera podia conter na época. Algumas transições entre os rolos foram ocultadas por um objeto escuro preencher a tela inteira por um momento. Hitchcock usou esses pontos para esconder o corte e começou a próxima tomada com a câmera no mesmo lugar. O filme apresenta James Stewart no papel principal e foi o primeiro de quatro filmes que Stewart fez com Hitchcock. Foi inspirado no caso Leopold e Loeb da década de 1920. A resposta crítica na época foi mista.

Sob Capricórnio (1949), ambientado na Austrália do século 19, também usa a técnica de curta duração de tomadas longas, mas de forma mais limitada. Ele usou novamente o Technicolor nesta produção, depois voltou ao preto e branco por vários anos. A Transatlantic Pictures ficou inativa após os dois últimos filmes. Hitchcock filmou Stage Fright (1950) no Elstree Studios, na Inglaterra, onde havia trabalhado durante seu contrato com a British International Pictures muitos anos antes. Ele emparelhou um dos Warner Bros.' estrelas mais populares, Jane Wyman, com o ator alemão expatriado Marlene Dietrich e usou vários atores britânicos proeminentes, incluindo Michael Wilding, Richard Todd e Alastair Sim. Esta foi a primeira produção adequada de Hitchcock para a Warner Bros., que havia distribuído Rope e Under Capricorn, porque a Transatlantic Pictures estava passando por dificuldades financeiras.

Seu thriller Strangers on a Train (1951) foi baseado no romance homônimo de Patricia Highsmith. Hitchcock combinou muitos elementos de seus filmes anteriores. Ele abordou Dashiell Hammett para escrever o diálogo, mas Raymond Chandler assumiu, depois deixou desentendimentos com o diretor. No filme, dois homens se encontram casualmente, um dos quais especula sobre um método infalível para matar; ele sugere que duas pessoas, cada uma desejando acabar com alguém, executem o assassinato da outra. O papel de Farley Granger era o de vítima inocente do esquema, enquanto Robert Walker, anteriormente conhecido por "garoto da porta ao lado" papéis, interpretou o vilão. I Confess (1953) foi ambientado em Quebec com Montgomery Clift como padre católico.

Anos de pico: 1954–1964

Disque M para Assassinato e Janela Traseira

James Stewart e Grace Kelly em Janela traseira (1954)

I Confess foi seguido por três filmes coloridos estrelados por Grace Kelly: Dial M for Murder (1954), Rear Window (1954), e To Catch a Thief (1955). Em Dial M for Murder, Ray Milland interpreta o vilão que tenta assassinar sua esposa infiel (Kelly) por seu dinheiro. Ela mata o assassino contratado em legítima defesa, então Milland manipula as evidências para fazer com que pareça assassinato. Seu amante, Mark Halliday (Robert Cummings), e o inspetor de polícia Hubbard (John Williams) a salvam da execução. Hitchcock experimentou a cinematografia 3D para Dial M for Murder.

Hitchcock mudou-se para a Paramount Pictures e filmou Rear Window (1954), estrelado por James Stewart e Grace Kelly, assim como Thelma Ritter e Raymond Burr. O personagem de Stewart é um fotógrafo chamado Jeff (baseado em Robert Capa) que deve usar temporariamente uma cadeira de rodas. Por tédio, ele começa a observar seus vizinhos do outro lado do pátio, então se convence de que um deles (Raymond Burr) assassinou sua esposa. Jeff finalmente consegue convencer seu amigo policial (Wendell Corey) e sua namorada (Kelly). Tal como acontece com Lifeboat e Rope, os personagens principais são retratados em quartos confinados ou apertados, neste caso, o estúdio de Stewart. Hitchcock usa close-ups do rosto de Stewart para mostrar as reações de seu personagem, "desde o voyeurismo cômico dirigido aos vizinhos até seu terror impotente assistindo Kelly e Burr no apartamento do vilão". #34;.

Apresentação de Alfred Hitchcock

Pat Hitchcock com sua filha Terry e marido Joseph O'Connell, Alma Reville, Mary Alma O'Connell, Alfred Hitchcock (no sentido horário da esquerda superior), c. 1955–1956

De 1955 a 1965, Hitchcock foi o apresentador da série de televisão Alfred Hitchcock Presents. Com sua fala divertida, humor negro e imagem icônica, a série fez de Hitchcock uma celebridade. A sequência-título do programa retratava uma caricatura minimalista de seu perfil (desenhado por ele mesmo; é composto por apenas nove traços), que sua silhueta real então preenchia. A música tema da série era Marcha fúnebre de uma marionete do compositor francês Charles Gounod (1818–1893).

Suas apresentações sempre incluíam algum tipo de humor irônico, como a descrição de uma recente execução de várias pessoas prejudicada por ter apenas uma cadeira elétrica, enquanto duas são mostradas com uma placa "Duas cadeiras - sem espera!& #34; Ele dirigiu 18 episódios da série, que foi ao ar de 1955 a 1965. Tornou-se The Alfred Hitchcock Hour em 1962, e a NBC transmitiu o episódio final em 10 de maio de 1965. Na década de 1980, uma nova versão de Alfred Hitchcock Presents foi produzido para a televisão, fazendo uso das introduções originais de Hitchcock de forma colorida.

O sucesso de Hitchcock na televisão gerou um conjunto de coleções de contos em seu nome; estes incluíram Antologia de Alfred Hitchcock, Histórias que eles não me deixariam fazer na TV e Contos que minha mãe nunca me contou. Em 1956, a HSD Publications também licenciou o nome do diretor para criar a Alfred Hitchcock's Mystery Magazine, um resumo mensal especializado em ficção policial e policial. As séries de televisão de Hitchcock eram muito lucrativas e suas versões de livros em língua estrangeira geravam receitas de até $ 100.000 por ano (equivalente a $ 920.000 em 2021).

De Pegar um Ladrão a Vertigem

Em 1955, Hitchcock tornou-se cidadão dos Estados Unidos. No mesmo ano, seu terceiro filme de Grace Kelly, To Catch a Thief, foi lançado; é ambientado na Riviera Francesa e é estrelado por Kelly e Cary Grant. Grant interpreta o ladrão aposentado John Robie, que se torna o principal suspeito de uma série de roubos na Riviera. Uma herdeira americana em busca de emoção interpretada por Kelly supõe sua verdadeira identidade e tenta seduzi-lo. "Apesar da óbvia disparidade de idade entre Grant e Kelly e um enredo leve, o roteiro espirituoso (carregado com duplo sentido) e a atuação bem-humorada provaram ser um sucesso comercial." Foi o último filme de Hitchcock com Kelly; ela se casou com o príncipe Rainier de Mônaco em 1956 e encerrou sua carreira no cinema depois. Hitchcock então refez seu próprio filme de 1934 The Man Who Knew Too Much em 1956. Desta vez, o filme estrelou James Stewart e Doris Day, que cantou a música tema "Que Sera, Sera". ;, que ganhou o Oscar de Melhor Canção Original e se tornou um grande sucesso. Eles interpretam um casal cujo filho é sequestrado para impedi-los de interferir em um assassinato. Como no filme de 1934, o clímax acontece no Royal Albert Hall.

The Wrong Man (1956), o último filme de Hitchcock para a Warner Bros., é uma produção discreta em preto e branco baseada em um caso real de confusão de identidade. relatado na revista Life em 1953. Este foi o único filme de Hitchcock estrelado por Henry Fonda, interpretando um músico do Stork Club confundido com um ladrão de loja de bebidas, que é preso e julgado por roubo enquanto sua esposa (Vera Miles) desmorona emocionalmente sob a tensão. Hitchcock disse a Truffaut que seu medo da polícia ao longo da vida o atraiu para o assunto e estava embutido em muitas cenas.

Kim Novak pela Golden Gate Bridge em Vertigens (1958)

Enquanto dirigia episódios para Alfred Hitchcock Presents durante o verão de 1957, Hitchcock foi internado no hospital por causa de hérnia e cálculos biliares, e teve que remover sua vesícula biliar. Após uma cirurgia bem-sucedida, ele voltou imediatamente ao trabalho para se preparar para seu próximo projeto. Vertigo (1958) estrelou novamente James Stewart, com Kim Novak e Barbara Bel Geddes. Ele queria que Vera Miles interpretasse o papel principal, mas ela estava grávida. Ele disse a Oriana Fallaci: “Eu estava oferecendo a ela um grande papel, a chance de se tornar uma bela loira sofisticada, uma atriz de verdade. Nós teríamos gastado um monte de dólares com isso, e ela tem o mau gosto de engravidar. Eu odeio mulheres grávidas, porque elas têm filhos."

Em Vertigo, Stewart interpreta Scottie, um ex-investigador da polícia que sofre de acrofobia, que fica obcecado por uma mulher que ele foi contratado para seguir (Novak). A obsessão de Scottie leva à tragédia, e desta vez Hitchcock não optou por um final feliz. Alguns críticos, incluindo Donald Spoto e Roger Ebert, concordam que Vertigo é o filme mais pessoal e revelador do diretor, lidando com as obsessões de um homem semelhantes a Pigmalião. que molda uma mulher na pessoa que ele deseja. Vertigo explora com mais franqueza e profundidade seu interesse pela relação entre sexo e morte do que qualquer outro trabalho de sua filmografia.

Vertigo contém uma técnica de câmera desenvolvida por Irmin Roberts, comumente chamada de zoom dolly, que foi copiada por muitos cineastas. O filme estreou no Festival Internacional de Cinema de San Sebastián, e Hitchcock ganhou o prêmio Silver Seashell. Vertigo é considerado um clássico, mas atraiu críticas mistas e baixas receitas de bilheteria na época; o crítico da revista Variety opinou que o filme era "muito lento e muito longo". Bosley Crowther do New York Times achou que era "diabolicamente rebuscado", mas elogiou as atuações do elenco e a direção de Hitchcock. A foto também foi a última colaboração entre Stewart e Hitchcock. Em 2002 Sight & Sondagens, classificou-se logo atrás de Cidadão Kane (1941); dez anos depois, na mesma revista, a crítica o elegeu como o melhor filme já feito.

North by Northwest e Psycho

Depois de Vertigo, o resto de 1958 foi um ano difícil para Hitchcock. Durante a pré-produção de North by Northwest (1959), que foi um processo "lento" e "agonizante" processo, sua esposa Alma foi diagnosticada com câncer. Enquanto ela estava no hospital, Hitchcock manteve-se ocupado com seu trabalho na televisão e a visitava todos os dias. Alma passou por uma cirurgia e se recuperou totalmente, mas isso fez com que Hitchcock imaginasse, pela primeira vez, a vida sem ela.

Hitchcock filmando a cena do chuveiro Psicólogo (1960)

Hitchcock seguiu com mais três filmes de sucesso, que também são reconhecidos como um dos seus melhores: North by Northwest, Psycho (1960) e The Birds (1963). Em North by Northwest, Cary Grant interpreta Roger Thornhill, um executivo de publicidade da Madison Avenue que é confundido com um agente secreto do governo. Ele é perseguido pelos Estados Unidos por agentes inimigos, incluindo Eve Kendall (Eva Marie Saint). A princípio, Thornhill acredita que Kendall o está ajudando, mas então percebe que ela é uma agente inimiga; mais tarde, ele descobre que ela está trabalhando disfarçada para a CIA. Durante sua estreia de duas semanas no Radio City Music Hall, o filme arrecadou $ 404.056 (equivalente a $ 3,8 milhões em 2021), estabelecendo um recorde bruto fora de feriados para aquele teatro. A revista Time chamou o filme de "suavemente trabalhado e totalmente divertido".

Psicose (1960) é indiscutivelmente o filme mais conhecido de Hitchcock. Baseado no romance Psycho de Robert Bloch, de 1959, inspirado no caso de Ed Gein, o filme foi produzido com um orçamento apertado de US$ 800.000 (equivalente a US$ 7,3 milhões em 2021) e rodado em preto e branco em um set sobressalente usando membros da equipe de Alfred Hitchcock Presents. A violência sem precedentes da cena do chuveiro, a morte prematura da heroína e as vidas inocentes extintas por um assassino perturbado tornaram-se as marcas registradas de um novo gênero de filme de terror. O filme provou ser popular entre o público, com filas se estendendo do lado de fora dos cinemas enquanto os espectadores esperavam pela próxima exibição. Quebrou recordes de bilheteria no Reino Unido, França, América do Sul, Estados Unidos e Canadá, e foi um sucesso moderado na Austrália por um breve período.

Psicopata foi o mais lucrativo da carreira de Hitchcock e ele ganhou pessoalmente mais de $ 15 milhões (equivalente a $ 140 milhões em 2021). Posteriormente, ele trocou seus direitos sobre Psycho e sua antologia de TV por 150.000 ações da MCA, tornando-se o terceiro maior acionista e seu próprio chefe na Universal, pelo menos em teoria, embora isso não impedisse a interferência do estúdio. Após o primeiro filme, Psycho tornou-se uma franquia de terror americana: Psycho II, Psycho III, Bates Motel, Psycho IV: The Beginning, e um remake colorido de 1998 do original.

Entrevista com Truffaut

Em 13 de agosto de 1962, aniversário de 63 anos de Hitchcock, o diretor francês François Truffaut iniciou uma entrevista de 50 horas com Hitchcock, filmada em oito dias no Universal Studios, durante a qual Hitchcock concordou em responder a 500 perguntas. Demorou quatro anos para transcrever as fitas e organizar as imagens; foi publicado como um livro em 1967, que Truffaut apelidou de "Hitchbook". As fitas de áudio foram usadas como base para um documentário em 2015. Truffaut procurou a entrevista porque estava claro para ele que Hitchcock não era apenas o artista do mercado de massa que a mídia americana o apresentava. Era óbvio em seus filmes, escreveu Truffaut, que Hitchcock havia "considerado mais o potencial de sua arte do que qualquer um de seus colegas". Ele comparou a entrevista a "Édipo' consulta do oráculo".

Os pássaros

O estudioso do cinema Peter William Evans escreveu que The Birds (1963) e Marnie (1964) são considerados "obras-primas indiscutíveis". Hitchcock pretendia filmar Marnie primeiro e, em março de 1962, foi anunciado que Grace Kelly, princesa Grace de Mônaco desde 1956, sairia da aposentadoria para estrelar. Quando Kelly pediu a Hitchcock para adiar Marnie até 1963 ou 1964, ele recrutou Evan Hunter, autor de The Blackboard Jungle (1954), para desenvolver um roteiro baseado em uma Daphne du Maurier conto, "Os pássaros" (1952), que Hitchcock republicou em seu My Favorites in Suspense (1959). Ele contratou Tippi Hedren para interpretar o papel principal. Foi seu primeiro papel; ela era modelo em Nova York quando Hitchcock a viu, em outubro de 1961, em um anúncio de televisão da NBC para Sego, uma bebida dietética: “Eu a contratei porque ela é uma beleza clássica. Os filmes não os têm mais. Grace Kelly foi a última." Ele insistiu, sem explicação, que o primeiro nome dela fosse escrito entre aspas simples: 'Tippi'.

Em The Birds, Melanie Daniels, uma jovem socialite, conhece o advogado Mitch Brenner (Rod Taylor) em uma loja de pássaros; Jessica Tandy interpreta sua mãe possessiva. Hedren o visita em Bodega Bay (onde The Birds foi filmado) carregando um par de pombinhos de presente. De repente, ondas de pássaros começam a se reunir, observar e atacar. A pergunta: "O que os pássaros querem?" fica sem resposta. Hitchcock fez o filme com equipamentos do Revue Studio, que fez Alfred Hitchcock Presents. Ele disse que foi seu filme tecnicamente mais desafiador, usando uma combinação de pássaros treinados e mecânicos em um cenário de pássaros selvagens. Cada tiro foi esboçado com antecedência.

Um filme para televisão da HBO/BBC, The Girl (2012), retratou as experiências de Hedren no set; ela disse que Hitchcock ficou obcecado por ela e a assediou sexualmente. Ele supostamente a isolou do resto da tripulação, a seguiu, sussurrou obscenidades para ela, analisou sua caligrafia e construiu uma rampa de seu escritório particular diretamente para o trailer dela. Diane Baker, sua co-estrela em Marnie, disse: "[N]ada poderia ter sido mais horrível para mim do que chegar naquele set de filmagem e vê-la sendo tratada da maneira que ela foi." Enquanto filmava a cena do ataque no sótão - que levou uma semana para ser filmada - ela foi colocada em um quarto enjaulado enquanto dois homens usando luvas de proteção até o cotovelo jogavam pássaros vivos nela. Perto do final da semana, para parar os pássaros' voando para longe dela muito cedo, uma perna de cada pássaro foi presa por fio de náilon a elásticos costurados dentro de suas roupas. Ela teve um colapso depois que um pássaro cortou sua pálpebra inferior e as filmagens foram interrompidas por ordem médica.

Marnie

Em junho de 1962, Grace Kelly anunciou que havia decidido não aparecer em Marnie (1964). Hedren assinou um contrato exclusivo de sete anos e $ 500 por semana com Hitchcock em outubro de 1961, e ele decidiu escalá-la para o papel principal ao lado de Sean Connery. Em 2016, descrevendo a atuação de Hedren como "uma das maiores da história do cinema", Richard Brody chamou o filme de uma "história de violência sexual" infligido ao personagem interpretado por Hedren: “O filme é, para simplificar, doentio, e é assim porque Hitchcock estava doente”. Ele sofreu toda a sua vida com um desejo sexual furioso, sofreu com a falta de sua gratificação, sofreu com a incapacidade de transformar a fantasia em realidade, e então foi em frente e o fez virtualmente, por meio de sua arte. Uma crítica de cinema do New York Times de 1964 chamou-o de "o filme mais decepcionante de Hitchcock em anos", citando a falta de experiência de Hedren e Connery, um roteiro amador e " ;cenários de papelão flagrantemente falsos".

No filme, Marnie Edgar (Hedren) rouba $ 10.000 de seu empregador e foge. Ela se candidata a um emprego na empresa de Mark Rutland (Connery) na Filadélfia e rouba de lá também. Anteriormente, ela é mostrada tendo um ataque de pânico durante uma tempestade e temendo a cor vermelha. Mark a rastreia e a chantageia para que se case com ele. Ela explica que não quer ser tocada, mas durante a "lua de mel" Mark a estupra. Marnie e Mark descobrem que a mãe de Marnie era prostituta quando Marnie era criança e que, enquanto a mãe brigava com um cliente durante uma tempestade - a mãe acreditava que o cliente havia tentado molestar Marnie - Marnie havia matado o cliente para salvar sua mãe. Curada de seus medos ao se lembrar do ocorrido, ela decide ficar com Mark.

The Hitchcocks with First Lady Pat Nixon e a primeira filha Julie Nixon Eisenhower em 1969

Hitchcock disse ao diretor de fotografia Robert Burks que a câmera deveria ser posicionada o mais próximo possível de Hedren quando ele filmasse o rosto dela. Evan Hunter, o roteirista de The Birds que também estava escrevendo Marnie, explicou a Hitchcock que, se Mark amasse Marnie, ele a confortaria, não a estupraria. Hitchcock teria respondido: "Evan, quando ele enfiar nela, eu quero aquela câmera bem no rosto dela!" Quando Hunter apresentou duas versões do roteiro, uma sem a cena de estupro, Hitchcock o substituiu por Jay Presson Allen.

Anos posteriores: 1966–1980

Filmes finais

A saúde debilitada reduziu a produção de Hitchcock durante as duas últimas décadas de sua vida. O biógrafo Stephen Rebello afirmou que a Universal impôs dois filmes a ele, Torn Curtain (1966) e Topaz (1969), o último dos quais é baseado em um romance de Leon Uris, parcialmente ambientado em Cuba. Ambos eram thrillers de espionagem com temas relacionados à Guerra Fria. Torn Curtain, com Paul Newman e Julie Andrews, precipitou o amargo fim da colaboração de 12 anos entre Hitchcock e o compositor Bernard Herrmann. Hitchcock não gostou da pontuação de Herrmann e o substituiu por John Addison, Jay Livingston e Ray Evans. Após o lançamento, Torn Curtain foi uma decepção de bilheteria e Topaz não foi apreciado pela crítica e pelo estúdio.

Hitchcock no trabalho em Lote de família, São Francisco, verão 1975

Hitchcock voltou à Grã-Bretanha para fazer seu penúltimo filme, Frenzy (1972), baseado no romance Goodbye Piccadilly, Farewell Leicester Square (1966). Depois de dois filmes de espionagem, a trama marcou um retorno ao gênero thriller de assassinato. Richard Blaney (Jon Finch), um barman volátil com um histórico de raiva explosiva, torna-se o principal suspeito na investigação dos "Assassinatos de Gravata", que na verdade são cometidos por seu amigo Bob Rusk (Barry Foster). Desta vez, Hitchcock torna a vítima e o vilão parentes, em vez de opostos como em Strangers on a Train.

Em Frenzy, Hitchcock permitiu a nudez pela primeira vez. Duas cenas mostram mulheres nuas, uma das quais sendo estuprada e estrangulada; Donald Spoto chamou o último de "um dos exemplos mais repulsivos de um assassinato detalhado na história do cinema". Ambos os atores, Barbara Leigh-Hunt e Anna Massey, se recusaram a fazer as cenas, então modelos foram usados em seu lugar. Os biógrafos observaram que Hitchcock sempre ultrapassou os limites da censura cinematográfica, muitas vezes conseguindo enganar Joseph Breen, o chefe do Código de Produção Cinematográfica. Hitchcock acrescentaria dicas sutis de impropriedades proibidas pela censura até meados da década de 1960. No entanto, Patrick McGilligan escreveu que Breen e outros frequentemente percebiam que Hitchcock estava inserindo tal material e ficavam realmente divertidos, bem como alarmados com as "inferências inescapáveis" de Hitchcock.

Family Plot (1976) foi o último filme de Hitchcock. Ele relata as escapadas de "Madame" Blanche Tyler, interpretada por Barbara Harris, uma espiritualista fraudulenta, e seu amante motorista de táxi Bruce Dern, ganhando a vida com seus poderes falsos. Enquanto Family Plot foi baseado no romance de Victor Canning The Rainbird Pattern (1972), o tom do romance é mais sinistro. O roteirista Ernest Lehman originalmente escreveu o filme, sob o título provisório Deception, com um tom sombrio, mas foi empurrado para um tom mais leve e cômico por Hitchcock, onde recebeu o nome de Deceit , então, finalmente, Family Plot.

Cavalaria e morte

c. 1972 por Jack Mitchell

Perto do fim de sua vida, Hitchcock estava trabalhando no roteiro de um thriller de espionagem, The Short Night, colaborando com James Costigan, Ernest Lehman e David Freeman. Apesar do trabalho preliminar, nunca foi filmado. A saúde de Hitchcock estava piorando e ele estava preocupado com sua esposa, que havia sofrido um derrame. O roteiro acabou sendo publicado no livro de Freeman Os Últimos Dias de Alfred Hitchcock (1999).

Tendo recusado um CBE em 1962, Hitchcock foi nomeado Cavaleiro Comandante da Mais Excelente Ordem do Império Britânico (KBE) nas Honras de Ano Novo de 1980. Ele estava muito doente para viajar para Londres - ele tinha um marca-passo e estava recebendo injeções de cortisona para sua artrite - então, em 3 de janeiro de 1980, o cônsul-geral britânico apresentou-lhe os papéis no Universal Studios. Questionado por um repórter após a cerimônia por que a rainha demorou tanto, Hitchcock brincou: "Acho que foi uma questão de descuido". Cary Grant, Janet Leigh e outros participaram de um almoço depois.

Sua última aparição pública foi em 16 de março de 1980, quando apresentou o vencedor do prêmio do American Film Institute do ano seguinte. Ele morreu de insuficiência renal no mês seguinte, em 29 de abril, em sua casa em Bel Air. Donald Spoto, um dos biógrafos de Hitchcock, escreveu que Hitchcock se recusou a ver um padre, mas de acordo com o padre jesuíta Mark Henninger, ele e outro padre, Tom Sullivan, celebraram a missa na casa do cineasta e Sullivan ouviu sua confissão. Hitchcock deixou sua esposa e filha. Seu funeral foi realizado na Igreja Católica Good Shepherd em Beverly Hills em 30 de abril, após o qual seu corpo foi cremado. Seus restos mortais foram espalhados pelo Oceano Pacífico em 10 de maio de 1980.

Cinema

Estilo e temas

A aparição de Hitchcock em A Senhora Vanishes (1938)

A carreira de produtor cinematográfico de Hitchcock evoluiu de filmes mudos de pequena escala para filmes sonoros financeiramente significativos. Hitchcock comentou que foi influenciado pelos primeiros cineastas George Méliès, D.W. Griffith e Alice Guy-Blache. Seus filmes mudos entre 1925 e 1929 foram nos gêneros de crime e suspense, mas também incluíram melodramas e comédias. Embora a narrativa visual fosse pertinente durante a era do cinema mudo, mesmo após a chegada do som, Hitchcock ainda contava com recursos visuais no cinema; ele se referiu a essa ênfase na narrativa visual como "cinema puro". Na Grã-Bretanha, ele aperfeiçoou seu ofício de forma que, quando se mudou para Hollywood, o diretor havia aperfeiçoado seu estilo e técnicas de câmera. Hitchcock disse mais tarde que seu trabalho britânico era a "sensação do cinema", enquanto a fase americana foi quando suas "ideias foram fertilizadas". O estudioso Robin Wood escreve que os dois primeiros filmes do diretor, The Pleasure Garden e The Mountain Eagle, foram influenciados pelo expressionismo alemão. Depois, descobriu o cinema soviético e as teorias da montagem de Sergei Eisenstein e Vsevolod Pudovkin. O The Lodger de 1926 foi inspirado na estética alemã e soviética, estilos que solidificaram o resto de sua carreira. Embora o trabalho de Hitchcock na década de 1920 tenha obtido algum sucesso, vários críticos britânicos criticaram os filmes de Hitchcock por não serem originais e vaidosos. Raymond Durgnat opinou que os filmes de Hitchcock foram construídos com cuidado e inteligência, mas achou que eles podem ser superficiais e raramente apresentam uma "visão de mundo coerente".

Ganhando o título de "Mestre do Suspense", o diretor experimentou maneiras de gerar tensão em seu trabalho. Ele disse: “Meu trabalho de suspense resulta da criação de pesadelos para o público. E eu jogo com o público. Eu os faço ofegar e os surpreendo e os choco. Quando você tem um pesadelo, é muito vívido se você está sonhando que está sendo levado à cadeira elétrica. Então você fica tão feliz quanto pode ser quando acorda porque está aliviado." Durante as filmagens de North by Northwest, Hitchcock explicou suas razões para recriar o cenário do Monte Rushmore: “O público responde na proporção de quão realista você o faz. Uma das razões dramáticas para este tipo de fotografia é torná-la tão natural que o público se envolva e acredite, por enquanto, no que está acontecendo lá na tela." Em uma entrevista de 1963 com a jornalista italiana Oriana Fallaci, Hitchcock foi questionado sobre como, apesar de parecer um homem agradável e inócuo, ele parecia gostar de fazer filmes envolvendo suspense e crimes aterrorizantes. Ele respondeu:

Sou inglês. Os ingleses usam muita imaginação com seus crimes. Não tenho tanta coisa para imaginar um crime. Quando eu estou escrevendo uma história e eu venho a um crime, eu acho feliz: agora não seria bom tê-lo morrer assim? E então, ainda mais feliz, penso: neste ponto as pessoas vão começar a gritar. Deve ser porque passei três anos a estudar com os jesuítas. Costumavam assustar-me até à morte, com tudo, e agora estou a recuperar-me aterrorizando outras pessoas.

Os filmes de Hitchcock, do silêncio ao som, continham uma série de temas recorrentes pelos quais ele é famoso. Seus filmes exploraram o público como voyeur, principalmente em Janela Indiscreta, Marnie e Psicopata. Ele entendeu que o ser humano gosta de atividades voyeurísticas e fez com que o público participasse delas por meio das ações do personagem. De seus cinquenta e três filmes, onze giravam em torno de histórias de identidade trocada, onde um protagonista inocente é acusado de um crime e é perseguido pela polícia. Na maioria dos casos, é uma pessoa comum e comum que se encontra em uma situação perigosa. Hitchcock disse a Truffaut: “Isso porque o tema do homem inocente sendo acusado, eu sinto, dá ao público uma maior sensação de perigo. É mais fácil para eles se identificarem com ele do que com um culpado em fuga”. Um de seus temas constantes foi a luta de uma personalidade dividida entre "ordem e caos"; conhecido como a noção de "duplo", que é uma comparação ou contraste entre dois personagens ou objetos: o duplo representando um lado sombrio ou maligno.

De acordo com Robin Wood, Hitchcock tinha sentimentos contraditórios em relação à homossexualidade, apesar de trabalhar com atores gays em sua carreira. Donald Spoto sugere que a infância sexualmente repressiva de Hitchcock pode ter contribuído para sua exploração do desvio. Durante a década de 1950, o Código de Produção Cinematográfica proibia referências diretas à homossexualidade, mas o diretor era conhecido por suas referências sutis e por ultrapassar os limites dos censores. Além disso, Shadow of a Doubt tem um tema de incesto duplo ao longo do enredo, expresso implicitamente por meio de imagens. A autora Jane Sloan argumenta que Hitchcock foi atraído por expressões sexuais convencionais e não convencionais em seu trabalho, e o tema do casamento era geralmente apresentado de uma forma "desanimada e cética" maneiras. Também não foi até depois da morte de sua mãe em 1942, que Hitchcock retratou figuras maternas como "notórias mães-monstro". O cenário de espionagem e assassinatos cometidos por personagens com tendências psicopatas também eram temas comuns. Na representação de vilões e assassinos de Hitchcock, eles geralmente eram charmosos e amigáveis, forçando os espectadores a se identificarem com eles. A infância rigorosa do diretor e a educação jesuíta podem ter levado à sua desconfiança de figuras autoritárias, como policiais e políticos; um tema que ele explorou. Além disso, ele usou o "MacGuffin" - o uso de um objeto, pessoa ou evento para manter o enredo em andamento, mesmo que não fosse essencial para a história. Alguns exemplos incluem o microfilme em North by Northwest e os US$ 40.000 roubados em Psycho.

Hitchcock aparece brevemente na maioria de seus próprios filmes. Por exemplo, ele é visto lutando para colocar um contrabaixo em um trem (Strangers on a Train), levando cachorros para fora de uma loja de animais (The Birds), consertando um relógio do vizinho (Rear Window), como uma sombra (Family Plot), sentado à mesa em uma fotografia (Dial M for Murder i>) e andar de ônibus (North by Northwest, To Catch a Thief).

Representação das mulheres

A representação das mulheres por Hitchcock tem sido objeto de muitos debates acadêmicos. Bidisha escreveu no The Guardian em 2010: "Há o vampiro, o vagabundo, o informante, a bruxa, o furtivo, o trapaceiro e, o melhor de tudo, o mamãe demônio. Não se preocupe, todos eles são punidos no final." Em um ensaio amplamente citado em 1975, Laura Mulvey apresentou a ideia do olhar masculino; a visão do espectador nos filmes de Hitchcock, ela argumentou, é a do protagonista masculino heterossexual. "As personagens femininas em seus filmes refletiam as mesmas qualidades continuamente", Roger Ebert escreveu em 1996: "Elas eram loiras. Eles eram gelados e distantes. Eles foram aprisionados em trajes que sutilmente combinavam moda com fetichismo. Eles hipnotizaram os homens, que muitas vezes tinham deficiências físicas ou psicológicas. Mais cedo ou mais tarde, toda mulher Hitchcock foi humilhada."

Kim Novak e James Stewart em Vertigens (1958)

As vítimas em The Lodger são todas loiras. Em Os 39 Passos, Madeleine Carroll é algemada. Ingrid Bergman, que Hitchcock dirigiu três vezes (Spellbound, Notorious e Under Capricorn), é loira escura. Em Janela Indiscreta, Lisa (Grace Kelly) arrisca sua vida ao invadir o apartamento de Lars Thorwald. Em To Catch a Thief, Francie (também Kelly) se oferece para ajudar um homem que ela acredita ser um ladrão. Em Vertigo e North by Northwest respectivamente, Kim Novak e Eva Marie Saint interpretam as heroínas loiras. Em Psycho, a personagem de Janet Leigh rouba $ 40.000 e é assassinada por Norman Bates, um psicopata recluso. Tippi Hedren, uma loira, parece ser o foco dos ataques em The Birds. Em Marnie, a personagem-título, novamente interpretada por Hedren, é uma ladra. Em Topaz, as atrizes francesas Dany Robin como esposa de Stafford e Claude Jade como filha de Stafford são heroínas loiras, a amante foi interpretada pela morena Karin Dor. A última heroína loira de Hitchcock foi Barbara Harris como uma falsa vidente que virou detetive amadora em Family Plot (1976), seu último filme. No mesmo filme, a contrabandista de diamantes interpretada por Karen Black usa uma longa peruca loira em várias cenas.

Seus filmes geralmente apresentam personagens lutando em seus relacionamentos com suas mães, como Norman Bates em Psycho. Em North by Northwest, Roger Thornhill (Cary Grant) é um homem inocente ridicularizado por sua mãe por insistir que homens sombrios e assassinos estão atrás dele. Em The Birds, o personagem Rod Taylor, um homem inocente, encontra seu mundo sob o ataque de pássaros cruéis e luta para se livrar de uma mãe apegada (Jessica Tandy). O assassino em Frenzy odeia mulheres, mas idolatra sua mãe. O vilão Bruno em Strangers on a Train odeia seu pai, mas tem uma relação incrivelmente próxima com sua mãe (interpretada por Marion Lorne). Sebastian (Claude Rains) em Notorious tem uma relação claramente conflituosa com sua mãe, que (com razão) suspeita de sua nova noiva, Alicia Huberman (Ingrid Bergman).

Relacionamento com atores

Hitchcock ficou conhecido por ter dito que "atores devem ser tratados como gado". Durante as filmagens de Mr. & Sra. Smith (1941), Carole Lombard trouxe três vacas para o set usando os crachás de Lombard, Robert Montgomery e Gene Raymond, as estrelas do filme, para surpreendê-lo. Em um episódio de The Dick Cavett Show, originalmente transmitido em 8 de junho de 1972, Dick Cavett declarou como fato que Hitchcock certa vez chamou os atores de gado. Hitchcock respondeu dizendo que, certa vez, ele havia sido acusado de chamar os atores de gado. “Eu disse que nunca diria uma coisa tão insensível e rude sobre os atores. O que eu provavelmente disse foi que todos os atores devem ser tratados como gado... De uma maneira legal, é claro." Ele então descreveu a piada de Carole Lombard, com um sorriso.

Hitchcock acreditava que os atores deveriam se concentrar em suas atuações e deixar o trabalho do roteiro e do personagem para os diretores e roteiristas. Ele disse a Bryan Forbes em 1967: “Lembro-me de discutir com um ator de método como ele foi ensinado e assim por diante. Ele disse: "Somos ensinados a usar a improvisação". Recebemos uma ideia e então ficamos livres para desenvolver da maneira que quisermos.' Eu disse: 'Isso não é atuação. Isso é escrever.'"

Relembrando suas experiências em Lifeboat para Charles Chandler, autor de É apenas um filme: Alfred Hitchcock A Personal Biography, Walter Slezak disse que Hitchcock ' Ele sabia mais sobre como ajudar um ator do que qualquer outro diretor com quem já trabalhei, e Hume Cronyn descartou a ideia de que Hitchcock não se preocupava com seus atores como "totalmente falacioso", descrevendo longamente a processo de ensaio e filmagem de Lifeboat.

Os críticos observaram que, apesar de sua reputação como um homem que não gostava de atores, os atores que trabalharam com ele frequentemente apresentavam atuações brilhantes. Ele usou os mesmos atores em muitos de seus filmes; Cary Grant e James Stewart trabalharam com Hitchcock quatro vezes, e Ingrid Bergman e Grace Kelly três. James Mason disse que Hitchcock considerava os atores como "acessórios animados". Para Hitchcock, os atores faziam parte do cenário do filme. Ele disse a François Truffaut: “O principal requisito para um ator é a capacidade de não fazer nada bem, o que não é tão fácil quanto parece. Ele deve estar disposto a ser usado e totalmente integrado ao filme pelo diretor e pela câmera. Ele deve permitir que a câmera determine a ênfase adequada e os destaques dramáticos mais eficazes."

Escrita, storyboards e produção

Hitchcock planejou seus roteiros em detalhes com seus escritores. Em Writing with Hitchcock (2001), Steven DeRosa observou que Hitchcock os supervisionou em todos os rascunhos, pedindo que contassem a história visualmente. Hitchcock disse a Roger Ebert em 1969:

Assim que o roteiro terminar, eu não faria o filme em absoluto. A diversão acabou. Tenho uma mente fortemente visual. Eu visualizo uma imagem até aos cortes finais. Eu escrevo tudo isso no maior detalhe do guião, e depois não olho para o guião enquanto estou a filmar. Eu sei isso de coração, assim como um maestro de orquestra não precisa olhar para a partitura. É melancolia para fotografar uma foto. Quando você terminar o roteiro, o filme é perfeito. Mas ao fotografá-lo você perde talvez 40 por cento da sua concepção original.

Os filmes de Hitchcock foram amplamente elaborados nos mínimos detalhes. Foi relatado que ele nunca se deu ao trabalho de olhar pelo visor, pois não precisava, embora em fotos publicitárias o mostrassem fazendo isso. Ele também usou isso como desculpa para nunca ter que mudar seus filmes de sua visão inicial. Se um estúdio lhe pedisse para mudar um filme, ele alegaria que já havia sido rodado de uma única maneira e que não havia tomadas alternativas a serem consideradas.

Hitchcock no Mount Rushmore filmando Norte por Noroeste (1959)

Esta visão de Hitchcock como um diretor que confiava mais na pré-produção do que na própria produção foi contestada por Bill Krohn, o correspondente americano da revista de cinema francesa Cahiers du Cinéma, em seu livro Hitchcock no trabalho. Depois de investigar as revisões do roteiro, notas para outro pessoal de produção escritas por ou para Hitchcock e outro material de produção, Krohn observou que o trabalho de Hitchcock frequentemente se desviava de como o roteiro foi escrito ou como o filme foi originalmente concebido. Ele observou que o mito dos storyboards em relação a Hitchcock, frequentemente regurgitado por gerações de comentaristas de seus filmes, foi em grande parte perpetuado pelo próprio Hitchcock ou pelo braço de publicidade dos estúdios. Por exemplo, a célebre sequência de pulverização de plantações de North by Northwest não teve nenhum storyboard. Depois que a cena foi filmada, o departamento de publicidade pediu a Hitchcock para fazer storyboards para promover o filme, e Hitchcock, por sua vez, contratou um artista para combinar as cenas em detalhes.

Mesmo quando os storyboards eram feitos, as cenas filmadas diferiam significativamente deles. A análise de Krohn sobre a produção de clássicos de Hitchcock como Notorious revela que Hitchcock foi flexível o suficiente para mudar a concepção de um filme durante sua produção. Outro exemplo que Krohn observa é o remake americano de The Man Who Knew Too Much, cujo cronograma de filmagens começou sem um roteiro finalizado e, além disso, ultrapassou o cronograma, algo que, como Krohn observa, não era uma ocorrência incomum em muitos dos filmes de Hitchcock, incluindo Strangers on a Train e Topaz. Embora Hitchcock tenha feito muita preparação para todos os seus filmes, ele estava plenamente ciente de que o processo real de produção do filme muitas vezes se desviava dos planos mais bem elaborados e era flexível para se adaptar às mudanças e necessidades de produção, pois seus filmes não eram livre dos aborrecimentos normais enfrentados e das rotinas comuns usadas durante muitas outras produções cinematográficas.

O trabalho de Krohn também lança luz sobre a prática de Hitchcock de geralmente filmar em ordem cronológica, que ele observa enviar muitos filmes acima do orçamento e do cronograma e, mais importante, diferir do procedimento operacional padrão de Hollywood. na era do Studio System. Igualmente importante é a tendência de Hitchcock de filmar cenas alternativas. Isso diferia da cobertura porque os filmes não eram necessariamente filmados de vários ângulos, de modo a dar ao editor opções para moldar o filme como eles escolheram (muitas vezes sob a égide do produtor). Em vez disso, eles representavam a tendência de Hitchcock de dar a si mesmo opções na sala de edição, onde daria conselhos a seus editores depois de ver um corte bruto do trabalho.

De acordo com Krohn, esta e muitas outras informações reveladas por meio de sua pesquisa dos papéis pessoais de Hitchcock, revisões de roteiro e coisas do gênero refutam a noção de Hitchcock como um diretor que sempre estava no controle de seus filmes, cuja visão de seus filmes não mudou durante a produção, o que Krohn observa continua sendo o mito central de longa data de Alfred Hitchcock. Tanto sua meticulosidade quanto sua atenção aos detalhes também foram encontradas em cada pôster de filme de seus filmes. Hitchcock preferia trabalhar com os melhores talentos de sua época - designers de pôsteres de filmes como Bill Gold e Saul Bass - que produziriam pôsteres que representassem com precisão seus filmes.

Legado

Prêmios e homenagens

Uma das estrelas de Hitchcock no Hollywood Walk of Fame

Hitchcock foi introduzido na Calçada da Fama de Hollywood em 8 de fevereiro de 1960 com duas estrelas: uma para a televisão e uma segunda para seus filmes. Em 1978, John Russell Taylor o descreveu como "a pessoa mais universalmente reconhecida no mundo" e "um inglês direto de classe média que por acaso era um gênio artístico". Em 2002, o MovieMaker o nomeou o diretor mais influente de todos os tempos, e um dos críticos do The Daily Telegraph de 2007; enquete classificou-o como o maior diretor da Grã-Bretanha. David Gritten, crítico de cinema do jornal, escreveu: “Inquestionavelmente o maior cineasta a emergir dessas ilhas, Hitchcock fez mais do que qualquer diretor para moldar o cinema moderno, que seria totalmente diferente sem ele. Seu talento era para a narrativa, retendo cruelmente informações cruciais (de seus personagens e de nós) e envolvendo as emoções do público como ninguém." Em 1992, o Sight & Sound Critics' A pesquisa classificou Hitchcock em 4º lugar em sua lista dos "10 melhores diretores" de todos os tempos. Em 2002, Hitchcock ficou em 2º lugar na classificação da crítica. votação dos dez primeiros e 5º na classificação dos diretores. pesquisa dos dez primeiros na lista dos Os Maiores Diretores de Todos os Tempos compilada pela revista Sight & Som revista. Hitchcock foi eleito o "maior diretor do século 20" em uma pesquisa realizada pela revista de cinema japonesa kinema Junpo. Em 1996, a Entertainment Weekly classificou Hitchcock em primeiro lugar na lista dos "50 Maiores Diretores" lista. Hitchcock foi classificado em segundo lugar na lista dos "Top 40 Maiores Diretores de Todos os Tempos" da revista Empire. lista em 2005. Em 2007, a revista Total Film classificou Hitchcock em primeiro lugar em sua lista de "100 Maiores Diretores de Cinema de Todos os tempos" lista.

Uma placa azul do Patrimônio Inglês onde Hitchcock viveu em 153 Cromwell Road, Kensington, Londres.

Ele ganhou dois Globos de Ouro, oito Laurel Awards e cinco prêmios pelo conjunto de sua obra, incluindo o primeiro BAFTA Academy Fellowship Award e, em 1979, um AFI Life Achievement Award. Ele foi indicado cinco vezes ao Oscar de Melhor Diretor. Rebecca, indicada a 11 Oscars, ganhou o Oscar de Melhor Filme de 1940; outro filme de Hitchcock, Foreign Correspondent, também foi indicado naquele ano. Em 2021, nove de seus filmes foram selecionados para preservação pelo US National Film Registry: Rebecca (1940; introduzido em 2018), Shadow of a Doubt (1943; introduzido em 1991 ), Notorious (1946; introduzido em 2006), Strangers on a Train (1951; introduzido em 2021), Rear Window (1954; introduzido em 1997) , Vertigo (1958; introduzido em 1989), North by Northwest (1959; introduzido em 1995), Psycho (1960; introduzido em 1992) e The Birds (1963; introduzido em 2016).

Em 2012, Hitchcock foi selecionado pelo artista Sir Peter Blake, autor dos Beatles'; Sgt. Capa do álbum Pepper's Lonely Hearts Club Band, para aparecer em uma nova versão da capa, junto com outras figuras culturais britânicas, e ele apareceu naquele ano em uma série da BBC Radio 4, The Novos elisabetanos, como alguém "cujas ações durante o reinado de Elizabeth II tiveram um impacto significativo na vida dessas ilhas e dada a idade de seu caráter". Em junho de 2013, nove versões restauradas dos primeiros filmes mudos de Hitchcock, incluindo The Pleasure Garden (1925), foram exibidas no Harvey Theatre da Brooklyn Academy of Music; conhecido como "The Hitchcock 9", o tributo itinerante foi organizado pelo British Film Institute.

Arquivos

A coleção Alfred Hitchcock está guardada no Academy Film Archive em Hollywood, Califórnia. Inclui filmes caseiros, filmes de 16 mm filmados no set de Blackmail (1929) e Frenzy (1972) e as primeiras imagens coloridas conhecidas de Hitchcock. O Academy Film Archive preservou muitos de seus filmes caseiros. Os Documentos de Alfred Hitchcock estão alojados na Biblioteca Margaret Herrick da Academia. As coleções de David O. Selznick e Ernest Lehman armazenadas no Harry Ransom Humanities Research Center em Austin, Texas, contêm material relacionado ao trabalho de Hitchcock na produção de The Paradine Case, Rebecca, Spellbound, North by Northwest e Family Plot.

Retratos de Hitchcock

• Anthony Hopkins em Hitchcock (2012)
• Toby Jones em A menina (2012)
• Roger Ashton-Griffiths in Graça de Mônaco (2014)
• EpicLLOYD na série de comédia do YouTube Epic Rap Battles of History (2014)

Filmografia

Filmes

Filmes mudos

Filmes sonoros

Notas e fontes

Notas